奥尔夫乐器（精选9篇）
奥尔夫乐器 篇1
一、音条乐器的类型及演奏方法
音条乐器共有三种琴制分别为钟琴、木琴以及钢片琴。声部配置方面, 木琴和钢片琴一样, 都有高、中、低音木 (钢) 片琴三种琴型, 但钟琴只有高、中声部两种琴型, 同种琴制自身演奏系统齐全, 可做木琴合奏或钢片琴合奏, 也可混合演奏。音条乐器的发声是通过敲击放在木质琴箱上长短不同的音条而产生乐音的, 音量传播的大小除了和敲击力量有关外, 也和起扩散作用的琴箱大小有直接关系。另外, 每种类型的音条琴所使用的琴锤也不一样。因为木琴的音条是由硬木 (红木、紫颤木等) 材质制作而成, 为了保持木质音色的清脆明亮性, 多使用毛毡头琴锤或者橡胶头琴锤, 有时为了特殊音乐效果也用塑料头琴锤;钢片琴的音条多为金属合金, 为了延续音色的金属属性, 多用毛线琴锤敲击;而钟琴的音条多为硬质的镀镍金属, 为了扩展它音色的色彩性, 更加嘹亮, 多使用木质琴锤。 (图1为音条乐器的类型图)
木琴与钢片琴一般都由13个音条组成, 其高、中、低三种琴的音域分别为高音c2~a3, 中音c1~a2, 低音c~a1。其中, 根据木琴的音色短促、明亮、清脆等特点, 适合演奏速度较快的、密集的节奏音型所组成的旋律声部或伴奏声部, 但是共鸣效果不及钢片琴的优质。而钢片琴的音色持续、有力、共鸣强、有金属延续音, 适合演奏长音、时值较长的旋律声部或伴奏音型。
钟琴也由13个音条组成, 只有高、中音两种琴型, 属于音条乐器中音域最高的金属琴, 其高音c3~a4, 中音c2~a3。钟琴音色透亮、穿透力强, 合奏中音色较为突出, 一般演奏旋律声部或者修饰、美化音型。三种质地的音条乐器表现力各有特点, 音色“刚柔并济”、相互协调、补充, 音域高、中、低声部齐全, 所以不论是音条乐器的器乐合奏也好, 还是作为歌唱或者其他乐器的伴奏也罢, 都是器乐教学的良好教具。
在演奏音条乐器方面, 虽然操作看起来较为简单, 用琴槌敲击标有音名的每一个音条即可 (即敲即响) , 但是如果想让其“响的好听”, 并保持手腕、手臂的放松, 有利于孩子的健康成长, 还是需要注意一些操作细节的。正确演奏的姿势是双手在执槌时, 手背朝上, 用大拇指、食指以及中指握住槌柄 (建议拇指的第一指节, 食指和中指的第二指节自然握住槌柄) , 执槌的位置既不能太靠琴槌中部, 也不能太靠末端, 四、五指自然合拢, 放松握住槌尾即可。敲击时, 双臂放松, 大臂带动小臂自然抬起 (抬起高度视演奏的强弱而定, 一般抬起的高度不超过头顶) , 下落时, 不要刻意用蛮力敲击音条, 基本上做“自由落地运动”另稍加敲击力度即可。在敲击音条琴的位置时, 不可偏离每一个音条的中央部位, 敲的位置过上或过下都会使音条震动不充分, 干扰正常音色的发声, 影响音乐意境的表达。
音条乐器的演奏也不是那么强调“一板一眼”, 现在提倡的演奏姿势也是因为考虑到音色发声充分、优美, 身体自然放松, 不影响孩子健康成长才被提倡的, 如果有新的姿势能做到音色、身体二者兼顾、统筹协和, 也是可以拿来研究的。
二、绘本故事与音条乐器
儿童对于讲 (听) 故事是不可抗拒的。故事是儿童易于接受并能反复进行听、说、模仿表演的良好途径。那么既然有这么好的艺术条件形式可以利用教学, 音乐的不具象性可以完全和事故情节进行结合, 故事是显性的逻辑枢纽, 音乐是隐形的感知主线, 音乐凭借故事的逻辑性让孩子进行充分的感知体验, 故事凭借音乐的氛围营造让幼儿进行认知, 共同增强幼儿的想象力和实操能力。
绘本故事1《伟大的梦想》是由美国绘图艺术家Felipe Ugalde创作的, 通过每一个不同特点的绘图概讲述了一只鳄鱼从出生怀揣着要不断长大的梦想, 于是不停的吃掉世界上所有的东西, 最后把自己撑破, 走向了灭亡的故事。有意思的是, 最后这只鳄鱼变成了星座, 有人说它实现了变成最大的梦想, 有人说它失去了生命, 梦想也没有了意义等不同答案, 具有一定的哲理韵味。这个故事和音乐结合的关键点就在于小鳄鱼自身, 每幅图画除了鳄鱼吃掉的东西不断增大外, 就是它自身体积也在不断壮大, 如果将鳄鱼作为一个音乐主题动机的话, 鳄鱼不断吃掉东西的这个变化过程作为音乐不同声部的层层进入, 每一幅图画都用不同的音乐声部、音色、音乐情绪来讲述故事的发展。那么, 刚开始鳄鱼的出生音乐主题动机 (见谱例1) 。
如果该主体音乐动机为上图所示, 那么较为适宜演奏该旋律的乐器为音色突出嘹亮的高音钟琴, 它的音域较高, 音色特质突出、悦耳动听, 不会被其他音色声部所掩盖, 伴随故事的进展, 鳄鱼吃掉大大小小的不同事物并逐渐长大, 音乐也随着实物的变化, 声部可以一层层分别加入中音钟琴、高音木琴、中音木琴等通过声部的丰富, 声势的增强、速度的渐快等来表现鳄鱼的长大。当故事发展到鳄鱼吃掉地球时, 同旋律的主题动机重复不能满足故事中紧张的氛围, 听觉上也需要多声的调节, 这时, 需要加入另一个伴奏和声声部丰富音乐肢体 (见谱例2) 。
此和声声部可以填充与之前木质类音色差别较大的高音、中音钢片来演奏, 相互补充。由于钢片的金属属性, 延续音较长, 为了不混淆视听, 所以中音钢片琴只演奏每小节的和声音程26足已。等故事发展到近尾时, 鳄鱼已经大到能吃掉太阳, 可以再加入用低音木琴和低音钢片琴演奏的第三声部, 来表现故事情景的厚重性与紧张感。
当故事发展到鳄鱼爆炸的那一时刻, 可以暂做休止, 出现星座时, 用忧伤、恬静的音乐氛围重新由小钟琴演绎鳄鱼的主题动机, 表达梦想最后实现与否的无奈之感。在这里特别要注意的是, 先使幼儿熟知故事内容, 对剧情的发展和故事梗概有了一定的掌握, 然后再引入音条乐器的演奏。这样才既能达到通过故事逻辑的进行, 体验音乐剧情的发展, 又能通过音乐背景的衬托, 深刻感受故事的情感表达。另外, 这样的绘本故事通过音乐的表达需要语言的引领, 也就是说, 剧情发展中的每一句台词都需要老师有感情的进行朗诵引领, 念完一句, 音乐剧情发展一句。在演奏方面, 起初所有的音条乐器的演奏都是由教师来完成的, 幼儿是听绘本故事欣赏的角色。当然, 音条乐器的演奏技巧又极其简单, 也可以在幼儿熟悉乐器旋律后, 并改变部分声部的旋律音, 将其简单化, 也可去掉低声部或者中声部等进行简单演奏, 并通过模仿或者使用音条琴扮演故事角色的方式引入, 逐步让幼儿熟练掌握演奏技巧, 最后在老师故事念诵、翻阅绘本、指挥提示的引领下, 让幼儿进行音条乐器的演奏, 充当故事发展的重要角色。
通过音条琴和绘本故事的结合可以了解到, 每一种琴制由于音色质感的不同功能属性是不一样。每个音条乐器的性格也各不相同, 各自的演奏特长各有千秋, 高中低声部的划分合奏相得益彰, 这样肢体丰富并且简单易学的器乐合奏表现形式对于幼儿的听赏、演奏等能力的培养是非常可取的, 但是在用音条琴表现故事情境或充当某个背景音乐时, 需要在设计环节注意以下几点:首先, 紧抓故事情节发展特点设计各个音条琴的声部配置, 比如在《一个伟大的梦想》中, 故事的主人翁是一只鳄鱼, 不论剧情怎么发展都是围绕它进行设计的, 所以音乐的主题动机就交给了音色明亮突出的高音钟琴并且从头至尾演奏主题动机以示它就是这条鳄鱼;随着鳄鱼不断的吃掉东西逐步长大, 高音钟琴、高音钢片琴等加入演奏主题动机从声响效果上以示鳄鱼身体正在慢慢长大等。其次, 抓住故事中鲜明的事物特点用音色相对适宜的音条琴进行表现。比如形容敲钟的声响, 用钢片琴的效果要好于木琴的声响效果, 并且低音钢片琴效果要好于高音钢片琴等。最后, 音条乐器的声部配置层次要和故事情节发展的层次相符合, 以故事表现为中心, 围绕故事情节发展增减声部。比如:在《一个伟大的梦想中》, 故事的发展线索是从鳄鱼的出生到一步步长大, 那么声部的配置就是从高音钟琴开始, 然后高音中琴再加上中音钟琴, 再次基础上再加上高音钢片琴、高音木琴等等, 随着故事情节的发展最后直到所有的音条乐器都参与演奏各自的声部, 用声势浩大的合奏表现最后吃掉太阳的那一刹那, 当鳄鱼变成星座又恢复很小体积的时候, 那么又只剩高音钟琴演奏主题动机结束全曲。
音条乐器声部齐全, 音色丰富, 适合表达多种音乐情境。它可以和故事结合进行音乐体验, 也可以自身进行故事的陈述与表达, 比如可以用中音钢片琴形容日出的场景, 也可以用高音木琴演绎一个活泼好动的毛毛虫, 也可以用高音钢片琴诠释蝴蝶的飞舞等, 但这样的运用对于教师的要求较高, 幼儿的音乐完全需要教师的良好引导, 而音条乐器可以为幼儿体验、创编音乐营造极大的感知空间。
三、总结
音条乐器的表演性和创编性空间很大, 关键在于教师如何引导让幼儿能轻松游戏式的参与到演奏中去亲身感受音乐。“乐器学习引入音乐教学课堂, 因乐器本身具有极强的可操作性, 乐器操作性又要求与动手相结合, 就为幼儿将听觉、触觉、视觉、运动觉相结合提供了综合发展的可能性2。”学习演奏乐器并不是最终的目的, 而是途径, 最终还是要以培养和提高幼儿的综合素质、智力开发、动手能力以及良好性格的养成等全面发展为目标。
摘要：奥尔夫教学法在中国发展30余年以来, 凭借“以人为本, 创造为源”的教学理念, 一跃成为目前音乐教育领域中应用最为广泛的教学法之一。在其庞大的教育体系中, 奥尔夫乐器的运用成为了不可或缺的教学实践内容, 其中音条乐器为主要的教学媒介。本文首先对音条乐器及其演奏方法进行了较为详实的阐述, 随后以音条乐器在绘本故事中的运用为例, 总结每种琴制的音色、功能、演奏特点、合奏原则等内容, 以期提供更多的音条乐器演奏的可能性, 为奥尔夫教学领域提供参考。
关键词：奥尔夫音条乐器,故事,运用
注释
11.指图画书, 英文名称为Picture Book, 指的是文字与图画相辅相成的图画故事书, 表达特定情感和主题的读本, 通过绘画和文字两种媒介, 在不同向度上交织, 互动来说故事的一门艺术。
22 .赵宋光, 音乐教育心理学概论[M], 上海:上海音乐出版社, 2003年第1版, P.140.
奥尔夫乐器 篇2
什么是奥尔夫音乐教育
奥尔夫音乐教育是当今世界最著名的音乐教育之一。
奥尔夫的音乐教育原理是指原本性的音乐教育。
原本的音乐是指人们不是作为听众，而是作为演奏者参与其间，把动作、舞蹈、语言紧密结合在一起，是一种人们必需自己参与的音乐；原本的音乐是接近自然，源于生活，能为每个人学会和体验的，非常适合于儿童的。
它形式简洁，它不用什么大型的形式，不用结构；是小型的序列形式、固定音型和小型的回旋曲形式。
奥尔夫原本性音乐教育的原理可以归纳为以下几点：
1、即兴性；
2、综合性；
3、参与性；
4、自然性；
5、民族性
6、大众性。
其中即兴是奥尔夫音乐教育体系最核心、最吸引人的构成部分。
奥尔夫音乐最适合儿童的音乐
奥尔夫音乐教育体系是当今世界最著名、影响最广泛的三大音乐教育体系之一。奥尔夫的音乐教育原理，即是原本性的音乐教育。原本的音乐是和动作、舞蹈、语言紧密结合在一起的；它是一种人们必须自己参与的音乐，即人们不是作为听众，而是作为演奏者参与其间；它是先于智力的，它不用什么大型的形式，不用结构；它带来的是小型的序列形式、固定音型和小型的回旋曲形式。原本的音乐是接近土壤的、自然的、机体的、能为每个人学会和体验的、是适合于儿童的。
奥尔夫原本性音乐教育的原理可以归纳为以下几点：
1、综合性
随着科学的发展，将艺术划分得也越来越细，但音乐不是以单一的形式存在的，不是单纯用嘴唱或用耳朵听，它是一种综合的艺术，可以一边唱一边跳一边用乐器演奏。奥尔夫指出：原本的音乐是什么呢？原本的音乐决不是单纯的音乐，它是和动作、舞蹈语言紧密结合在一起的。这是人类本来的状况，是原始的，也是最接近人心灵的，因此可以说音乐是综合的艺术。
2、创造性（或者称即兴性）
孩子的生活经验没有受太多的社会影响而定型，因此他们天然的具有对音乐的创造性。在看到一幅图画后，他们可以根据自己的理解用音乐去表达，通过简单的乐器即兴演奏、即兴表演，使孩子也从事艺术家的工作，用音乐去挖掘、去创作、去发挥想像力。当没有乐器时，他们能用手、脚、筷子、报纸等代替音乐进行演奏，充分体现对乐器的创造性。
3、亲自参与、诉诸感性、回归人本
情商是人们智力发展的一个重要因素，以往人们不知道通过何种途径去培养，现在奥尔夫就是一个培养情商的好方法。通过孩子的视、听、触、嗅，最大限度地调动孩子各个方面的能力，开发孩子的潜能。原本的音乐是一种人们必须自己参与的音乐。音乐在这里的作用在于，它使人们成为一个主动者参与其间，而不仅仅是一个聆听者。当音乐响起，你可以用身体动作表达，就像有的小孩子，听到电视里面唱歌或者跳舞，也扭动小屁股跳起来，嘴里也哼唱起来。这种自娱自乐的音乐形式有助于情感的抒发与宣泄。
4、从本土文化出发
奥尔夫的音乐教育思想及其教学方法，呈现一种开放性，这使得奥尔夫音乐教育体系在任何一个国家、民族的传播必然形成本土化。奥尔夫音乐重在理念，它没有规定一个标准的示范课程，他鼓励人们依照本国的文化，将他的音乐理念融入其中，这样虽然给教学带来一定难度，但也给各国的奥尔夫教育工作者提供了一个无限发展的空间。
从本土出发，中国的奥尔夫结合了本民族的文化、语言、民歌、童谣甚至是方言。这种音乐更被人们熟知，更为人们所接受，具有通俗性，人们更易懂。因此，各国的奥尔夫理念相同，却在具体内容上不同，不会使奥尔夫局限在某一时代、某一国家，而是不断创新，世世代代发展下去。
5、从儿童出发
音乐不是精英人才的专利品，在七种智能学说里面，提到可以通过艺术渠道对人进行培养。有些家长认为孩子没有音乐细胞，没必要对孩子进行音乐教育，这就大错特错了。艺术是每个人的本能。每个孩子都能感受和体验。
一个6岁以下的孩子，声带发育还不成熟，如果让孩子唱一个长音，他还唱不下来，有时出现唱歌唱不准的现象，也是正常的，但他的动作发展已经成熟，听觉也是成熟的，因此奥尔夫最适于孩子。让他们从小懂得节奏、韵律，了解音乐语言。
奥尔夫音乐的局限性
奥尔夫音乐不是学习高深的音乐技能，它重在开发人的潜能，可以说奥尔夫是关于音乐的启蒙，是学习其它音乐的起步。
总之，奥尔夫打破了科学的系统性，摆脱了科学对音乐的桎梏，更有利于个性的健康发展。
用奥尔夫音乐培养多才宝宝孩子的天性是活泼好动，不愿受到拘束。如果你让宝宝坐在钢琴边，严格地要求他按部就班地弹，宝宝大多是没有耐性的，往往虎头蛇尾，让爸爸妈妈失望。尝试用奥尔夫音乐引导宝宝认识音乐，或许非常有效。因为奥尔夫音乐非常适合孩子的特性，而且注重发挥孩子的主动性。
1、培养宝宝对音乐的兴趣
奥尔夫音乐带有自娱的特性，这就吸引了儿童参加进来，让孩子在玩乐中懂得音乐，不是为了学音乐而学音乐，而是为了让孩子在还不懂得什么是音乐的年龄，就开始音乐的实地演习。比如老师教一首歌谣“爬呀爬呀爬呀爬，一爬爬到头顶上，爬呀爬呀爬呀爬，一爬爬到脚底下。”前两句老师从低音唱到高音，后两句从高音唱到低音，动作则是人坐在地板上，腿屈膝脚掌平放在地，双手从脚下随着歌声向上做爬的动作，当唱到爬到头顶上时，手正好到达头顶，唱下两句时，手又从头顶爬到脚下。这种一边唱一边做动作的方法，让孩子用身体动作理解了高音、低音。在教学中，还配合了奥尔夫乐器的使用。奥尔夫乐器比较容易操作，比如鼓、木琴、响板等，这些乐器不强调过多的技巧，只要在老师的启发下，宝宝就可有节奏地敲击，奏出音乐，使宝宝很容易喜欢音乐。
2、培养宝宝的专注力和协调能力
由于在上课时，宝宝耳朵要听、眼睛要看、嘴中要学唱、还要配合各种动作，调动了宝宝各个器官都要参与音乐的表现，从而使宝宝注意力集中，学习得非常快。同时也锻炼了各器官的协调能力。
3、培养宝宝的听力和创造力
0-3岁的宝宝，是听力发展的关键期，这个时期让宝宝多听各种各样的声音和节奏，有助于听力的发展。由于宝宝社会经验较少，创造力的发展还不明显。
4岁的宝宝，是创造力发展的关键时期，这时如果充分运用宝宝这一时期的特点，可以开发宝宝的创造力。比如老师启发宝宝：老师唱的是爬到头顶上，小朋友们还能说出爬到哪儿？有的小朋友说爬到鼻子上、有的说脖子上、有的说屁股上，老师对他们的回答都表示鼓励，并带着宝宝们唱一遍。老师还可以进一步启发宝宝：可以是爬，还可以是什么呢？有的小朋友说飞、有的说飘、有的说走，总之让宝宝开动脑筋，自己编创歌词。
4、培养宝宝的情感
由于这种活动轻松、愉快，宝宝一学就会，不给宝宝带来压力，因此宝宝情绪饱满、兴奋，有利于宝宝通过这种途径使情绪得到抒发。
5、培养宝宝其它艺术天分
在学习奥尔夫的过程中，配合了演奏乐器、舞蹈、有时还可以放一段音乐，让图画来表示音乐，比如当听到流水潺潺的声音时，宝宝可能画一条弯弯曲曲的线，当宝宝听到海浪的声音时，可能画一条此起彼伏的线，表现海浪。这就培养了宝宝领悟其它艺术形式的能力。
总之，奥尔夫音乐通过孩子喜闻乐见的形式，不仅学习了音乐，更是通过音乐，开发了孩子多方面的能力，挖掘了孩子的潜能。
奥尔夫儿童音乐教育基本特色
（一）在课程思想上，奥尔夫追求“原始性”音乐，倡导综合性音乐教育
奥尔夫认为：“……原始的音乐是接近土壤的、自然的、机体的、能为每个人学会和体验的、适合儿童的”。从其原始性儿童音乐教育观出发，奥尔夫指出，“原素性音乐永远不是音乐本身，它是同动作、舞蹈和语言联系在一起的”，“音乐来自动作，动作来自音乐”。对于处在个体发展原始或者初级阶段的儿童来说，获得全面、完整的综合性审美体验是十分重要的。从艺术的本原来看，音乐、语言、舞蹈本身就是连在一起不可分割的，儿童从事音乐学习行为实际上就是人类原始艺术活动的一种再现，儿童音乐教学活动不能只局限于音乐范围内。
在这种综合性艺术观指导下，奥尔夫不仅教儿童唱歌识谱，而且也教儿童演奏乐器。在教儿童演唱、演奏的同时，还结合自由朗诵、即兴舞蹈、歌唱和奏乐来进行艺术实践活动，并鼓励儿童在活动中身心投入地进行创作、表演、欣赏、交流与评价。奥尔夫认为：这种创作、表演、欣赏三位一体，歌、舞、乐三位一体的综合教学是为了给儿童创造获得全面、丰富、综合审美体验的机会。
（二）在课程内容上，奥尔夫强调一切从儿童出发，选择最符合儿童天性的民歌、童谣、谚语等教学素材于儿童音乐教学中
奥尔夫教学体系的对象是所有的儿童，包括那些才能较差的儿童。因此，在教学内容、教材的选择与确定上，奥尔夫都是根据儿童的特点来进行的。例如，在教学材料的选择上，从布谷鸟叫的下行三度（sol—mi）作为旋律学习的起点，词的起点则是孩子们的名字、熟悉的童谣、儿歌以及色彩、花、树木、一周的每一天、地名等。
奥尔夫体系的课程内容主要包括嗓音造型、动作造型、声音造型三方面。其中嗓音造型包括歌唱活动和节奏朗诵活动。动作造型包括律动、舞蹈、戏剧表演、指挥和声势活动（所谓声势活动是一种用儿童的身体作乐器以此进行节奏训练的极简单又有趣的活动。声势就是捻指、拍掌、拍腿、跺脚的简称）。声音造型即指乐器演奏活动。奥尔夫认为：这种集诗、舞、乐、戏剧为一体的综合性课程内容不仅符合人类生活的原始性、原本性，同时也符合儿童的特点和他们学习音乐的自然天性。
奥尔夫体系的教材也充分考虑了儿童音乐学习的特点。这点可用奥尔夫本人写的5卷学校音乐教材作为代表。它的内容主要是来自德国儿童熟悉并喜爱的民歌、谚语、童谣和儿童游戏。因为奥尔夫认为只有来自儿童生活的教材，才可能是最符合儿童天性的、最自然的、最富有生命力的东西。
（三）在课程方法上，奥尔夫体系推崇主动学习音乐，注重培养儿童的创造力
从原始性音乐教育观出发，奥尔夫推崇儿童主动学习音乐。他说：“我追求的是通过要学生自己奏乐，即通过即兴演奏并设计自己的音乐，以达到学习的主动性。所以，我不想用高度发展了的艺术性乐器来训练，而用一种以节奏性为主、并比较容易学会的乐器，和肌体相近的乐器”。奥尔夫的这种乐器不是高度精确性或高度科技化的乐器（如钢琴、电子合成器等），而是人的肌体（如拍手、跺脚、捻指等）、原始的发声器（如铃鼓、手鼓、木鱼等）和奥尔夫自己设计发明的“奥尔夫乐器”（一种音条可以灵活拆装的敲击乐器包括木琴、钟琴等）。
在教儿童音乐欣赏时，奥尔夫不是让孩子们被动的听，而是借助一些辅助性符号，随着乐器的进行，分声步演奏打击乐器，这样儿童不仅体验到音乐的美妙，而且了解了乐曲的节奏、结构和风格。奥尔夫认为，让儿童主动学习音乐还应包括在课堂上老师的指导，奥尔夫常常强***师在课堂上不是作为导演而存在，而是一个提出问题的人，鼓励学生自己去探索答案，去寻找各种各样的可能性，通过提出问题并组织讨论，引导学生掌握学习内容。正如一切原始形态的艺术活动都带有自发性、创造性一样，奥尔夫倡导的原始性音乐教育的一个基本点就是创造。奥尔夫明确指出“让孩子自己去寻找、自己去创造音乐，是最重要的”，“音乐创造有简单复杂之分，但从创造的本质意义上说，儿童音乐的创造和音乐大师的创造具有同等意义，同等价值”。引导创作成了奥尔夫音乐教学体系的主要方法。
在教学中，教师仅仅向幼儿提供一些原始性的材料（如最基本的音调、最基本的节奏、最基本的动作方法等），教师被要求站在儿童的角度来主持展开音乐教学活动；儿童则主要是通过在范例和教师启发引导下进行集体创作的音乐学习，儿童被要求即兴编创歌词或吟诵韵文；儿童被要求用自己创造的音响和图形来记录自己的音乐，创造自己的“乐谱”等等。通过儿童在即兴基础上所进行的综合性创造过程，来培养和发展儿童的创造力
节奏训练
敲击节拍
方法：在背诵儿歌和有韵律的唐诗时，成人和孩子都会不约而同的拍手或做一些动作来打节拍。在宝宝唱歌时成人也会同他一起按节拍拍手和做动作。节拍是学习音乐、文学、艺术的必修课，宝宝在刚接触时就不自觉地喜欢上了。家长不妨再进一步让宝宝学习敲击来应和音乐中的节拍。如果家中有一些打击乐器也可以随时应用。家庭中的日用品，如筷子、盘子、金属器皿、盒子等都可以作为敲击乐器。例如用筷子来鼓击一个纸盒，在四三拍子的音乐中，先击盒子中央一拍作为强拍，再击盒子边上两拍作为弱拍。在四二拍子的音乐中，先击盒子中央一下，再击盒子边上一下。在四四拍子的音乐中，先击盒子中央一下，盒子边上三下；或者在盒子中央一下，边上一下，中央轻轻击一下，边上更轻击一下，以表达强、弱、次强、最弱的节拍。
在宝宝学会击节拍之后，家庭可以组织音乐会。如果有一位家长会演奏某种乐器可以作主题演奏，另一位家长和宝宝各用不同的器皿敲击节拍。也可以让录音机播放主题音乐，家庭成员各取不同的器皿，轻轻敲击，使主题突出，节拍鲜明。在敲击节拍的基础上，宝宝可以用手指挥，家庭成员敲击，让宝宝练习当个小指挥。
目的：锻炼孩子的节奏感，学会简单的节拍。
韵律活动在音乐教学中的作用
韵律活动在音乐教学中是一个必不可少的教学环节，也是课堂上常采用的一个教学内容，在整个音乐教学中起了重要作用。
有人形象的比喻说：“节奏是音乐的骨骼，旋律是音乐的灵魂。”也有人说：“如果旋律是音乐生命的血液，节奏则是心脏的跳动或是脉搏，它推动着血液的运转。”可见节奏在音乐教育中的重要作用。
瑞士音乐教育家达尔克洛兹就是“体态律动学”的创始人，他认为：“对音乐的感受不仅仅反映在心理上，同时也反映在身体上”。德国当代著名的作曲家、儿童音乐教育家卡尔·奥尔夫建立的儿童音乐教育体系中提出了“节奏第一”。他认为：“音乐构成的第一要素是节奏，不是旋律。”应当说节奏是音乐的生命，是生命力的源泉。因此，奥尔夫特别强调从节奏入手进行音乐教育。在音乐教学中韵律活动是一个必不可少的环节，体会到了韵律活动在音乐教学中的重要作用。
一、增强学生的节奏感韵律活动，是增强节奏感的一条重要途径，首先是认识节奏型进行读的练习，让学生分别按节奏型和节奏长短时值进行读。并让学生边划拍边读，边击拍边读。通过读掌握基本结构，增强节奏感。为了活跃课堂的气氛加强节奏感的训练，还采用出示固定的结构，让学生填词。如：××|×××|、老师，辛苦了，还可以先说一句话然后再写出节奏。如我在一次示范课上做此项练习时，有个同学说：老师好！老师好！欢迎老师来指导！节奏是：×××|×××|×× ×× |×××|，学生边拍节奏边读，形成多样的韵律活动，逐步增强了学生的节奏感。
二、发展学生的想象力和创造力利用节奏形象化的教学方法，启发学生根据日常生活中经常接触到的声音，组成各种不同的节奏。如：启发同学听钟摆声。嘀答、嘀答节奏型是×× ××。敲鼓声。教师敲鼓，学生边听边念咚嗒嗒、咚嗒嗒，节奏型是××× ×××。还有小鸡叫叽叽叽叽、叽叽叽叽 ×××× ××××。汽车喇叭××× ×××嘀嘀嘀、嘀嘀嘀。马蹄声×× ××嗒嗒、嗒嗒让学生充分地想象随时都会发现生动有趣的节奏。不但要发现节奏还要培养学生去创造节奏。我在教学中采用了音乐教育家卡尔奥尔夫的拍照掌、拍腿、跺脚、捻指一类的节奏教育方法。将语言的节奏与动作的节奏结合起来。学生在学会歌曲后，老师根据歌曲的情绪特点，编配“声势”练习，出示编配的节奏图，学生边唱边做。而且动作又进一步扩展弹指、弹舌等。如在“我心爱的小马车”这首歌曲中加入弹舌，效果特别好。就像马蹄声，形象生动。学生非常喜欢声势训练。由教师编配逐步过渡到让学生自己创编的练习，让学生充分发挥自己的想象进行编配，学生是跃跃欲试，想象力极其丰富。如歌曲“过新年”学会后，我把学生分成四组，每组编配歌曲的一部分，大家编好后，一组选出一位同学组成一个完整“声势”带领全班同学边唱边做。教学效果非常好，同学的想象力和创造力都得到了发展
三、激发学生的学习兴趣节奏是一个最有力的音乐源泉，为儿童创造一个有利于动手、动脑、动脚的学习环境。让他们在愉快的情绪中激发学习音乐的兴趣。节奏游戏是孩子们最喜欢、最直观、最能激起兴趣的活动。我常在教学中穿插节奏游戏。如：游戏走、跑、跳就是让低年级的学生学习四分音符、八分音符、十六分音符。四分音符是走、八分音符是跑、十六分音符是跳。通过听乐曲走、跑、跳掌握音符的时值，还有节奏回声的游戏更是孩子们喜欢的。教师先拍节奏，开始二小节逐步过渡到四小节。速度先慢后快不断变化，从简单逐步增加难度，训练了同学们的听觉、反应能力及记忆能力，获得愉快的情绪，激发了学习的兴趣。
把韵律活动贯穿在音乐教学中，还注意引导学生把注意力放在音乐的长短、强弱、速度等。培养学生的感受和理解能力，恰当的把握节奏。综上所述，韵律活动在音乐教学中具有重要作用。
家庭音乐启蒙备忘录
对于幼小的宝宝而言，没有比艺术教育更适合他们了，而在艺术的殿堂上，进行音乐启蒙及开发当属最佳。因为，0-3岁的小宝宝尚没发育完全，学习舞蹈或画画有可能伤及四肢及手指的筋骨。而惟有音乐接触得越早，对宝宝则越有益处。这样，不仅可增进宝宝的乐感，更重要的是多听高雅的古典音乐，还能开发宝宝的右脑，从而使左右脑功能平衡。
音乐启蒙和开发，犹如给宝宝的想象力、创造力及记忆力安上了一副展翅飞翔的翅膀，使宝宝的智能发展更卓越——
备忘录No.1 多让宝宝聆听周围美妙的声音
宝宝出生后，便应该逐渐引导聆听周围的声音及音乐：
* 听能发出悦耳声音的玩具，或在房间里挂一个能发出清脆悦耳声音的风铃。
* 听厨房中的切菜声，听锅碗瓢盆碰撞时发出的音响。
* 听自然界的刮风声、雷雨声及雨滴声、流水声；各种昆虫、鸟类、家禽发出的鸣叫声。
* 听各种交通工具，如火车的隆隆轰鸣声、飞机的嗡嗡声；汽车、火车及轮船发出的鸣笛声。
* 让宝宝辨别家中亲人，如爸爸、妈咪、爷爷、奶奶、外公、外婆及邻居的说话声音；辨别人们表达不同情感的声音，如高兴、生气、着急等。
* 让宝宝闭眼听三种声音，即小铃、小鼓及木鱼。然后，请宝宝说出声音的发出顺序。
* 唱不同的歌曲给宝宝听，给宝宝听不同乐器的声音，如口琴、笛子、小提琴、钢琴、手风琴等；听不同乐器演奏的乐曲或交响曲（适合大一些的宝宝）。
备忘录No.2 玩制造悦耳声音的游戏
当宝宝一旦能坐立时，就可以让他“演奏”各种“乐器”：
* 用小木棒敲击翻过来的桶、锅、盆、陶器以及各种能敲击出悦耳声音的用具。
* 在气球内装进几粒豆子，然后将它吹起。这样，宝宝就得到一个能发出嘎嘎声响的“乐器”，气球会将声音放大。也可将沙子、小石头装入废弃的纸盒或不透明的小瓶中，让宝宝摇摇，听听会发出什么声音。
* 把多个装有不同体积水的瓶子，让宝宝用汤匙轻轻敲打，每个瓶子会发出不同的音高。
* 摩擦不同材质的东西，如搓玻璃纸、纸袋、塑料袋；把橡皮筋抻长后放开，就能够发出弦声。
* 有条件时，妈咪可敲打真正不同的乐器，然后，将不同乐器发出的声音，排列出***的节奏。如先敲定音鼓“咚咚”两下，随后敲三角铁“叮”一下。这样，即可有序地排列出“咚咚叮——咚咚叮……的音乐节奏”。经常这样训练，能增强宝宝的节奏感。
备忘录No.3 多做有节奏感的游戏
* 用拨浪鼓、铃鼓打出有节奏的声音让宝宝听，然后，让宝宝自己拿着敲打。
* 让宝宝骑在妈咪的腿上，一边给念有节奏的儿歌，一边使宝宝身体上下颤动。
* 与宝宝一同做拉锯、扯锯的游戏，并且一边做一边唱歌；或有节奏地念儿歌。
* 用两块竹板（可用积木代替），敲打出快慢、长短不同的声音，以表示不同的动作。让宝宝听一听，哪个声音像马儿在奔跑？哪个声音像大熊走来了？
* 让宝宝做各种模仿动作，如打鼓、吹喇叭及学小兔跳、小鸟飞。
备忘录No.4 随时随地播放音乐或唱摇篮曲
* 宝宝在3岁前听觉最为敏锐，是训练音感的最佳时机。因此，从宝宝一出生起，妈咪每次喂完奶，一边轻轻拍动宝宝的背，或轻轻推动摇篮，一边哼唱摇篮曲。
奥尔夫教学法 篇3
生动有趣的课堂是德国奥尔夫音乐学院著名教师安德烈亚带给中央音乐学院音乐教育系学生的别致礼物。
如今，“奥尔夫”三个字对于很多孩子和家长来说已经不再陌生，各个幼儿园和培训机构的“奥尔夫音乐班”几乎期期爆满。
这种来自德国的先进教学法登陆中国已经将近30年。1980年，中央音乐学院廖乃雄教授带回了德国著名作曲家、音乐教育家奥尔夫先生的音乐教育思想、教学法和教材，从此掀起了大陆研究学习和实践奥尔夫教法的热潮。1982年，在李妲娜等人的努力下，中国音乐家协会设立奥尔夫学会。时至今日，已有来自全国26个省市区的超过3000名的会员。
奥尔夫教学法被称为“从钢琴凳上(老师)、座位上(孩子们)解放出来的音乐教育”。它提倡“原本性教育”，注重人们对音乐的最基本感受和体验，不依靠外在的知识灌输技术训练，而是在轻松愉快的情绪中，在没有困难的压力下，自发自然地获得对音乐的感知。
中央音乐院音乐教育系大四学生乔帆说：“奥尔夫课程非常有趣、好玩。原来的音乐课都是规规矩矩、学生一排一排坐在那，不是听就是唱。而奥尔夫课堂让学生真正的‘动’起来。不需要课本，从一个很小的步骤开始，一直被好奇吸引，每一步都是简单的听、唱或奏，虽然难度在逐渐增大，但学生却丝毫不会感觉难，等到了最后一步会恍然大悟，哦，我做了这样一件事。我自己每次上奥尔夫课都很兴奋，教学实践中小孩子们也都很高兴，我觉得特别有成就感，是一种真正的寓教于乐”。
2001年，清华大学率先在全国大学中进行奥尔夫音乐教学的实验，给全校本科生开设“综合艺术素质活动与创造”的课程。该课在学生中反响强烈，从最初无人问津的选修课到现在美名远洋的精品课。一位学生在期末总结中这样写到：“这学期开学的时候，报着混学分的态度选了‘综合艺术素质活动与创造课’。然而接下来的一切令我大吃一惊：与以前扫盲般的播放音乐相比，实在是一个从形式到内容的彻底突破！第一堂课下来，同学们竟然不约而同的表示‘今天的音乐课简直棒极了！’从那以后，期待星期三第五节课就成了一周生活中的重心。十几周的课，我们玩儿了很多，更学了很多。我们亲自实践了各种乐器……鼓、散响、三角铁、沙锤……我们接触了各种形式的音乐——民族、爵士、流行乃至古典；我们参与了各种活动……训练默契的‘圈地运动’、训练形体思维的‘套人’；训练创作思维的‘节拍组合’……一切的教学在娱乐和互动中完成，真正使我们在放松中获得了知识，心情舒畅的自主学习。周三的这节课简直是心情调剂的最佳时间”！
奥尔夫音乐教学法初探 篇4
一、奥尔夫音乐教学法的基本原理
1.综合原理。艺术的进步有赖于科学的发展, 科学的发展又促进了艺术门类的划分, 分门别类的艺术一直是独立而又密切相联的体系。音乐发展到今天, 早已不是单纯用嘴唱或用耳朵听的, 它是一种系统的整合, 歌唱、跳舞, 再加上乐器的演奏, 才能表达音乐丰富的内涵, 方能体现音乐真正的魅力。奥尔夫指出:原始的音乐就是从反映人类本来状况中产生的, 是人们原始活动的综合表达, 是人类外在活动和内在心灵的紧密融合。人类发明音乐, 一开始就不是单一的形式, 音乐总是和语言、动作、舞蹈以及劳动等人类活动紧密联系在一起的。所以, 音乐是一门综合的艺术。
2.创造原理。每个人都是从小长大成人的。面对纷繁多彩的世界, 每个孩子都有天然的敏感性, 好奇心驱使孩子时刻在思考, 感受所能接触的一切。对世界的理解, 每个孩子因环境的不同而会有不同的见解。小孩看到图画, 是有可能根据自己的理解去表达图文内容的。小孩接触音乐, 是有可能根据自己的体验来表达音乐含义的。在没有受到社会环境过多污染的情况下, 不同的孩子会有不同的体验, 也会有不同的表达方式, 这种不同其实就是创造, 所以, 孩子有天然的创造性。作为音乐教育者, 我们的责任是挖掘孩子的潜能, 引导孩子从事艺术家的工作, 指导和鼓励孩子用音乐去创作, 发挥他们天赋的想像力。
3.人本原理。情商是一个人成长的重要因素, 也是影响人们智力发展的重要原因。在孩子的成长过程中, 人们往往不知道怎样去培养情商, 其实, 奥尔夫教育法就是一个培养情商的好方法。奥尔夫倡导, 要最大限度地调动孩子各个方面的能力, 通过孩子的视、听、触、嗅来开发孩子的潜能。原始的音乐就是要求人必须自己参与其中的, 音乐的作用是使人们成为活动的主动参与者, 并乐在其中, 仅仅作为聆听者, 不是音乐活动的目标。以人为本, 释放孩子本能, 营造一种氛围, 让孩子自然地置身于音乐意境中, 亲身体验音乐, 在看、听、感中, 引导孩子学、做、唱, 在孩子跳和唱中, 促进其情感的宣泄, 培养音乐感, 推进情商发展。这种自娱自乐的音乐形式既可以达到音乐就学的目的, 也有助于孩子的成长。
4.融合原理。奥尔夫音乐教学法主要强调理念, 不搞固定的模式, 没有标准课程。它解开框框的束缚, 提倡音乐教育工作者将他的音乐理念融入本国的文化, 结合民族的传统, 落地生根, 发出新芽。它以一种开放性的姿态给各国各民族的奥尔夫音乐教育工作者提供一个无限发展的空间, 形成各具特色的奥尔夫本土化特点。
按照融合原理, 奥尔夫音乐教育工作者就可以结合本国各民族的传统文化、民族语言、各种民歌童谣甚至是地方方言来进行音乐教学。与传统文化结合的音乐, 更容易被理解, 被接受。通俗易懂、简洁明快的音乐形式总是具有恒久的生命力。因此, 即使具体内容不同, 只要理念相同, 奥尔夫音乐教学方法就不会受时代、国家、民族、地理的局限, 而是可以不断融合, 推陈出新。
5.平等原理。平等原理就是平等的看待和对待每一个孩子, 认为每个儿童都是有艺术本能的, 都能体验和感受音乐。从这个原理出发, 不预设前提而扼杀孩子的天性, 不认为哪个孩子有音乐细胞, 哪个孩子没有音乐细胞。在音乐教学上平等地对待每一个学生, 这与圣人孔子的“有教无类”的教育思想异曲同工。奥尔夫强调要引导每个孩子对音乐语言的理解, 从小培养儿童的节凑感, 体会乐曲韵律, 让孩子的天性在音乐世界里尽情挥洒。
二、奥尔夫音乐教学法的优势, 也是它的可贵之处, 主要体现在五个方面
1.奥尔夫音乐教学法面向全体学生。音乐教育不为培养贵族, 而应重在启迪儿童心智, 开发人体潜能。要真正发挥音乐的教育功能, 就必须面对大众, 公正地对待每一个学生, 让所有孩子都有机会感受音乐, 学习音乐, 表现音乐。
2.奥尔夫音乐教学法是开放式教学。它打破传统音乐教学的“死记硬练”, 把孩子从吹拉弹唱的固定模式中解脱出来, 不再被动地只是听老师教, 教后自己练。而是造成一种环境, 把孩子由被动变主动, 老师作为指导者和引导者, 把枯燥乏味的技巧训练和音乐基础知识融入到学生主动参与, 自然学习之中, 尽最大可能使孩子感受不到学习音乐的无聊、无趣、乏味。
3.奥尔夫音乐教学法强调即兴创作。它不提倡孩子老是被动地学习固化的音乐知识, 而是在传授本源音乐的基础上, 让孩子在学习音乐的过程中, 通过观察、体验而有所“悟”, 创造性地学习音乐。
4.奥尔夫音乐教学法强调团结合作。它通过活动、表演、比赛等形式把孩子集中起来进行学习或演奏。由单纯的个体化训练引向团体合作、互学互帮的天地, 让孩子早早地体会主导与协助、团体和个人的关系, 在潜移默化中培养小孩的集体荣誉, 感受团结的力量。
5.奥尔夫音乐教育法寓教于乐。它让学生“玩”音乐, 在置身于“玩”的过程中去感知音乐的内涵, 在“玩”中产生人与人之间情感上的沟通与联系, 在“玩”中增强合作意识和群体协调能力, 玩中乐, 乐中学。
当然, 奥尔夫音乐教学法也存在一定的局限性。它不是学习高深音乐技能的好方法, 只注重开发人的潜能。作为音乐教育工作者, 在利用奥尔夫教育法教学时, 既要充分发挥其优势, 也要明白其局限, 因地制宜, 因材施教。
感受奥尔夫音乐 篇5
编者语：奥尔夫音乐教育体系是当今世界最著名、影响最广泛的三大教育体系之一。由德国著名作曲家、音乐教育家卡尔.奥尔夫创建。奥尔夫的音乐教育理念用一句话来概括就是：原本性音乐--Eric Lebeau，它通过奥尔夫乐器的演奏，采用儿童喜闻乐见的形式如：说儿歌、拍手、做游戏、讲故事、唱歌等形式，让孩子们在玩耍中感受音乐，从而提高孩子的语言、理解、表演等能力。在接触音乐的同时，也完成了对孩子认识、记忆、协调、美术、反应速度、心理、注意力、创造性思维、团队精神等方面的训练过程，促进孩子的情商、智商发展。要求10-20个孩子，以下是一位接受了奥尔夫音乐教育的母亲所感所思，比较生动地反映了这一教育的特点，会对家长了解奥尔夫音乐有一定的参考。
感受奥尔夫音乐
真正了解奥尔夫，还是在上了两次家长课后。虽然只短短两次课，却让我由衷地喜欢上了这种教学方式。奥尔夫课的基本理论很少，在了解奥尔夫教学法的创始人卡尔.奥尔夫，以及他的“原始性”及综合性音乐教育的思想后，我们开始“感受”了。
七八个家长围成一圈，席地而坐。老师带着我们先做了一个有节奏地朗诵活动，然后她告诉大家，用手掌击出节奏，同时说‘我喜欢苹果我喜欢梨，我喜欢水蜜桃跟我做’ 再用身体做出一个造型。依照这个例子，每个人要用相同的节奏边拍手边说：我喜欢XX(两个字如葡萄)我喜欢X(一个字如杏)，我喜欢XXX(三个字如哈密瓜)跟我做。每个人所“喜欢”的东西和“跟我做”的动作造型不能一样，绝对禁止重复别人表演过的。妈妈们的积极性立刻调动起来，每个人都极认真地想着怎样才能与众不同。我们依次示范表演后的结果就是，在座每一位母亲都充分意识到这个看似简单的游戏，其内涵是极其丰富的：有创造力的发挥，想象力的体现，还要集中注意力，跟着音律节奏的变化而变化。平时，我们并未注意到，其语言本身就是有着音调和节奏的。这个小小的游戏使我们认识到：音乐是与动作、舞蹈及语言密切相联系。
随后，我们又开始“声势”表演，即拍拍手、捻捻指、拍拍腿、跺跺脚，这样几个极其简单的、人们常常会有意无意做的动作，让我们连续做时，我们感受到的是高低音的不同。之后，“卡门序曲”响起，我们配合做声势表演，以此欣赏起这首著名的乐曲。这首乐曲我曾经听过多次，但从不知道用声势欣赏音乐会有如此妙境，因为我已感受到自己的肢体动作在尽情地体现节奏的快慢和声音高低的变化。由于这是人人都会做的动作，我们几个妈妈很快就配合得很好。而后，我们分成四组，并发给不同的奥尔夫乐器。这种乐器是奥尔夫独有的。它们不是钢琴、小提琴等，而是原始的发声器如：铃鼓、手鼓、木鱼、沙锤、三角铁等，还有一种音条可以灵活拆装的敲击乐器如：木琴、钟琴等。我们每个小组分别被给予三角铁、响板、铃鼓及串铃，这些乐器将被用以表现一拍、二分之一拍、四分之一及八分之一拍。老师做指挥，她的手势指挥到哪个小组哪个小组就配合音乐演奏手中的乐器。我们未做配合练习，随着音乐看着老师的手示指挥演奏起来。一曲下来每个妈妈都兴奋不已，原来音乐可以这样感受！原来我们这些对乐理知识一窍不通的人也能组成一个小乐队，并且也能演奏得这样好！大家兴奋地鼓掌，既感谢我们的老师，又骄傲于我们自己的表现！
第二次听堂课更有趣，首先，我们被要求听一段音乐，这段音乐每间隔几秒或几十秒就会有一节或连续几节长音，有点儿象鸣笛声或长铃声，持续的时间有长有短，间隔的时间也长短不定。老师要求我们集中注意力，听到一个长音时就要找别人握手，长音一停就要赶紧松手自由活动，长音一响就要再握手，但握手的对象不能相同，比如这次你同奇奇妈妈握手，下次长音响起时就得换其他妈妈。这里，有一个有趣的故事，有一群三岁的宝宝做这个游戏时，一个儿个头和桌子差不多高的小女孩，长音一响时找不到可以握手的人，小家伙灵机一动，一双小手紧握着桌子腿儿不放，长音结束，赶紧松开手。由此可见孩子的丰富的想象力和创造力！轮到我们游戏了，音乐响起——长音响了！妈妈们赶紧就近抓住一个妈妈，有抓胳膊的，有拉手腕的；长音过去！松开手，正想放松一下，长音又响了！再慌乱地扑向另一个！这回可是乱套了，随着音乐的变化，只见大家象是磁铁的两极，忽而紧紧地吸到一块，忽而远离，长音不停地响起，妈妈们像捞救命稻草似的到处握手，看也不看就抓住眼前跑过的人，手忙脚乱。长音又响了，我急着去握手，咦？怎么迈不动腿了？低头一瞧，哎呀！乐乐妈正坐在地上，反正也跑不动了，就势抱住了我的大腿！这可真是经典镜头啊！不知在一旁拍照的当当妈有没有照下来？这个时候，大家忙晕了，也乐晕了。音乐游戏结束了，妈妈们气喘吁吁，大汗淋淋，好久不锻炼了，这回是过瘾了。用乐乐妈的话就是：“既欣赏音乐又开发创造力，还可以减肥！一举数得了！”妈妈们好象又回到了童年和小伙伴们一起嬉戏的时候，虽然累得上气不接下气，每个妈妈的脸上却洋溢着发自心底的快乐。
老师在黑板上画了些符号如“)，“"”，...”等我们常见的符号表现音乐。我们借助这些符号欣赏贝多芬的《军队进行曲》。对于我来说，这些符号与音乐是没有联系的，但是当老师随着音乐的播放，用教棍演绎着这些符号的时候，我们越来越深入地了解到乐曲的节奏、结构和风格，如临其境般地体会到士兵们由远及近再走远的整齐步伐。一曲终了，再回过头去看这些符号，真是回味无穷啊！老师说也可自创符号和图形来理解、记录音乐。因为对孩子来说，可爱有趣的图形比空洞的说教更容易使他们接受。
回味这两节课，我感触很深。我觉得奥尔夫与传统教学法相比，就是给孩子创造了“一个自由快乐的童年”，“尽享艺术的真善美”，师生互动，老师高兴，孩子有成就感，培养孩子的潜能。
附：卡尔.奥尔夫的一生
卡尔.奥尔夫（1895—1982），当代著名的作曲家，音乐教育家。奥尔夫1895年7月10日出生在慕尼黑一个有艺术素养的军人世家，从少年到青年，在不断地探究大师们的风格中顽强地寻找着自己独特的艺术表现语言：“那种“野生”的具有原本性的音乐、戏剧。
1924年奥尔夫与舞蹈家军特在慕尼黑创办了一所军特体操音乐舞蹈学校，即“军特学校”。在那里奥尔夫开始了他变革音乐教育的一系列尝试，如新的节奏教学——将动作与音乐相结合。在音乐方面最突出的是在音乐与动作教学中突出节奏性乐器，他制造出了一套可以合奏用的以打击方式为主的小乐队编制乐器，使学生亲自参与奏乐，并通过即兴演奏设计自己的音乐，这套已被人们统称为奥尔夫乐器的教具现已闻名全世界。1930年他与终生的合作伙伴凯特曼编写了第一卷教材，实现了“尽量使学生能自行设计他们的音乐和为动作伴奏”，这本教材作为基本的音乐教材练习引导人们走向音乐的原本力量和原本形式。
1932年，编辑了一部意味音乐教育革命的作品—《奥尔夫教材——为儿童的音乐，由儿童自己动手的音乐——民歌》，此后，奥尔夫专门从事作曲。其三部成名作：《卡尔米娜.布拉纳》(1934—1937)、《月亮》(1937—1939)、《聪明的女人》（1941—1943）相继问世，形成了真正的奥尔夫风格，体现了奥尔夫在音乐教育中原本性的原则和理念。
他在音乐教育上突出节奏性因素，以某种固定音型不断反复作音乐发展动力，在旋律中较少使用半音音阶和变化音，和声让位到更次要的位置，总之无论旋律、伴奏都以古朴、简洁为创作技法和表现形式。舞台布景、演员服装的象征性都是体现他原本性的“完整艺术”的理念。奥尔夫一生耕耘不息，直到1973年78岁高龄时，还创作了他最后一部大作《世界末日之剧》。
“奥尔夫”拓展班级合唱空间 篇6
一、拓展思维空间
首先，我们用课堂观察法记录了黛安娜老师的一节唱游课。重点观察有效唱歌时间与教学方式及学生状态。根据实验数据可以发现，学生有效参与唱歌的时间比例达到62.5%，教学方法大量运用奥尔夫音乐元素，学生状态积极，能主动参与多种音乐活动。根据数据进行理性分析，我们可以发现，黛安娜的课特点在“思维”，她跳出了点、线、面的思维限制，真正做到了“立起来思考”，一节音乐常规课加入月份的知识、生日、色彩、故事、律动表演等多种元素，使大家思维瞬间打开。我组教师与黛安娜共同制订了教研计划。每周三下午互上一节研讨课，每周双方的交流课都有意想不到的收获。通过十二周的研课，黛安娜突破语言障碍执教中国歌曲合唱课，我组教师用奥尔夫打击乐器进行合唱教学。批判性思维专家李文浩教授高兴地加入我组教研中，提出了宝贵的建议，使教师们的思维更活跃更宽广。
二、拓展想象空间
认知的起点是什么？知识构建。知识构建过程的起点是想象，每个人内在都有原创性想象，可我们在课堂中给学生的想象空间不够。音乐组决定以周五活动课程为载体，培养学生想象能力。我们用“人声艺术”启发学生对生活中声音的想象；用“音乐让我们一起”启发学生用游戏进行想象对话。经过学习，他们能用人声表现大自然的各种声音，不看其人只闻其声，就会有身临其境的感受，充分体现了孩子们对声音的良好想象。为了更好地发展学生音乐想象力，拓宽学生音乐视野，我校与美国科罗拉多州保德小学通过“在线”的方式，进行了音乐交流活动。通过音乐游戏表现不同的生活场景，让学生用自己的想象表达对音乐的理解。
三、拓展创造空间
仅有想象是不够的，学生的想象大多是片段的、跳躍的。有没有什么方法可以把想象变成逻辑的、理性的、有结构的，能够和课本旧有的、现有的知识连接起来？这就需要创造。把想象力变为具体的设计方案、操作过程及成果，做到“玩中学”“做中学”。简而言之，在乐器方面，让孩子们想象各种自然界的声音，用自制的乐器表现出来，如雷声用自制春雷鼓、雨声用自制雨声筒、小溪流水用自制七个音高小瓶等；在音乐能力方面，让学生将内心对生活的想象用作曲的方式表现出来。学生全年共尝试创作40余首曲目，其中《快乐的节日》等曲目深获专家们好评！教师们在教研方面集体改编杯子歌，在快版的基础上创编慢版的，集体创作两种圆圈舞，用于校园音乐节的活动。
四、拓展重构空间
课堂仅有创作够吗？还不够，还要有重构。想象、创造只是我们知识生成过程中的前两步。重构是什么？就是要把这些想象、创造过程中的东西提炼出来，整合出来，变成可复制的、有步骤、有逻辑、有结构的知识文本。我们进行了奥尔夫班级合唱精品课例设计与整合，将研究出的这些先进理念渗透到合唱教学中，使合唱教学更多元。在重构前，先深入分析教材，哪些合唱歌曲适合重构，重构后效果更好的先挑选出来，渗透什么奥尔夫元素，怎样渗透，音乐组教师先“玩”起来，一课多磨整合出精品课例。2016年4月，武汉市班级合唱精品课例展示活动在我校举行，音乐组每位教师都进行了课例展示，将我校音乐组在奥尔夫合唱重构方面的方法、经验向全市教师进行了介绍和推广。另外，音乐组的教师在本学年还利用教研及课余时间，整合创作了一本音乐游戏书，准备用于明年的音乐教学。今后，如何在专注于奥尔夫教学方式的同时，借鉴柯达伊、达尔克罗兹的优点、长处，以更好地提高学生音乐素养，是我们课程开发要思考和研究的方向。
（作者单位：华中科技大学附属小学）
奥尔夫音乐教学体系文献综述 篇7
关键词：奥尔夫,教学法,体系,音乐
卡尔·奥尔夫 (1895~1982年) , 当代著名的德国作曲家、音乐教育家。20世纪50年代, 奥尔夫的《学校音乐教材》正式出版, 创立了一种被称为“元素音乐教育”的新型教学体系。奥尔夫音乐教育体系, 是当今世界上流传最广, 影响最大的先进音乐教学法之一, 是一个独特的, 完整的体系, 对世界音乐教育产生了重大的影响。上世纪80年代初, 廖乃雄先生将卡尔·奥尔夫学校音乐教育体系介绍进我国, 为促进我国音乐教育改革发挥了巨大的作用。
一、奥尔夫音乐教育体系主要特点
(一) 综合性
奥尔夫认为, 音乐、动作和语言是一个不可分割的整体, 它们之间互相影响, 互相作用, 奥尔夫说:“元素性音乐永远不单是音乐本身, 它是同音乐、舞蹈 (身体动作) 和语言联系在一起的, 是一种必须由人们自己创造的音乐。人们不是作为听众, 而是作为合奏者参与到音乐中去。”臧琳佳和徐彩云认为, 在奥尔夫的音乐课堂中, 孩子们能够在老师的引导下将音乐与说白、律动、舞蹈、乐器演奏、戏剧表演, 甚至是绘画、雕塑等视觉艺术, 也是奥尔夫教学法的基本内容相联系, 最后综合起来表现出来。刘洋在《奥尔夫音乐教学法与传统音乐教学法的差异》中则举出了一个课程实例来让读者进一步地理解奥尔夫音乐教学法在综合各个学科方面所发挥的作用。樊潇潇则认为奥尔夫音乐教育体系的综合性不但适用于中小学生, 它适用于任何年龄段。
(二) 美育性 (感性)
奥尔夫音乐教育体系认为, 对学生进行美育, 就是对感觉系统进行的训练。谢平认为, 音乐欣赏的教学方法能引发学生的兴趣, 把音乐的重要内涵于无言中让学生体会到。金奉则认为, 重视音乐实践和积极参与是一个重要的内容, 审美愉悦是原本性音乐教育在情感体验方式上的重要特征。而这一点与我国古代乐教中的“寓教于乐”观点是相同的, 而且与我国现行的音乐新课程标准所倡导的人本主义思想相吻合。席书君也在《论奥尔夫音乐教学法》中通过举例, 具体论述了奥尔夫音乐教育体系感性的特点。徐彩云, 金奉, 隋清, 臧琳佳, 傅鸿, 娜仁其木格等人也分别在各自的论文中论述了美育性在音乐教学过程中的重要性, 它体现了以人为本的思想, 在这个教学的过程中, 音乐只是一种手段, 教育人、培养人才是目的。教育的目的是为了培养健全的人格。
(三) 即兴性 (创造性)
即兴创作是奥尔夫教学法的精髓, 这个方法在奥尔夫教学中, 既是特点, 也是原则。奥尔夫教学法非常重视对学生即兴能力的培养, 他明确提出:音乐教育重要的是学习的过程, 而不仅是结果。刘洋和娜仁其木格都在各自的论文中说道:“当老师给学生某个任务的时候, 他怎么做并不重要, 尽可能让他们按照各自的条件、方式、意愿做”。在这个过程中, 学生们利用的道具也是各具特色, 体现了奥尔夫独创性的特点。
二、奥尔夫音乐教育体系的教学方法
综合甄妍妍, 隋清, 陈庭星, 徐彩云, 娜仁其木格, 殷婕等人的论文, 可以把奥尔夫音乐教育体系的教学方法归纳为:
1、综合运用语言、动作、舞蹈、音乐进行教学, 即综合法。
2、即兴性。这个方法在奥尔夫教学法中, 既是方法, 也是原则, 每个活动都是即兴的。这个方法有利于培养学生对音乐的兴趣, 学习音乐的态度和自信心, 提高学生的创新能力。
3、始于开端的原则方法。奥尔夫教学活动中各种音乐要素都是从最简单的开始, 从人人均可参加的音乐活动开始。
4、从本土文化出发, 多元并举。这个方法与原则是说教学内容及教学手段要立足于本民族, 同时也要学习各国优秀的文化遗产。
三、奥尔夫音乐教学体系在中国运用的思考
傅鸿和樊潇潇还立足我国国情, 对奥尔夫音乐体系在中国的运用提出了思考, 他们认为:
1、中国传统的音乐教育思想磨损了学生独立创造的精神和能力, 变相地局限了学生的发展。而教学环境, 教具等硬件的欠缺也限制了奥尔夫教学法在我国的推广和发展。
2、幼儿园和学校懂得奥尔夫教学法的老师人数匮乏。
3、许多人不能正确认识奥尔夫教学法的特点。
面对这些弊端, 傅鸿和樊潇潇也提出了响应的解决措施:
1、学校在教学环境建设、教学硬件设备和教师培训等方面发挥职能, 为奥尔夫教学发在学校音乐课堂教学中的顺利进行提供保障。
2、师范院校音乐系要尽最大可能在音乐教学法的培训中尽快加入世界音乐教学体系的教学内容, 进一步提高中国音乐教育师资素质。
3、学校充分利用社会奥尔夫培训机构, 尽快为一线教师补课, 使研究成果与实际应用尽快接轨。
奥尔夫教学法中声势教学初探 篇8
1.奥尔夫声势教学法利用身体作乐器通过拍手、拍腿、跺脚、捻指等人体乐器和其他自然界中的声音把音乐表现的淋淋尽致, 活力活现, 激发儿童学习兴趣开发智力, 用这种教学方法把音乐回归自然, 享受这种音乐带来的乐趣。
2.奥尔夫声势教学是律动教学中的一种教学方法, 它能和节奏节拍组合训练, 培养学生心中稳定拍, 通过声势教学能引导学生发散思维发挥想象力, 把生活中的物品、声音、动作、语言都能融入到音乐中去。
3.这种教学方法培养学生主动创造的能力。在实施的过程中, 很多作品是靠团队的共同努力去完成的, 培养学生团结意识, 集体意识, 对孩子们的品行和道德修养也具有重要意义。
声势教学法是奥尔夫教学体系中的一种重要的教学方法, 运用在教学实践上, 主要通过人体乐器:拍手, 拍腿, 跺脚, 捻指等人体动作发出声响, 是奥尔夫中非常有特点的教学方法。它的基本形式主要有“拍手、跺脚、拍腿、捻指”四种, 当然现在发展出了更多的声势形式, 使人浑身充满音乐, 也锻炼了身体机能, 极具表现力。
一直以来, 音乐就是对美好事物和情感的表达, 所以它具有非常重要的作用。而中小学的音乐教学活动始终千篇一律、枯燥单一, 教师只会生搬硬套, 不能将先进的教学方法应用到实践中去。在我实习的这段时间对声势教学法的实践中, 音乐课堂发生了新的变化, 通过声势教学中的动作身体节奏训练极大的促进孩子们学习音乐的积极性, 使学生开始真正地喜欢音乐。以前对音乐课不感兴趣的学生现在也开始喜爱音乐, 主动参与音乐课堂活动, 音乐课在孩子们的欢声笑语中度过。经过这半年多的训练, 孩子们的节奏感、对音乐的感知力也越来越强。这就更加使得我会在以后的教学中多多运用这种方法, 带给孩子们乐趣的同时也教会了他们音乐知识。
声势教学法中的“拍手、拍腿、跺脚、捻指”等动作练习, 加深了学生对基本节奏的感知力, 而且还使孩子们体会到音的时值关系, 体验其中的节奏感, 理解不同节奏节拍的音乐。声势练习中培养了学生即兴创作的能力, 使孩子们能自觉主动地投身到语言、律动的模仿中, 对于孩子来说大幅度的夸张动作表演对他们有点难为情, 但做些简单的声势游戏教学, 他们还是非常喜欢的。声势教学法使音乐课本中枯燥乏味的知识变得有趣, 并真正具有音乐性, 不仅让学生快乐地学习了音乐, 更是通过音乐开发了学生自身的能力, 培养学生丰富想象力和主动创造力, 开发了学生潜能。
在上课的过程中我发现学生本能的唱、奏、演是很容易的, 而且通过这些表现能达到他们内心的满足感, 在这样的情况下老师就是他们的引路人, 所以需要我们教师运用新的教学方法去加以引导。学生在课堂中活跃起来, 那么音乐课的开展也达到了目的。当音乐课成为孩子们内心的追求, 那么学习起来就得心应手一些。声势中的动作练习看似简单, 每一步的动作难度的加深都是一种挑战, 而且我发现孩子们通过肢体的训练以及小组的配合, 他们越来越喜欢接受挑战, 把音乐的学习过程当成一种内心得渴望。在课堂上, 学生模仿自然界的声音, 形象有趣, 加上动作和伴奏形成了一曲动听的交响乐, 使他们乐在其中。所以说声势教学法是一种符合学生心理特点, 以人的本性出发去探索音乐的一种成功的教学方法。
随着素质教育的发展, 课堂教学改革也随之而来, 中小学音乐教育现状要靠每一位音乐教育者的努力。首先要改变传统教学观念, 挣脱守旧思想的束缚, 提高自主创新意识, 积极主动学习各地优秀教学方法如声势教学法, 并合理运用到中小学音乐课堂中去。用新的理念新的方法积极引导学生参与各项音乐活动, 抓住学生身心特点激发潜能。声势教学法课堂教学的引入取得了良好效果, 这也使得我们反思, 中小学的音乐教育应多采用创新的方式向前发展, 把课堂艺术与生活实际相结合, 引领中小学音乐教育向前发展。
奥尔夫教学法是一种先进而独特的音乐教学法, 其教学内容和方法是多样化的, 它的思想能和当地本土文化相结合, 这也是它能传遍世界各地的重要原因之一。
摘要：新中国成立以来, 随着社会制度的不断完善我国音乐教育事业逐步向前发展, 教学方法也日渐多样化。作为世界三大音乐教育体系之一的奥尔夫音乐教育体系以其自身的特点逐渐被人们接受和认可, 在中国各大城市中得以运用并取得很大的成果。声势教学法作为奥尔夫教育体系中的一种特色教学方法, 在课堂的运用中有颇多表现, 丰富了音乐课堂。
关键词：奥尔夫教育体系,声势教学
参考文献
[1]伍雍谊.中国近现代学校音乐教育.上海教育出版社, 2009.
[2]李妲娜.奥尔夫音乐教育思想与实践.上海教育出版社, 2009.
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[4]秦德祥.奥尔夫教学法中的“声势教学”.中国音乐教育, 1993, 03.
奥尔夫音乐教育思想的启示 篇9
关键词：教学实践；奥尔夫教学法；学习氛围
时代的进步，社会的发展，素质教育不断的普及，相对于小学音乐教学来说，需要不断地创新，进行与时俱进的变革，吸引孩子学习音乐的兴趣，让孩子快乐地学习和交流，在欢乐的课堂氛围中收获多样的学习成果，这样的学习方式，能够不断地提高孩子的综合能力，所以，采用音乐的教学方式和教学内容要科学有效，奥尔夫音乐教学法是小学音乐教学的正确选择，让孩子的兴趣和各方面的能力能够得到不断的提高和改善。
一、轻松愉快的学习氛围
传统的音乐教学活动总是把学习唱歌、掌握相关的音乐能力作为活动目标，活动过程中很注重具体知识技能的学习，这无疑会给学生带来很大的压力，创造宽松愉快的学习氛围谈何容易？而奥尔夫教学法恰恰使得这种奢望成为可能。在奥尔夫教学中，用得很多的一种活动是镜面模仿，比如：教学四分音符和八分音符的区别时，我们可以利用平步走和快步走的区别，但慢慢的我们会加入二分，即慢步走，或者其他声音，孩子们很热衷于这样听节奏随意的走动，他们会跟着音乐的变化做一些自编自导的动作，
甚至表演，乐在其中。这样自由自主的活动，不仅能舒缓孩子心里紧张的压力，促进个性发展，真正获得轻松愉快的学习氛围。
二、培养学生的创新能力
即兴演奏是奥尔夫教学方式的显著特征，基于打击乐器操作简单、具有单纯的和声且伴奏声韵的基础为固定节奏等特征，完
全可令小学生自主开展即兴演奏，对培养学生灵活奏乐、自主创造能力及协同合作能力极为有利。在“王老先生有块地”一课中，教师以故事串联音乐，孩子们利用各种音高的木琴与铁琴简单地表现，在其中有一个部分是孩子们的即兴创作，在王老师先生田里各种动物的叫声、欢呼声等等，孩子们利用自己所敲奏的乐器特点配合上动物的形象，自发地敲出属于他们自己的音乐，孩子创作的小宇宙被激发。在小学音乐教学中，我们不仅要培养学生的音乐创新能力，同时还要培养学生的想象能力以及发展学生的个性，不断地激发学生的音乐兴趣、学生自信心，为学生打下良好的音乐基础、全面培养学生的创造能力。
三、构建多元化的实践活动
音乐其实也是一门艺术，它是一门有声的艺术，如果仅仅是音乐课堂教学这是远远满足不了孩子的心理需求的，只有给学生提供更多实践机会，更多的学习空间，才能激发学生音乐的兴趣，满足学生的心理需求。在小学课堂上，教师应该制订好实践活动的方案，如：声势的训练，从一节音乐教育活动中选出一些声势训练让孩子做，课堂气氛活跃了，调动孩子所有的感官集中其注意力，并从中学到很多知识和道理，如让孩子左手匀速拍腿，右手比左手快一倍地拍腿，或者左手画圈，右手上下直线拍等等活动，不仅能感知音乐声部间多种不同时值的节奏关系，同时还能培养孩子协调的合作能力。奥尔夫教学提出：我们应将语言、动作与音乐融为一体，使得学生从中获得感受与体验，构建多元的实践活动，我们可以从这些方面入手，让孩子们在更多“原本性的音乐”中获得新知。我在教学“十个小印第安人”一课中，并没有固定式地编排动作，更多的是让学生即兴表演，比如，利用箱子创编舞蹈动作，利用课室的工具如扫把等，做篝火游戏，学生即兴地用肢体动作来表现真实的自我，我觉得即兴动作表演注重的并不是结果，而是过程，让孩子在“做”的过程中主动地学习，在“做”的过程中发挥想象力和创造力，又比如说，孩子对歌曲已经比较熟悉了，他们会随着音乐做律动，或拍手或跺脚，而在中间创编活动，我引导学生模仿印第安人的语言叫声或者他们的原始动作，这些简单的活动本身就非常符合孩子的年龄特点，为孩子所青睐，其实就是孩子天性的表现，也是奥尔夫教学提到的原本性的内容。
奥尔夫教学使我们的课堂更有趣、更“原本”，它的这种回归本性的教育理念和方式，也许可以让孩子们在“玩”的过程中感受音乐体验音乐，同时也能够通过这样快乐的“玩”让孩子们学会倾听、尊重和表达自己内心的想法，创造出属于自己的音乐。作为引导者的我们，可以把更多的奥尔夫音乐教育的发光点运用在我们的音乐教育当中，发展有特色的音乐教育，让孩子们能够发散自己的心灵，越来越具有创造力，让我们的音乐教育把“真、善、美”的精神传给孩子们，让他们能够在学习音乐的过程中净化心灵，陶冶情操，做全面发展的人。
参考文献：
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[2]詹呈.精彩源于开始：浅谈音乐课堂的导入[J].儿童音乐，2011（1）.
[3]常莉.以趣激学以美塑人：小学音乐自主探究式教学模式的实验与思考[J].儿童音乐，2009（9）.