版画工作室与版画创作（共11篇）
版画工作室与版画创作 篇1
当前数码摄相、照片、实物装置等充斥着艺术界，大众对于这些艺术形式眼花缭乱，甚至审美疲劳、迷茫，因此，传统绘画形式逐渐开始回归。环顾周围的生活环境，版画表达出来的概括、简明的形式，特有的肌理语言，文化上的沉淀，语言的积累，视觉的宁静，给人们带来心灵的一种抚慰，接近现代社会的一种审美取向。
一、技法和情感关系
版画有异于其他绘画种类的特点之一就是它的局限性：尺寸、印刷设备、技法因素等，使作者无法像素描、油画、国画那样恣意涂抹、随意发挥。它通过画稿与版子的转换，最后形成一幅完整的作品。在制作过程中，技法是表现语言方法之一，版画的一些特殊的肌理甚至是油画与国画无法比拟的。技法运用的效果某种程度会影响到画面的整体效果，所以一些版画制作者为了追求完美的极致，沉溺于对版画语言的探寻之中，以至于忘了作品最重要的内容：技法与内容的完美结合及统一性。有些作者的作品规模宏大、技法高超、印刷精美，使我们叹为观止，以至于会激发我们去探讨的冲动，但是仔细看，内容上缺少情感的叙述与表达，画面空洞，不能和观者进行交流。过分强调版画的工艺性会毁了版画艺术，反而会使版画艺术走入歧途。
冈布里希曾说：“一切艺术都起源于人的心灵，即源出于我们对世界的反应。”[1]
从20世纪30年代鲁迅先生所倡导的新兴木刻运动开始，中国的版画主流便以密切关注社会现实、揭露社会时弊、深刻而真实地反映现实生活，呐喊出人民的心声而切入社会，并为人民大众所接受喜爱，其内在的激情与真挚情感的表达、朴实无华的制作风格至今仍依旧深深地感染着我们。一幅优秀的作品，它是有灵魂的，而这个灵魂就是作者透过作品所要表达的情感，包括他对这个社会的反思和批判，对生活的感悟和谅解，对文化的理解和追求。有经验的前辈对于这些感悟比我们深得多，但当我们浏览现在画展的一些作品时，简单的思想交流似乎有些障碍，他们对于技法所持有的态度不同。技法只是表达画家观点的手段之一，他们对技法无限追求、探索的这种精神值得我们学习和敬佩，但空洞的技法表现毕竟是苍白的，尤其是运用先进的高科技手段，语言越来越晦涩难懂，毕竟没有精神的形式总是显得无力。一些国外大师的绘画作品很沉着，不动声色地叙述，结结实实地描绘，如毕加索，他在制作版画时，技法无可非议，但是他的作品总是给观众带来精神上的愉悦与震撼。《简餐》作品中，那瘦弱的肩膀与脸颊，桌子上一小块面包与一瓶清水，无奈的眼神，正好完美地把当时社会对人的影响表现得淋漓尽致。技法的独特运用，加上丰富的精神内涵，完美地表达了作者饱满的情感及人文关怀。
二、技法和情感的运用
版画在制作过程中要不断地腐蚀、反复印刷，制作材料的特殊性带来许多偶然性的效果，这种偶然效果是无法临摹的，而且它不受任何绘画技巧理论的支配，这些偶然性因素就是作者宝贵的经验财富。一道笔痕，一种腐蚀肌理，一次材质的变化，一遍印刷都能带来无数的惊奇和无限的灵感，让我们不止一次地感动和陶醉。但是我们应该知道，这些不同的技法产生的偶然的肌理效果，是与我们的情感联系在一起的，充满激情、愤慨之情时做出的作品也许有视觉冲击力很强的肌理效果，而心情平静、愉悦时做出的作品可能相反。作者所要掌握的就是怎样把技法和情感结合在一起，使作品充分传达出作者所要表现的情感。应该充分利用版画技法产生的“偶然性”来表达我们对社会、历史、人生的思考，从而使版画回复到它真正的艺术意义。
版画是专业性极强的艺术门类，材料与制作过程的特殊性还要求制作者在创作过程中利用一些“非艺术”因素，如分版的顺序、腐蚀时间的长短。其中一种情况是我们可以随机控制的，这种肌理语言在实验中被找到，与我们所想吻合，进而进行主动性研究，根据个人的经验加以提炼，当与我们的画面要求相符合时恰当地置入画面，得到视觉上的张力，丰富画面层次。另外一种情况是我们无法预料的，这种随机效果可以产生比预期更有表现力的效果，甚至能局部或全部地动摇预期的效果图式，这种不确定正是版画生命力的延续。必然性与偶然性总是同时存在，重要的是“偶然获得，就要学会掌握”。
在一次次腐蚀、雕刻过程中，作者会深深体会到版画无穷的艺术表现力和感染力，尤其是那腐蚀液与肌理的碰撞、融合中带给画面丰富的效果，都会再次激发作者不断去尝试、探索，用自己的心、灵魂去对话，犹豫、徘徊、失败对我们来说已不是消极的因素，而是不断激励继续前进的动力。
在选择题材时，如果心里想着尽善尽美，心理负担就会沉重。其实想得太多，反而会束缚想象力的充分发挥。艺术之可贵在于我行我素的锐气和无拘无束的精神自由。因此，作者应该带着一种业余的心态去画画。在酝酿阶段，不画太详细的放大稿，在制版时，给自己留一个更广阔的思考空间。在这简化的小稿中，所面对的不仅仅是各种神色迥异的人，还有这个多彩的世界中触动人心弦的一幕幕，抓住他们，使之生动的活跃于那不到半米的纸上，向观众吐诉它的喜怒哀乐，而作者就是它心灵的倾听者。这是最珍惜的创作状态，面对一张空白的纸，正如勃拉克所说：“任何一张画都是一个未知的旅程。”
在创作过程中，作者应试图去探询属于自己的语言表达样式。大师的作品就是很好的学习材料，尤其是油画作品。国外版画有许多是由油画家手里制作出来的，油画的创作观念、灵感来源都是从生活中有感而发。大师对艺术的独特诠释，通过油墨、画笔来表现和版画借用各种工具(刻刀、砂纸、木版等)表现是一样的，都是抒自己所感，言自己所言，只是形式不同。铜版画由点、线、面、色彩、肌理构成，有的通过对比表现，有的直抒胸臆，关键是采用什么样的形式使之交叉、融合，以达到和谐的美。我们不断地寻找，尝试着可能发生的因素，制造对比，平衡协调、韵律、节奏等，根据不同的创作要求、内容及形式，变换着位置，组合画面，形成一幅幅带有个人语言样式的版画作品。
三、结语
当代新科技、新观念的冲击，给艺术家们带来无限的艺术思维空间，我们应以自己独特的艺术思想和成熟的艺术观念去激发自己的想象与创造才情，要明白技巧本身并不具有价值，只有当它有强有力的精神支撑时才显出耀眼的生命光芒。同时我们还应该深层次地看到艺术思想所传达的情感表现与技巧是互为一体、不可分割的。同一种制作方法因人而异，会产生千万种的变化效果，技巧只是一个舞台，一个承载思想的容器，它因承载的思想情感价值而决定其价值。
参考文献
[1][英]冈布里奇.艺术发展史[M].天津:天津人民美术出版社, 2008.
[2]朱狄.当代西方美学[M].北京:人民美术出版社, 1996.
[3]齐凤阁.中国版画[J].广州:岭南美术出版社, 2001, (17) .
版画工作室与版画创作 篇2
毕 业 创 作 感画题：《岁月女人》
创作笔谈题目：浅谈彩拓版画《岁月女人》
学 院：美术与设计学院 专 业：美术教育 班 级：08美术教育一班 姓 名：王佳瑜 指导老师：胡荣春 职 称：副教授
（20012 年
5月）
宜春学院教务处制
想 美术与设计学院毕业创作感悟（彩拓版画《岁月女人》）
彩拓版画创作实践谈
美术与设计学院
美术教育
（一）班
王佳瑜
指导老师：胡荣春
【中文摘要】 ：我的毕业创作是一幅叫做《岁月女人》的彩拓版画，在彩拓版画的创作过程中一直寻求一种源自生活、反映生活的题材，画面表现形式我是以彩拓版画的手法来表现，希望能达到一种画面清新简洁、构图单纯的效果。彩拓版画之所以能在国内外美术界引起高度的重视，并能在版画界中独树一帜，这是由于它不但具有版画共同的大方、厚重、肌理层次丰富、概括等特点，还展示了自身具有的装饰性的东方艺术神韵及其特有的媒介材质美感和艺术面貌。同时又克服了套色版画底版道数有限、水印版画等色彩转印时难以控制的局限性，给人以耳目一新的面貌，最后在其画面的虚实、明暗、色调等要素上做了反复修改调整，这才创作完成了这样一幅能够表达我对生活的某种认知的版画作品。【中文关键词】: 彩拓版画 艺术 神韵 生活
【Abstract】: My graduation creation is a painting called “years a woman” extension of color prints, in color prints in the process of the creation of the extension has been seeking a from life, reflect the subject of life, the picture form is extension of color print my technique to performance, the hope can achieve a kind of pure and fresh and concise, simple picture composition of the effect.The color print to the extension at home and abroad and the fine arts cause a high degree of attention, and able to be in print in the bound of its own, this is because it not only has woodcut common generous, massiness, skin texture rich administrative levels and summarize characteristics, also show the itself is adornment sex Oriental art charm and its special media material aesthetic feeling and art look.At the same time, overcome the DeBan word matching color print limited number, watermarking print and so on colour when the limitation of the transfer is difficult to control, give a person with an informer new look, in the last picture of our land, light and shade, tonal elements such as in the repeated revision adjustment, this just finish such a creation to show me to the life of some cognitive print works.【Chinese Keywords】: Color prints extension
art
Romantic charm Life 创造的心路历程
我的毕业创作《岁月女人》采用彩拓版画的表现形式，之所以选择彩拓版画来表达我内心的想法，是因为版画是一种具有民族特点的艺术，创作中会有一种意想不到的肌理层次与美术与设计学院毕业创作感悟（彩拓版画《岁月女人》）
效果，因为那不是简单的描摹，而是作者思想与艺术表现的高度统一，反映了作者的内心世界。
我从毕业创作构思到毕业创作完成的整个过程中，有一大部分的时间我是在构思整个创作该选取一种什么样的表现形式，该如何控制绘画语言，该用什么样的一种表现手法来展现画面意境。期间我学习研究了一些相关专业资料，但还是会处于迷茫状态，直到那次我最好的画友告诉我她和她交往4年的男朋友分手了，她给我讲述了她们在一起的快乐与辛酸，大学生中她为他付出太多感情，她的经历不禁让我有了强烈感触，顿时我想到了在我的作品中将要表达什么。这正是我们这代年轻人的真实感情生活的写照，很多爱情的悲剧是因为我们的不懂得、不珍惜、不认真而一幕幕的上演。于是我想到了以女人来充当整幅画面的主题，我要记录下女人如花般的美丽一瞬间，想通过这幅毕业创作呼吁所有的人珍惜生活和每一份情感。亨利·摩尔在他的《原始艺术》中写到过这样一句话：“所有的原始艺术(包括民间艺术在内)所共有的一个引人注目的特点是它的强烈的生命力。这种生命力，是那些直接面对生活的人们所创造的产物”。正是因为创作灵感来源于现实的生活经历，彩拓版画艺术才能反映当代人的精神和思想。
确定选题后我选择用彩拓版画的形式来表现我的主题思想。首先在构图形式上追求一种构图单纯、简洁清新的效果。整幅画面以红、黄为主色调。蓝色、红色、绿色为辅调，原因是黄色的底色配上红色的主体色，使得画面更加轻快明亮。在画面背景组织上我借鉴了克林姆特的《朱棣斯》这幅油画，经过草图的反复思考与调整，巧妙的跟玫瑰和女人相结合，这幅画重点是为了表现女人美丽的一面，所以在人物方面做了细微的刻画，谈起女人我们大多数人会想到玫瑰，曾经德国著名作家约翰•沃尔夫冈•冯•歌德在跟恋人分手时写过这样的诗句：“少年看见红玫瑰，荒野中的玫瑰。多么鲜艳多么美，少年见了奔如飞，心中不住赞美：玫瑰，玫瑰，红玫瑰，荒野中的玫瑰。”他以玫瑰来代替他心中已然失去的女人，以此来表达他对恋人的情感。为了更好的刻画好人物的形象，怀着那份疑惑，我想去了解歌德，想去了解这样在各个领域都有伟大成就的人是怎样看待女人的，其实不难发现，女人则是歌德这部人生盛装大戏中的主角，是他所有鲜活生动的作品源头的那道清泉，也是点燃他写作激情原子弹的那一小块儿高爆炸药。其实，这世上本没有什么歌德，有的只是夏露笛、伍碧丝、夏绿蒂、魏玛娜„„这许多女人。是她们的爱情、尊敬、宽容、倾听、佳肴创造了歌德，是她们用宽厚火热的胸脯把那个名叫沃尔夫冈的日耳曼少年铸成了人类文化历史的丰碑，写了无数伟大作品的歌德，其本身就应该是女人的作品。这样高的评价不得不让我对女人有了另一种认知，所以我想让每个人都能认识女人，更了解女人，是的玫瑰也有凋谢的那一天，美术与设计学院毕业创作感悟（彩拓版画《岁月女人》）
但我相信在看到玫瑰凋零的那一刻在他们心中永远记忆的还是她最美的时候。在这里我以玫瑰来衬托她的美，并适当的遮挡住了这花季少女的脸，给人增加无数的遐想和神秘感，无形之中也增加了这幅作品对读者的吸引力。选择彩拓版画是因为彩拓版画能够把整个的制作过程中各环节所使用媒介材质的特点、肌理等都表现出来，这也是它在形态方面的一个显明的特点，比如说能将底版凹凸不平的形貌和刀味保留下来，特别是在玫瑰花的部分，那粗细有致的线条把玫瑰花瓣的结构、明暗关系表现的淋漓尽致。还有彩拓版画在拓印色彩之前要把纸用刷子打进底版的刻痕里，这样拓印出来的作品不但能非常清晰地把底版上的刀味再现出来，而且作品上既有凸面、凹面，还有斜面，使作品在整体上呈现二维平面效果的同时又增添了明显的凹凸起伏感和厚度感，产生出美观的浅浮雕效果；而这一形态很好地实现了整个作品三度空间和二维平面的结合互补，将艺术的视觉美和触觉美有机地融和为一体，使作品更加富有吸引力，具有强烈的装饰性和时代感。最后一点是彩拓版画刻版时将画面形象的外轮廓刻成斜坡状的凹面，凹部的斜面上在后期拓色的时候会被拓印上一些色，且越是接近凹面的拓印上的色彩就越多越丰富，这些被刻为画面形象轮廓的斜凹面就自然而然地形成了一种似线非线、似面非面、富有色彩轻重变化的线。
同时我在创作过程中根据画面需要随时进行色彩关系的调整，注重玫瑰形体的刻画，线、面、色巧妙的过度衔接，力求实现作品线、面、色的高度有机结合与统一。我尽可能的用单纯的色彩来表现我对这幅作品艺术效果的追求，因为色彩关系对整个画面的艺术氛围是具有决定性作用的，这也是画面意境表现的关键。比尔特·赫斯在《欧洲现代画派画论选》一书中这样写道:“色彩是能够直接对心灵发生影响的手段,当色彩表面的印象发展成为深刻的内心体验,造成情或情感震动,像在一个回声里,心灵领域产生共鸣。”
我创作的彩拓版画的色彩是在作品的正面直接进行拓印，制作过程中拓印出的每一道肌理与痕迹都丰富了画面的层次与节奏，这就极大地增加我对作品色彩使用的自由度和直接控制性。我在彩拓版画的创作过程中是在底色上用颜色从局部一层层拓印上去的，通过这种手法才完成毕业创作，各层色彩之间能产生一种相互叠透的丰富效果。我在主体人物与背景衔接的地方尽量处理的自然和谐避免生硬不协调的效果。经过反复的调整修改后，整幅画面的视觉效果变得更为整体、丰富。画面的色彩所呈现出来的是女人的忧伤、高雅和神秘的形象，具有强烈的装饰色彩意味，丰富的色彩表现出一种神秘感，还不时透出情欲清晰和略带伤感的美。
总结：
每一幅绘画作品都是由内容和形式两方面组成的，无论是创作还是研究都得从这两个方美术与设计学院毕业创作感悟（彩拓版画《岁月女人》）
面入手，我在这幅《岁月女人》的创作过程中我为了达到内容和形式的统一，我在选题、构图、造型、用色等绘画元素上都做了诸多的思考与调整，最终才完成了毕业创作。仔细回味这短短几个月的创作过程，收获的确不少，毕业创作过程我认识到要完成一幅好的版画作品必须具备对生活敏锐的观察力、对版画基础语言足够的认知度和较好的画面控制能力。就是首先要对生活认知上的情感触动，然后才有相应的绘画语言来反映创作意图与构思，因为艺术创作不是单纯的技术表现，而是表现语言与作者思想感情的高度统一的过程，在版画制作的画、刻、印的过程中只有将肌理印痕、色彩关系与情感理念相互融合渗透，才能够创造出生动、灵活具有生命力的版画作品，才能真正实现版画艺术所独具的审美价值。
参考文献
1.比尔特·赫斯 《欧洲现代画派画论选》 人民出版社 1985 2.张启文 《创作与构图》 西南师范大学出版社 2000 美术与设计学院毕业创作感悟（彩拓版画《岁月女人》）
3.赵家璧 《苏联版画集》 海良友图书印刷公司出版 4.亨利·摩尔 《原始艺术》 高等教育出版社2009 5.约翰•沃尔夫冈•冯•歌德 《西乐诗集》 四川人民出版社 1995 6.李仲 《木版画》 西南师范大学出版社 2007.3
谢 辞
毕业已转瞬及至，首先感谢在本次毕业论文和毕业创作的完成过程中，胡荣春老师的美术与设计学院毕业创作感悟（彩拓版画《岁月女人》）
悉心指导与帮助。胡荣春老师帮我确定创作方向、讲述创作方法，在整个创作的过程中不断帮我纠正创作中存在的问题，并给予我热情的鼓励。同时也感谢这四年来教导、关心、帮助我的老师们、同学们，因为有了你们，使我四年的大学生活丰富多彩。最后，向在百忙中抽出时间对本次毕业论文和毕业创作进行评审并提出宝贵意见的各位老师表示由衷的感谢！
创作前期 美术与设计学院毕业创作感悟（彩拓版画《岁月女人》）
美术与设计学院毕业创作感悟（彩拓版画《岁月女人》）
美术与设计学院毕业创作感悟（彩拓版画《岁月女人》）
谈谈版画创作 篇3
作品多次参加展览并获奖：《浮生》系列入选2 0 05年第十七届全国版画作品展获铜奖，2006年中国高等艺术院校版画教育与创作年会版画作品展；《食指》入选2007年第十八届全国版画作品展，2008年第七届日本高知国际版画三年展获提名奖；《我们》系列之一、之二入选2008年第十一届全国美术作品展，2009年首届苏州美术作品大展，“观城——2010上海国际版画邀请展”。作品被浙江美术馆、上海美术馆、清华大学艺术学院等收藏。
黑白木版画作品《食指》、《我们》系列等是我研究生阶段创作的一部分，也是我在中国美术学院版画系学习过程中不断尝试和探索的一点结果。
较本科时期的创作(如《浮生》系列)，画幅尺寸、表现手法、构图都做了相应的改变。
《食指》、《我们》系列通过用点组成面的形式，表现一种类似舞台灯光照射下简化了的人物形态。通常，黑白木刻总是容易给人一种强烈的视觉冲击，易于呈现黑白的对比和突变的过渡效果。而如何运用黑白两色的构成来营造一种带有光线沉浸中的气氛，使黑白过渡显得更为柔和，是我想尝试的一个方向。
就技法和形式感的处理而言，在创作过程中，我想到了用圆刀刀法组织画面，并且，在点的分布上注意疏密的推进关系，使点密集的地方有受光的感觉而疏松的地方则转到了暗部，以更好地体现光线的细腻变化，使画面的整体感觉更加倾向于一种安静的气氛，传达出不动声色的张力。此外，在画面人物的形态处理上，我有意识地简化了人物的脸部以及五官的具体造型，以比较简洁的方式表现人物在画面中的神情和姿态，似也能多留一些想象空间给观者。
在创作思路方面，现代社会中人与人之间既陌生又关联的关系是我感兴趣的切入点。尤其在网络时代，你也许可以在网上感受到比日常生活更加精彩纷呈的世界，社交范围也相应扩大，但与此同时，这一切又都发生在一个虚拟的平台上，虽然和很多人互动但常常是从未谋面。我试图将这种若即若离的人际关系体现在我的作品中。
版画工作室与版画创作 篇4
一、套色木刻版画的语言特点
语言是表达思想的载体,在版画创作中木刻版画这种特殊的语言是表达创作者思想的重要途径之一。自然界绚丽多彩,色彩丰富,是一个五光十色的万花筒,充满了各种元素。版画艺术家们用刻刀以一当十、以简代繁,在创作的过程中将繁杂的景象进行高度提炼,把色彩概括成几版颜色,这正是其特点所在。木刻版画最常见的就是黑白木刻、套色木刻,其中套色木刻又分为油印和水印两种。他们在语言特点上也不尽相同,各有其独特的表现手法。
在版画艺术的创作中,木刻版画具有高度的概括性、对比性、丰富性以及表现性。首先黑白本身就是一种高度概括的美学语言。运用强烈对比来相互衬托,以疏密相间、穿插节奏的变化构成新颖独特的艺术风格。与黑白木刻不同,套色木刻分为油印套色和水印套色。看到大自然中这绚丽多姿的色彩,不禁感叹造物之神。对比是色彩关系的主要表现形式,对比效果不是盲目进行的,而是以均等力量进行,形成强烈的视觉冲击,以突出形象的意味性来表达创作的目的性。同时在对比的过程中又存在着画面层次的丰富性和表现力,在概括色彩的视觉冲突中穿插着表现丰富的细节刻画,可以说创作的过程中凝炼概括与丰富细致并存。
二、凝炼概括与丰富细致并存的创作
当看到古今中外的艺术大师,用画笔描摹出这些纷繁的色泽,甚至是创作出比自然界更美的图景时,无法不感叹艺术的伟大。套色木刻版画通过色彩的运用更加丰富了画面的层次感,在表现力上更加突出了画面内容,通过色彩的表现手法传递出艺术家创作的主观思维意识,画面丰富又具跳跃性。色彩使人身心愉悦的同时又传达了艺术家的创作思想,很好地辅助了版画艺术创作的效果。版画艺术家们常常只用几种颜色,或者在黑白基础上添加一个或几个单色来制作套色木刻,从而创作出富有灵动性的艺术作品。正是由于这样的简化概括,使得色彩的运用及效果显得独具特色。
对于版画而言,对比其他形式的艺术手法,因其创作上的局限与间接性,使得版画相对而言更具概括性。油画,水彩,或是水粉等其他画种,艺术家是用画笔与颜料直接来描摹对象予于表现。而版画是通过版的拓印、刻版、印制的过程,把色彩运用的语言进行了极大的简化与概括。套色木刻版画的创作,需要艺术家对繁杂的色彩进行高度的概括与提炼,同时也是通过色彩的运用以及叠加使的画面内容丰富而细致。套色木刻版画语言是相对概括的,版画家往往是用比较简单的色彩来组织画面,但是也正是因为这种高度概括,使得色彩的情绪表现得到了充分的发挥。例如古元创作的套色木刻版画《人桥》,色彩凝练,除黑色的主板外,仅用了红和绿两种单色来组成画面。那种激烈的冲突,炮火连天的气氛,在红、黑、绿中得到了切实的体现,用凝炼的色彩表现出了丰富细致的画面内容。套色木刻版画创作中凝炼概括与丰富细致共同存在,既不冲突又高度统一,是作品更具艺术性。
三、概括的色彩丰富了套色木刻版画
版画是一个从版到印的过程。当色彩运用于版之上再转印到纸张或各种材质之上时,是多次压印完成的。它不同于其他画种对于色彩可以反复修饰和添加。版画中色彩也会叠加,在颜色的反复压印和叠加之中形成新的颜色,套色木刻“印”的味道使得色彩的表达更具平面与装饰性。有的是在叠加中把上一个色透出形成叠加色,有的是完全覆盖,这两种会形式完全不同的效果。用色彩凝练概括出来的套色木刻版画的丰富内容,是套色木刻版画创作独特之处,同时也让创作有了更多的可能性。这种凝炼概括与丰富细致并存的创作过程,可以说是套色木刻版画的一大特点。
摘要：严格意义上说我国的木板画历史源远流长。但实际上在二十世纪初,“版画”这一新词汇才引入到我国的艺术领域。也从那时起,中国版画才真正从“复制版画”走上“创作版画”之路。套色木刻版画是我国木刻版画的一个重要成绩,也是当代美术世界里很具特色的画种品类。艺术家以独特的创作过程充分而全面地表现创作意图,套色木刻版画的创作过程就是一场凝炼概括与细致刻画的互动,套色的颜色一般不宜过多,那么就需要对其凝炼、概括,归纳颜色后制版,同时在画面内容上又存在着丰富细腻的刻画。版画色彩的运用是艺术家个人对色彩的主观意识,也是心理体验与感受。用色彩套印的版画,丰富了版画的艺术语言和表现手段,套色木刻版画以其瑰丽多姿的色彩而引人喜爱。
高校版画创作课程教学的思考 篇5
【关键词】高校版画 课程 教学
引言
版画基础训练包括材料运用、手工技能、创作意识。版画具有实践操作性强、材料性强、课堂创作气息浓厚等特点，是美术基础训练的主要科目。但近年来，高校版画创作课程教学中存在一些问题，如学生创作意识薄弱、创作能力差等，以致学生的基本素质逐渐低于往届学生，这对学生学习版画的积极性造成严重的打击。因此，必须深入分析版画课程教学中存在的问题，并寻找解决方法。
1高校版画创作课程教学面临的问题
1.1当代大学生的创作意识薄弱，缺乏创造性思维
高校低年级版画教学内容以基本课为主，如素描、色彩等，课程内容较为简单，根据不同的摹写对象，不断地提高基础技能水平。但高校公共课的教学方式单一，理论枯燥乏味，学生无法充分理解课程内容，以致难以完成教学目标。在过去，创作和素描、色彩、速写是艺术学院录取标准考试的基础科目。但近年来，随着高校的扩招，创作、速写等科目的考试陆续取消，为到达升学的要求，提倡速成式的高考培训，以致创作科目逐渐成为冷门课程。在这种情况下，许多学生肤浅地认为画好静物，就可以成为艺术家。这种想法存在极大的错误，没有创作的艺术不是真正意义上的艺术，作为艺术家，其最基础的标志就在于创造性思维，而这也是当代大学生所欠缺的关键部分[1]。
1.2当代大学生对版画课缺乏积极性
版画的美观受到人们的认可，但其学习难度却很高，以致学生积极性容易受到打击，从而对课程的正常开展造成影响。版画的制作工序比较多且复杂，同时版画的绘制工具以刀为主，出于对刀的本能恐惧，再加上繁杂的工序，对于学生而言，尤其是女学生最為容易产生挫折感。在新形势的背景下，高校版画还处于以往的教学模式，遵循教师讲，学生听的课堂形式，根本无法调动学生的积极性，以致学生缺少学习的热情。而且当代教育逐渐由传统艺术教育转向集新媒体、设计、建筑、美术于一体的综合型教育。随着社会就业倾向设计，而绘画研究对象也多为国画、油画，版画逐渐退向社会边缘。
1.3教师在版画创作课程教学中缺少积极性
学生的学习积极性，很大程度上会影响到教师的教学积极性，若教师缺乏积极性，讲解的知识就无法深入探索，师生间的交流也会相对地减少。由于缺少统一的专业教材，教师的教学内容较为随意，对教师积极性也存在一定的影响。当代版画的发展对版画教育有着重要的影响，虽然当代版画逐渐向多元化发展，但其艺术地位却逐渐趋于艺术的边缘。版画在市场的影响力逐渐淡化，以致很多高校版画教师兴趣低下，对版画的创作和研究也缺乏热情，从而影响高校版画教学效率。
2 加强高校版画创作课程教学的对策
2.1加强对版画创作课程的认识
版画在具有造型艺术共性的同时，又具有雕刻和印刷的特点，因此版画更具备艺术教育价值。版画教学能有效地培养学生的创造性和计划性，提高学生的综合思维水平。版画本质上属于印痕艺术，因其间接性的特点，不仅使版画具有绘画的性质，又需要借助多种工具材料，并经构思、制版、印刷几个步骤，才能将自身的情感转化为艺术作品。可以说，版画创作需要技法和内涵相结合，在教学中不仅是传授技法，还要引导学生挖掘创作的内涵。因此，版画的教学内容更加丰富。版画教学的主要内容和目的是为了训练学生的创造性思维。学生在进入版画创作课程的瞬间，便以开始训练自身的思维能力。可见版画对高校美术教育的教学意义，虽然版画教学存在问题，但不能因此而放弃，相反应努力寻找解决方案，为版画课堂注入新的活力[2]。
2.2加强学生学习的兴趣
加大版画的宣传力度，多次展开展览活动，为学生提供更多接触版画的机会，使学生能够近距离感受版画的美感；加强版画班级的联系，营造良好的版画学习环境。版画的制作工序多且复杂，需要消耗大量的时间，而且还不能保证版画制作的结果，以致学生不愿轻易尝试。因此，教师必须进行几次简单的操作，使学生能逐渐掌握版画的规程，无声无息之间提高学生的制作技巧，同时，根据学生的情况，适当调整难度，既可以进一步提高学生的制作技巧，也能激发学生对版画的学习兴趣。
2.3促进师生间的互动交流
教师应展现自身的学者气息，体现自身的学问，通过专业的版画作品，让学生体会到版画艺术的魅力；教师的教学应注重自身情感的融入，以激发学生的情感；制定版画的训练计划时，应围绕教学目的，及时对教学内容设置和训练方法进行调整；提高学生对艺术规律的理解能力，协助学生掌握艺术处理的方法和规律；教学中应加强学生创作思维的培养，帮助学生选择适合的绘画方法；鼓励学生勇敢创新，激发学生的学习兴趣，对失败给予鼓励，对成功给予赞扬，从而树立学生的信心[3]。同时教师在教学中，对学生的文化背景表示尊重，针对学生的实际情况，采用有针对性的教学方法。教师应充分发挥引导作用，尽量避免对学生的创作造成干扰，在学生遇到困难时，可提出一些建议性指导，以促进学生尝试各种风格。此外，教师应重视于学生的交流，拉近双方的关系，以便教师能掌握学生的学习情况。
结语
版画作为中国历史悠久的艺术，曾取得辉煌的成就。然而现代艺术形式多种多样，以致版画逐渐推向社会艺术的边缘，其影响力也逐渐淡化。但比起其它艺术，版画具有更高的美术教育价值。因此，笔者建议应提高对版画艺术的重视，为版画创作课程教学注入新活力。
【参考文献】
[1]郭庆文.高校版画创作课程教学的思考[J]. 大舞台， 2011，
08：243-244.
[2]郑适.普通高校版画创作课程教学中存在的问题[J].湖南科技学院学报，2015，08：175-176.
版画工作室与版画创作 篇6
机械视角所带来的审美标准
法国印象派画家德加虽然主业是油画, 但是也非常注重版画的创作, 他曾说:“我常常试着劝告我的同道者们, 沿着素描技巧的道路谋求新的综合, 我认为这是比色彩更丰富的园地。”由此可见版画在他的艺术生涯中始终占有很重要的地位, 在他的作品中, 有大量以舞台形象、女人体、肖像为主题的石版画和蚀版画, 其中最闻名遐迩的就是以舞蹈演员和舞台为题材创作的系列画作。在德加1877年的石版画《舞台》中描绘了一场舞蹈演出的热闹场面。这幅具有代表性的作品完全打破了古典式的构图和趣味, 舞台上的舞蹈者成为陪衬, 而台下的大提琴和乐师的半截头部成为主体, 处于画面的中心位置。这个画面犹如现场观看者在观众席上欣赏舞台表演, 并以自己的角度按下了快门, 记录下了这个瞬间场景。
印象派画家喜欢室外写生, 并记录身边环境的瞬间变化, 德加在这方面是印象派的“异类”, 由于他对摄影有着浓厚的兴趣, 常常实践拍照, 所以他的大部分作品都是以照片为参考。现在, 我们已经无从考证哪张照片是这幅《舞台》的创作母本, 但他确实已经在版画的制作中运用了摄影的观看方式。德加在画面中的奇特构图源于他运用了摄影的观看方式, 一种“我在现场”的观看。在这种摄影式的机器观看中, 作者完全站在客观的角度, 减弱了能动性的控制, 画面形式由机械成相, 剔除了对画面结构的追求、对情感与内容的符号化把握, 以客观形式反映所见的一切, 抛开了构图和谐完美的主观追求。正如苏珊·桑塔格所说:“摄影本质上是一种不介入的行为, 介入者不能记录, 而记录者不能介入。”冰冷的机械视角所构成的独特的视觉美学使得版画创作也形成了一种独特构图方式, 并随之让传统的审美标准发生了变化。
画面主题的改变对审美标准的冲击
在摄影出现之前, 绘画所描绘的大都是历史上的重大事件和重要时刻, 被记录的也是权力、地位非凡的人, 正如约翰·萨考夫斯基所说:“绘画是贵事、昂贵而难得一见的, 它被用以记录那些重要的事物。摄影则简单、低廉、无所不在, 它记录下任何东西:商店橱窗、茅草屋、家庭宠物、蒸汽机和无关紧要的人。”但是这种状况在摄影诞生之后便发生了彻底的改变, 本雅明在《摄影小史》中指出:“摄影的黄金期在其发明后的第一个十年, 这并不意味着早在最初时期, 贩夫走卒、江湖郎中之流并未借着这项新技术来盈利, 事实上当时操此行业者已为数众多, 但他们的做法毋宁属于游园会的艺匠活动———至今, 摄影的确在这些民间场合仍出入自如……”摄影与生俱来的平民特性, 导致它成为家庭消遣和公众休闲的娱乐手段, 其地位远低于称为艺术的“绘画”, 因此, 摄影拍摄的对象也以日常生活及生活中的琐事为主。但是, 摄影的瞬间快速成像和比绘画低廉的成本满足了人们对图像的需求, 而且摄影师也能自由地掌控镜头, 从家庭成员的肖像、日常生活、公园街景到动物植物, 生活中的方方面面都被记录下来。这些照片同样也满足了画家们创作的需要, 如早期的著名摄影家阿特热“带着他拍摄的城市景致照片到四处的画室兜售, 每张只卖几分钱, 相当于一张明信片的价格, 以此为生。”摄影在取材方面的广泛性, 也对画家们关注和刻画琐屑事物带来了启发。
当代中国版画创作的嬗变 篇7
一、新时期创作群体的变化
中国当代版画的创作群体大致可以分为三种类型:一是学院版画;二是画院、美协、美术馆的专业版画家;三是业余版画群体;但在一个地域的群体里, 大都是三位一体从事创作但也各有差别。上世纪90年代, 在改革开放的浪潮中, 随着经济体制的转轨和文化体制的转型, 中国当代版画创作受到强烈的冲击, 原有的组织模式和创作群体开始蜕变, 最主要的是业余版画群体逐渐消解, 画院后继乏人, 版画创作呈滑坡趋势。而学院版画在前两类群体相对减弱的情况下, 扩大招生规模, 青年教师与学生风格上的追随, 甚至主导了美术创作的新思潮, 呈现出在版画创作中的统领趋势, 其特征体现为:艺术性、探索性和纯粹性。它在版画转型中由肤浅走向深刻, 在丰富媒材、技法制作和探索版画的多样性发展空间上都取得了一定的成果。但它逐渐疏离社会生活, 淡化主题, 过分强调个人主观意识, 以其独立的文化身份与艺术品质, 在中国当代版画结构中往往呈现出前卫的姿态, 表现在新一代版画家对传统观念的消解与否定和现代意识的确立与逐渐增强这两个方面。虽然一些老版画家与一些富有社会责任感的中年版画家仍在倡导版画与生活之间的关系, 强调版画的社会功利性。但是绝大多数年轻版画家已经无意于对新兴版画传统的弘扬, 而着力于对版画的绝对本体语言和纯艺术层面的突破。具体表现为“代言人”“遵命”的角色弱化甚至消退, 自我意识的无限放大, 忽视大众的审美趣味和需求;从现实生活中把握和挖掘时代精神的意识淡化, 主观表现的欲望极度增强, 转向极端的主观内心世界表达, 从先前的“自我”发展到“只有自己”。但我们还不能笼统的说新一代版画家完全无视社会生活和没有社会责任感, “主观表现、内心关照”其实也源于当代社会思潮和对生活的认识与理解上, 只是采取了嘲弄调侃甚至玩世不恭的态度, 版画又加上了多种媒材的专业技巧与个人语言的极端强化, 几乎完全无识大众审美诉求与欣赏习惯。伴随着一届届版画本科生与研究生走上社会, 中国版画已经完成了从“社会版画”向“精英版画”的过渡, 或者称之为“精英版画”已经取代了“社会版画”。
二、新形势下创作观念的嬗变
它首先表现在对版画本体语言的挖掘上, 如对版画复数性与“印痕”的本体认识与理解上。徐冰在《对复数性绘画的新探索与再认识》一文中说:“我们以往对复数性绘画的认识, 正在与缺乏对版画语言自身纯粹性的理解在创作中, 不能抓住版画艺术的特质, 使版画往往尾随其他画种, 而显示不出自身的优越性。所以我认为, 应透过这些表面的非本质的差异, 沿复数、印痕两条线索, 真正把握住版画艺术最深层的特点。”其次是版画题材的变化, 它表现在题材由客观的再现到对心象表现的转换, 表现形式由具象写实到抽象写意。就最具传统与最富有代表性的中国木刻而言, 上世纪五六十年代的木刻版画与八九十年代的木刻版画在题材选择与视觉形式上都有着极大的差异。正如齐凤阁先生在《转型期版画的转型》一文中写道“近年的中国版画经历了两个层面的转化, 一个是在语言形态上、在视觉方式上, 由本土的、民族的、传统的, 向现代的、国际性迈进, 一个是在精神内涵上、价值取向上, 由封闭的、单一的、附属型的, 向开放的、多向的、自主型的演变。”两位先生都特别强调了版画自身的艺术本质特征以及对这些艺术特征的探求与强化, 这对一向依附于宣传政策的中国版画无疑是十分正确的, 但我们也要适当顾及大多数民众对艺术审美的诉求和艺术语言的认同与领略, 尤其应该注意两点:即由体现时代精神向关注个人内心体验转变以及由版画惯用语言去体现对象和事件向纯粹的版画本体语言的转变这两个过程中不能疏离民众而孤芳自赏。
三、新形势下作品内涵的变化
摆脱历史的重荷而走进现实风情, 由“文革”中版画对政治的亲和转向了轻松愉悦的风情表现, 这是一个重要的历史性的转折, 它标志着版画由政治的附庸转向了自主。这是值得我们肯定的, 但是从上世纪90年代末开始学院版画越走越远, 在作品内涵方面基本背离了传统的版画形态, 疏离了中国民族文化精神, 脱离了广大人民群众的审美标准。齐凤阁先生曾在《学院版画的当下语境》一文中说“有的评论家认为‘学院版画不能以迎合大众的审美口味为目标, 要保持学院版画的前卫状态, 要以提高大众的欣赏能力为宗旨, 把学院版画推向高新的成熟阶段’。”这一脱离了中国国情无视客观实际的理论, 实际上是作茧自缚, 即使破茧飞出全新的灯娥, 也不能为多数人认同。如果违背了中国数千年的审美意识, 试图强制民众接受前卫的脱离生活、脱离民众的令人费解的创作, 无论其技艺如何的精湛, 奋斗目标多么的远大, 恐怕都只能是自言自语, 都将无法摆脱中国当代版画的困境。
四、新形势下表现形式的变化
新时期的版画创作, 已不仅是单纯的木刻一统天下, 石版、铜版、丝网版, 以及综合版在创作中已经广泛的应用。在这里经济形式的变化起了极其重要的作用, 当今随着我国经济形式的不断变化, 各种艺术形式都得到了充分的发展。由于中国现在完成体制的转型, 走出计划经济进入市场经济, 艺术也必然要受到市场经济的影响, 版画当然也不例外, 版画再也不是政治的宣传品而是要面对市场经济的严峻挑战, 去接受社会和民众的选择。新的形势促使一些版画家去寻找自己独特的表现形式和表现语言, 另一些版画家受到艺术市场的制约在版画创作表现形式上趋于多样化甚至在创作观念上迎合市场的需求, 无论他们能否走出全新的道路, 但他们或多或少是基于现实潮流的影响和顾及了民众的认同和需求, 往往表现得讲究印刷工艺、制版材质、印刷颜料等媒介材料, 追求尽可能丰富的效果和成品的精致。以学院为代表的版画家们则以前所未有的热情来研究尝试各种制版和印刷的新技术、新材料、新工艺, 版画的画面效果比以前更完整、精致。在版画的表现形式上, 学院派画家以其独具的优势, 通过新设备和新工具材料的广泛应用, 扩大了版画品种的范围, 多种表现手法的尝试, 极大地丰富了版画语言, 使版画突破了以往的模式。但在相当大的范围内, 对主题思想的发掘和重大题材的抉择上, 已不再是学院版画的注意范围, 而新制作技术的精研和新艺术表现手法的探索创新, 成了版画家刻意追求的唯一中心。较少体现当今社会的时代性, 而更多的表现为时尚性, 但它过分的注重自我内心关照而忽略了现实社会的本质和脱离了绝大多数民众, 忽视了绝大多数的民众审美趣味等方面, 应该是特别值得我们警惕的。但对于新技法、新材料、新观念、新追求应用在当前的版画创作中是应该明确肯定的。
通过以上分析我们可以看出, 中国的版画创作已经发生较大变化。新形势下, 版画家在创作意识里注入现代人文主义精神关怀, 提升版画本体语言的文化含量与艺术含量, 强调版画的原创性、实践性与开放性和顾及公众的认知与感悟, 在进一步实现版画本体语言由表现手段的客体向有高尚精神情操创作主体的变化过程中, 创造既有版画审美特质又带有当代人文精神的与社会公众相关联的艺术形象, 成为当代版画作品应当具备的品格。
参考文献
[1]徐冰.对复数性绘画的新探索与再认识[J].美术, 1987, (10) :50.
浅谈数码版画的创作研究 篇8
回顾艺术史, 我们发现艺术发展和科技的进步总是密不可分的。科技的进步为艺术的发展提供了新的技术手段和物质保障, 促使新的艺术种类和艺术形式的产生, 同时也对传统艺术的发展带来了新的机遇和挑战。在版画发展的历程中, 木版画、铜版画、石版画、丝网版以及综合版等版种的出现和发展, 无一不印证了这一点。而在数码技术大行其道的今天, 图像生产的主要媒介工具已经由原来较为单一的传统绘画材料变成了照相机和印刷机, 传统手工绘画技术已不是唯一的制图方式。数码版画的出现印证了当今人类文化资源共享的趋势。它符合信息时代简洁、精确和高效的审美标准。这既是信息时代数码技术推动版画艺术前进的必然产物, 也是版画艺术和数码技术相互融合后所拓展的新艺术形态。
二、数码版画对传统版画的继承和发展
(一) 数码版画在技术上对传统版画的继承和优化
版画相较于油画、水彩、壁画等其他画种具有自己独特的艺术魅力。传统版画是在“板”上进行的绘画。它们制作工序复杂, 在工具、材料、制作方式上都与其他画种有着较大差异, 这直接导致了绘画效果与创作方式的差别。比如在表现类似光影、形体转折等层次丰富、变化微妙的部分时, 版画的表现手法是间接与概括的, 它不能像其他画种 (油画、水彩画等) 运用柔软的画笔轻松直接地描绘光影柔和的过渡效果, 而是通过对形体的概括归纳和块面的组织控制来构成画面, 从而形成了版画线条明确、边缘锋利、层次分明、色调明快等特有的艺术语言。但是受制于版种及技法的局限, 传统版画相对单一的表现语言已经无法满足当代艺术家的表达需求。虽然出现了一次又一次对版画多样思维与新表现形式的革新, 特别是新技术和新材料的尝试。但是随着科技的迅猛发展, 当今世界已经进入了媒体时代和读图时代, 我们的生活环境每时每刻充斥着各种图像的视觉轰炸。如何使相对静止、单一的传统艺术形式继续吸引观众的视觉神经, 让传统绘画继续保持活力, 这是对艺术创作者的又一个挑战。这使得艺术家对画面承载的信息量、表达创作理念的准确度和思维空间的模拟与延伸都有了更高的要求。
版画特有的艺术语言和手工印制出的肌理感——“印痕”是非常让人着迷的, 但是要想将不同版种的版画语言 (比如铜版画的美柔丁技法细腻的层次感, 石版画汽水墨技法在石板上堆积的独特肌理, 丝网版画照片写实的质地、鲜明的颜色, 木版画的刀法等) 在同一张版画作品中表现出来, 是极其复杂和难以实现的。而在数码版画创作中, 我们可以先利用数码相机和扫描仪将各个版种的“印痕”、肌理效果进行翻拍或者扫描, 搜集整理并导入电脑, 再根据创作需要随时应用到画面中, 通过电脑软件既能方便地制作出传统版画固有的颗粒感、肌理的质感, 还可以轻松地将几乎所有版种的艺术语言叠加到同一张画面中。不仅如此, 油画的笔触、壁画的质感、水彩的肌理等其他画种的绘画语言和特殊效果也可以借助数码图像虚拟的手法得以融合与实现。数码版画的图像处理技术打破了画种之间的局限, 让各种绘画语言都轻松成为创作者的工具和素材, 帮助创作者将天马行空的艺术构思更准确地传达给观众, 使作品具有多视角多样化的视觉冲击力。
(二) 数码版画对版画创作思路的拓展
由于传统版画制作的耗时、耗力, 在一定程度限制了艺术家的创造力。在创作传统版画时, 版画家除了需要考虑绘画的基本因素外, 更要考虑手工制版和印制技巧, 这导致很多版画家在进行创作时过于注重技术, 沉迷于工艺制作过程, 而不自觉地忽视了作品的精神内涵及内在情感的表达。作品中往往只体现出了精湛的制作技巧, 而作品内涵却没有完整地呈现, 这是令人遗憾的。
当下, 艺术家不断地探索如何更好地将艺术形式与科学技术相结合, 并且大胆的利用新媒介进行了一系列创作尝试。而在版画学术研究领域, 由于当代图式的多样性与审美习惯的改变, 促使版画家们不得不对一些传统美学问题 (创作习惯和创作思路等方面) 进行反思。在今天的版画创作中, 数码版画技术作为新的创作媒介已经被广泛运用, 它在技术上打破了传统版画制作工序复杂的制约, 让艺术家将更多的精力从制作中解放出来, 获得了创作方法上的便捷, 能够在画面效果上超越传统版画的技法表现, 进而帮助艺术家将脑海中的模糊灵感, 转化成超越虚拟空间的真实概念。这让艺术家在获得了巨大的创作信心的同时, 也为他们的创作思路带来了空前的自由。数码版画赋予了版画新的生命力, 让艺术家创作出一些以前“不敢想”和“想不到”的作品。
(三) 数码版画的艺术缺憾
数码版画的优势是显而易见的, 但是我们不能盲目乐观地将数码版画和其他传统画种简单地比较, 并且“炫耀”它的无所不能。虽然数码版画具有“便捷性”、“丰富性”、“综合性”等优点。但是我们需要清楚地认识到, 传统版画的真实质感和丰厚的物质内涵是数码版画所缺失的。传统版画特有的美感, 是基于它特别的制作方式、制作工具以及材料的不同而产生的, 它在制作过程中的复杂性和循序性都是数码版画所不能比拟的。这是材质、技艺、印痕这些要素在作品中巧妙地融合, 构成的特有的视觉与触觉的美感, 这就是“印痕”美。它是版画区别于其他画种的一个根本艺术特性。而数码版画损失了艺术家手绘的生动性和人工的印迹, 它没有传统版画的刀味、木味、印痕, 减弱了手工制作产生的间接艺术魅力, 这些正是数码版画的艺术缺憾。
质感缺失的问题是我们在数码版画创作中需要重视和改进的。从数码版画的创作规律来说, 它的视觉基础是数码软件模拟在显示器当中的虚拟图像信息, 它是利用计算机技术模拟出的艺术家心里的意象图像, 因此数码版画不能像传统版画依据真实材料材质特性的不同来进行相应的创作。那么如何改进数码版画的质感缺失呢?根据数码版画创作实践中的经验和积累, 笔者认为, 数码版画创作者必须要明确地了解数码版画的优势和劣势, 才能在在创作中取长补短。首先, 创作者必须在充分理解传统版画的技法知识和艺术特征的前提下, 能够对数码绘画软件和电脑艺术创作语言全面熟练地掌握;其次, 在数码版画制作的过程中, 其材质美的缺失需要通过更细致的数码艺术处理和效果把握来进行弥补;最后, 根据作品效果挑选合适的打印纸张, 进行高品质的打印出图。总之数码版画的制作过程和画面审美应该遵循版画艺术的基本艺术特征, 在坚持传统版画的基本特性的原则上进行数字化革新。只有这样才能使创作出的作品, 既有传统版画艺术语言的特征, 又有数码版画艺术作品的韵味, 进而将当代艺术形态的创作精神与独特的审美特征充分地展现出来。
结语
数码版画相较于传统版画, 由于载体不同以往的媒介物, 其呈现出的面貌也不相同, 为画面所构成的艺术效果提供了更多的可能性与广阔的创作空间。当下, 许多艺术家一方面承认电脑的无所不能并期待着电脑技术的进一步发展能够为艺术创作带来美好前景。另一方面却认为数码版画质感单薄, 缺少版画的特有魅力。通过对数码版画创作的具体实践探索, 同时又和其他传统版画的审美特征相比较, 试图总结分析出数码版画的审美特征。数码版画应该寻找自身独特的审美价值, 而不是简单地模仿其他版种的视觉效果。美术的发展和科学的进步是有着直接联系的, 版画技术的发展在这方面表现得尤其明显, 而数码版画随着科学技术发展轨迹不断演变到今天, 也许根本原因是因为其原理的便捷性。对于版画艺术家来说, 这种一直不断改变自身去适应某种新需求的特性意味着这个行业将有更新、更美好的发展。
参考文献
[1].黄俊.数码版画在当代版画发展中的现状研究及相关思考.中国学位论文数据库, 2009 (5) .
[2]王珍珍.谈数码技术在当代中国版画中的应用与发展.科教文汇.2010 (2) .
选择的艺术——论版画材料创作 篇9
关键词：材料,技术,版画创作,选择性
任何艺术创作都不能离开技术。有些人把技术看得比想法更为重要。确实, 技术是帮助我们实现艺术重要的途径。尤其在版画创作过程中, 技术与材料、媒介、语言表达、效果等等直接相关。
版画是一门拓印的艺术。历史十分悠久, 它的产生起于印刷术的成熟, 而它的启蒙则和绘画、文字、雕刻 (青铜纹样、石像、瓦当等) 同时。由于它所具有的一版多张、携带方便等便于流传的特殊性, 在人类早期的文化传播与交流中曾起到过非常积极的作用。版画的品种很多, 有木版、铜版、铅锌版、石版、丝网版等。早期版画主要用于宗教传播、科学制图、书籍插图、年画刻印等。
这里可以看出, 版画自从发源以来就是一个实用的、与当时时代的技术有着紧密关联的画种。这个特点是版画和其它画种非常大的区别。版画艺术注定随着时代不断变化发展。版画发展到一定的时候, 艺术家借用这种古老形式, 完成独立的创作, 使它已成为一种相对新鲜的艺术品种, 并作为一件独立的作品而存在。
从当代整个艺术进入到版画的研究, 我们知道版画只是一个画种, 由于它自身的特性 (材料的运用和技术上的特殊性以及与工业的结合) ——介于绘画和印刷品之间、可以最大限度的使用各种材质、肌理和印痕, 使版画比起其它画种有着更宽泛更自由的空间。从事版画的创作更能把抽象的艺术观念变为一种更实际更深入的实践。
如今版画这个画种名称的含义越来越宽泛。随着新技术的开发与运用, 今天的版画技术也日益丰富, 印刷艺术形式、数量等都给图象的复制创造了无限可能性。版画作为一种技术就可以与消费用途和目的密切相关, 并可以在不同地方、不受任何限制地复制。版画专业可以命名为“印刷媒体”, 当代“版画专业”不仅包括传统的铜板、石版、木版和丝网版, 它还包括电脑绘画以及所有与现代印刷术有关的印刷和复制手段。
版画艺术对社会信息的审美处理越来越随心所欲。因此, 今日版画艺术的社会化、商业化和公共化的特点也愈来愈明显。而同时版画自身的技术则向着更精深的方向发展, 版画的印痕感、材料的原始淳朴、个人技术的深入研究等等这些都成为版画得以继续发展的优势。所以版画在大和小的范围来说, 都在同步发展着。这也使得版画的应用更加广泛而同时版画的语言却是更加纯化的。版画的这些特质非常有利于保持自己的优势而又结合到时代的需求。
一、语言上的选择
由于上面提到的版画的特质, 在众多艺术形式和当代艺术迅猛发展的格局中, 版画自身的语言——由于技术的关系, 相对来说处于一个孤立、安静的发展中。这很大程度上保护了版画语言的纯粹和完整。传统的凹版、凸版、平版和漏版的技术发展的已经较为完善。对于每个版种自身已经发展出众多的技法。除开材料, 光是拓印的技法就有:油印、水印、凸印、凹印、凹凸结合等等, 并且仍在不断的丰富和开发中。
应该说, 版画在自身技法语言上比过去更加纯粹化了。虽然我们看到很多版画艺术家做其它形式的艺术作品, 但是其中却是把版画语言纯化了之后用于别的形式中。这很容易就形成了今天常常看到的, 形式上的装置感与纯化了的版画语言相结合的艺术作品。
版画语言的这些变化, 并不会导致版画这种独特艺术形式的消失, 相反使版画深入到各行各业 (例如:广告、媒体等) 之中去, 为更多不同画种的艺术家所利用。版画从复制的工具脱离出来成为一个独立的画种之后, 就不断有艺术家将它作为创作的另一个源泉。由于版画与许多不同的材料相关, 版画语言也正是在与这些材料的结合中不断创新。与其他广泛的技术结合会扩展版画的外延, 有时也会冲击内部原有的传统方式, 但决不仅仅是否定, 而同时也是一种发展。
当我们在考虑版画语言的时候, 更多是从过程中发现, 是否需要在这个作品中加入些什么?有时是惯性、不断优化自己所习惯的语言, 有时是新的因素——任何不同于过去的制作手段都会成为新的因素。在实践的过程中, 制作的方法就是语言。
二、材料上的选择
版画通过一些途径由过去较为单一的展示形式发展到现在更多的形式很大程度上是由于材料上的变化。
艺术家对材质及其最终展示形式上有了对以前不同的理解, 赋予版画以新的生命, 对材质及其展出形式上有了更系统、更完善的认识。有时材料可以带给观众一些很直接的感觉, 比画面的内容更加直观。作为一个敏锐的艺术家, 对各种材质的感觉决不会低于对画面的感觉。甚至可能由材料或单纯由展示方式入手构思画面, 而不是仅从画面内容入手。有些艺术家还把材料本身的质地美作为创作的内容来看待, 使材料从表现的媒介和手段转化成为绘画的内容。这样, 使一定的材质在艺术家的精神寄托下, 被赋予了富有深层意味的内涵。于是, 材质这种语言也变成了独立的审美对象。材料本体成为人们的直接思考与对话的重要形式。实现了材料自身自然的审美价值和艺术家的观念价值。
选择性有赖于材料的不断创新。
“既然材料的替换将产生另一种结构, 偶然性就得被接受, 不确定性就会蕴含其中。”1
在实现过程中, 材料作为必须的途径成为选择中最重要的一环。材料使多种艺术元素重新整合, 变成无限的可能, 开拓了一个新的的艺术空间。由于材料的突破, 绘画在空间上开始了由二维向多维的迅速拓展。今天所有的艺术都与材料有关, 都可以被称为艺术材料或材料艺术。
与制板相关的材料选择:
从版画本身的制版方法上看, 以前的制版种类只限在木版、铜版、丝网、石版等, 即在木材、石材、铜板等材料上制版, 现在出现了很多综合版, 即把这些版种交叉起来, 根据画面效果的需要使用。还有一些可能并不用这些传统的制版材料, 而是在自己觉得有特殊效果的材质上制版, 例如:有机玻璃、厚纸板等等。另外除了传统版画的特殊材料例如铜板制板相关的松节油、松香粉、沥青等, 丝网版相关的感光片和少数平面的实物外, 现在各种个人研究的技法中出现了更多的实物, 许多传统上不符合厚度要求的材料都被逐渐尝试, 并且发展出一套适用的技法。单从制版上讲, 甚至就有了一些并没有考虑到是不是在做版画, 是不是用这个画种去制作, 而只是需要这样一种效果的画面, 因此比过去出现了更多的技法, 同时也就相应出现了更多可供选择的制版材料。
与载体相关的材料选择:
再从版画的载体上, 即传统的纸张及现在出现的各种材质的使用上看。这方面的选择性更大, 比起制版材质, 承载材料更加容易寻找和普遍采用, 因为制版材料必须是能够用来制版的, 只有少数有制版特性的材料可以被用来拓展, 但是只要是平的, 有承载能力的材料就都可以用来印刷, 所以就有更广阔的材料可以去选择。对于材料的感受与选择, 既是触觉的直接体验, 又是材质的综合表现。
传统上, 我们多用纸张来拓印, 宣纸、铜版纸等等。而随着丝网版的出现, 印刷成为一项工业活动, 被广泛的运用于各个社会活动中:用于广告的灯箱;用于服装的布料;用于各类生活用品和礼品以及各种工业材料等等。虽然这些工业用途并不能都被称为艺术活动, 但是从这些用到印刷的产品中, 我们可以发现多种多样的材料被用于丝网印。而这些已知的材料能够非常顺手的就被拿来用于艺术作品创作。同时, 艺术家和产品开发者们仍在发掘新的材料, 甚至开发出新的未知的材料。而从古至今, 版画艺术和工业之间的交融从未中断。
三、展示布置的变化
最后, 当然是通过展览将画展示给观众, 所以版画的展示形式的多样化是其途径的一部分, 也是最明显、变化也最大的。传统上版画以装框悬挂的形式来展示, 成为一种普遍的展出形式。现今随着版画艺术形式的发展延伸, 艺术家们往往会根据各个作品自身的需要, 选择多种展示方式。这其中包括平面上的和空间上的。有很多和装置、或者影像等等形式已经很难区分开, 当然不管用何种方式去展示, 都是为这幅作品量身订做的, 从这一点上讲, 版画的展示形式是比过去更丰富更完善了。实际上, 各种装裱和展示方式交叉使用的范例已是司空见惯。
我们可以看出, 选择是艺术创作和实践中不停的活动。选择性是创作过程中的基本性质。而透过这层行为, 我们可以看到艺术家是如何将技术、材料不断进行深入的区分、选择, 最后达到完美的结合点, 从而实现了艺术的目的。
参考文献
[1]李黎阳:《20世纪外国大师论艺书系——塔皮埃斯论艺》, 北京, 人民美术出版社, 2002年版。
[2][美]艾伦H约翰逊编:《当代美国艺术家论艺术》, 姚宏翔泓飞译, 上海人民美术出版社, 1992年版。
[3]徐沛君:《20世纪外国大师论艺书系——蒙德里安论艺》, 人民美术出版社, 2002年版。
[4][英]赫伯特里德著:《艺术的真谛》, 王柯平译, 中国人民大学出版社, 2004年版
[5]陈小文:《语言与边界》, 北京, 人民美术出版社, 2003年版。
[6]塔皮埃斯著:《天赋和形式》, 黄河清译, 杭州, 浙江摄影出版社, 1989年版。
[7]塔皮埃斯著:《艺术实践》, 黄河清译, 杭州, 浙江摄影出版社, 1989年版。
[8]田辉:《20世纪外国大师论艺书系——纽曼论艺》, 北京, 人民美术出版社, 2002年版。
黑与白在版画创作中的情感表达 篇10
关键词：黑白；版画；情感表达
版画发展至今，从凹、凸、平、漏四大版种发展革新乃至混合并用，从传统木刻到综合材料的运用，版画技法的外延在不断地扩大，各种新颖的版材和技法层出不穷，给版画带来了全新的面貌，使版画不断地发展壮大。而传统木刻却渐渐淡出人们的视线，黑白虽乏味，但是被艺术家运用到作品之中，却表现出了不一样的情感世界。
一、珂勒惠支的慈母之情
凯绥·珂勒惠支于1867年出生在德国的柯尼斯堡（今俄罗斯加里宁格勒），她的版画艺术作品，大多使用黑白之间的强烈对比来表现作品的内容，在视觉的冲击下让人们感受其形式美，让人深刻体会到这位现实主义版画家的质朴无华。珂勒惠支由于在少年时期曾受马克斯·克林格尔的影响，其版画作品大都是在映射现实，表达对现实的批判和反抗，其画面中的黑白强烈对比更折射了她自身内心对当时德国时局不安的恐惧、迷茫和对战争的厌恶。她的作品主题以母亲、孩子、战争、死亡为中心，以一个母亲的名义表达内心的情感。如石版画《援助俄国》《德国儿童在饥饿中》《面包》《在母亲的怀抱中》等，腐蚀版《母亲和死去的儿子》《母与子》《死神和妇人》等，这些作品无一不是在表现珂勒惠支作为母亲的慈爱。其中作品《面包》（图1）描绘了德国儿童与妇女饥饿形象的一个侧面，作品中没有繁琐的线条，没有华丽的色彩，只有淡淡的黑白，黑与白的交融折射到画面中的母亲和孩子身上，孩子的面部和母亲形成强烈的对比，以白色为主的孩子面孔表现出儿童的天真无邪和无助以及对事物的渴望，黑色为主的妇女背面突出了作为母亲的无奈和绝望，黑白的对比塑造了一个在沉重生活压力下的苦难而又伟大的母亲形象。说到珂勒惠支的慈母之情又让人想起她的另一幅作品《牺牲》（图2），这幅作品是珂勒惠支在1923年完成的木刻组画《战争》中的其中一幅，作为珂勒惠支第一次正式被介绍到中国的版画，其中有着深刻的含义，当时鲁迅是为了纪念左联五烈士柔石而刊登在《北斗》刊物上。珂勒惠支的这组作品从《牺牲》中可以看出她的表现手法具有雕塑的特色，黑白对比与早期相比更加强烈。作品画面中黑白的强烈对比让人感受到当时压抑的氛围和悲惨的社会，背景和人物的黑白冲击力在画面中表现得淋漓尽致，一种深沉的母爱渗透在黑白交相辉映的画面中。
珂勒惠支以女性的身份通过自己独特的版画语言在表达着一种内心的呐喊，作品中每一个黑白间隙都蕴含着情感，洋溢着作为一个母亲的慈爱之情，她想唤醒人们的良知，唤醒人们对社会的关注及对妇女和儿童的关注。
二、徐匡的草原之声
徐匡是中国现当代著名的木刻版画家，他的作品吸引了不少人的目光，他那现实主义的创作风格影响着不少学者，成为我们学习的范本。他的作品题材以青藏高原为主，在这片神奇的土地上，留下了许多艺术家永不停歇的脚步，而徐匡运用版画独特的语言来表现神秘的高原气息，他没有用大自然的绿色来表达画面中的青青小草，也没有用暖色来表达草原上的温暖阳光，而是只用了黑和白来表达这些美丽的风景，从而形成了独具一格的艺术特色，他把美的心灵和高原阳光献给观众。
在徐匡的版画作品中我们可以看到其他作品里没有的东西，比如说阳光，在作品《乡村小学》（图3）中，阳光溢满，占据了整个画面，黑白分明，给人们强烈的温暖，黑与白的强烈对比成了画面的重中之重，大块的白色墙面和一小块一小块物体的黑色倒影形成的强烈对比和画面完美的布局让我们感受到炽热阳光下教室里那些纯真用功的孩子们脸上洋溢的幸福。这样的画面着实让人惊叹，第一次亲眼见到徐匡的原作是在北京798艺术区的一个展览厅里，原作更有震慑力，站在画前关注了大半天，被徐匡这种艺术精神吸引到了画面之中，如同钻进黑白缝隙里，去欣赏高原的美，吮吸那里的阳光。第二次看到徐匡的原作是在2013中国百家金陵版画中，为了看展，专门跑到了南京，当天还下着大雨，记得当时进入展厅映入眼帘的第一幅画就是徐匡的《扎西和他的羊》（图4），这幅画让人完全忘记了外面的阴雨天气，眼中看到的只是布满在这片草原上的阳光，人物扎西牵着他的羊行走在大草原上，扎西是画中的亮点，属于黑色部分，羊和草原多用白色，灰色调部分也只是黑白两色的表现，黑白灰形成鲜明的对比，炽热眼球，扎西在画面中犹如幽灵一样，在阳光的照射下能感觉到软软的羊毛，大草原的美丽风景让我们一览无余。徐匡的其他作品《草地诗篇》《高原的阳光》《在那遥远得地方》等都让我们感受到青藏高原上炙热的阳光和地域风情的高原生活。徐匡的画让人们生活在阳光里，让人们的心灵得到释放。
这些优秀的版画家单单用黑和白就为观众创造了一个别样的世界，只是黑和白，却在画面中深刻地表达出了自己的真实情感。在作品创作的过程中，版画家所考虑的黑白结构、黑白穿插如何处理，在他们自身思考这些问题的过程中其实已经把自己的情感流露在画面当中了。
三、结语
黑和白是世间常态，能组织一幅画，也能表现一个世界，黑与白的交错，就在版画的独特语言之间游走于世。当我们看到一幅黑白画的时候，它不仅仅是黑和白的交叠，画面之中会有另一个你想不到的世界，从青年版画家的身上，我们看到了版画的进步。由此可见，版画在顺应时代潮流的进程中，不断发展，不断壮大，当代一些优秀版画家的出现为版画带来了不可泯灭的生机。
参考文献：
[1]苏也惠.浅谈版画的黑白意象[J].吉林广播电视大学学报，2008，（03）：86-88.
[2]李民萍.中国黑白木刻艺术[J].边疆经济与文化，2009，（11）：81-82.
作者单位：
浅析北大荒版画的创作语境 篇11
一、北大荒版画作品的创作形式
以晁楣为代表的一大批北大荒版画家们融高尚理想与浪漫情怀, 秉专注探索和大胆创新, 挖掘出以色彩为重要造型手段的全新手法, 重新诠释了现代版画的造型法则, 为中国当代版画事业的发展作出了宝贵的贡献。晁楣是一位高产画家, 作品成功率极高, 且不拘泥于现状, 他的版画如同一部北大荒画派发展的史诗。他认为:不重复自己同不因袭别人一样重要。因此他在艺术人生旅途中总是显示出旺盛创造力, 总是不断超越自己过去创造的境界。1960年《第一道脚印》在意境上的一点通, 成功为自己, 也为北大荒画派在人们心中留下了第一道深深的痕迹, 1964年《北方九月》是晁楣和他所代表的北大荒画派在套色版画创作上的极大突破。接下来的文化革命大背景里, 自由的艺术创作被严重干扰了。北大荒画派的画家们以画龙点睛的方式流露那个时期特有的激情。1979年的两幅佳作《春醒》和《长河行》开始引发哲学思考的了。单纯的激情开始回落社会理性, 画家开始关注人自身和心灵。这是艺术语境转换的一个路标。此后八十年代, 他们一直注重意境的开掘, 情感的抒发, 简练之中力求意境深邃, 内涵丰富。
二、北大荒版画作品的创作风格
北大荒版画的风格是多样性的, 在动态中不断演变, 并非一成不变。多年来, 北大荒版画的发展并没有停滞和一成不变, 而是以垦区为中心向全地区延伸, 形成了垦区内外更多的版画创作群体。在北大荒版画艺术宝库中, 大部分作品的创作区域和其作者并不在北大荒垦区, 这一特征充分说明了其学派不仅限于垦区之内和垦区生活, 而是凝聚着黑龙江文化特质的中国当代艺术流派。
50年代, 大批官兵转业来到北大荒, 以他们为主体的第一代北大荒版画作品应运而生。初期版画作者大多是自愿去北大荒参加垦荒工作的.虽然这种热情与当时的政治思想及其氛围有关, 但这也是非常人所能为之的。同时, 这也是第一代北大荒版画创作者与后来者的不同之处。
60年代末, 知识青年响应国家号召来到北大荒插队落户, 因此而产生了第二代北大荒版画的创作群体和北大荒版画作品。这一时期的创作方式与50年代有所不同, 而是体现了群策群力的创作方式。这一时期所创作出来的作品既有北大荒版画的风格和特点, 且尺寸宏大, 场面更加宏伟, 色彩更加艳丽丰富。由于这一时期更加追求写实性和精确性, 或多或少的失去了以往的粗犷和质朴, 因此, 也有将这一时期称其为新北大荒版画。由于特定历史环境的原因, 这一时期的作品多少有一些适应当时政治环境而创作的主题性作品, 题材上或多或少地远离了北大荒版画表现现实生活的这一特点, 但其总体上还是继承了北大荒版画的大部分特征, 因此也辉煌一时。由于这一时期在内容上表现出了多样化、个性化和抽象化, 并且受西方现代思潮的影响, 从而在观念上有了一些叛逆精神。
1978年至1988年这一时期是对生活的真实体验。当时的北大荒经过人们多年的努力劳动, 已经由一个荒凉的沃野变成了年年丰收的北大仓。诞生“北大荒版画”的特定历史、环境、人群和生活都发生了质的变化。这一时期北大荒垦区的版画作品, 明显受外来版画以及其它画种的影响, 除了留有北大荒版画自身特点和风格以外, 许多作品都是采用水印和丝网版画印制而成, 作品给人一种轻松浪漫、优雅甜美的感觉, 力求完美的创作心态可见一斑。这批版画已经和原有的北大荒版画有了本质的区别。
三、北大荒版画的创作源头
北大荒版画兴起于上个世纪50年代, 当时, 在历史的特定环境下, 解放军十万官兵专业到北大荒开垦边疆, 这其中有一部分军队美术工作者以及少数下放到北大荒的“右派”文艺工作者组成了北大荒版画的创始人。北大荒版画领军人物晁楣老先生对当年的群体有过如下描述:1968年10月初.我从宝清853农场调到密山铁道兵农垦局。那时局里决定筹办两个文艺刊物:《北大荒文艺》和《北大荒画报》, 正着手从局属各个农场物色抽调文艺创作和编辑人才。1959年7月《北大荒画报》在北京印刷出版了创刊号第一期, 由于当时各方面条件都不具备, 画报只出了一期就停刊了。画报虽然不出了, 但画报编辑部这个“摊子”却仍然存在, 而且越来越大, 后来干脆同文艺编辑部分开办公另立“山头”实际上变成了一个专业美术创作团体。从以上的描述看, 北大荒版画的形成与名义上是刊物编辑部实际上是专业创作团体的机构设置有关。早期北大荒版画正是通过画刊发表和举办展览两个渠道产生传播效果的。1960年12月的“北大荒美术作品展览, 1961年8月的牡丹江垦区版画展”, 均在北京中国美术馆展出由此获得京城各界的关注和好评。1962年人民美术出版社出版::一是人才资源, 二是创作条件, 三是传播渠道。这3个条件不是所有时代和地区都能具有的, 即便在当年全国农垦范围内.其他地区也没有这样的条件。因此, 这样一个画派的诞生, 有一定的偶然性和不可重复性。
四、北大荒版画作品的创作语言及理念
在我国东北黑土地上诞生的北大荒版画是版画史上的一个奇迹, 它有其自身的偶然性, 同时也具有历史的必然性。多年来, 他们创作了大量艺术作品, 这些作品是是当今北大仓历史的见证, 也是北大仓这个王冠上的珍珠。北大荒版画的辉煌成就是黑土地的骄傲, 它的价值无疑是这片土地的宝贵财富, 同时也是中国的宝贵财富, 更是世界文化宝库中最珍贵的遗产。
北大荒版画以其独特的艺术风格来表现这片他们深爱着的土地, 让世人想象着这里的辽阔、这里的广袤, 这是在中国最具诗情画意的景观。特定的历史、特有的环境、特别的人群、特殊的生活是北大荒版画的魂魄所在。北大荒版画以油画般的浓烈的色彩、自然朴实的造型成就了北大荒版画的精髓, 浓烈的生活气息和诗一般的北方景象是北大荒版画的精神所在, 每一幅北大荒版画作品都在向人们诉说着一个美丽动人的故事。
参考文献
[1]郝伯义.《北大荒风情版画选》.上海人民出版社, 1986.
[2]苏新平.《版画技法》.北京大学出版社, 2008.
[3]刘荣彦.《黑龙江版画家画库——刘荣彦版画集》.黑龙江美术出版社, 1998.
[4]谭全书.《木刻教程新编》.中国青年出版社, 2002.