平面设计的创新

平面设计的创新（精选12篇）

平面设计的创新 篇1

所谓的创新乃是以新发明、新思维应用为特质的创造性活动。“创新”一词最初源自拉丁语, 其承载了以下含义:更新;新事物的创造以及对原有事物的改变, 可以说, 创新活动集中体现了人类的思维活动与实践活动的独特价值, 并且是人利用自身知识与技能实现对客观世界改造的表现, 通过不断地创新活动开展, 使人类社会逐步实现了发展前行。对于任何民族而言, 其欲永远屹立于世界之林, 必须不断进行观念创新与实践创新。创新设计一词乃是指设计者藉由自身的创造力发挥, 通过对已有成果的颠覆性设计, 进而实现产品设计升级的一系列活动。

一、平面设计创新的三个层次

平面设计乃是设计者依托视觉沟通的方式, 借助不同文字、图片以及符号的综合化使用, 进而向观众实现信息传递的活动。对于平面设计创新活动而言, 其涵盖三个层次的创新。

第一个层次为平面设计理念层面的创新。这一层次的创新为所有平面设计创新活动中的最高层次, 以往的平面设计者在设计过程中往往只注意到设计产品的外观效果, 其后开始有意识地将产品价值、品牌价值融入于产品设计之中, 而现今的平面设计者在进行产品设计时较为关注人性化因素的引入, 此即平面设计理念创新。

第二个层次, 技术表现方式的创新。随着技法、材料、工具的进步, 可以让设计作品表现出突破常规的效果。而表现形式的多样化, 既可以使设计作品的表现更加绚丽, 同时更多的表现形式也可以使设计师有更大的创作空间。比如, 传统的标牌往往是金属字做成, 缺乏变化。后来有了亚克力材料, 晶莹剔透, 非常漂亮, 于是就产生变化。

第三个层次为视觉语言层面的创新。基于平面设计的角度来看, 设计过程实际上即是藉由图形实现语言表意抑或是藉由语言实现图形表意。因此可以说, 平面设计者在设计时便会展开想象, 尽可能地发掘最佳视觉语言表意素材。平面设计者通过图形表意创新、文字表意创新以及色彩表意创新的形式实现视觉语言创新, 同时在选用前述素材进行设计时, 务求突破常规设计范畴, 尽可能地以简约的设计承载更为丰富的作品内涵。

二、平面设计创新的主要方向

1. 创新思维

研究者吴尚君在论述平面设计创新思维时做出过这样的论断, 其认为任何平面设计要想实现对观众的吸引, 则必须进行积极的创新, 以便使观众不断更新的审美诉求得到满足。然而设计创新对于平面设计者而言, 意味着艰辛的付出过程, 每一个成功的创新背后, 无不凝聚着平面设计人员的智慧与汗水, 而作为平面设计人员之所以应当创新, 目的便是走出机械模仿他人设计作品的巢窠, 进而确保设计作品的原创性。从国内平面设计界的实际情况来看, 整个业界充斥着大量的跟风设计、模仿设计, 原创度极低, 相当一部分平面设计人员甚至直接套用国外成熟的设计作品于自己的作品之上。创新的确需要勇气和大无畏的精神, 不按部就班的做设计, 设计作品才会精彩。人们常说要站在巨人的肩膀上, 以此表示要总结前人的经验, 学习前人的优点与成果, 但是这并不完全适用于设计中来。当代设计师不仅需要吸取前人的设计经验, 更要有在“大师面前有疑”的精神。古往今来许多的科学家的成功就在于敢于否定和质疑前人的观点。从否定”大陆均衡说”, 提出”大陆漂移说”的魏格纳到否定“地心说”提出“日心说”的哥白尼等。大师们的理念与观点是大师们经过几十年的积累、实践所总结出来的, 这些对我们来说都是宝贵的精神财富, 但是当代设计师更要在学习借鉴这些理念与观点的同时提出自己的疑惑, 不要盲从, 这样才能更好地创新, 做出优秀的设计作品。

2. 创新内容

(1) 融入传统文化的设计创新

我国乃是历史悠久的历史文明古国, 在几千年的历史进程中形成了独具特质的中华文化。尤其是中华传统艺术在今时今日依然展现出迷人的魅力, 因此, 在全球一体化的当下, 平面设计人员应当从民族传统优秀艺术文化中汲取养分, 获得灵感, 进而将优秀的民族文化要素融入于平面设计作品之中, 使作品焕发出独特的民族艺术感染力。具体到优秀民族艺术文化要素的素材选取方面, 平面设计人员应当注重遴选能够体现中华民族历史的、彰显民族特质的相关设计素材, 这些素材能够集中体现出中华民族传统艺术文化要素的特质, 从而使平面设计人员所设计的作品彰显出易于为人所识别的民族元素, 进而体现出作品的创新性。

(2) 融合外来文化的设计创新

在全球一体化的当下, 各种域外文化相继涌入我国, 在对待外来文化的态度上, 不应当简单地加以摒弃, 而是应当秉承拿来主义的精神, 对优秀的外来文化加以吸收, 对糟粕文化自觉予以规避, 唯有具备此种开放性的态度, 才能够推动中华传统文化在现时代焕发出全新的生机, 同时又能够使传统民族文化在同外来文化的融合过程中形成文化升级。有鉴于此, 平面设计者在作品构思与设计选材过程中, 不应当将视觉局限在民族文化的范畴之内, 而是应当放开眼界, 积极从优秀的外来文化中吸收设计精华, 从而丰富设计作品的内涵, 使作品更具感染力。此外, 之所以平面设计人员应当在作品设计过程中积极融入外来文化因素, 原因正如人们所常说的那样:只有民族的, 才是世界的, 文化只有在不断地交流与融合中才能得以存在和发展。例如, 日本的平面设计, 在世界的设计领域中也可谓是独树一帜。在吸收、融合外来文化的同时, 依然保持着浓郁的东方风情和本民族的传统特色, 相当一部分设计作品凸显出鲜明的传统文化特点。这些作品极其重视汲取传统文化的精华, 将本民族传统文化中的不同艺术样式的表现词汇兼收并蓄, 融会贯通在现代平面设计之中。

三、结语

创新, 对于设计来讲并不是凭空想象, 更多的是继承发展。借鉴学习是必经之路, 但是简单抄袭, 本本主义那是永远行不通的, 企业也无法做出自己的特色, 无法做强做大。为此, 在平面设计中, 企业和设计师都应该不断创新, 获得更有序的发展。

参考文献

[1]和钰.平面设计创新思维启发模式探究[J].大舞台, 2015 (2) .

[2]赵红玉.浅谈创新思维在平面设计中的重要性[J].艺术与设计:理论, 2009 (4) .

[3]奚晓.论平面设计中的创造性思维[J].河南财政税务高等专科学校学报, 2009 (6) .

[4]刘俊.从平面设计的“边缘模糊化”趋势探究现代平面设计的发展方向[D].上海师范大学, 2012.

[5]马方春.试论色彩、图形、文字在平面设计中的运用[J].艺术百家, 2011 (S2) .

[6]刘铁梁.民俗文化的内价值与外价值[J].民俗研究, 2011 (4) .

[7]苏楷晨.中国传统民俗元素在平面设计中的表现[J].当代艺术, 2011 (3)

[8]唐闻.平面设计作为二维存在价值的回归与思考[D].东北师范大学, 2013.

平面设计的创新 篇2

近年来，国家对高职院校的重视程度日益提高，高职院校教育已步入快速发展道路。作为艺术类的基础学科，平面设计专业教学与一般专业有很大区别，除了要求学生能熟练操作电脑及相关软件外，还对学生的设计思路有很高要求。但是当前高职院校在平面设计教学中还存在着一定问题，对高职院校培养高素质的平面设计人才非常不利。本文结合高职院校学生实际和教学特点，提出了创新平面设计教学的策略。

一、平面设计概述

平面设计是视觉语言，是集专业性和艺术性为一体的综合视觉表现。平面设计是在二维空间进行的设计活动，以视觉作为交流和沟通的途径，把符号、色彩、图形和文字等信息整合在一起，通过一定的设计方法和创意达到传递信息或思想的目的。平面设计在西方发达国家已有几百年的发展历史，并历经美术—工艺美术—商业美术—美术设计—工业及艺术设计等多个发展阶段。我国的平面设计是从20世纪80年代中期开始的，到现在也才有30年的发展历史，还处于初级发展阶段。随着社会经济的发展和进步，平面设计的产品越来越受到人们的喜欢和关注，其价值和作用也逐渐凸显出来，并引起了企业、商业和文化界等行业的重视。尤其是近年来，网络信息技术促进了平面设计专业的迅猛发展，平面设计逐渐发展成为网络平面设计，并呈现出用视觉、听觉、互动视觉传递全球化信息的特点，通过整合多种文字及图片信息给人以强烈的视觉震撼力和吸引力。就当前高职院校的平面设计教学而言，在认识与方法上还存在着误区，对实验性及探索性教学的重视程度不够，教学过程缺少原创性空间和探究式学习，学生在作品创作时缺乏创意，不利于综合能力的提高和创新思维的培养，阻碍了学生创造力的发展。因此高职院校平面设计教学亟须创新。

二、高职院校平面设计教学现状

（一）高职院校平面设计专业课时较短

当前我国高职院校的学制设置一般为三年，扣除正常的暑假、寒假、星期天及法定节假日，学生每年在学校的时间也仅仅半年而已，再加上学校还安排学生进行实践活动，如实习和顶岗实习等，而且很多学校在大三时都安排学生进行校外实习，很多学生实际上就是参加了工作，因此学生正常的课程学习时间也就一年多点。在这有效的一年学习中想要合理安排学生学习专业知识、掌握专业技能，显然时间是不够用的。

（二）学生文化课水平相对较差

平面设计专业对学生的要求较高，除了先天的艺术素养和超前的设计思想外，还要能够熟练地操作电脑及相关软件。因此，对平面设计专业的学生而言，掌握的知识越多越有利于产生设计创意和灵感。但是高职院校的学生相对本科院校的学生来说文化课和专业课水平较低，有的学生甚至不能熟练地操作电脑，更别说运用设计软件了，这在很大程度上制约了教学工作的开展，并最终影响教学效果。

（三）教学方式落后

平面设计专业需要学生有先进的设计创意，这样才能使学生产生创作灵感。但是目前大多数高职院校仍采用传统的灌输式教学方式，教学过程仍以教师的理论讲解为主，学生只是被动地接受知识。这种落后的教学模式对平面设计专业来说是非常不利的，因为学习习近平面设计需要学生的创新思维，而学生静坐在教室里会丧失思维主动性，完全失去了创新意识。而且，平面设计专业注重实践活动和实际操作，只有在实际创作中才能激发学生的思维，从而产生创作灵感。

（四）高职院校平面设计专业缺乏民族特色和文化内涵

由于我国开展平面设计教学的时间相对较晚，在教学过程中会不可避免地模仿和借鉴西方国家的教学内容，这对平面设计教学有积极的推动作用。但是有些院校在平面设计教学中缺乏民族特色和文化内涵，这不利于平面设计专业的发展。近年来，很多高职院校已经认识到中国传统文化在平面设计教学中的重要作用，并呼吁在平面设计教学中融入中国传统文化的精髓和中国元素，以更好地体现我国的文化性和民族性。

三、高职院校平面设计教学的创新策略

（一）转变教学理念，加强对学生创新能力的培养

要想使学生在平面设计上创作出好的作品就必须有良好的创新思维和创新意识，也就是学生要拥有创意能力，善于用新方法、新思想设计出独具特色和创意的个性作品。因此，在平面设计专业学习中，教师要积极转变教学理念，把学习理论知识和参加实践活动有机结合起来，注重培养学生的创新思维能力，使学生不但掌握丰富的理论知识，而且也具有较强的创新能力。同时，在教学过程中要加强培养学生的美学素养，使学生具备良好的色彩、造型及点线面组合等基本技能，为学生更好地进行平面设计奠定坚实的基础。

（二）创新教学手段，提高学生的自主学习能力

教师要摒弃传统的灌输式教学模式，走出“教师讲—学生听—布置课后作业”的教学困境，善于引导学生从不同角度和视野观察事物，通过任务驱动、项目引领、创设逼真的教学环境等方式激发学生的创作灵感，使学生能够用不同形式来表现事物。在教学中要发挥学生的学习主体作用，通过设置教学目标让学生分组讨论，鼓励学生大胆讲述自己的.设计理念，以彰显学生个性，激发学生自主学习的热情，从而拓宽学生的视野、优化学生的思维、培养学生的创新能力。

（三）丰富教学内容，使学生积累和储备更多的知识

平面设计是一个综合性创作过程，需要学生拥有多领域、多学科知识。因此教师要不断丰富教学内容，提倡学生广泛学习和涉猎多方面知识，以便有更多的知识储备。在教学及实践过程中，要引导学生善于观察事物，从不同角度对事物进行构思，多方面搜集和积累知识，以培养学生的创作思维，用超前的创作意识和丰富的知识创作出优秀作品。

（四）注重培养学生的感悟能力

所谓感悟能力就是指创新意识和思维，具有创造性活动，要有积极主动的创作态度和创作意识，这也是进行平面设计的前提和基础。创新意识和创新思维贯穿于平面设计的全过程，因此教师要注重对学生感悟能力的培养，通过观摩和临摹优秀作品、观察客观事物、多媒体教学手段等方式培养学生的创新性思维，激发学生的学习热情。

（五）结合学生特点研发适合学生实际的教材

当前，平面设计专业所使用的课本一般都是高校的通用教材，然而高职院校和普通高校的学生在认知能力、接受知识及个人素质方面都存在着一定差异。因此高职院校的教师在遵循教学和专业规律的前提下，要结合学生特点研发适合本校实际的教材，同时要融入民族文化元素和传统文化，体现中华民族特色和文化内涵，培养学生走平面设计的“中国之路”，使平面设计专业得以健康发展。总之，高职院校担负着为国家培养高素质人才的重任，在全面推进素质教育方面发挥着重要作用。为了更好地适应社会发展的需要，高职院校在平面设计教学过程中，要结合学生特点和专业实际大胆创新，把理论教学和实践有机结合起来，使学生不但掌握丰富的理论知识，而且拥有较强的实践能力和创新能力，从而为社会培养更多的平面设计专业合格人才。

参考文献：

［1］齐平.高职院校平面设计教学现状探讨［J］.科技创新与应用，（1）.

［2］刘静瑜.初探高职平面设计教学与创新［J］.科教文汇，（23）.

平面设计的创新 篇3

关键词：逆向思维;创意;影响

中图分类号：J524 文献标识码：A 文章编号：1671-864X（2015）03-0073-01

一、思维用于改造和改变世界

逆向思维也叫求异思维，它是对司空见惯的似乎已成定论的事物或观点反过来思考的一种思維方式。敢于“反其道而思之”，让思维向对立面的方向发展，从问题的相反面深入地进行探索，树立新思想，创立新形象。当大家都朝着一个固定的思维方向思考问题时，朝相反的方向思索的思维方式叫做逆向思维。人们习惯于沿着事物发展的正方向去思考问题并寻求解决办法。其实，对于某些问题，尤其是一些特殊问题，从结论往回推，倒过来思考，从求解回到已知条件，反过去想或许会使问题简单化。逆向思维有三个特点：普遍性，批判性和新颖性，特性引导下的逆向思维效果更好。

二、创意思维与逆向思维对艺术作品的影响

（一）思维的创意性

许多艺术作品中都有运用各种思维方式所完成的独特的艺术效果。创意思维是艺术设计的灵魂。艺术设计是指通过艺术的手段，对于人类生活的环境和设施、使用的器皿和工具、穿着的服装和配饰等与生活相关的诸多方面，在实施加工制作之前的统筹设想与计划的过程;也可以说是从事创造活动之前的主观谋划过程，是包含着文化创造特征的设计活动。因此，艺术设计在本质上是一种具有“创造性”特征的高级思维活动。一切艺术活动都具有“创造性”的特点，设计也不例外。设计思维是一种创造性思维，借助于具有创造性的形象思维，依据设计的目的，设计条件，形式结构等因素展开设计思路，设计本身是一种创造活动，设计的过程就是创意思维实现的过程。在艺术设计的过程中，没有思考的创新，就没有设计中的创意也就无法设计出优秀的艺术作品。

（二）逆向思维在艺术作品中的实际运用

下面将对一件招贴作品进行分析，作品名为《victory》，是日本艺术设计师福田繁雄最著名的反战作品之一。福田繁雄的作品经常运用错视原理，他善于运用图底关系、矛盾空间等原理，将不可能的空间与事物进行巧妙组合达到视觉上的新效果，将合理与不合理充分融合打乱然后重组从而创造出奇异的视觉形象，在看似荒谬的视觉形象中透出其理性的思考，秩序感和连续性。《victory》是福田先生宣传反战的名作，给人第一印象就是怪异但有其强大的逻辑体系。作品表现的是一颗本应从枪口发出的子弹却掉头对准枪口在射击，配以饱和但不失醒目的橙黄色。黄色本身就有警告，提示注意的意义和感觉，与枪口和子弹的纯黑搭配更给人以强烈的视觉刺激，从而警醒人们战争是残酷的，永远不会带来快乐，并且给人带来了太多的伤害。

从设计的角度来看，子弹作为点，枪杆为线，而整个背景的黄色为面，这种布局在面积上大小有别，在色彩上也有很好的区分，更加增加了强调性，方向感上也有所对比。令人看上去不会因为布局而有所不适或是觉得不够强调。整幅作品给社会带来了很大的社会效益，他提醒人们积极地拥护和平、反对战争。作品在设计方面也有重要的提示作用，这幅作品也正是上文提到的逆向思维的典型作品，设计就在生活之中，就看你是否能发现。要打破常规、逆向思维，注意一些构成的理念，会使作品更加有深度。逆向思维是作品创作中影响重大的因素，出色的设计师要时时注意这些可以进行逆向思维的地方。

三、应当怎样运用逆向思维做出好的作品

（一）想象力的培养

一方面要做到保持和发展好奇心。好奇心是人与生俱来的，只是人小的时候因为对各方面知识的积累的还不够，好奇心理显得特别强。很多新的想法和形象都是在平时的观察和生活当中自觉潜移默化，再通过联想、异想等脑部思维活动达到飞跃，形成与众不同的想法。知识具有一定的广度是其另一方面。扎根在知识与经验上的想象，才能闪耀思想的火花。经验越丰富，知识越渊博，想象力的驰骋面就越广阔。只局限于单门别类的科目是不够的，人类历史、考古、各国的神话传说、动植物学、自然科学、医学、等人文、自然科学方面的知识。

（二）发散性思维的培养

培养逆向思维的基础不是单一的，必须所有思维方式同步发展学习才能有更好的设计成果。总体来说是以逻辑思维为主的发散性思维，所以在培养逆向思维前奠定基础是必要的，应着重以下几点：思维的流畅性的培养，灵活性的培养和独创性的培养。

（三）逆向思维的培养

逆向思维法是相对于习惯思维而言的，也就是从相反的方向来考虑问题的思维方法，它常常与事物常理相悖，但却达到了出奇不意的效果。逆向思维是最活跃的组成部分。逆向思维必需的一个要素是“联想”，因为“联想”是“逆向思维”的前提之一，同时也要和想象区别开，它们的不同点在于：想象是严格的形象思维形式，而联想则不然;想象的过程中，从一事物到另一事物必须使用形象思维形式，而联想可以是具像的，又或抽象的概念;在想象过程中，不仅可以创造出从未有过的形象，而且还可以创造出曾经有过但人们又未曾见过的事物形象，而联想既可以从一事物不仅是形象上，更可以是观念上想到别的事物，但不可能创造出未曾有过的事物形象。联想可以是多方向的非线形的思维方式;联想还可以构成比较复杂的心理结构，对于艺术设计的逆向思维培养应从三个方面着手：第一，反转型逆向思维法：这种方法是指从已知事物的相反方面进行思考，常常从事物的功能、结构、因果关系等三个方面作反向思维;第二，换位型逆向思维法：这是指在研究一问题时，由于解决某一问题的手段受阻，而转换成另一种手段，或转换思考角度思考，以使问题顺利解决的思维方法;第三，缺陷逆向思维法：将缺点变为可利用的东西，化被动为主动，化不利为有利的思维方法。这种方法并不以克服对象的缺点为目的，相反，它是化弊为利。

（四）激发自己的创作灵感

潜意识是指人们长期积累起来的、储存在头脑中的一种能力，创造性的思维是由有意识活动和潜意识活动交织构成的。潜意识在暗中支配着意识，直到灵感的闪现。潜意识和灵感有直接的联系，它是灵感产生的基础。这一要素也可锻炼提高逆向思维的出现。

参考文献：

[1]刘鑫，姜雨佳. 逆向思维的设计表现[J]. 艺术教育，2012，05：135.

[2]刘宇. 艺术设计中的逆向思维[J]. 艺术教育，2012，08：150-151.

[3]陈青青. 逆向思维在广告信息传达中的趣味性分析[D].湖北工业大学，2012.

平面设计教育的改革与创新 篇4

一、平面设计教育的现状分析

首先广告人才短缺问题己经成为许多广告公司发展的最大瓶颈, 火爆的广告教育的出现为解决这点做出了巨大贡献, 但是广告行业表面的繁荣与广告设计教育本身薄弱的根基形成的反差很快凸现出来。而平面设计又是广告设计中的重要部分, 回顾现在的平面设计教育, 首先从学校院系上就人为地分离了互相联系的内容, 培养出的学生或许在某一方面学得不错, 并能学以致用, 但是单一的知识结构显然离社会对学生综合运用能力的要求有差距;其次仅从艺术类院校的平面设计课程看, 模式、形式到内容都十分相似;再次学校供给学生的也几乎是与社会绝缘的知识, 平面设计领域的变化是翻天覆地的, 而教学内容只能针对过去或正在发生的事情, 它是受到时效限制的, 教师教的内容很可能在学生毕业前就己经被社会淘汰了。

总之, 中国现实的平面设计教育状况令人难以满意。市场不满意, 主要是人才数量和质量不能适应市场需要的问题;业内不满意, 最核心的就是没有一个基本可以成为指导思想的设计教育理论, 教育的方向还无法清晰透彻, 教学方法还不能适应设计教学实践的需要。

二、平面设计教育改革与创新初探

(一) 设计教育模式的改革

在中国的教育模式中, 一直以来都是文理分科的体制, 这种教育体制所体现出来的局限性是不言而喻的, 我们现在可以转变一下思维方式, 打破文理科界限, 把艺术设计教育统一起来, 都用一个标准确定教育对象和教学方法。这样既能避免学生接受知识上的偏差, 也能衡定各类学校的师资和教学水平, 同时也使学生来源得到合理配置。

在具体教学课程的设置上, 也应该打破现行的画地为牢的方法, 艺术院校的设计专业要开设相关的工艺课程, 工科院校的设计专业也要开设更多的美术基础课程, 专业之间要有更多的融通性。在教学中, 应以专业设计为主线, 向基础课要可能性, 而基础课教学以设计思维为基础, 要重视设计理论和设计基础, 基础是根本, 基本理论、基本技巧、基本知识三位一体, 缺一不可。理论要学习、感悟, 技巧要磨练, 而知识是渊博的, 从三者的结合中获得审美体验、提高审美素养, 将积极向上的情感倾注在设计作品中, 渗透在社会的方方面面, 使人们的物质和精神在现实中取得平衡。

(二) 平面设计的素质化教育

平面设计活动不仅需要自身专业的支撑, 而且需要其他相关学科的支撑, 它本身也逐渐渗透到其他领域。如计算机科学为平面设计提供了优秀的电脑设计系统, 而平面设计又为人机互动提供了便利。电脑中的操作系统从纯DOS界面过渡到WINDOWS视窗后, 虽然其内部使用的仍是各种代码符号, 但最终所形成的人机交互很大程度上是通过平面视觉视像来完成的。在学科边缘逐渐弱化的今天, 平面设计不但融入了诸多学科的内容, 其本身也逐渐渗透到其他学科内容当中, 所以设计基础应该被作为一种基本素质而被大众所认知;作为一种视觉语言, 它应该像大众运用口头语言交流一样在各相关领域中被广泛了解和运用。伴随着平面设计技术进步与视听媒介的发展, 平面设计在大众的意识形态里逐渐从纯绘画艺术中分离出来, 其工业理性因素告知了它不再是“捉摸不透”的纯粹意识形态的视觉表述, 而是有规可循的设计科学。设计教育的发展, 在经验积累与总结基础上形成的与平面设计相关的形式法则与规律就是缘于此的成果, 同时它也构成了平面设计作为现代大学素质教育可资借鉴和利用的理论基础。当然, 平面设计素质化教育并非否定它专业化教育的重要地位, 而是缘于平面设计是设计者与受众互动的特定过程, 只有他们从视觉审美意识层面上达成共识, 才能催发平面设计的整体进步。

(三) 平面设计教育与现代化技术相结合

中国经济的蓬勃发展, 推动了平面设计教育的发展, 国外现代设计教育的成果与经验对国内产生很大的影响, 设计教育在高等教育中受到重视, 而平面设计教育不仅仅是设计的技法教育, 也是一种创造思维和能力的培养与教育, 要培养学生对现代科技与艺术的客观把握能力, 用战略眼光捕捉与设计、教育相关的社会问题, 树立真正意义上的创新意识、创作自信及正确的学习态度。在现代平面设计领域, 计算机技术与艺术互相促进, 缺一不可, 技术是促进和完善艺术创作的重要条件, 是一种工具, 是一种艺术创作的辅助手段, 真正起决定作用的是创作者的观念和思路。

在教学过程中要充分利用现代化的教育媒体一一网络, 向学生传授课程内容涉及的最新学科前沿知识, 创造良好的学术氛围, 做到教与学的良性互动。教师利用网络可与世界一流的设计中心和设计院连接, 获取最新的资讯与多方面的交流。要将计算机、辅助教学 (CAI) 多媒体、网络信息应用于教学, 使学生及时了解掌握本专业前沿的学术动态, 增强获取信息、分析信息、处理信息的能力。在教学方法上, 要向学生传授自己的学习方法, 采用诱导、对话、讨论、启发的方式, 激励学生热爱学习;倡导科研实践, 砥砺学生的创新精神、独立思考和解决实际问题的能力。另外高校平面设计教育的改革与创新要求教育工作者在掌握现代信息技术的同时, 更新教育观念, 提高教学质量, 增强科技开发能力, 以全新的姿态迎接教育领域的新技术革命。

三、结语

总的来说, 我们要培养符合时代的平面设计人才, 培养具有创新精神与创新能力的高级专门人才, 我们必须明确设计既涉及逻辑思维又涉及形象思维, 它既有技术性、艺术性, 还有文化底蕴, 把握好三者的结合是教师教好同时也是学生学好设计专业的关键, 只有以大文化背景和实践能力为基本着力点, 才能保证设计教育发展的健康性。

21世纪将是一个崇尚设计的新世纪, 未来设计将以什么样的面貌出现, 是我们每一位从事设计教育事业人的共同使命, 我们要不断提高自己的研究学习能力, 不断总结经验、不断创新, 为艺术设计教育美好的明天而不懈努力。

摘要：本文针对平面设计教育中存在的一些问题, 分析其中一些不合理因素, 提出关于改善平面设计教育的一些建议, 目的就是提高学生的综合素质, 以便适应社会需求。

关键词：平面设计,教育,改革

参考文献

[1]门小勇编著.平面设计史.长沙:湖南大学出版社, 2004.

橱窗设计的创新构思 篇5

在开始进行模特转盘摆设时,根据摆设的主题要求开展如下工作。

一 模特转盘摆设主题要明确。

确定好模特转盘摆设的主题是橱窗摆设里面的中心环节，是摆设主要线索，是开展和打开摆设思路的引导主线，是立意的主要线索，主题是一个橱窗要展示内容所表达的主要思想，也是向人们传递的理念。各种各样色彩的应用、形状的设计、空间的安排、陈列的方式都是绕着主题来设计的。主题不明确的模特转盘摆设会给人感觉零乱、无章、平平淡淡，也很难吸引过路消费者的眼球，因此主题的确立是相当重要的。

1、要从自身商品的特点、性质来确定橱窗摆设的主题，可根据经营类型，自身商品品种和特色来展现商品的经营特点。

2、从社会流行趋势出发来确定主题，使橱窗陈列的展现方式，艺术形式能与时俱进，常看常新的感觉。

3、学会依据季节和节日来确定橱窗的主题，根据季节的变化和节假日（如国庆节、中秋节）更新模特转盘摆设和推广主题，来表达一个商业环境的随季节和节假日更新的变化。

4、从商品用途等方面确立主题，在商品的用途，种类和属性等方面，在专业或综合展示方式为主题，也可以从商品展示的附带关系来塑造主题。

二、橱窗陈列的艺术形式

什么是橱窗陈列艺术形式？主要是指橱窗陈列布置的组织方式和表现手法，这里面包含了主题展示的商品，展示商品用的各类展示道具（如模特或者服装）、装饰的方法、标题及方法等方面的构思设计，这是主题确立之后的首要工作。选择适合表现主题的陈列艺术形式，橱窗陈列艺术形式主要来自设计师的设计基础，对造型方法和设计想象能力也是设计经验和对各种设计表现手法的组合能力的表现，是体现一个设计师的平常橱窗设计中对表现方法的积累和艺术修养，不同的设计师有不同的表现手法，但最终的设计思路应围绕主题而展开。

设计的传统与创新 篇6

从一月的科隆、巴黎转至米兰、高点，上半年度的家居展陆续落下帷幕。虽然欧洲经济遭遇严冬，但官方数据显示，观展人数并没有大幅度的减退。在上半年展讯前后，编辑部收到的大部分国外邮件都是国外参展设计师发出的热情邀约——巴黎见或是米兰见。而与这股热潮相对的是国内设计师、家居品牌商的大势组团。他们奔赴米兰、巴黎等时尚之都，“朝圣”观展，亲身感受设计与商贸的氛围。浸染、学习、启发……，设计师们努力地在为下年度的设计创意寻找新的切入口。

在国内，很多媒体将焦点对准了“原创”，我们则希望能更多地挖掘“学习”的基点，透过国外观展经验的分享与梳理，认清国内外的差距和不足。我们也注意到，部分国内的原创品牌正在逐渐转变角色，试图扭转自身的发展困境。而室内设计师们的看展角度则更为自由、放松。因为大多数高端展会已经不仅仅是商贸的聚集地，亦是设计交流和趋势发布的平台。2013年，欧蒂娜·戴克在巴黎家居博览会风头一时无两，让·努维尔、库哈斯、安藤忠雄等名家也在米兰家具展大放异彩。跨界合作成为这些展览的焦点，让·努维尔为Artemide设计了Objective灯具、库哈斯与Knoll品牌合作推出咖啡桌，TomDixon探讨低碳节能的模式，与曼佳美合作设计了Cell灯饰等等，预示着设计师正在通过空间设计的发散思维，为产品设计带来丰富的多样性。

同时，观展模式也变得愈发立体，设计师们关注的焦点除了造型，还将更多的精力放到了设计交流上，关注传统与创新在设计话语体系上的演变，琢磨着新的面料、材质、技术的运用对设计趋势潮流的影响。当他们反转过身来，透析国内设计展会的现状，当能有更多的洞察和体悟？本期我们邀请了来自台湾、上海、杭州等地的设计师就国内外观展的不同体验进行分享。

曾传杰

每一次到国外，透过视觉搜索，收集更多的资料、情报，在嗅觉、听觉、触觉的体验上，留存一些很有创意的画面，将这样的感觉运用在未来的设计中，更容易获得客户的满意与认可。出了国就好象回到未来，知道未来的趋势、走向，只有看过未来发展的方向，你才可能创造未来。

来自国外展会的设计冲击

现代装饰杂志社：上半年的展会，各位去看过哪些展会？用几个关键词评定下各个展会的特性。

曾传杰：上半年3月18日我受邀去广州国际家具展担任评审。4月初参观了上海国际建材展，4月9日与中国装饰协会组织的精英设计团队赴意大利参加米兰设计周。5月份回到台湾参加台湾建材展。简单来说，广州国际家具展属于内地市场的展览，我负责评审厂商的设计部分，这些家具多半是仿制，设计样式还多半停留在对2011年的国际设计样式的仿制上，还有少部分的原创。上海国际建材展是与台湾设计师凌子达一起去的，它的规模在慢慢扩大，参展的厂商水平也达到国际化，看到很多富有特色的建材产品。相较于内地，台湾的市场小，台湾建材展的规模也较小。在未来，我觉得内地和台湾这两个地方的市场，会以内地为主。

米兰设计周当然是上半年比较重要的活动，每年我们都要参加。虽然现在它的规模有点萎缩，可是每一年它都呈现出很多新鲜的事物、建材或是思考的方向、时代趋势潮流的发布等，值得我们去学习、参考。

张林：刚刚从米兰家具展回来，它融合了设计、家具和相关设计领域的高端学术研究和顶尖商业活动的演示，在空间的材料、展示的方式、建筑的形式上，都有着极高的价值；若要用几个关键词来评定这次的展会，那就是：时尚、简洁、自然、新奢华主义。

杜洪涛：简单来说，米兰家具展可用几个字来概括：简洁、精巧、亮丽。它以概念设计的展览形式出现，同时也兼顾了商业展示与品牌传播。

现代装饰杂志社：听一些设计师朋友说，米兰或是巴黎的展厅已成为了圈内朋友见面的又一场域。各位是自行出发，还是组团去的？谈谈策划出行及展会上的一些趣事。

曾传杰：在米兰，确实很有意思。展会期间，在街道上行走或在威尼斯都能遇到内地的知名设计师，很多人都参加了米兰设计周，像陈志斌、凌子达等，大家一起共襄盛举，说它是圈内朋友见面的场域一点也不为过。

这次的米兰考察团是由中国装饰协会主办的，成员都在国内具有一定影响力和知名度，像陈耀光、马克辛、琚宾等。同时，中国装饰协会也策划了与米兰大学和威尼斯大学的联谊活动，非常有意义。这是我第一次参加国内考察团，觉得安排得很好。有趣的是，我们在米兰还碰到了台湾室内装修专业技术人员学会的谢坤学理事长，大家聚在一起，聊了在米兰观展的心得。

张林：我们是自发组团前往。作为世界家具设计顶尖展会的米兰国际家具展，在业内被誉为全球第一的家具、装饰盛会。所以对于我们来说，这不仅仅是一个展会，更像是国内外同行友人的欢聚会。与往年相比，观展的亚州面孔相对往年多了很多，并且在这些面孔当中绝大部分为中国人，这也从侧面说明了国内设计师思想观念的一个质的转变。

杜洪涛：组团去的，在展会中的确遇到了许多国内同行和朋友。大家为着同一个“目的”来到这里，或者没见到面，却在微信中看见。彼此都知道在米兰，却又因行程关系没法碰面，两个字“匆忙”。在看展的过程中也是如此，大多数本着“浮光掠影”“求贤若渴”的执着态度，一路“咔嚓”，可能想着回去再细细品味。

现代装饰杂志社：大家觉得今年的几个展览在哪几个部分有亮点，又或者呈现出哪些有趣的设计趋势？

曾传杰：首先是广州国际家具展，它有一个创意展览区，展示有国内设计师自行研发的创意产品、家具，包括广州美院学生的展示，有部分作品已非常成熟，这是有亮点的。台湾展的规模很小，主要着重于环保和绿建筑方面，还算比较有看头，其他的部分因为规模太小，和产业连接的部分比较少，没什么可提的。

这次的米兰设计周有家具、灯具和其他的像绘画展等部分。我觉得最精彩的要属灯具展。灯具量体小，但很容易开发和创造。这次的米兰家具展，和往年相比较，相差不大，没那么惊艳。倒是灯具展中，展出了很多新的灯具概念，除运用光学原理做出一些效果以外，造型活，创造性广。这是在中国内地及台湾的展览上看不到的。当然米兰还有一个更精彩的绘画展，它展现的多为原创作品，包括学生作品，也包括各大院校、艺术家、设计师的作品。

今年米兰设计周的主题呈现脱离不了几个元素，以古典方式而言，今年看到了很多古典带创新的新概念作品。其次，出现了以几何线条做点化处理的造型和设计作品，非常简洁，改变了过去的思路。再者，令人惊讶的是素材的运用，今年有一些新素材的运用也推广得比较好，类似瓦楞纸做成的灯具，突破了过去的思维，呈现出新的创意表现。

张林

欧美各国展会的最大的优势在于开放的思维。而国内的展会相对而言会比较单线化。若要提升国内展会的品格，我们先要抛掉与展会相关的各种常规模式，只留下“展示的目的”这一概念，再天马行空地去想各种Idea。先“散”再“收”。

张林：今年的几个展览让人感觉在产品设计方面新的突破不多，但是展位的场景设计仍然有很多让人眼睛发亮的创意；在几个展览当中，在我看来最有亮点的要数灯光的设计，它打破了以往光线常规固有的形态，而是将其打造成空间质感的另一种延伸，给人一种视觉震撼的同时，又带来无限的空间想象。

杜洪涛：今年看的米兰设计周包括了家具、灯具、办公和主场外展览四大板块，总的来说有三个方面的亮点。一是整体风格趋于简洁轻盈，工艺精巧，从小细节上突出品质与巧思。二是以最初的家具作为出发点，产品已延伸到生活中的方方面面，更注重整体氛围的塑造。三是充满甜美与温馨的梦幻味道，色彩缤纷亮丽。

当然，许多展馆的设计也令人回味无穷，这是附加值了。在主场外的展览中，有许多轻松与俏皮的作品，改变了传统既有的模式，以新的视角去看生活，也让我从来没像现在这样感受着技术的差距。

开放式思维，以面对传统与现实的融合

现代装饰杂志社：国际高端的展会既体现了商贸合作，也彰显出设计的交流主旨。反观国内展会，也在逐步学习、摸索中，若要提升国内展会的品格，大家觉得最亟待解决的是哪些问题？

曾传杰：将国内展会提升到更高阶段是肯定的。只是在现阶段，商业炒作多半会以快速获利为主。如果想要培养一个更高品质和品格的模式，让中国成为中国创造而不是中国制造，这要配合整个国家政策。我个人的观点是教育很重要，从普及教育和普及美学的概念出发，欣赏角度不同，对品质的要求不同，自然会影响到展会的品质，也会影响到商家开发产品的特质，这都是相关联的。学校培养出的学生，不一定都得从事设计工作，他们有可能是未来的甲方，现在台湾就是这样。

张林：在当代艺术展会领域，欧美各国以其强大的主力阵容，和前卫时尚的设计风格占据艺术界的领头军，欧美各国展会的最大优势在于开放的思维。而国内的展会相对而言会比较单线化。若要提升国内展会的品格，我们先要抛掉与展会相关的各种常规模式，只留下“展示的目的”这一概念，再天马行空地去想各种Idea。先“散”再“收”。

杜洪涛：是态度，面对设计及展会的态度，需要发自心底的真诚。企业参展希望将自己的创意成果和实力通过这个平台展示出来，与观展者进行互动，达到双方思想上的共鸣，同时也有助于自身的提升；可现实却往往是举办方提供了场地和信息，参展方精心布置策划，观展者走马观花，这背离了办展最原始的初衷，也是现在普遍存在和最待改善的问题。

现代装饰杂志社：“坐下来·品茶悟道”是中国原创家具第二次在米兰展亮相，同时展出的还有朱哲琴牵头的“大中国的味道”，其间，建筑、室内设计师张永和，胡如珊等的作品也一并亮相，这对中国设计走出国门起到了哪些作用？

张林：很高兴在异国的时尚之都能欣赏到几位国内大师的作品，现场展览的布置按照“身处家中”、“舒适之居”、“茶的故事”、“杯碗壶瓶”四个场景进行陈设，每个场景都配着来自上个世纪三四十年代的复古插画，将中国的宴饮艺术、用餐礼仪等物质及非物质文化以及传统与现代的气息进行了完美融合，演绎出当代大中国艺术与设计的跨界精神，也完美展示了具有中国特色的艺术设计精品，让我等同仁们对国内设计走向国际更有信心。

曾传杰：中国的原创家具在国际上已经有一定的地位，虽然这次我看到的已经不错，但还有待加强。我们有很深的文化底蕴，中国的内涵、文化、茶道是我们的形式，也是非常值得推崇的，现在有少部分的内地设计师已经在运作中国元素。其实，相当多的国外设计师，在发现中国元素之后善加利用，把它发挥得更好的也不在少数。倒是很大一部分的内地设计师，一味追求欧美形式而忽略了自己的优势。如何以中国式样呈现出优质的设计水平，我看好这块市场，也期待中国原创家具能在国际发扬得更好。

杜洪涛：很大程度上米兰展本身代表了一种趋势与现有的状态。这些设计师走出国门，能强化中国本土设计师的信心。但我觉得不一定非要强调表现“中国元素”。国内设计师面对现代设计还处于成长阶段，在学习进步中，自我限定的内涵和边界反而是制约和误导。

现代装饰杂志社：若各位是买手，面对展会中那么多富有创意的产品，会将哪些产品品牌或是艺术作品推介给中国买家？

张林：若作为一名国际买手，首先要明白如何从展会表面看到其设计创意产业背后的体系与构架，研究其设计体系的实质，去探索其设计体系的脉络，从中归纳、提炼未来国际设计潮流的趋势与走向，其次根据上述再结合国人的喜好和国内未来的发展需求来评定哪些产品品牌或艺术风格走向是国人所需求的，再综合这些来做出评定选择，而并非一味追求其艺术价值而忽略了实质需求价值。

杜洪涛：我会着重选择符合“艺术化的产品”要求的一些品牌。所谓艺术化产品，指的是其艺术价值及实用价格同等并存的商品。展会上很多优秀的作品，都具有高品质，高价格的特性；设计者在注重设计表达的同时，对细节的注重也近乎达到一种极至，而这正是我们很多国内设计师所欠缺的。目前，国内的很大一部分设计师还处于相对“浮夸”的状态，一味追求视觉感官上的突破，而没有把心沉淀下来去思考实际需要什么。

体验观感对未来设计的启发

现代装饰杂志社：米兰、巴黎、科隆这些城市，要么是时尚之都，要么是艺术之城，大家在展会其间，是否关注了这座城市的设计之美？

曾传杰：这次去米兰，考察团也安排了参访活动，期间到过理查德·迈耶（Richard Meier）设计的建筑，也参观了ASA设计事务所。以建筑而言，我们在理查德·迈耶设计的建筑中看到纯粹的建筑之美，也看到环保建筑的用心和概念。建筑室内的所有供暖来自地底五十米深的地热，循环引入室内。这样的技术、方式，还有采光、工法都是值得国内学习的。我们还去了ASA设计事务所，参观了他们做的改造型建筑物。其实，无论在米兰、巴黎还是科隆，我们都能看到具有几百年历史的文艺复兴、巴洛克等古典建筑。它们在如何做到新建筑与古典建筑的共同陈列中，巧用技巧，合理共存，很让我们讶异。

我们也去了博物馆参观现代艺术展览，无论是装置艺术还是知名画家的画作，都呈现出概念性的创作，且与国内所注重的点不同。以建筑为例，在米兰、巴黎，除了可以看到外形美，也可以看到细部及内涵的美。从细腻的文化深处，我们会发现它的连接是非常巧妙，这是内地设计缺乏的，也是我们需要学习的。每一次到了欧洲，我们总会重新体验那种由时间、精致文化形成的街道环境之美，这不是刻意做出来的，而是用时间、文化积淀出来的。再配上蓝蓝的天空，那么美的建筑、装饰艺术、活动表演艺术、音乐等，让人感觉非常轻松。

杜洪涛

很大程度上米兰展本身代表了一种趋势与现有的状态。这些设计师走出国门，能强化中国本土设计师的信心。但我觉得不一定非要强调表现“中国元素”。国内设计师面对现代设计还处于成长阶段，在学习进步中，自我限定的内涵和边界反而是制约和误导。

张林：由于多年从事售楼处、商场、酒店等大型工装项目设计施工的缘故，不管走到哪里都对当地的建筑尤为感兴趣，此次出行，深深体会到这所城市建筑不求简单的协调，而是崇尚冲突的独特之美。它注重建筑整体方面的把控，善于在细节雕琢上下工夫。

杜洪涛：多数的感受还是来自于自身知识和行为范围之外的触动，说起来还是“边界”位置的问题。

现代装饰杂志社：你觉得从参展中得到的最大收获是什么？它对下半年度的设计工作有何影响？有哪些触动？曾传杰：这次到了米兰收获最大的是交到很多好朋友，吸收了很多新的设计观念，看到很多惊艳的作品，也学习到了不同文化展现的方式，享受到当地的人文以及美食，还有它的空气、阳光、人文氛围，在百忙之中抽一点时间做一些调息，那是快乐的感受。还有一个收获，是我能将这些资讯带给国人和员工，跟他们分享。

每一次到国外，透过视觉搜索，收集更多的资料、情报，在嗅觉、听觉、触觉的体验上，留存一些很有创意的画面，将这样的感觉运用在未来的设计中，更容易获得客户的满意与认可。我常常提倡，出了国就好象回到未来，知道未来的趋势、走向，看过未来发展的方向，你才可能创造未来。人有想象力，透过刺激、接触，会产生新的想象，创造新的作品。

还有一个感触，大部分内地设计师都拿专业摄像机和长镜头去捕捉画面，我只用iPhone5。这十天，我将一系列相片放到微信上，做了将近40集的摄影作品系列，用我的看法和我创造出来的画面去寻找一些特别的角度、视野和可能性，利用有限的工具去创造最美的画面。其实，当我们用电脑设计作品时，创意已经慢了很多脚步，必须抛掉这些，发自内心地用创造思维去捕捉，才能做出原创的设计。

张林：不同于往年米兰设计周只有世界知名的欧洲品牌、北欧及日本设计才获得进入米兰三年展中心展出的资格，此次国内的优秀作品也通过这一平台的力量，让世界认识到中国当代的民艺设计在实用的同时也可以很酷、很时尚，并且很好地传递和倡导中国式的生活价值观、美学观。它给了我一次全新的感受，让我对家居、时尚有了进一步的了解，同时，也收获到了全新的思维方式，对于接下来的工作相信是很有帮助的。

基于设计管理的企业设计创新 篇7

在经济全球化和知识经济的今天, 企业的经营环境正在发生急剧的变化。产品创新、设计创新和品牌战略已经成为提升企业竞争力、可持续发展的利器, 设计所成就的价值是企业品牌和产品最显性的价值, 如以设计著称的荷兰Philip、日本sony、三星以及国内的海尔、联想无不是利用设计的价值成就了品牌和产品的价值。所以优秀的设计已经成为企业成功乃至产业革命的必经之路, 设计创新在企业经营和地区发展的经济战略中发挥着极其重要的作用。从设计的本质上来看, 其目的就是通过一系列的创新活动, 将企业的资源包括技术、人力、物力、资金以及信息等转化为现实的产品或服务形式, 即通过设计创造新价值。

设计创新的过程其实就是创意的产生, 是由于市场变化和技术进步对市场潜在需求的认识以及市场竞争的作用刺激了企业创新。其中市场因素是诱发创新的主导因素, 据统计占60%~80%。其他的是由于重大科学发现以及技术进步引起的, 如由于数字影像技术的出现, 对传统的胶片摄影 (像) 市场形成强大的冲击, 迫使相关企业或行业进行创新, 以满足新的市场需求。

由于市场变化的加剧, 设计信息的收集时效性变得越来越短, 消费者的消费行为越来越变得难以捉摸, 过去单凭设计师个人的品位来设计的方法已经一去不复返了, 设计师必须根据自己的团队和企业的实际情况、国内外市场的设计现状以及目标消费者的消费行为, 收集相关信息, 运用相关技术, 预测今后两年的设计发展方向, 并融入到自己的设计中去, 做出消费者喜好的好设计, 维持产品的一贯设计风格。

二、设计管理与设计创新

现代设计的领域越来越宽, 知识供应和活动越来越复杂以及设计群体越来越庞大, 个体设计已无法应对知识爆炸的局面, 而团队创新已经成为现代设计的特征, 团队作业是一个观念因素, 涉及到企业经营和产业竞争活动的方方面面, 是产生持续创新的组织原因。通过设计管理将企业各职能部门实现无缝连接, 并将企业资源在企业内部实现优化配置。

工业设计是一项系统工程, 也是一门高度综合性的交叉学科, 涉及到众多学科领域, 如艺术、工程、管理及社会学、文化、人体学等学科的交叉。从知识的角度来说, 工业设计是一门“知识”的工作, 是一个知识运用和知识创新的过程。工业设计要进行知识的整合工作, 要形成一个优良的设计, 就需要设计师具有设计开发的策划能力、设计思想的表现能力、综合设计的思考能力、以及项目的组织与协调能力等。而要在一个现代企业中做到这些, 就有必要建立一个与之相适应的管理环境。

设计, 指把一种计划、规划、设想、解决问题的方法, 通过视觉的方式传达出来的过程, 包豪斯有名的现代设计大师蒙荷里?纳基曾指出:设计并不是对制品表面的装饰, 而是以某一目的为基础, 将社会的、人类的、经济的、技术的、艺术的、心理的多种因素综合起来, 使其纳入工业生产的轨道, 对制品的这种构思和计划技术即设计。可见设计不局限于对物象外形的美化, 而是有明确的功能目的, 设计的过程正是把这种功能目的转化到具体对象上去。

而管理则是由决策、计划、组织、领导、控制、协调职能等要素组成的活动过程, 其基本职能包括决策、计划领导、调控等几方面, 因此设计管理 (Design Management, 简称DM) , 即界定设计问题与目标, 寻找合适的设计师, 整合、协调或沟通设计所需的资源, 运用计划、组织、监督及控制等管理手段, 寻求最合适的解决方法, 并通过对设计战略、策略与设计活动的管理, 在既定的预算内及时有效地解决问题, 实现预定目的。蒂莫西·巴克曼 (Bachman Mille集团总裁) :“设计管理可以有效地驾奴变化, 它能抓住各种机会去发展, 维护创造深入人心的产品和公司形象”。设计管理是一种策略, 一种目的明确的组织过程。也是一种资源管理的过程。

设计管理是对设计过程的控制, 好的设计是从无到有的过程, 首先是不同的文化影响着不同的市场和客户, 文化在整个系统中呈现多元的形态, 所以说对于文化的研究是必然的和先行的。其次是对市场和客户的研究, 目标消费群体及潜在的消费群体的特点分析有利于明确设计的目标, 恰当地导入设计战略。作为核心的“人”是设计师, 作为中心的“事”是设计, 这就是设计管理。设计师处于设计管理的核心位置, 也就是内部核心资源。与设计师相关的是文化、消费者、设计和市场, 代表设计管理的外围资源。设计管理实际上就是一个大的系统, 以设计师为核心并协调其周边即设计、客户、文化和市场关系的行为系统。设计、客户、文化与市场, 其扮演的角色地位是不一样的。设计处在第一位, 适当地表明了设计在整个管理过程中的重要性。

三、设计师与设计团队

设计是表现为知识和创造力的资源, 这种知识和创造力又以设计师为载体。设计师是企业最重要的设计资源。当然内部设计资源也包括设计辅助工具等实物资源、设计团队声誉、设计专利等组成的无形资源。

1. 设计师

如何评估设计师, 怎样才算是优秀的设计师?评估设计师, 需要了解设计师的学历、知识结构、工作的经历、年龄、性格、个人爱好、各项能力等等。我们还可能会发现, 在设计这个行业里, 设计师天赋也可能是我们评估设计师的一个标准, 但在今天的环境中我们不要忽视了远比天赋更重要的东西—对设计恒久不变的兴趣与投入的热情, 特别是正确的工作态度才是成为成功设计师的保证。有的设计书籍列出的工业设计师应该具备的能力多达到20多条, 其实每个人的精力是有限的, 设计师也不可能面面俱到, 何况现在企业设计部门内部都有分工, 也不需要设计师是通才。例如, 日本工业设计促进组织对其国内制造业, 包括汽车、消费电子、日用品制造业, 作了一项聘雇情况与趋势调查, 企业主要从以下几种方面衡量设计师能力, 以决定是否录用:

(1) 计划能力 (Planning ability) 30% (主要指设计信息处理和概念化能力)

(2) 造型能力 (Modeling ability) 25%;

(3) 思考能力 (Thinking ability) 20%;

(4) 协调能力 (Coordinating ability) 12%;

(5) 表达能力 (Expressiveness ability) 8%;

(6) 电脑操作能力等等 (CAD operating ability, etc) 5%;

在企业设计项目运作中, 往往制订设计项目成员考核表, 对每个设计师设计能力进行定量考核评估, 当然设计项目成员考核表主要用作设计师激励的依据, 只能在设计项目组内设计师之间进行比较, 所以难以客观评估设计师能力。企业设计师的个人能力强, 企业才具备采取积极设计战略的能力, 否则, 企业只能寻求外部设计资源。

2. 设计团队

企业实际项目运作过程中, 通常是团队作战, 而非单兵作战。设计团队往往将不同知识结构、不同专业背景和不同技能的人组织在一起。设计师能力强, 是设计团队有战斗力的必要而非充分条件。设计师喜欢把自己当作“艺术家”, 但工业设计所具有的严谨性和科学性不允许设计师无限发挥个性, 设计师需要把自己看作团队的一员, 并和其他设计师进行合作。所以设计团队的能力, 除了看设计师成员个体的能力外, 很大程度上取决于团队内设计师的协作程度和设计团队leader的管理水平。具体来说, 主要通过以下三个方面评价设计团队能力:

(1) 项目最终方案的设计质量;

(2) 完成设计任务的周期和设计文档完整性和真实度;

(3) 团队项目进行过程中的工作气氛和态度。

设计团队的能力是制订设计战略直接依据。Apple的设计团队具有很强的设计能力, 他们的大胆创意和灵感, 并非来自市场顾客调查, 而是远比顾客的想法超前, 他们才能制定革命性的进攻战略, 设计出引导潮流的i Mac电脑。奇瑞负责设计和咨询的下属子公司——佳景公司, 因成功设计奇瑞QQ而享有了一定的声誉, 但毕竟还处于设计起步和摸索阶段, 所以现阶段主要负责低端车设计, 在设计战略的选择上也会以追随、防御战略为主。

四、结语

设计创新的过程, 是企业内部相互合作共同创新的过程。设计部门、营销部门、生产部门、管理部门都围绕产品开发进行设计创新, 正是这个合作的过程不断提高了企业设计创新的能力、技术创新的能力、工艺创新能力和管理创新能力, 使企业的综合创新能力不断加强。而设计管理则是将这些资源进行有机的整合, 寻找合适的设计师组建充满活力的设计团队, 使企业的设计创新真正成为打造竞争力的利器。

参考文献

[1]刘国余:设计管理[M].上海交通大学出版, 2006

[2]边守仁:产品创新设计:工业设计专案的解构与重建[M].北京理工大学出版社, 2002.12

[3]简召全:工业设计方法学[M].北京理工大学出版社, 2000

[4]门雷元:设计管理在实现创新设计中的作用和途径科技咨询导报[J].2007No14

[5]郭锐李龙生:设计创新思考包装工程[J].Vol.25No4.2004

服装本土设计的创新设计研究 篇8

关键词：创新设计,服装品牌,本土设计

服装设计的创新主要体现在新的设计理念、设计思维与市场消费需求的相互融合, 通常不仅仅要考虑设计的独创性, 同时还需要市场消费适应性, 主要指设计过程本身的独特之处要与外界市场及自身品牌的融合。

一、本土设计创新的共通性

本土化设计创新出发点就是本土文化特色在设计理念中的体现, 譬如国内著名服装设计师张肇达始终秉承本土化设计创新理念, 从“长江”、“黄河”系列到“西藏”、“西双版纳”系列等等都是采集了具有中国特色的地域文化, 经过提纯从服装设计的角度彰显其特有的魅力, 也是这个原因才能保持其设计理念创新的持久不败, 同时也能保持创新的持久生命力。

当然, 在实际的品牌运作中, 市场化服装产品并不能太过于注重独创性, 需要通过与自身品牌理念的融合从而达到市场创新的效应, 同时也可以产生更为持久的经济效益。然而, 作为一名服装设计师, 要在迎合品牌理念、风格以及市场需求的同时还要创新出既具有本土特色又兼有共通的文化理解共性的设计作品或设计产品并不是件容易的事儿。

二、本土设计创新的突破性

对于本土设计的创新需要对地域文化的元素进行深度的提炼, 同时也能够体现设计师的创新能力。现在更多的设计师, 尤其是国内许多的服装品牌, 过多的注重采集与国际潮流相符合的, 具有市场开发潜力的文化元素, 如夏季T恤图案的设计, 几乎没有很多能够体现我国的本土文化元素, 或者说在很多设计师严重并不具备商业价值, 而另外一些设计师在进行本土设计创新的时候却在实际表现的过程中缺乏应该具备的素质和能力, 结果无法让消费者感知设计师的创新点, 从而也失去了市场商业价值。

正是由于这样的原因, 所以使得更多的国内设计师在为服装品牌服务的过程中更多的去从经济效益的角度去考虑设计, 而无暇顾及本土设计创新的潜力和商业价值。更多的设计流程要么是原封不动的照搬照抄国际潮流元素, 亦步亦趋, 不加思索、不加考证的复制, 仅仅从面料选择、色彩、工艺等方面根据自身品牌特点进行修改, 或者在设计过程中由于各种原因畏首畏尾, 无法将本土设计元素与品牌风格很好的融合起来。

本土文化在服装设计的创新上应该是既要能够秉承中国文化韵味, 同时也要能够迎合时尚潮流, 这样才能够达到本土设计的创新特色。而要能够达到这样的目标, 首先从设计师自身出发要具备一定的素质和能力才有机会去进行创新实践。

第一, 要能够善于发现本土优秀的地域文化特点和元素, 这是最基本的设计视角, 是作为服装设计师必须具备的能力。第二, 要能够掌握潮流时尚发展的特点, 这是设计师能够了解市场, 能够根据品牌把握设计风格的基本要素;第三, 要具备对本土文化元素进行新的诠释、创新的能力, 在这一过程中才是能够真正体现本土文化创新最重要的部分。

面对目前越来越流行的服装定制品牌的出现, 也证实了个性化服饰不断扩大的市场前景。服装设计总少不了继承和借鉴, 但在将来的服装设计中更应该重视本土文化的继承和发扬, 一方面能够延续本土特色文化元素的独特性, 使之得以保存;另一方面也能够为自己的品牌带来独创性, 更易于品牌的发展, 获得更大的经济效益。

三、本土设计创新的可持续性

对于本土设计创新元素的探索是产生创新的动力, 面对国内各个品牌产品风格越来越趋向于国际化, 反而诸如dior、安娜苏等国际一线品牌反而越来越趋向于本土文化特色, 以不断为自己品牌注入令人耳目一新的元素, 同时又没有流失自身品牌原本的风格特点, 这样的例子比比皆是, 而相反国内诸多品牌在进行本土设计创新的时候却原搬照抄, 令人感觉生硬、突兀, 不符合大众潮流, 自然无法成功。

创新暑假作业的设计 篇9

一、用趣味,提升作业的热度

基础知识的训练是暑假作业绕不过去的坎儿。对于比较枯燥的知识训练,我们要找出提升趣味的方法。我们可以从学生年龄特征和生活经验出发,设计充满童趣的作业标题。比如,我们可以借用游戏的名字,“超级模仿秀”就是照样子写句子;可以强化角色意识,“我是小小啄木鸟”,就是找出错别字……正如课程标准所言:“从学生熟悉的生活情境与童话世界出发,选择学生身边的、感兴趣的事物以激发学生学习的兴趣”,通过这种“旧貌换新颜”,会将儿童意识中的对游戏和童话的快乐体验迁移到作业中去。

二、用生活,拓展作业的广度

在广阔的生活中,任何事物都可以成为学生观察、描绘、感悟的对象;任何一段生活过程都可以成为学生模仿、感受、体验的历程。事实上,学生无时无刻不浸润于日常生活之中,而暑假作业的功效就是为学生遴选出符合年龄特点,心智水平的典型情境,让他们从中感受真、善、美,感受生活的滋味。

面对不同学段的学生,应该用不同甄别标准去设计暑假作业。江苏省语文特级教师施建平曾精心设计过一份暑假作业单,中年级作业中有如下几条:

[观察·聆听]

观察月亮是怎么一天天由月牙变成圆盘,又从圆盘变成月牙的,做好记录。

尝试着做一支柳笛,看看能不能吹出曲调,吹出快乐的心情。

[健身·读书]

到少儿图书馆或书城泡上两天。

观察月亮,可以激发学生对大自然的热爱,可以擦亮发现美的眼睛;制作柳笛,动手又动脑,还潜移默化地唤醒学生对美的追求;至于泡图书馆,既能得到阅读的乐趣,还能在图书馆浓厚的阅读氛围中养成阅读的习惯。施建平老师用慧眼发现生活中的乐趣、童趣,然后再引导学生去观察、体验、感受。这样的作业,既有浓厚的语文韵味,又充满生活情趣,使快乐学习和享受生活达到了水乳交融的境界。

三、用自主,开发作业的维度

学生是学习的主人,凡是学生能够独立做的事情都应给他们留出空间,暑假作业也不例外。暑假作业的自主是学生对作业内容、作业方式的自主选择。

1. 对作业内容的自主选择

以下是施建平老师为中年级设计的部分暑假作业。

[实践·体验]

和爸爸妈妈去果园摘一次葡萄或其他水果。

到科技馆体验科学的乐趣和魅力。

自定一个主题,如祖国、家乡、科技等,收集相关资料,办一份小报。

为同一类型的作业设计多个选项,学生只需要选择一项完成。这种自主选择能激发学生的作业动机:这是我自己选的作业,一定要完成好!选择过程也促使学生多方思考,为今后的实践指明了方向。

2. 对作业方式的自主选择

比如,对于参观科技馆学到的科学知识,学生可以用喜欢的模式呈现出来:写参观日记,画原理图,做讲解员拍成视频等。自主选择,为作业开发出多个维度,从平面书写拓展成3D甚至5D展示,学生个性得到发展的同时,也让多向思维得以生发。

形态设计的创新表达 篇10

一、形态设计表达之本质:功能

设计者在设计一个产品时,首先必须了解一个产品的功能和用途,其后再进行不同角度的创新与畅想从而诞生出作品。功能表达是与设计产品是有着紧密联系的,比如说床的设计是用来睡觉的;椅子是用来坐的,必须在离地一定高度上有一个支撑人体臀部的面,而且能够承受一个人重量,让人感到舒适;灯具是用来照明的,必须在一个合适的位置让人的活动方便舒适,这些都是由设计产品的功能所决定的。功能形态的主要问题是设计者怎样在新时代的环境下去发掘新的使用功能,创造出更具时代意义的高品质、满足人们生活需求的艺术产品。

二、形态设计表达之外在:色彩

艺术设计中,色彩具有独特的表达与渲染效果。设计师要想吸引和感染消费者,即要考虑形态与质感制造的家具风格,同时要充分考虑色彩表达设计的情感。如何根据不同环境下的不同人群对不同色彩的爱好,对自然色彩去提炼、概括,把握其中的韵律感和节奏感,使其形成自身独特的创新表达,为居者传递出一种赏心悦目的情感体验。

五花八门的色彩设计中,淡雅与朴素的色彩逐渐深得人们的青睐。例如,灰色、米白、棕色、淡粉等色系普遍出现在空间造型上或陈设家具中。居者拥有的不同宗教信仰、文化差异、气候环境以及当下时期的流行色,体现的色彩爱好、心理状态与情感表现也截然不同。环境艺术设计师只有多站在居者的角度出发,深刻体验和感受色彩的微妙变化,并巧妙地运用技术与手段创新方法,才能更好的创造出让人眼前一亮的杰作。

三、形态设计表达之骨骼:质感

好的产品设计离不开美的造型、色彩与质感。质感的好坏直接影响到家具产品的设计风格和消费者对其的情感流露。现代科技、自然和社会人文因素中往往展示着产品的质感之美。形态设计中,最直观的表现力与视觉冲击力是产品的材质表达方式。任何时期任何产品的制造,都得以材料为媒介去创造形态,换而言之,如果没有合适的材料,那与众不同的造型就会难以实现。不同特性的产品,其视觉感与触摸感给人所带来的视觉冲击和心理体验有着千差万别的效果,并且容易让人产生许多不同的情感联想与共鸣。

譬如,家具材料可归纳为二类:自然材料(木、竹、藤等)和人工材料(塑料、玻璃、金属等)。家具的轻重感、软硬感、明暗感、冷暖感等就可以在光滑的材料、粗糙的材料、柔软的材料或坚硬的材料中细微如丝的表达出来……艺术设计中,当设计师把自然材料与人工材料相融合贯通,把细小与硕大、粗犷与细腻相结合时反映出的是巧妙使用对比和材料的混搭,使得在特定的环境中观赏者能透过对不同材料的细节品味流露出的视觉反差,感叹产品独一无二的材质之美。因而,产品材料的适当调控与选择,不仅能加强设计的艺术效果,也能体现家具独立的品质。

四、形态设计表达之血肉:造型

现代社会,居者更多的是追求产品的丰富文化内涵和精神满足而仅仅是停留在"实用"的层次上,他们越来越渴求的是能满足自身心理诉求并且具备时代感和科技感强的产品。因此,为了满足安全、实用、方便、舒适、美观的条件,设计师需要充分考虑产品设计中的造型、尺度及其布置方式与人的生理、心理尺度及人的活动规律相结合,把“以人为本”当作出发点,创新的动力会思如泉涌般不断散发出来。

现代产品与家具设计正朝着实用、多功能、舒适、装饰等方向发展。家具设计是物质与文化的结晶,而形态设计是信息传达与情感流露的载体,室内设计师在形态上的设计中,经常会运用构思独特的造型语言来进行创作。如今,设计界普遍认同并接受一种全新的设计观:一种新的生活方式、工作方式、休闲方式与娱乐方式是产品设计当下努力寻求和渴望实现的目标。在社会激烈的竞争下,越来越多的设计师开始对“家具的功能不仅是物质的,也是精神的”这一理念抱有更多、更深的理解来为自己的设计作品服务。其实说到底对"形态"的关注,既是对消费者情感意识的关注。

五、形态设计表达之经脉:结构

在进行形态设计时,除了上面所陈述几个因素以外,还有一项更重要的因素即结构需要考虑进来。合理的家具尺度和结构是在人体工程学的基础上产生的,不规范的尺寸会给使用者带来诸多不便,甚至影响身体健康。例如,室内设计中客厅玄关的过道尺寸要求一般是1.2米,小于这个尺寸人会感觉到狭窄及紧迫感。除此之外,力学性能也是不容忽视的方面。力学性能是指家具材料在不同环境下,承受各种外加载荷,如压缩、持续加载、弯曲、扭转、耐久性、冲击等时所表现出的力学特征,家具使用寿命及使用安全性会受到力学性能的影响。因此,结构对于家具产品来说代表的不仅仅是形态,更重要的是安全性。

六、结语

形态设计表达的过程其实就是设计师将自己的思想与创意表达出来的过程,产品各项功能与设计者综合考虑各项因素后,根据不同的环境创造出来的艺术,设计元素的体现根据设计师的诸多因素相关,不论是从产品的功能,还是从使用产品的环境,设计是一项为不特定的对象所做的行为,往往要超越国界、时空等距离。形态设计的表达往往是艺术设计师智慧的结晶。

摘要：形态设计,是设计师思想和灵魂的表达,优秀的设计作品是时间与空间进行对话的内在表现。随着社会的不断进步与发展,人们不仅在追求物质文化同时也在追求内在目标生产活动,形态设计体现了造物与审美的统一。物质形态直接影响着用户在审美与功用等方面的认知,进而成为左右用户对产品感知的关键因素。本文以家具形态为核心,探究其形态设计与创新的表达和方法,使家具形态设计能更好地满足消费者,服务于多元化的可持续性社会生活。

关键词：形态设计,功能,创新

参考文献

[1]杨家芳.浅谈家具的流变[J].文艺生活:下旬刊,2010.

[2]伍忠庆,蒙碧清.浅谈国内家具设计不同风格的特点与魅力[J].美术大观,2010.

[3]鲁礼娟.家具设计中材料表现力的研究[J].木材科学与技术,2009.

[4]张颖超.浅谈家具设计形态[J].郑州铁路职业技术学院学报,2009.

[5]崔春京.影响现代家具形态设计的要素研究[D].山东轻工业学院硕士论文,2008.

平面设计的创新 篇11

关键词：平面设计；摄影；元素运用

近些年来，在伴随着社会上各种广告信息与宣传手段的增加，大量的摄影艺术与技术被运用添加到其中。由于平面设计所涉及的领域基本属于最佳的成绩所表现出来，因此，在平面设计中摄影具有着非常重要的作用。摄影可以给平面设计带来了大量客观的视觉资源和图像等信息，在一定的程度上面来讲摄影自身的艺术将平面设计提供了一定的新鲜元素与构图思路，平面设计师能够将自身的思路，想法逐步渗透到设计作品当中可以使作品具有更为独特的美感。

一、摄影元素与平面设计中的色彩

摄影一词是源于希腊语 φ phos（光线）和 γραφι graphis（绘画、绘图）或γραφ? graphê，两字一起的意思是”以光线绘图”。摄影是指使用某种专门设备进行影像记录的过程，一般我们使用机械照相机或者数码照相机进行摄影。有时摄影也会被称为照相，也就是通过物体所反射的光线使感光介质曝光的过程。有人说过的一句精辟的语言：摄影家的能力是把日常生活中稍纵即逝的平凡事物转化为不朽的视觉图像。

平面设计和摄影艺术是互相依存的，并且起作用也是互相辅助。影像是平面设计中一个非常重要的部分，而对于平面设计最具有重要的影响了无非就是摄影艺术。首先，摄影可以有效的去拟补平面设计上面语言的不足，摄影是通过一些微妙光与影从而增强了画面设计的层次感。并且通过色彩中的饱和度冷暖度等进行对比所形成的完美画面，通过对比各种以点动成线，线动成面，面动成体等特点所构成画面。

对于平面设计师来说色彩分为无色色彩和有色色彩，无彩色系是指白色、黑色和由白色黑色调合形成的各种深浅不同的灰色。无彩色按照一定的变化规律，可以排成一个系列，由白色渐变到浅灰、中灰、深灰到黑色，色度学上称此为黑白系列。黑白系列中由白到黑的变化，可以用一条垂直轴表示，一端为白，一端为黑，中间有各种过渡的灰色。纯白是理想的完全反射的物体，纯黑是理想的完全吸收的物体。可是在现实生活中并不存在纯白与纯黑的物体，颜料中采用的锌白和铅白只能接近纯白，煤黑只能接近纯黑。无彩色系的颜色只有一种基本性质——明度。它们不具备色相和纯度的性质，也就是说它们的色相与纯度在理论上都等于零。色彩的明度可用黑白度来表示，愈接近白色，明度愈高；愈接近黑色，明度愈低。黑与白做为颜料，可以调节物体色的反射率，使物体色提高明度或降低明度。而有色色彩是彩色，彩色是指红、橙、黄、绿、青、蓝、紫等颜色。不同明度和纯度的颜色都属于有彩色 。不同明度和纯度的红橙黄绿青蓝紫色调都属于有彩色系。有彩色是由光的波长和振幅决定的，波长决定色相，振幅决定色调。

二、摄影和平面设计之间的关系

很早以前，人们就以各种需要、各种方法描绘自己的形象。最早，人像画面出现在绘画中，尤其到19世纪早期，当时的油画肖像已经非常时髦，创作上也日臻成熟，产生了不少优秀的肖像绘画作品。不久，当摄影术发明之后，人像开始进入摄影领域。当然，由于受到当时技术条件的局限，人像的拍摄还仅仅处在初始阶段。随着摄影科技的不断进步和人们艺术观念的发展，人像摄影在今天已经有了很大的变化。如今，电子闪光装置、高速自动聚焦镜头、新型感光材料的诞生，使一个摄影师在一天内就能为许多被摄者完成一些逼真而自然的人像杰作，大大丰富了摄影师的创作可能性。实际拍摄时，光线的强弱跟入射的角度都会对人像作品起着决定性的因素，在摄影过程中要做到多动脑筋，从机位的选择方面以及对现场光源的利用都要经过仔细的斟酌。一幅优秀的人像摄影作品，是许多成功因素的总和：神情、姿态、构图、照明、曝光、制作均要达到较高的境界，它们是一个总体的各组成部分。

平面设计（graphic design），也称为视觉传达设计，是以“视觉”作为沟通和表现的方式，透过多种方式来创造和结合符号、图片和文字，借此作出用来传达想法或讯息的视觉表现。平面设计师可能会利用字体排印、视觉艺术、版面（page layout）、电脑软件等方面的专业技巧，来达成创作计划的目的。 平面设计通常可指制作（设计）时的过程，以及最后完成的作品。摄影讲究布局和构成，平面设计讲究的是抽象和精炼。作为一名合格的摄影师，一定要努力去掌握影、光和线的布局。平面设计师也是如此，全面的去掌握板、面和线的组合。每一位摄影师与平面设计师的创作都需要十分的谨慎并且具有一定的专业性。

三、结语

综上所述，近些年来，在伴随着社会上各种广告信息与宣传手段的增加，大量的摄影艺术与技术被运用添加到其中。由于平面设计所涉及的领域基本属于最佳的成绩所表现出来，因此，在平面设计中摄影具有着非常重要的作用。想要良好的将摄影创作与平面设计创作做到完好的结合在一起，则需要摄艺术与平面设计互相具有更多的交错点，重叠和交叉。这样才能更好的发展。

【参考文献】

[1]王受之.世界现代平面设计史[M].广州：新世纪出版社，1998.

[2]吴 振 全 . 当 代 的 摄 影 与 平 面 设 计[J].文艺研究，2010（08）.

[3]官彬.平面美术设计中摄影艺术的运用[J].大舞台，2014（01）.

平面设计的创新 篇12

关键词：Photoshop,平面设计,创新应用

Photoshop在平面图像设计中应用广泛, 涉及领域广, 具有实践操作性强、实用性好的特点。针对Photoshop的研究, 要注重理论结合实践, 学习Photoshop软件的前期准备可以选取一些简单的实例不断运用工具箱中的基本工具, 把各项常用命令的位置、功能、用法和效果记住、做熟, 循序渐进打好基础, 最后才能灵活应用。打好基础, 创意才能实现出来, 创意是一个非常重要的过程, 创意能够展现作品的亮点, 也是学精、学透图像设计软件的最好体现, 创意的激发在于专业基础的升华、设计过程的投入以及想象力与灵感的结合。

一、Photoshop平面设计特点

1. 电脑技术替代了传统的绘画工具。

现代平面设计以电脑作为主要创作工具, 利用Photoshop设计软件提供的强大的工具和菜单功能, 同时结合了各种传统绘画工具的特点, 体现出多种新的艺术风格, 使创作技法不断推陈出新。

2. 快捷的图像信息处理能力。

Photoshop软件在图形编辑、图像合成、文字特效制作等方面具有超强的处理能力, 同时在图文混排、图像输出等方面的操作方便快捷。具有图像设计层次丰富, 颜色绚丽的设计效果, 而且在图像修改上更加快捷更加方便。

3. 使平面设计走向产业化。

Photoshop软件在平面设计中的创新应用, 极大地改变了平面设计的作业环境, 使艺术创作逐步走向标准化、工业化、产业化。社会上各种创作、设计室如雨后春笋般发展壮大, 提供了丰富的就业机会。

4. 对艺术设计创意有极大的促进作用。

Photoshop软件对于设计师的表现手法与艺术语言进行有效的革新, 而且在这一过程当中, 萌发创新灵感, 借助于计算机的作用, 将不可能实现的事情能够轻松实现。

二、Photoshop基本设计原则

1. 清晰与肯定原则。

在Photoshop环境下, 软件赋予了创作者更多的处理技巧和可供选择的设计元素, 尽管元素多种多样, 但是在平面设计中要坚持所使用的点、线、面等元素以及各种元素的组合出来的效果要清晰、肯定。

2. 协调性与整体性。

利用Photoshop来进行平面的设计最终的目的, 是根据用户的相关要求向客户表达出设计者直观的、具有冲击力度的图像, 这就需要在平面设计过程中将外在的形式语言内在的内容有机的结合起来, 要强化整体的布局, 才有可能在体现客户表层要求的同时具有艺术价值。同时要坚持协调性的原则, 体现在平面设计过程中就是协调各个元素的结构以及色彩, 通过图形的秩序美、条理美, 传达出更具冲击力的视觉效果。

3. 装饰性与艺术性。

利用包括Photoshop在内的各种软件进行平面设计, 是为了更好地表达出用户的诉求, 因此充分优化设计各个版面之间的排列顺序, 及坚持了上述提出的协调性与整体性就显得至关重要。在进行平面设计过程中, 构思立意是整个设计的最初环节, 同时也直接决定了整个设计的艺术风格, 在立意确定之后, 就要对整个版面进行布局, 选择恰当的元素进行整合, 但是如何在设计中体现出较高的艺术性和装饰性, 则不是设计本身无法解决的, 需要创作者有较高的艺术修养和独特的审美情趣。

4. 知识性与趣味性。

Photoshop等平面设计软件, 具有非常强大的设计功能, 基本上是可以有效地实现创作者所有的构想, 在Photoshop环境下的平面设计, 作者在进行平面设计的过程之中能够不断地激发出新的灵感。在平面设计过程中, 可以巧妙的运用一些生动逼真、能够引起受众兴趣的图片。但需要注意的是, 在运用这类图片的过程中, 切不可单纯为了追求趣味性而盲目使用, 一定要结合作品本身的特色, 科学的分析, 并做好图片与其他元素的协调, 做到光和色的统一, 这样才能在符合人们基本的视觉特点的同时达到趣味性的效果, 否则就会事与愿违, 降低整个作品的层次。知识性同样是需要创作者注重的, 主要是指在设计创作过程中, 作品所表达的内容不能违背常理, 要适度进行创新。

三、Photoshop在平面设计中的基本操作及流程

1. 调查研究。

与传统的手工创作相比, 调查是设计工作的基础, 一个好的平面设计作品, 观众可以很好的识别与接受, 因此, 在设计前要有一个完整的调查, 需要了解客户的背景, 以及观众的特点与需求, 在平面设计中才能更好地进行设计创作。

2. 设计内容。

在正式开始设计之前, 创作者应事先规划体现思想和整个设计的具体创作内容。

3. 立意创新。

这是创造过程中的第一步, 在这个环节中, 创作者应该深层思考, 如何创作, 要满足一般的审美原则, 能充分体现设计者的审美情趣和艺术成就。

4. 优化元素。

用设计元素作为设计理念表达的载体, 因此在每个元素的选择上, 应充分考虑其是否与整体相协调, 是否与整体相统一的观念。

5. 选择表现手段。

在设计当中有很多关于平面设计的表现方法。例如:突出特征的方法, 直接显示比较的方法, 对夸大了方法的合理性, 适当采用联想法, 以一种幽默或悬念的布置方法设计。又如类比法、借用法和趣味模仿等一系列不同的表现方法。此外, 部分设计可以融人如油画、版画、水彩和铅笔等手绘图形, 效果显著, 还有其他的一些如摄影艺术、怀旧照片的选择都可取决于设计理念和设计团队的最终设计目标。

6. 图形图像制作。

设计的项目包括字体、文本、图形、布局、颜色以及图形比例。平面设计和制作一般是为创意设计服务, 具体设计手法和平面设计的思路是通过计算机软件在计算机上有效的设计与制作来表现的。

四、photoshop在平面设计中的应用

photoshop软件在平面设计中, 主要用于平面设计、图片修复、特色创意、艺术文字、图像编辑、特效制作、图像合成、校色调色等。平面设计是指从图像外观上整体把握图形的设计与构思。利用photoshop设计、处理多种形式的平面设计, 达到最佳设计效果。图片修复是指对原始图片进行处理, 使用photoshop可对陈旧、损坏的图片进行修复。特色创意是指使用photoshop软件, 对图像进行特殊处理, 调整原来的色彩、尺寸、亮度等, 使设计体现特色创新。艺术文字是指通过photoshop软件对文字进行特殊的艺术化处理, 增强文字的视觉效果和艺术效果。

此外, 还可利用photoshop软件进行特殊操作, 满足各行各业对平面广告设计的需求。主要包括图像编辑、图像合成、校色调色、特效制作等方面。

因此, 进行Photoshop在平面设计中的创新应用研究是十分必要的, 通过实际设计项目的应用操作, 把Photoshop平面设计技法研究透彻, 探讨新的应用形式和效果, 对于平面设计的未来是充满无限发展空间的。

参考文献

[1]赵冠南.PHOTOSHOP平面设计浅议[J].四川工程职业技术学院学报, 2010 (4) .

[2]鲍春艳.Photo Shop在平面广告设计中的应用[J].吉林广播电视大学学报, 2012 (8) .

[3]周英.Photoshop在平面设计中的应用[J].考试周刊, 2014 (94) .

[4]柯闻峻.浅谈Phofoshop环境下的平面设计[J].电脑知识与技术, 2014 (9) .