摄影和绘画的关系

摄影和绘画的关系（精选6篇）

摄影和绘画的关系 篇1

绘画艺术是人类最古老的视觉文化之一, 当它发展到16世纪时, 其造型技艺已臻完善。画家可以用画笔描绘出客观世界的各种物质属性, 形体、质感、包彩和空间透视等。摄影则是一门年轻的艺术, 它伴随着工业文明而到来, 是人类社会历史发展到一定阶段的产物。摄影技术的直接性和科学性实现了比画家的描绘更真实的视觉形象的新的可能性, 但也正是这种直接性和科学性掩盖了其艺术价值, 从而使摄影在最初只能以模仿绘画来争取自己的艺术身份。

因此从一开始, 摄影与绘画便结下了千丝万缕的联系。正是这种联系, 使得今日, 在进行摄影评判或欣赏时仍有人不忘用绘画的标准来衡量摄影。摄影发展到今天, 始终未完全从绘画的阴影中走出来。因此理清摄影与绘画的关系对于理解摄影艺术的本质就显得相当重要。

下面对摄影与绘画的异同作一个分析:

相同点:

1.都是视觉艺术。摄影和绘画都是读者用眼睛直接看到具体形象的艺术形式。

2.都是瞬间艺术。这是将摄影与绘画同其他艺术形式相比较而方言的。如话剧、音乐等, 它们展示的都是时间的过程, 而摄影和绘画是表现某一固定时刻的。

3.都是平面艺术。摄影和绘画都用二维的平面展示艺术形象。它们不同于雕塑和舞蹈。

4.造型元素一致。摄影和绘画的造型元素是—致的, 都是用色、线、形、等形式要素将要表现的事物凝固起来展示给观众。

不同点:

1.摄影偏向于现场感、客观性;绘画偏向于假定性、理想化。

摄影的现场感、客观性是由摄影器材如照相机, 感光片等的物理特性决定的。摄影整个过程中, 要多次借助科学技术, 要运用机器作助手, 离开照相机本身的机械作用, 离开暗室工艺, 摄影作品的产生便不可能。而绘画则不然, 一枝画笔一张纸 (或一块布) , 加上颜料, 作者便可随心涂抹, 欣然命笔。

2.瞬间的表现。

摄影与绘画都要凝固瞬间, 然而摄影对瞬间凝固的方式是受天、地、人的严格限制的, 所谓“机不可失, 时不再来”“过了这村没这店”便是指此而言。“摄影家只能在顷刻之间完成, 不能拖延, 不能停顿, 不能修改, 不能再作考虑。在他打开镜头的一刹那, 所有细节全被记录, 甚至比他用脑筋记忆还要快。”威斯顿《以摄影的方式看摄影》绘画则不同, 它虽然也只能表现某一个历史瞬间、某一个生活断面, 但它显得从容自由, 画家完全可以将反复构思的瞬间凝结, 存之于心, 随后在画室胸有成竹地反映出来。绘画中的瞬间是经过画家感受生活、决定主题、构思画面、打出草稿、反复修改、最后固定下来的。而摄影的画面瞬间则是摄影家现场看到、想到、抓到的。绘画的着眼点, 受人眼自然的、生理条件的制约, 画家只能画人眼所见到的。如对奔跑的骏马四蹄的画法, 就曾为哪个蹄子着地争论不止。而摄影是科学的记录, 它往往能摄到人眼看不到的, 因为在观察事物上, 相机的镜头要比人眼来得精确。人眼的视觉只能停留在第一认知层次上, 而镜头视觉甚至可以延伸到原子核的内部。

3.光与影的应用。

光的记录作用, 是摄影的特长。可以说, 摄影是用光来表达思想和记录感情的。而绘画对光的表现就略逊一筹。摄影就是用光的语言来造型, 所以有人称摄影为“光画”。在光的运用上, 摄影影响了绘画, 也提高了绘画的技能, 完善了绘画的表达方式。特别是彩色摄影技术, 提供了画家眼睛所感觉不到的光。

4.真实感。

摄影依靠照相机的机械性能和光学性能, 对其所要表现的对象给予最直接最真切的描绘, 这是绘画所无法比拟的。同是表现一个人, 照片可以是其人, 绘画只能像其人, 绘画可以达到“逼真”, 而摄影却可以做到“纪实”。在摄影中, 被拍摄在画面里的人张三就是张三, 不能为李四, 画面中的景, 桂林即桂林, 不会是太湖。因此, 摄影无论如何不能像绘画那样用虚构、塑造的手法, 创造摄影的“典型”。虽然摄影与绘画都借助于工具, 但照相机比画笔对作者的约束限制性更大。违背相机现场捕捉客观纪实特性企图用掌握画笔的办法是不行的。

从以上分析可以看出, 摄影与绘画确实在物化形态上和形式法则上有着先天的密切联系和客观的共同性, 这种共同性使得这两种艺术在各自表现方法上存在着某种交叉式体现。美国凯尼思大学哲学系主任奥尔德里奇曾这样说:“摄影机和对胶卷的加工与冲洗好的照片的关系, 就如同画笔及其运笔与已在画布上布置好的颜料的关系。”

然而摄影与绘画毕竟是两个不同的艺术门类, 各自有着不同的特性, 因此不能混为一谈。可惜的是, 摄影与绘画的共同性从古至今受到很多人的重视, 然而对于其特性的研究却为数不多, 这就必然造成了摄影理论界的混乱。

美学家王朝闻先生曾说:“每一门艺术遵循艺术的一般规律, 但又有各自的独特规律;艺术的一般规律, 正是通过各艺术部门的特殊规律表现出来的。”1因此, 要想促进摄影艺术的发展, 就应该更多地从摄影艺术的特性思考问题, 而不是从各门类艺术的共性中寻找拯救摄影艺术的灵丹妙药。摄影界必须建立摄影金质奖章艺术品种的专门理论体系, 必须从摄影的历史与现状、理论和实践的全面掌握中, 找到属于摄影艺术的自身规律。

参考文献

[1].《中国摄影史》1937-1949蒋齐生舒宗侨.顾棣.编著中国摄影出版社, 1998.6.

[2].《A HISTROY OF PHOTOGRAPHY》.Jean-claude Lemagny and Andre Rouille著.Janet Lloyd译.1987.《中国摄影史话》.中国社会科学院新闻研究所.辽宁美术出版社, 1984.10.

[3].《陈复礼摄影艺术研究》.中国摄影出版社, 陈勃.丁遵新主编1995.11.

[4].《摄影艺术论稿》米立.山东省第一期高级摄影培训班教材.

摄影和绘画的关系 篇2

（通讯员 杨继军）为了传承我国悠久的文化精髓，加深广大师生对我国书法、绘画艺术的了解，让广大书法、绘画兴趣爱好者互相交流、学习、进步。根据教育分局的有关安排校工会联合校团委、学生会筹划了“最美中国-最美家乡”书画、绘画、摄影大赛。

本次活动分为教师和学生两个组别，作品按类别分绘画、书法（以硬笔书法为主）、摄影三类。教师按任学科分为专业组（美术教师）和业余组（非美术教师）。

12月25日-1月15日在办公区三楼集中展示，此后颁奖。活动从筹划到举办，相关部门成员都付出礼辛苦的汗水，但汗水的付出也给我们带来了成功的喜悦。这次活动的意义不仅仅局限于丰富了同学的课余生活，也为热衷于书法、绘画艺术的师生提供了学习交流的平台。

油田一中工会

摄影艺术与写实绘画的关系 篇3

摄影艺术,以照相机为工具,借助感光材质,通过对艺术形象的构图,运用光线与影调等手段进行艺术创作。摄影艺术家利用照相机,根据艺术构思再经过暗房等制作工艺,表达自己的创作情感,最终呈现艺术作品。广义上,一切跟摄影有关系的艺术活动都称之为“摄影艺术”;狭义上,特指能作为艺术品存在的摄影创作。摄影术的起源要追溯到1837年,法国人达盖尔发明了“银版摄影术”,后来称为“达盖尔法”。1839年,法国政府买下了该项发明的专利,把该年的8月19日正式定为摄影术的诞生。摄影艺术伴随着每个时代的科学技术的发展而发展,是一种对现实生活高度的概括,是一种源于生活而又高于生活的艺术再创作,是一种年轻的艺术门类。通过摄影艺术,人们可以表达对自然风光、静物人像、风土民俗、思想观念、社会纪实等多方面的创作,是人类社会记录历史并加以艺术创作的体现。写实绘画,是绘画表现中的一种创作手段,是人类绘画的基础,是对客观世界的再现,也是绘画表现形式中不可或缺的一部分。写实绘画源于西方,与近代科学有着密切的关系,一度成为艺术创作中的主流,它有着悠久的发展历程,早在文艺复兴时期写实绘画就得以发展和壮大,成为很多艺术家进行艺术创作的一种表现方式,它有着五百多年的辉煌历程,纵观绘画史上有着很多写实派不朽之作。艺术家通过物象的临摹和观察,结合自己对该事物的感受进行作画,在把物象画出的同时加入了作者的主观感受,并非是对物象单纯的临摹,给观者带来了新的艺术体验。写实绘画在发展过程中随着时代的变化,也产生了不同的流派和风格。

二、摄影艺术与写实绘画表现手段的异同

(一)摄影艺术与写实绘画的共同特征

摄影艺术与绘画艺术都是对现实生活中的景物、静物、人物等内容的再现,都可体现人们对艺术美的审美追求,其二者都是通过物质材质为媒介进行创作,在构图、用色、空间等方面都进行了艺术加工。在创作手法上,二者都是通过平面造型进行表现,利用线条、色调、明暗的变化产生不同的艺术思想,是艺术家对生活的再现和对自然的感悟。在审美上,二者都是视觉艺术的一部分,是艺术家利用视觉、造型、瞬间与静止等客观存在进行构造,强调看到的结果,注重画面的视觉性对观者的视觉冲击。在表现题材上,二者的创作过程都需要艺术家对生活进行观察和再现,强调对画面的捕捉与把握。在画面构图上,二者大多以平面交错的形态,统一并列展示,追求画面中的物象之间的和谐统一之美。

(二)客观拍摄与主观处理

摄影艺术的发展需要科学技术作为支撑,在科学技术的迅猛发展下,出现了各式各样的摄影器材,为摄影艺术家的创作提供了更好的技术支撑,照相机能把客观景物拍摄的更加真实。写实绘画虽然也很真实,但都是经过绘画艺术家主观处理出来的画面透视,在我们观察到的事物中我们用两只眼睛去看事物,并不像照相机那样是一只眼睛,这就造成了我们看到的事物和照相机拍摄的画面有一定的区别。艺术家在创作写实绘画时也会根据自己的创作思想对所要描绘的事物进行主观的处理,如:物与物,物与场景之间的关系等。

1、色彩关系。

摄影艺术只能对被拍摄的物体的原有色彩进行真实拍摄,取景框中各个物体的色彩关系与环境色只能通过对真实物体再现来表现,无法以摄影师的主观意图来直接更改画面的颜色。在摄影艺术的发展历程中,正是由于摄影师需要像写实绘画那样主观的处理画面中的物体颜色才衍生出了各种各样的图像处理方式,用于调整摄影作品画面的颜色等。而早期的写实绘画更加强调的是画家亲临自然或仔细观察想要描绘的事物,画家对画面各种物体的色彩把握,可以通过自己的主观感受加以更改,以达到更好的画面色彩效果。

2、光影与边缘线的处理。

光影的运用一直是摄影艺术的一个重要手段,在摄影艺术迅速发展的今天,各种影棚和摄影器材都有对光影的模拟。摄影师注重光影与边缘线的处理,通过对灯光的运用,模拟自己在艺术创作中想要表现的思想情感。这也说明摄影艺术在发展的同时兼有对绘画艺术的模仿与运用。在写实绘画中,注重光影与边缘线一直以来都是一个重要的课题,绘画艺术大师达·芬奇就曾经说过,轮廓是对边缘的勾勒。写实绘画在发展过程中,光影与边缘线的处理可以更好的塑造物体的主次关系,是画面空间、透视、结构等问题的关键。

3、画面内容的组织。

画面的内容是摄影艺术和写实绘画的重要组成部分,也关系到画面的整体效果。照相机可对物体进行的一种平面化的处理,除了摆拍摄影以外,在现实生活中的摄影艺术都不能主观的删减画面内容,画面中平行的物体不能体现主次关系,艺术表现比较僵硬。相比而言,写实绘画在画面内容的组织中则更加严谨,主观的对画面的主次关系进行合理的详细的分配,更好的凸显主题思想。

三、摄影艺术与写实绘画的兄弟之情

摄影术的发明者达盖尔是一名画家,摄影技术发明后的一些作品也是对绘画艺术的模仿,当今的人像摄影就与肖像绘画作品没有大的区别,人物的组合,人物与场景、空间的关系,光线的布局与运用都借鉴了绘画艺术中的元素。从古至今,绘画艺术有着几千年的历史,相比之下摄影艺术要年轻许多,摄影艺术发展至今从绘画艺术中汲取了很多营养元素,其对绘画的学习并不等于原本照搬,而是一种艺术借鉴。在科学技术迅猛发展的今天,各种艺术表现形式层出不穷,只有相互学习,相互借鉴,才能使得各种艺术形式不断的发展,并且彰显着各自的魅力。摄影艺术就是从中发展出来的成功案例,现已成为当今艺术圈别具一格的艺术门类,对人类的生产生活都有着深远影响。写实绘画特点突出,与摄影艺术的画面风格也颇有相似之处,写实绘画的发展早于摄影艺术,并且在摄影艺术发展的初期写实绘画就已处于繁盛阶段。在写实绘画的影响下,摄影艺术的构图方式、色彩处理等方面都吸收了写实绘画中的有利元素。写实绘画与生俱来就带有油彩的肌理质感,画面中对光线的把握也较为突出。观察摄影艺术作品,对写实绘画光线的模拟依稀可见,这些无不证明了摄影艺术的发展离不开对写实绘画的借鉴。新事物的产生在一定程度上会吸引人们的眼球,在数字化时代的今天,摄影艺术在各行各业的运用越来越多,这也使得摄影艺术成为了当今流行艺术的一部分。写实绘画在摄影艺术的繁盛期却陷入了某种僵局,一味的追求对摄影作品的临摹,只注重写实绘画对照片模仿的真实性,画出来的作品更加的趋向于照片,使得大众审美疲劳。我们应当注意到写实绘画遭受摄影艺术冲击的同时,也带来了新的机遇,很多善于思考的艺术家看到摄影艺术可以为写实绘画提供广阔的图片素材,于是努力钻研走出了一条别样的写实绘画之路,他们通过摄影艺术作品发现了更多新的绘画材料,由传统的颜料、油漆等扩展到纤维、金属等物品,从而增强了写实绘画的表现力。摄影艺术中的近焦距、广角镜头等技术,也可为写实绘画提供多样化的表现手法。所以,摄影艺术和写实绘画相互学习,相互依存,有着浓厚的兄弟之情。

结论

公司书法绘画摄影比赛方案 篇4

八月份摄影、书法、绘画比赛方案

承认：检印：作成：李保乐

一、比赛目的为营造健康向上的企业文化，陶冶情操，打造一个和谐、朝气、多才艺的团队。同时也增加了各位员工的认同及归属感。

二、比赛时间、地点

暂定时间：2011年8月27日星期六上午9：00—17：00

暂定地点：公司多功能培训室

报名时间：2011年8月8日——8月25日 部门事务及管理部张丹报名

三、比赛项目

摄影比赛：

请参赛选手提供一到两张自己拍摄的照片，照片的内容要文明，但是内容不限制，照片上要有拍摄的时间、拍摄人、拍摄地点、照片的题目，于2011年8月25日前提交给管理部张丹。

书法绘画比赛：

在2011年8月27日在公司多功能室举行，书写要求用毛笔字，不限字体和风格，要求书写工整，并给予三次书写机会，书写内容有项目负责人提供。绘画比赛同样在同一时间进行，绘画的内容不限，现场绘画。

获得前三名的作品将送往总部参加总部的比赛。

五、比赛要求

1、公司共分两组，其中书法绘画比赛将在8月27日进行，现场书写和绘画。

2、参赛设立书写题目，所有比赛项目均实行评比赛制；

3、参赛画板、画笔、毛笔、纸张由公司统一提供；

4、友谊第一，比赛第二。

六、比赛经费

奖金：2800元

奖金设置：摄影冠军1名：300元，亚军1名：各200元，季军1名：各100元 奖金设置：书法冠军1名：300元，亚军1名：各200元，季军3名：各100元 奖金设置：绘画冠军1名：300元，亚军1名：各200元，季军3名：各100元 裁判评委：外请三位评委分别为；美术老师、书法老师、摄影人员每人预计费用200元/人 公司类裁判及工作人员：6个工作人员、3个裁判人员，纪念品一份共计180元

共计：2580元

证书9本(每本10元)共计90元

比赛道具购买预计：500元

合计费用：3670元 备用金：5000元

七、负责人： 李保乐张丹

八、工作人员及裁判人员：

论绘画艺术的内容和形式关系 篇5

作为造型艺术大系中一个分枝的绘画艺术, 发展到今天早已经不是拿简单的像与不像作为简单评价艺术优劣水准的当代, 更多的艺术家开始抛弃内容简单的追求形式的发展和变化, 或是只一味地抱着‘草根’不放地追求内容的演义。而绘画的绘画性却恰恰是内容和形式的合集, 艺术评价的标准也应该是把两者的更巧妙的结合奉行为最高的标准。那么, 何为绘画的内容?何又是其艺术形式?两者的关系又该如何界定?简单地说内容即作者所描绘的对象, 就画面而言广义的包括画面中所有的造型元素在内。而形式则包括譬如, 绘画构图、画面色彩及点、线、面等造型语言在内的艺术表现手法所构筑得系统的绘画语言, 艺术形式包括两个层次:一是内形式, 即内容的内部结构和联系;二是外形式, 即由艺术形象所借以传达的物质手段所构成的外在形态。如果画面中能巧妙的运用则, 它往往又被称之为“有意味的形式”

一件艺术品之所以能感动人, 不仅仅靠自身的题材, 而且要靠好的内容与相应的表达手段。表达手段包括形式语言和媒介。它不仅仅是提供给视觉欣赏的, 它还有实用的目的。在艺术创作中表现什么是重要的, 怎样表现也是重要的。如果“表现什么”离开了“怎样表现”, 艺术品就不能感动人。如果欣赏者只会看艺术品表现了什么, 而不会看是怎样表现的, 这是知识有缺陷、能力不完全的欣赏者。翻看中西方美术史, 不难看出, 艺术的发展往往是不同的绘画内容和形式发展的变迁史。比如, 在西方艺术史上, 表现什么一直是艺术家们关注的课题。在古代希腊, 人体是艺术家们热心刻画的题材, 男性人体与女性人体, 著衣的。裸露的, 艺术家们对人体兴趣很浓。在这种情况下, 人的身体成了表达思想和感情的媒介, 正是在这些刻画人体的艺术品中, 艺术家表达了对真善美的追求。文艺复兴时期的艺术家继承了古代西腊的传统, 继续在人体方面进行探究, 并作出更为淋漓尽致的描绘。米开朗基罗在大型壁画中, 几乎摈弃了除人体之外的一切自然物象, 他认为这些物比起人体来是卑微的、微不足道的。‘他来到这世界上是为了表现崇高、歌颂伟大, 而似乎只有人体才能完成此项任务。在人体中, 他又特别偏爱雄壮的男人体, 认为男人体体现的力、每与雄健的精神, 才是同他崇尚的理想相吻合, 所以他描绘的许多女性人体, 都具有男性的体态特征’。同样是表现人体美, 希腊古风时期、古典盛期与希腊化时期, 受时代的风尚、思潮的影响均有不同的侧重。女性裸体受到关注是在公元前4世纪希蜡古典晚期。那时, 艺术的任务由表现崇高的社会理想这一主题逐渐让位于赏心悦目, 强调感官刺激的女性裸体形象于是逐渐在公共场合如会议厅、图书馆等出现。罗马时期多模拟希腊人体, 在人体绘画艺术语言方面没有进展。进入中世纪后, 按照基督教义, 裸体的人体被禁止在绘画中表现, 直到文艺复兴后, 人们才重新燃起对人体艺术的热情。正如前面提到的, 文艺复兴早期和盛期的艺术家们, 多在人体中表现社会理想, 感观的成份不占很大比重。只有在商业比较发达、市民文化意识较为强烈的威尼斯, 女性裸体的性感因素才有了明显的增长, 但也仍然有所节制。而到了18世纪的法国, 在宫廷贵族文化的奢侈风的影响下, 罗可可风格的艺术家们描绘的女性人体在这方面就显的‘肆无忌惮’。不过, 大多数的作品仍在艺术的范畴之内, 只有极少数作品失之于色情的喧染。应该说, 欧洲的人体艺术是人类艺术遗产中十分重要的一部分, 我们从中可以看到各个时期、各种不同风格形式在人体艺术受到的社会思潮影响的变化, 欧洲的人体艺术在某方面也反映了欧洲人对人本主义和人文主义思想的崇尚。同时也反映出艺术和时代, 艺术和精神, 及艺术内容与艺术形式的深层面的关系。

艺术的创作过程的艰辛往往是一个艺术家像个足月怀胎的‘临产妇’马上分娩的过程一样。需要‘十月怀胎’。首先, 是从绘画的题材和主题的确定到构思、构图等的完结。拎选什么样的题材和内容往往又会决定其应用何种手段来表达, 不同的表现手段即形式又会对表达内容的完整性和叙事性的精确度产生不同的影响。

艺术内容的展现与表现形式的结合, 正是一个永远不断洗牌的过程。就绘画艺术而言, 既需要掌握娴熟的绘画技巧和独特的绘画语言, 也需要绘画创作的不断洗牌。绘画表现内容的不断洗牌, 形式的不断洗牌, 工具及材料的不断洗牌, 与其他艺术表现一样, 只有内容与表现形式得以创新的结合, 不断地重新洗牌才能创造出崭新的艺术美。

摘要：本文论述了绘画艺术的内容和形式联系, 就绘画艺术创作中因注意绘画的内容和形式的关系的问题, 从而导出艺术评价的标准应该是把两者的更巧妙的结合奉行为最高的标准。

关键词：绘画的内容,绘画的形式

参考文献

[1]邵大箴, 《论艺术的格调》

试论油画和摄影的关系 篇6

在视觉原理方面, 油画和摄影如出一辙, 照相机可以说是我们眼睛的延伸。我们说油画的特性使油画形成了描写视觉对象的一系列特殊的成规, 这些成规综合来说就是油画所发明的观看方法——在塞尚之前, 油画就像我们打开窗户向窗外看到的景象一样, 需要我们注意的是, 照片的库存开始于1839年, 此后, 可以说几乎任何东西都被拍摄过, 我们是接受照片的教育成长的, 照片教导我们新的视觉准则的同时, 也改变并扩大我们对什么才是最值得看和我们有权利去看什么的观念。摄影式的观看方式最初是依据绘画的准则来判断的, 这种判断按照有意识的设计和删除不必要的枝节, 被认为是由一批为数不多的摄影师在他们的作品中体现出来的:他们通过反省和努力, 最终超越了相机的机械性, 达到艺术的标准。今天, 我们在观赏往昔的艺术品, 运用了另一种观看的方法:按透视法的标准, 不存在视觉上的交互关系, 它的内部在矛盾在于它构建了全部的真实影像, 向独一无二的观察者呈现。摄影的本质是—它是一种混杂的观看形式, 并且在有才能者的手中, 是一种绝无差错的创造媒介。艺术到现在都是一种要么带判断、要么净化的观看的方式的结果, 也是一种由某些标准所支配的创造媒介。再看画家和摄影师, 本雅明曾把摄影师与画家的关系形象的用外科医生和巫师进行比喻——“外科医生和巫师在手术方面可谓各据一方, 巫师医治病患是将手法按在病人身上, 因此他的姿势态度与外科医生不同:医生的做法是直接进入人体之内。巫师在自身与患者之间保持着自然地距离;相反, 外科医师因为直接进入病人体内而大大缩短了彼此的距离, 且因为他的手在病人体内的器官之间小心翼翼地游走, 并未因此而加大彼此的距离。我们在画家与摄影师之间也看到类似外科医生和巫师的对比关系。画家对景作画, 隔着一段自然距离来观察所欲描绘的实景, 反之摄影师直接深入实景的脉络中。所得的图像两者也截然不同。画家所绘的图像时完整的, 而摄影师拍的影像却分割成许多片段, 每个部分又自成一格”。

二、油画、摄影与时间的关系

我们要绘制一幅油画到完成, 是需要一定时间来完成的, 时间可能是一天两天, 一个月或一年、几年, 这是在绘画中绘制图像的时间。而照相机要得到一幅图画, 只需瞬间, 不到一秒或几秒, 就可以获得我们想要的图像, 这是油画和摄影最显而易见的不同。油画具有这样的效果:缩短画家作画和我们看画之间的时间距离, 我们看到, 从绘画之间的这一特定意义上的距离, 所有油画都是当代作品。从而也证明了油画具有直接性。作画的历史时刻可以毫不夸张的说, 是历历在目的。塞上从一个画家身份君武的作品有一种形由心生的感觉;这些著名的版画家都运用水印版画这种传统而古老的艺术形式找到了适合自己并能体现自身艺术理念的创作形式, 也使水印版画这一古老的画种不断绽放新的精彩, 这些都是以水印版画本身特有的魅力为依托的。

当然, 作为一种艺术表现形式, 水印版画和油印版画都是绘画艺术形式的优秀代表, 都为艺术、科技与文化在世界的交流普及作出过积极的贡献, 由于其自身特点和欣赏群体文化和审美的的角度出发, 作出了这一类似的观察, “世界上的人生又过了一刻, 描绘现实世界吧, 为了这个目的, 忘却一切, 化成那一刻, 变作那敏感的调色板……用我们见到的一切去装点那个影像, 忘掉此刻之前发生的一切……”如何理解塞上说的我们面对的那个作画的时刻, 这有赖于我们对艺术结果寄予的期望, 但这种期望在今天是取决于观赏复制品时, 我们曾经是怎样体会图画的含义的。照相机能分离出事物的瞬间的表象, 这样也就勾销了影像是影像是永恒的观念。时间流逝的观念同视觉经验是不可分割的, 绘画属例外。“一张照片也许就是一个与时刻有关的问题”。一张照片可能拥有的气息与一幅画的气息之间的真正差别, 在于与时间的不同关系, 时间的蹂踊往往不利于画作, 但照片的一部分固有的趣味, 以及照片的美学价值的大部分来源, 恰恰是时间给它们带来的改变。博物馆接纳摄影, 无非是加快了时间必然会带来使所有作品变得有价值的进程。

三、油画、摄影与现实的关系

苏珊一朗格指出画只是表现或指涉, 绘画总是概括, 摄影通常则不是。这是说绘画和摄影与现实有着不同的态度。摄影师们大多数互相冲突的宣言都找到了一个汇合点, 就是坦率承认尊重事物本来的样子。照片常常被称赞率真的、诚实的, 恰恰表明大多数照片是不率真的, 不诚实的。相机会说谎使拍照更受欢迎。说谎后的后果, 在摄影中必然比在绘画中更受关注, 是因为照片缺乏层次, 常常是长方形的影像自认为是真实的, 而这是绘画说无法宣称的, 一幅假画—被认为是不是该幅画作者之手, 被认为是伪造艺术史, 一张假照片—被修整过或其说明文字是假的, 则是伪造现实。照片并非只是无意识的记录现实的工具, 而是已成为事物如何呈现在我们面前的准则, 从而改变了现实的概念, 也改变了现实主义的概念。费尔巴哈的关于原件与副本的对比中有一个问题, 值得关注, 就是他关于现实与影像的定义是静止的, 他假设真实永存, 不变和完整, 只有影像才会变, 但关于影像与现实的概念是互补的, 当现实的概念改变了, 影像的概念也随之改变, 相反亦然。我们的时代重影像而轻真实事物不是没有合理原因的, 而是对真实的概念逐渐复杂化和弱化的各种方式作出的一部分反映。现实被理解为难以驾驭, 不可获得的, 而照片则是把现实禁锢起来, 使现实处于静止状态的一种方式, 或者, 现实被理解成是收缩的、易消亡的、遥远的, 而照片可把现实扩大。老照片扩充我们脑中的影响, 变得像过去一样, 相机建立一种与现在的推论式关系, 现实是通过其痕迹而被知晓的, 提供一种即时的追溯的观点来看待经验。照片提供了模拟性的占有形式, 占有过去现在以至将来。

参考文献

[1].《摄影小史+机械复制时代的艺术作品》[德]瓦尔特·本雅明著王才勇译江苏人民出版社2006年7月第1版

[2]..《观看之道》[英」约翰·伯格著戴成钱译广西师范大学出版社2007年9月第2版