提高大提琴演奏水平

提高大提琴演奏水平（共7篇）

提高大提琴演奏水平 篇1

摘要：大提琴是富于歌唱性的乐器, 也是交响乐队中最常见的乐器之一。本文从基本功、学习作品的项目、过程、标准与评价五个方面对提高大提琴的演奏水平提出了建议。

关键词：大提琴,演奏水平,提高

大提琴是富于歌唱性的乐器，它以热烈而丰富的音色著称，是交响乐队中最常见的乐器之一，适合扮演各种角色：有时加入低音阵营，在低声部发出沉重的叹息;有时则以中间两根弦起到节奏中坚的作用。大提琴最为辉煌的时刻，要数作曲家赋予其表现如歌旋律的使命。整个大提琴组奏出的美妙的旋律，足以令交响乐队中的任何其他乐器都相形见绌。因此，提高大提琴演奏水平是每位大提琴演奏者终身的必修课。我学习大提琴演奏多年，结合自己的经验与思索，认为要从基本功、学习作品的项目、过程、标准与评价五个方面来提高大提琴的演奏水平。

一、基本功五方面

大提琴的基本功包含了丰富的内容，只有通过严格的训练，持之以恒的练习，才能熟练掌握乐器，达到演奏自如的目的。要在以下五个方面下功夫。

（一）持琴。

如何持琴这个问题看起来虽然单间浅易，但是要学好大提琴演奏，这是不可忽视的最基本、最重要的问题。正如世界著名大提琴家演奏家、教育家扎拉·内尔索娃在回答记者关于演奏基本功的看法时所说：“恐怕最基本的是持琴本身。”因此，持琴一定要做到舒适、美观、稳定、自如。掌握了正确的持琴姿势，才能逐步体会到以正确运用手臂的自然重量和正确的方法来发音，才能为今后高难度、高技巧演奏打下良好而又扎实的基础。

（二）持弓。

既要放松，又要有力。松松垮垮固然不行，过于紧张也不可取。因此持弓的质量，直接影响力的运行和弦的震动。右臂的运动是一个完整的系统，我们需要的是灵活地、有弹性地使弓子“活”起来。持弓要做到：拿得住、拉得开、用得上、跳得匀。

（三）运弓。

运弓是弓毛与弦摩擦产生的空气振动而形成不同的声音。弓子对于弦来说一是摩擦，二是力量。正确的运弓动作应是有环节的：大臂以肩关节为轴，向外作轻微的旋动，小臂在大臂的支配下，带动手腕向右作匀速运动，也就是右手手臂是一个整体，力通过肩、肘、腕和手传到弓子上，再利用弓子到达弦上。右手运弓如何，决定着演奏的音质、音色、强弱、顿挫、音与音的衔接和乐曲的流畅程度。因此，运弓要做到：放得平、走得直、变化大、弓法全。

（四）运指。

运指就是要体现手指的灵活和力的转换。比如，拉长弓：在弓根时，手指垂直，小指和拇指较弯曲，食指较直，在运弓过程中，随着手臂各关节的伸展，拇指、小指与无名指亦逐渐伸展，而食指则逐步弯曲，注意“力”的转换。至弓尖时拇指往上托，整个手略朝琴身方向倾斜，肘勿直，腕勿太凹，整个手臂没有死角。从弓尖至弓根时，以手带动，肩勿用力，手指逐步还原位。运指要做到：拉得准、跑得快、站得稳、揉得美。

（五）揉弦。

揉弦作为大提琴演奏艺术中不可或缺的技巧，是为了表现音乐的内涵，一首曲子即使有再高的技巧，也需要有感情的修饰。大提琴是感情丰富的乐器，可以最直接地表现内心的情感。因为你内心的触动和个性、感受都可以最直观地通过揉弦表现出来，使音乐更具有表现力，更富有歌唱性，哪怕只是一个小小的动作。揉弦要做到：顺弦揉、关节顺、有音波、能调控。

二、学作品五项目

音乐是人类的朋友。在音乐这个浩瀚的海洋里，音乐是凭借其丰富的内涵、变化莫测的想象、广阔无垠的音乐语言来表达喜怒哀乐，借助人们的听觉，走入人们的内心世界。因此，学习作品要把握好“五性”。

（一）音的准确性。

一个学习大提琴的人，从他开始学琴起，在十几年以至几十年的演奏生涯中，都会遇到“音准”这个难题。也就是说，一个人只要在拉琴，就要不停地纠正不准的音，使每个音尽可能做到很准，尽可能做到符合音响学原理的振动频率。音准是衡量一个人演奏技术水平的重要标准之一，只要我们经过长期努力，严格地练习，就一定能够达到理想的标准。

（二）调的表现性。

要熟练掌握24个大小调音阶所表现的意境。比如西洋小调表现出大提琴的婉转酸楚，缓慢流逝的，是哀而不伤的情绪。而这起伏不定，往复流转的旋律，直指心房。感动、流泪，是因为这美。如此盛大而深沉、忧郁，平静中凄楚。西洋大调则表现出光明、欢快、蓬勃向上的激扬情绪，它的旋律犹如黎明前的曙光，仿佛看到辉煌的时刻，胜利喜悦的时刻。民族调则反映出它的旋律有中国民族的风格和气息，可以感受到中国民族文化音乐的博大精深，等等。这24个大小调音阶都要在大提琴演奏中把握好，恰如其分地展现作品的情感和思想。

（三）曲的完整性。

就是在大提琴演奏中表现出一种轻松、流畅、舒适的感觉，宛如行云流水。要达到这样的境界，平时要加强练琴。练琴是一项艰苦、严格的艺术劳动。练琴主要就是练曲，可以这么说，演奏得好，主要是练琴练得好，把整个作品完整、通畅地表现出来。

（四）法的科学性。

就是要掌握先进的、科学的演奏方法。演奏的一切动作要符合生理上一些自然规律，要充分运用人体活动的自然规律，因势利导，当演奏技巧要求改变一些自然状态时，要采取特别慎重的方法对待。实践证明，在进行演奏技巧的训练时，如注意到合乎自然规律时就效率高，收效快，事半功倍，能达到预期的目的。

（五）象的立体性。

就是要充分展现音乐形象的多重美感。音乐形象有三种存在状态：客观的声象和主观的听象、视象。声象是音乐艺术的本源形象，由它派生出主观反映的听象、视象。因此，要把主客观相统一，全方位、完美地展现作品外在的风貌和深刻的内涵。

三、练作品五过程

弦乐演奏是对器乐作品全部或一部分内容解读、表现和再创作的综合过程。演奏者重现某一作品的内容时，不仅要运用娴熟的技巧，而且要运用感情和逻辑的力量，让听者感受到作品中蕴含的激情和理性。因此，在练习作品时，要在以下五个方面下功夫。

（一）读通谱。

在拉一个新作品时，第一印象非常重要，不要急于把作品拉下来，要认真仔细地对待视谱，不能急于求成，要慢、要细心。拿到谱子首先要注意的是谱号：是高音谱号?低音谱号?还是次中音谱号?包括在谱中的变化;其次是调号：有几个升降号?升什么音?降什么音?最后要注意拍号：是2/4, 3/4，还是4/4?到什么地方开始转换节奏?这些问题清楚了，才开始视奏。

（二）拉顺调。

就是要追求一种轻松、流畅、省力、舒适的平衡感觉。

（三）背熟曲。

认真细致的视谱，已经为背谱打下良好的基础。随着不断练习，背谱就越来越容易了。要主动背谱、早背谱，这样就能从约束中解脱出来，把注意力放在两手练习上，放在音乐表现上，提高效率。

（四）出光彩。

音乐艺术的特点是一门要求非常严格、精致的艺术，尤其在演奏方面表现得非常明显，就是在音色表现上甜美生动、有光彩，声音富于变化和表现力。

（五）上演奏。

大提琴的演奏应当是情感、理性和技巧的统一。在演奏中就是要发出纯净、自然、柔和而饱满的声音，使音乐感人肺腑。

四、成作品五标准

大提琴作品的完美表现，需要具备诸多因素和技巧。对于大提琴演奏者来说，不仅要勤学苦练，持之以恒地练，而且要用脑、用心地学，如此才能展现大提琴那特有的浓厚、丰满、如歌般的美妙声音。

（一）技术成熟。

声音是音乐的灵魂，是情感的写照，在演奏中只有全身心地下意识地投入到音乐当中，才能使音乐完美，而完美的音乐必须经过无数次有意识、有控制地动作练习，才能在技术达到炉火纯青的境界。

（二）艺术上乘。

音乐表现的深度和完美程度是无止境的，因此，要对每一句、每一个音都要进行反复的“精雕细琢”，对所演奏的每个音的音质、音色和音准都要高度负责。

（三）情感动人。

演奏大提琴作品，就是要把作品内在情感从演奏者的体验中发掘出来，使作品的灵魂从演奏者心中迸发，流进欣赏者的心田，带给欣赏者美的享受和深刻的人生启迪。

（四）力度充沛。

在演奏中力度的使用是千变万化的，作品演奏要给人以“有核有肉”、丰满结实，具有“颗粒性”、“穿透力”的感觉。

（五）美感达人。

音乐作为一种时间艺术，一首乐曲往往要在几分钟内完整地表现出来，这必须通过演奏者的再创造，才能完美地表现作品的思想、意境和形象以达到感染听众，给予欣赏者美沦美涣的艺术享受。

五、评作品五层次

大提琴作品可分为：成品、精品、圣品、极品、绝品。我们在欣赏大师作品的时候，不受时空、地域和种族的限制，因为音乐无国界。我们不敢奢望能够欣赏旷世绝品，因为我们的音乐素养可能还没达到那种境界、那种水平，但是，通过不断努力学习，提高自身的艺术修养，一定能够欣赏到流传于世的精品、圣品乃至极品之作，一定能够感受到音乐的“说话”，也一定能够听得懂大提琴家“诉说”自己心灵的感受。

世上的绝品是用生命在演奏。据说匈牙利大提琴家史塔克有次乘车，听见广播里正播放大提琴曲，便问旁人是谁演奏的。旁人说是杜普蕾。史塔克说：“这是用生命来演奏啊，这样可能活不长。”好厉害的史塔克，真是一语成谶。也许只有顶尖的艺术家才能理解顶尖同行的水准，史塔克听得出，杜普蕾是用生命在演奏，为了琴艺的完美，可以不惜一切。杜普蕾一直是许多古典音乐乐迷心中的一个叹息，是永远无法复制的，可惜天妒英才。幸运的是她已经为我们留下许多，足够我们纪念感怀了。

音乐是声音的艺术、时间的艺术、听觉的艺术、表演的艺术。让我们热爱音乐，追求完美。

参考文献

[1]刘欣欣.中国大提琴艺术发展史[M].上海音乐学院出版社, 2009.

提高大提琴演奏水平 篇2

活动目标:

1、知道《天鹅之死》是圣桑写的；感知大提琴演奏发出的浑厚的声音。

2、通过音乐感知生命的意义，教育儿童热爱生命。

3、鼓励幼儿大胆运用肢体语言表现音乐。

4、感受音乐的欢快热烈的情绪。

5、能唱准曲调，吐字清晰，并能大胆的在集体面前演唱。

活动由来及设计的思路：

孩子喜欢各种动物，他们总是把动物作为活动的主角，动物的各种声音为他们带来全新的感受，走进动物的世界去聆听，会使人感到与大自然的距离变得越来越小。本班结合音乐教研，设计了主题活动轨迹：声音知多少？（一）生活与声音（二）动物与声音（三）美丽的乐音。

环境布置：

1、主题轨迹

2、天鹅组图

活动准备：

《动物狂欢节》中《天鹅》的音乐

活动重点难点：

1、感受大提琴的声音特质；

2、知道天鹅是美丽的、圣洁的以及对生命的追求和向往。

3、理解《天鹅之死》的音乐；

4、根据自己对音乐的理解，随音乐自编动作，从而大胆表现音乐。

活动过程：

师：小朋友，今天我们欣赏一支大提琴演奏的曲子，叫做《天鹅之死》之，是“的”的意思．就是说天鹅的死亡．当大、中班的幼儿听到老师说天鹅之死时，几乎同时发出“啊!?”，言外之意：天鹅死了？天鹅怎么死的？音乐还有表现死亡的？

分析与措施:他们压根就没想大、小提琴的区别是什么？它们有什么不同?而小班的幼儿依然是上音乐课时的高高兴兴的快乐样子。老师让幼儿大胆发言。

老师播放幻灯片．片一：在宁静皎洁的月色下，一只白天鹅忧伤地抖动着翅膀，在湖面上徘徊，（大提琴奏出抑郁的旋律）白天鹅被猎人打伤了，伤的很厉害，将要离开这个世界．片二：但她渴望重新振动翅膀飞向天边。

片三：她轻轻地抖动翅膀，艰难地站立起来，一次又一次地尝试着飞起来，离开湖面。她渴望活下来，生命在呼唤着，她奋力与死神拼搏．片四：她终于奇迹般地展翅旋转飞翔起来了，生命的光辉重新闪现。

片五：但由于她的伤实在是太严重了，白天鹅慢慢地、缓缓地弯屈身体，倒在地上，渐渐地合上双眼，她浑身发出一阵阵颤栗，似闪电扫过她全身。

片六：最后，她在颤抖中竭尽全力抬起一只翅膀，遥遥指向天边，她多想活下去。然而，死神降临她身上，她慢慢地闭上双眼，默默死去了。

老师边放幻灯片边讲述着天鹅的故事，全班安静极了，鸦雀无声．孩子们瞪大眼睛，认真地看着，认真地听着．小班的幼儿也渐渐的不笑了．当幻灯片放完，全班一片静寂．几秒钟之后，突然，华锎小朋友（大班）站起来大声说：“那个猎人太坏了，一定要让警察把他给抓起来．”焦宇洋小朋友（中班）也表情严肃的说：“我妈说天鹅是高贵的，是国家保护动物．”分析与措施：现在的孩子知识面很宽，天性又很善良。老师表扬了他们。

（三）师：这段音乐是音乐家圣桑写的，演奏乐器是大提琴，大家感受一下大提琴发出的声音．（反复播放前８小节）师：你觉得大提琴发出的声音是什么样的？

（四）请幼儿欣赏芭蕾舞《天鹅之死》，同时老师朗诵幻灯片的解说词。

（五）请小朋友随天鹅之死的音乐，把美丽的天鹅、受伤的天鹅、渴望活下去的天鹅表演出来。

（六）请陈老师（业务院长）表演《天鹅之死》，同时老师第三次讲天鹅的故事。

（七）师：请小朋友们像陈老师那样，勇敢的大胆的随着音乐，表演《天鹅之死》

小朋友认真看着陈老师的表演，听着天鹅之死的故事。

分析：他们通过感官的看和听，进一步加深了对天鹅之死的音乐的理解。

措施：当陈老师随音乐舞蹈起来，同时用眼神、手势，示意幼儿舞动起来时，几乎所有的幼儿都离开了自己的座位，在音乐的伴奏下开始了天鹅之死的表演．孙家雯（中班）把两臂高高身举起，表示天鹅想飞．模仿是幼儿的天性。老师用眼神对表演的幼儿给予赞美。

（八）师：小朋友，我们应该怎样对待动物？

大班的哥哥王润盟说：“动物是我们人类的朋友，我们应该保护它们”．老师问：“哥哥说的对不对呀？”弟弟妹妹一起说：“对！”分析与措施：大班的幼儿已经具备基本的辨别是非的能力。老师继续引导幼儿爱护大自然。

变化与延伸:

（1）制做《天鹅湖》图画（2）剪纸――天鹅（3）涂色――月夜天鹅湖准备：

（1）兰色电光纸或瓦棱纸（2）兰色皱纹纸若干（3）白棉花一包（做天鹅用）（4）黄电光纸（5）胶水（6）红水彩笔（7）黑水彩笔

教学反思：

音乐欣赏是幼儿园音乐教育中比较困难的研究课题.我想，一节好的音乐课应该涉及到情感、智力、个性及社会性(包括责任感)等幼儿心理发展的全部领域。而幼儿只能更多地依靠外部可见的音乐操作活动来感知、欣赏音乐，特别是跟随音乐做动作的方式，更是幼小儿童感知、理解音乐的最自然、最重要的方式。这同时也是这节课的难点。为了使教学更加生动、形象、直观，我利用多媒体课件，收集各种直观的教学资料，投放多种材料进行教学.针对教育对象的现有状况及发展需要提出目标，避免过高、过全;过低、过偏。具体内容、程序和方法都围绕目标提出，使活动朝既定目标的方向发展。

大提琴演奏艺术概论探讨 篇3

关键词：大提琴发展;音色;演奏;地位

中图分类号：J622.3 文献标识码：A 文章编号：1671-864X（2015）01-0120-02

一、大提琴的发展

大提琴是一种西洋弦乐器，他的起源至是哪里今还未确定，但是主流的说法是大提琴是由维奥尔琴演变而来的。据相关资料显示，大提琴在15至16世纪期间就在欧洲国家风靡起来。大提琴是提亲中的一种，隶属于弓弦乐器。谈及到它的起源，如果单从体积上来分析，小提琴、中音提琴、大提琴、倍低音提琴，都有可能是由古代维奥拉演变而成。维奥拉是是一种六弦提亲，兴起于15世纪，消失于18世纪。从形状上来对比，维奥拉相比于大提琴要平一些;从音量上对比，维奥拉声音甜美醇厚，但音量相比大提前要小。

大提琴属于大型乐器，所以他不可能向小提琴和中提琴一样放在肩膀上演奏。大提琴的演奏时放在地上靠在肩上的。并且由于琴身的弧度比较大，弦与弦的距离较远，所以无法快速转移到其他音阶处，只能用左手按弦来调节音，但这使得它可以发出其他提亲发不出的音色。

最早的大提琴具有柔和浑厚的音色，给人一种朦胧的感觉。到了17世纪，由于广场演奏对音量的要求要增大，所以便需要对大提琴加以改善，经过一段时间的研究和整改，便产生了如今的大提琴。改良后的大提琴在音色上更具有张力，在体积上也适合合奏。随后，以巴哈为首的作曲家，创造出了很多用大提琴演奏的名曲，使得大提琴在18世纪非常受人们的青睐，在同类型乐器中成为主流。此后，大提琴的出现在越来越多的演出目录中，成为担任独奏最多的乐器。

二、大提琴音色特点

大提琴共有4根琴弦，每一根琴弦都有不同的音色。A弦，大提琴的第一弦，它具有明亮的音色，给人一种热情广阔的的感觉。它能发出类似于男高音的音色，真挚、激奋，表现力十足，能够将动人心弦的音乐表现的淋漓尽致; D 弦，大提琴的第二弦，它的音色相对柔和温馨，所以更适合于婉转忧伤的旋律;G 弦，大提琴的第三弦，相比于第二弦，它的音色更深沉浑厚些，适合于中低音区旋律的演奏; C 弦，大提琴的第四弦，有些类似于男低音的音色，深沉凝重，能够将神秘或者富有戏剧性的旋律演奏的惟妙惟肖。

大提琴的音色十分丰富，可以优美，可以沉重又可以悲凉。它与小提琴虽然都是提琴家族重的一员，但在表达的效果上却大相径庭。它没有小提琴的张扬外向，有的是稳重坚韧。也正是這种音色的醇厚，让它像似一颗珍珠，总会在不经意间夺走人的眼目。他拥有委婉蜿蜒的音色，凄美动人的声音，苍凉如雪的旋律，他就像是一位来自远方的绅士，将他的神秘故事深情款款地向你娓娓道来。大提琴的倾述就是这么的自然，好像繁华喧嚣与它无关。它的音色好比潺潺流水，时而欢快，时而凝重汹涌，脱俗却不失典雅，高贵却不失亲和，它的音色之美真的很难用语言去完美诠释，只有当你的耳朵触碰到它时，你才能真正感受到它的魅力。

三、大提琴的演奏

如果一件乐器离开了演奏，那便等于它失去了生命和核心。大提琴亦是如此，大提琴的演奏艺术赐予了他本身鲜活生动的生命力。总的来说大提琴的演奏有以下几大要素：

（一）记谱。记谱是大提琴演奏中重要的一部分。演奏中谱表的记录都是按照实际音高来标记的，这其中主要有高音、次中音、低音等。低音谱号是大提琴树妖采用的记谱方式，高音区可以用中音谱号或高音谱号记谱。

（二）指法。由于在体积上大提琴与小提琴有很大差别，所以在指法上也有所不同。在大提琴指法中，不仅有左手的2、3、4、5这四个指法，还需要用到拇指（用q符号表示）。拇指有其特殊的把位，就是第六把位以上的高把位。此外，在演奏八度音程时，拇指还会用于低音把位。除了以上的不同之处，在指法上大提琴还有一些独特之处：在大提琴演奏中，指间之间的关系都是小二度，拇指到四指之间又是一个小三度音程，因此在大二度音程演奏时中间必须要隔一个手指。大提琴的弦长越接近高把位越短，因此指间距离也越来越短。

（三）和弦。在和弦上大提琴与小提琴没有太大差别，基本相同。大提琴在演奏中可以发出三音和弦、四音和弦，还可以同时发出三个或四个音。大提琴的和弦演奏和双音演奏基本要领大致相同，但是由于大提琴在体积上有些偏大，所以在运弓上要复杂一些。例如在演奏三音和弦时，可以有两种方法进行演奏。一是可以同时拉动三个弦，定好弓位，运弓时加大弓压便可以三根弦同时发音。二是可以先奏两根低音弦，发音后迅速转为高音弦，而当中那根线在于高音弦同时发一次音，二者相比之下，后者较为常用。

（四）泛音。泛音是弦乐器中具有独特风格的演奏方式，具有优美细腻的音色，就好像笛声一般，清脆高亮。泛音主要分为两种，一种是自然泛音，另一种是人工泛音。泛音可以帮助初学者校音和定弦，同时它还可以帮助初学者解决对五度音和八度音不敏感的问题。

四、大提琴的地位

在管弦乐队中，大提琴是必不可少的次中音或低音弦乐器。它能够把旋律性很强的乐句完美的表现出来，还可以在和声的低音声部与低音提琴共同配合完成演奏。因此，现如今大提琴已经成为音乐家非常钟爱的一种独奏乐器。

作为低音乐器中重要的组成部分，大提琴在在西洋音乐中是占有非常重要的艺术地位的。它可以独奏，可以协奏，是交响乐队中不可或缺的一种乐器。其在音色上的特点，使得它能够适应各种风格的演奏，尤其是在中音部分的演奏中最为人们所喜爱。

五、结语

经过多年的传承和发展，如今的大提琴已然是中低音乐器的代表乐器。它那沉重、委婉的音色具有其他乐器没有的魅力和美妙，我想当时光在大提琴的琴音中悄悄流逝时，我们所能感受到的它的美，是永恒的，经久不衰的。

参考文献：

[1]严莉.大提琴演奏技巧探析[J].大众文艺，2014， （4）：138-138.

[2]孙少平. 大提琴演奏艺术概论[J].戏剧之家，2014，（14）.

作者简介：

张百童，女（1992-5-19），汉族，河北省邯郸市，大四学生，本科，音乐表演（大提琴方向）。

浅谈如何提高小提琴的教学水平 篇4

一、小提琴的教学现状

要发展中国的小提琴事业, 最要紧的就是必须培养出优秀的学生, 让小提琴事业后继有人。作为一名小提琴教师, 要在平凡中追求崇高, 在平凡中坚守信念, 在平凡中实现理想, 为祖国不断培养出具有国际水准的、拔尖的小提琴演奏和小提琴教学人才, 让一个又一个“中国制造”的小提琴人才在世界舞台上闪亮, 在国际权威的比赛中获得奖项, 成为才华横溢的音乐人才。

但是目前, 对于小提琴教学现状, 笔者很是担忧。因为现在的小提琴教学充满了“拼凑、剽窃和道听途说”。所谓拼凑, 就是把各种唱片里好的演奏家的思想、方法和审美的情趣择出来一些集合在一起作为自己的演奏;所谓道听途说, 就是别人怎么说自己就怎么演奏, 老师怎么说就怎么做。像“练习曲”“C大调奏鸣曲”这样的无标题音乐, 具有抽象性, 这种音乐学生可以没有思考没有认知, 只要参考别人好的思想和演奏方法拿来呈献给大家就可以了。因为听众的欣赏水平是有限的, 很容易蒙混过关。这种教学手段有一个很大的弊端, 即短时间内可能有很好的效益, 但是从长远来看, 不会培养出真正的艺术大师。

中国的小提琴演奏教学经常借鉴西方的一些方法, 但是中国现在的小提琴演奏之所以被很多人诟病, 究其原因, 是因为我们只是简单地拿来, 而那些教学方式在中国本土却遭遇了水土不服。但那些音乐教育之所以在西方行得通, 是其特有的文化背景所致, 这就是为什么在教育文化理念的时候, 即使这些理念是支离破碎的, 他们自然也能像串珠子一样能够串成一个面。但是在中国则行不同, 即使能串成一个面, 也是一个变了形的面, 这和我们的文化认知有关, 我们不能得到西方音乐的第一手资料, 对西方音乐的理解也是有缺失的, 所以我们在进行音乐教育时应该充分结合本土情况进行。

二、教师要对学生严格要求

在具体的教学中, 教师对学生要严格要求, 比如“拉”, 要求学生的“拉”要做到“零错误”, 让学生具备扎实的基本功;“听”, 听是为拉而听, 只有听懂了音乐, 才能领悟到音乐的真谛, 才能实现艺术上的长进;“爱”, 音乐艺术需要爱, 只有爱音乐才能更好地表现音乐;“启发”, 把同一首曲子的不同演奏版本录下来, 再用摄像机拍下学生的演奏, 让他们进行比较, 从而启发学生体会高境界的演奏。教师要把先进的教学理念、教学方法、演奏技法、音乐表现力及学生心理素质的培养等, 非常和谐地融合在自已的教学实践中, 逐步建立起一套符合小提琴教学规律的、具有中国特色的教学方法、教学体系、曲目体系。

三、教师要不断优化教学方法提高自身专业素养

音乐是人生最大的快乐, 是生活中的一股清流, 音乐是陶冶性情的熔炉。在小提琴教学中, 教师要让学生感受到音乐的快乐。众所周知学习小提琴是一个单调、艰苦甚至枯燥乏味的漫长过程, 教师要在坚守中保持快乐, 不断优化教学方法, 使其成为支撑学生在艺术道路上不懈追求的一股强大的精神动力。而音乐带来的诸多裨益, 则能让学琴者享用终身。多元化的教学的理念可谓颠覆了传统教学模式, 是掘拓音乐范围, 引领立体运行的技术, 即先宏观, 后微观, 大处着手, 小处着想。

随着国际之间学术交流的开放, 很多学校会不定期地请进许多国际知名小提琴家来校讲学, 不论年龄、不论国籍、不论各自的演奏特点, 教师都应该抽出时间去听课, 抓住一切可以学习的机会用心学习, 不断在教学实践中总结经验和方法, 探求新的知识, 潜心研究并把握小提琴演奏技巧的规律、作品风格的规律, 然后在教学过程中教授学生掌握这些规律, 形成科学的教学方法。

小提琴教师要把提琴演奏的教育事业当作自己的终生事业, 当作一项神圣的使命, 要具备高尚的师品, 即优良的作风和崇高的品质。“其身正, 不令而行”, 教师在教学中让学生学到的不仅是琴艺, 更是为人处世的道理。教师在教学上对学生严格要求, 生活上也要体贴入微, 注重与学生思想上的交流, 鼓励学生努力提高文化素养, 教导学生树立正确的世界观、人生观、价值观。教授小提琴不是简单的教授学生技巧, 琴艺是道德、修养、爱心、激情的融合。只有塑造好学生的精神底子, 才能为学生的未来提供无限丰富的可能性, 让学生收获真正的能力和品格。

四、注重小提琴演奏的二度创作

在小提琴教学中教师应践行二度创作, 让演奏者找到音乐技术背后的情感动机。随着国内音乐教育水平的提升, 小提琴的演奏标准也在不停地被矫正, 那就是越来越重视音乐性、思想性和对音乐的独特贡献。所谓的独特贡献指的是二度创作, 其不是简单地把音符照本宣科地演奏出来, 而是要求学生要有自己独特的视角, 用自己的语言来讲话。如何在教学中践行二度创作, 比如一首作品原是抒情浪漫的, 我们可以设计出六种表情, 比如说忐忑不安、崇高庄严、悲喜交加或伤感沉重等, 来让学生通过自己的手段把不同的情感表现出来”。当今小提琴界的很多演奏者根本不了解技术背后的动机是什么, 任何事物都有动机, 若不了解音乐技术背后的动机, 那么演奏者就不会明白什么样的技术表达什么样的情感, 也就把握不了作品的魂。

总而言之, 要提高小提琴的教学水平, 教师必须要充分了解学生的个性特点和学习状况, 采取相应的教学策略, 让学生快乐学习, 营造良好的学习环境, 将教学重点放在培养学生综合素质及音乐素养上来, 不断促进小提琴演奏艺术的发展。

摘要：随着音乐教育的不断发展, 小提琴教学在我国取得了很大的进展。但是在当前的小提琴教学中, 还存在着很多问题令笔者及广大小提琴教育者担忧, 为此我们应着手探究小提琴教学思想和方法, 建立适合我国学生的小提琴教学体系。笔者对此进行了粗浅探讨, 希望起到抛砖引玉的效果。

关键词：小提琴,教学,教法,研究

参考文献

[1]汪鹭, 李晶.高校音乐专业小提琴教学改革探索[J].上饶师范学院学报, 2008 (28) .

[2]谭抒真.小提琴教学的九个问题[J].音乐艺术, 1982 (03) .

[3]杨宝智.漫谈林耀基的小提琴教学[J].中央音乐学院学报, 1987 (02) .

[4]岳军, 商李.高师音乐专业小提琴教学现状及其对策研究[J].艺术探索, 2008 (22) .

[5]麻西水.小提琴教学中音准综合能力的培养[J].交响-西安音乐学院学报, 2002 (21) .

提高大提琴演奏水平 篇5

1、对故事感兴趣，能理解故事内容。

2、能体会故事中主要角色的情感变化，知道快乐是要靠自己去寻找。(重难点)

教具准备

兔子伤心、高兴表情、青蛙、鸭子、小八哥的图片各一张、故事录音。

活动过程

一、引入活动

1.小朋友们，今天你们觉得快乐吗?什么让你觉得快乐?(请个别幼儿发言)

2.出示伤心的巴耳兔图片，请幼儿观察，它快乐吗?从哪里看出来的.?引出故事《巴耳兔找快乐》

二、引导幼儿欣赏故事，理解故事内容

1.师生动地、有表情的讲故事的前半段，要求幼儿听后说出故事中的主要角色。幼儿边听边思考：a.哪些人帮助了他?给他出了什么主意呢?b.巴耳兔的眼睛颜色有几次变化?怎样变化的呢?

请幼儿大胆发表发言。(师根据幼儿的回答，在黑板上贴图)

2.用悬念牵引幼儿听故事后半段。(后来，他又怎么做的呢?让我们继续听故事)

幼儿听后，提出问题：他找到快乐了吗?是怎样找到的呢?

请幼儿自由的发言。

师：快乐需要自己去寻找。

3.根据幼儿对故事的掌握情况，结合操作图片，分段复述故事。

鼓励幼儿大胆表现角色对话，幼儿集体扮演唐老鸭、小青蛙、小八哥，以游戏口吻练习对话。

4.请幼儿自由结伴上台表演故事中的角色对话。师加以指导。

三、结束活动

小朋友们，你们想知道老师今天快乐吗?我今天很快乐，因为你们表现得都很不错，后面的家长们快乐吗?让我们赶紧去问一问他们吧!

教学反思：

小提琴演奏中颤音的演奏技巧 篇6

小提琴演奏颤音演奏技巧在小提琴演奏技术的发展中，作曲家和演奏家们创造了许多左手的演奏技法，其中装饰音的运用在演奏中起着特殊的作用，它不仅极大地丰富了作品的表现力，同时有助于演奏家抒发情感。颤音作为装饰音的一种，在小提琴的演奏曲中运用得最多，它可以根据作品不同内容的要求演奏出不同的情绪和效果，有表现辉煌炫技的，也有表现柔美抒情的，其不同的表现手段则完全在于力度及速度的控制和变化，在小提琴演奏中颤音是邻近两个音（二度音）的交替出现。它的交替出现，是记谱音与该音上方的二度音的反复交替出现形成的。颤音是小提琴演奏者在演奏乐曲或练习曲中常常要遇到的一种左手技巧。一般常常被认为颤音的好坏只关系到颤音技巧的本身。这是不正确、不全面的看法。实践证明，颤音的好坏，不但关系着颤音本身演奏得怎么样，而且也关系到左手各指按弦速度与耐力的培养与发展。

一、颤音在音乐演奏中的作用

1.长颤音。长颤音，是为了使拖长的单音在演奏上避免其表情呆滞、毫无变化、没有生气、不灵活、单调乏味等缺陷的。因此，长颤音的演奏，要求速度上要快，节奏上要很匀整，技术上要毫不间断，效果要保证清晰明确。只有在这样的条件下演奏出来的颤音，才能给人以悦耳动听的感觉。否则，它的演奏将会有缺陷与不足。

2.短颤音。能使间有短颤音的一组音，显得生动活泼，并赋于它们以极其活跃的生命力。演奏许多短颤音的原则，是每个颤音用指打弦的数目要完全相等。颤音有了一定数目以后，不但容易练，而且容易促进左手打弦的松弛。因为短颤音常会因其在短时间内，手指要打弦多次，以致造成左手的紧张或心理上的紧张。规定一定的颤音数目，并由少到多的练，由慢到快地练，可以防止左手肌肉的紧张或心理上的紧张状态的产生。这一点是非常重要的，往往有些演奏者，他们对短颤音没有规定一定的数目，由于时值又短，又要打很多下，于是就错误地认为“打颤音时左手紧一下”，孰不知这样紧一下的结果，会给左手带来紧张的恶习，在偶然的情况下，碰巧左手能用紧一下的方法打快了颤音，但经常多次地这样练习的结果，必然造成左手紧张的习惯，这一紧不得了，对大多数演奏者来说，紧的后果，会使手指经常在遇到短颤音时，只打一下就打不下去了，或是不灵活了，甚至在按颤音以外的其他音时，也紧了起来，以致速度快不上去，或第一下打下去而第二下却打不下去，造成短颤音只打了一下的毛病。

演奏顫音的基本动作，是前一个手指放在弦上，另一个手指以二度距离用上抬、下落的垂直动作打弦而演奏的，决不可以用手指的前扣动作演奏。有人认为，自己天生的颤音快不了，不是的。一种可能是颤音的训练还不够；一种可能是手指的基本动作没做上抬、下落的垂直动作的训练，而任其自流或是使用了前扣的动作，用手指前扣动作做一般技巧的演奏，有人也能快。但是，如果方法正确，当会更快。一般说来，演奏动作用手指前扣动作的演奏者往往颤音打不快，尤以短颤音为甚，这是因为两种动作截然不同。抬指的基本功训练得好的演奏者，颤音的训练就会较为容易达到良好的效果。反之，则难。遇后一种情况时，可用慢练颤音的方法，训练抬指按弦的垂直动作。

3.双弦颤音。双弦颤音是在双弦中的一条弦上演奏颤音。这种颤音的演奏方法及需要注意的事项与上述之单音颤音相同。唯一不同的，是多了一个双弦的声部，由于演奏双弦颤音时，是两个手指按在弦上，一个手指打颤音，所以较之一个手指按弦，一个手指打颤音要难一些。这就要求演奏者的左手各指要有更大的独立活动的能力。例如，莫扎特《G大调第三协奏曲》第一乐章华彩乐段结尾时的演奏，就属于双弦颤音。

4.双重颤音。双重颤音是在两条弦上同时打颤音，这在小提琴演奏中说来，是一种较高深的左手技巧。没有相当高深的双音技巧是无法演奏的。双重颤音有下列几种类型。

（1）三度双重颤音，是用三度双音指法演奏的双重颤音。演奏这种颤音，需要演奏者具有快速地演奏三度双音音阶的技巧。没有过硬的演奏三度双音的技巧，要想演奏这种颤音几乎是不可能的。

（2）八度双重颤音，是用伸指八度指法演奏的双重颤音。演奏这种颤音要求演奏者具有过硬的演奏伸指八度音阶的基础。否则，如果换指八度音阶拉不快，要想演奏此种颤音将是很难做到的。

（3）同度双重颤音，这种颤音极少用到。演奏这种颤音也需要演奏者具有高度的伸指八度技巧为基础。一般说来，手较小的人就演奏不了这种技巧。

（4）六度双重颤音，这种颤音用得更少。演奏这种颤音需要以过硬的、快速演奏三度音阶的技巧为基础。而且手指的独立活动能力要好，演奏时2、4指要与1、3指靠近，左手四个手指做紧缩状而演奏，动作起来有些别扭。

（5）滑指颤音。滑指颤音是在半音级进滑指的同时，打的一种颤音。即一个手指滑行，另一个手指打颤音。它常常是用于从高音向下行滑进的，中国民族弓弦乐器，如二胡、板胡等，常用这种演奏技巧表现马叫、鸟鸣，以及欢快的情绪等。外国的小提琴乐曲中萨拉萨蒂的《哈巴涅拉舞曲》中有滑指颤音的运用。罗马尼亚民间小提琴曲《云雀》中，也有模仿鸟叫的滑指颤音技

二、练习颤音时注意事项

（1）拇指不要紧张。拇指一紧，就会造成左手其他各指的紧张。手指紧张，颤音必然不会打好。

（2）除演奏颤音使用的两个手指以外，其他手指也不可紧张。其他手指跟着用力，也会影响到打颤音的手指，使其跟着紧张起来，以致打不好颤音。

（3）按在弦上不动的手指不要用力压弦。按弦手指的过分用力压弦，必然引起拇指用力捏住琴颈，以致造成整个左手的紧张，这不单影响颤音打不好，而且影响整个左手各种技巧的发展。

（4）手指抬得过高，会使颤音的速度减慢。手指离弦太低，造成落弦无力。这样练的结果，造成颤音的演奏缺乏弹性。

良好的颤音演奏效果，是要靠左右两手密切配合而产生的。颤音富于活力的演奏，是靠左手松弛而富于弹力的轻轻击弦造成的。颤音的清晰程度，主要靠右手运弓的松弛。良好的颤音效果，犹如颗颗珍珠落玉盘似的那样清脆动听。

颤音的音准也要给以足够的重视。有些演奏者在奏颤音时，只注意到颤音中按弦的那个手指的音准，对打颤音的那个手指的音高不予重视，只要求快而不注意其音高，有时甚至越打音越高，尤其是小二度距离的时候就更容易犯这种毛病。其原因乃训练不严格或为打颤音的手指耐久力不够。

克服办法：要慢练，练习时每打弦一下，都要严格倾听其音高，每一下都要分毫不差地一样高低。并用上述颤音教材加强颤音的练习，以提高左手各指单独做较长时间活动的耐力。

改写小提琴演奏史 篇7

伴随着热烈的掌声，音乐家出现在舞台上。因为幼时患过小儿麻痹症，因此他的腿上绑着支架，只得靠双拐走路。看见伊扎克·帕尔曼一步一步走得并不轻松，但脸上却是那么的庄重，大家情不自禁地肃然起敬。他慢慢地坐下，将双拐平放地上，解开腿上的支架，一只脚往前伸，一只脚往后收，随后弯下身拿起小提琴，放在颌下，向指挥示意，开始演奏起来。

可意想不到的事情发生了，帕尔曼刚把前面的几个小节演奏完，小提琴就断了一根弦。琴弦的断裂声像一声清脆的枪响，在整个大厅回荡，台下的听众听得很清楚。按理说，遇上这种麻烦事，音乐会将被迫中断，直至换好琴弦。停下来换一根琴弦，或者去换一把小提琴，都是无可非议的，因为3根琴弦无法演奏出完整的和弦。然而，帕尔曼此时此刻镇定自若，未显露出丝毫的惊慌。他给指挥一个轻松自然的信号，接着演奏又重新开始了，全场无不为之震惊。

乐队从刚才停止的部分开始演奏，前后的衔接如此和谐，如同已经结束了上一曲演奏的自然间歇，该下一曲了。伊扎克·帕尔曼充满激情地演奏着，就好像根本不知道少了一根琴弦一样。听众觉得他3根弦的小提琴里流淌出来的音乐，似乎要比他用4根弦的小提琴演奏出来的音乐更加美妙动听、神圣难忘。

奇特的灵感和潜在的才华源于特殊的激情和非凡的勇气，伊扎克·帕尔曼用胆识和智慧创造了奇迹。音乐会结束时，大厅里静悄悄的。几分钟后，听众们才从如痴如醉的享受中清醒，不约而同地从椅子上站起来，或鼓掌欢呼，或呐喊雀跃，以表达对这位小提琴大师演出成功的热烈祝贺。

帕尔曼微笑着擦着额头上的汗，然后举起琴弓示意大家安静。他没有一丝得意，从容不迫地说：“大家都知道，有时我们的任务就是，无论命运留给我们什么，我们都要使之鸣奏出最美妙的乐曲。”

帕尔曼1945年生于以色列特拉维夫，父母是波兰人。三岁半的时候，开始拉小提琴。可一年以后，他的双腿因小兒麻痹症瘫痪了，后来学着用拐杖帮助走路，恢复情况良好。现在帕尔曼通常用拐杖行走，而在拉小提琴时只能坐着演奏，但这并没有影响他用灵活的双手创造出无以伦比的天音。

没有人知道，疾病在多大的程度上阻碍或是激发了他的音乐天赋。人们只是看到，9岁的帕尔曼已经开始在音乐会上演出。尽管如此，还是有人认为，他在这个竞争激烈、荆棘丛生的行业中开独奏音乐会实在是太难了。然而身体上的残疾并没有阻碍帕尔曼演奏水平的提高。他有一双灵活的大手，可以在提琴上任意飞动，他耳音极好，演奏音色丰富，风格独特，对音乐有着他自己独到的理解。

帕尔曼先在雅法的音乐学院学习，后转到美国朱丽亚特音乐学院，他1963年在卡内基音乐厅完成了他的处子秀，之后开始大规模的巡回演出。帕尔曼录制了大量的唱片，70年代后，他的身影出现在“今夜秀”和“芝麻街”等电视节目中，曾多次在白宫举办的典礼上表演。

上帝用身体的部分残疾，拉紧了某些人命运的“琴弦”，也许就是为让他们奏出更加惊世骇俗的优美“旋律”。刚开始时，他们难免会埋怨甚至诅咒。在一路磕磕碰碰走了过来之后，只有少数人才逐渐明白：失去了什么，也不能失去自己内心的勇气和希望，那才是真正掌握自己命运的“上帝之手”。的确，人不应该因为某种缺陷而自甘卑微。一方面如果不行，可以让另一方面的闪光点来弥补，这是智者之道。如果只是在意自己的缺陷与不足，怀着一颗卑微之心，那么就永远比别人矮一头。