声乐

声乐（共12篇）

声乐 篇1

音乐在历史长河中不断发展与人们相伴。自古以来, 音乐都伴随着人们并渐渐地从贵人专属走向民间, 追根究底音乐就是由民间起源发展而来的。因此可以说传统民间音乐是现在各种音乐的起源与基础。

一我国声乐教育的历史

自1840年鸦片战争后, 我国人民开始觉醒, 洋务派推举“中学为体, 西学为用”的文化主张, “西学东渐”的思想由此得到壮大, 我国的音乐基础教育也得以开始萌芽。维新派代表梁启超认识到音乐对于思想的重要意义, 因此积极倡导学校开展唱歌课程, 并向大众传播新歌。音乐教育由民间真正转入学堂, 是清政府推行的“废科举, 兴学堂”政策之后, 它也由此渐渐地形成了一种制度。在这之后, 中国的专业音乐教育机构也如雨后春笋般冒了出来, 但在中国的音乐发展达到了这样一个欣欣向荣的局面背后, 仍然有着一连串的问题, 中国还有大量的民间音乐以及少数民族的特有音乐被排除在音乐教学大纲之外。由此, 古琴谱被曲解翻译成五线谱, 公尺谱、减字谱也很少有人了解, 最基本的认谱方式我们没有学会, 还谈什么认识音乐理解音乐呢。

我国音乐教育的层层教导层层学习, 导致了我国的近现代音乐文化的主流变成了欧州的音乐教学体系, 民间音乐仅仅被一些农民乐师所坚持并传承下去。

二对我国民间声乐传承的思考

1中国民间声乐传承方式

中国民间音乐的传承主要是依靠口头传递、创造而沿袭下来的, 民间音乐所注重的是“口传心授”, 口头传授其技巧及音调等知识, 然后依靠心领神会去了解音乐的神韵。由于民间音乐一向依靠“口传心授”来传承其精髓, 因此民间逐渐形成了民间音乐特有的记谱形式, 如古琴谱、减字谱和公尺谱等。应用最广泛的是公尺谱, 工尺谱用文字来记录乐谱, 将传统文化与民间音乐相结合, 形成一个文化艺术的结合体, 将民间音乐的传播途径大大拓宽, 并使其更加为人们所接受。

总地来说, 民间的音乐传承方式是民众自我、自发地进行沿袭下去的, 这种传承方式最大的弱点是缺乏自主意识。这种自发性地传承并没有在社会生活中受到广泛的认同, 使得这样的传承方式处于一个比较尴尬的境地。相比于学校统一的音乐教学模式, 这样的自发性传承方式能够更加完好地维护区域性的文化特征与民间音乐各种风格的保留。从音乐本质上来说, 民间音乐是一个民族本质的真实写照, 同时也是一个民族最完美的音乐作品, 它所代表的不仅仅是一个民间音乐组织, 还代表着一个民族的特点与水平, 因此, 民间音乐的传承意义更加深刻。

2传统民间声乐面临消亡

传统民间音乐的形成是由漫长的时间以及人类的智慧而得以形成的, 传统民间音乐往往是具有强烈的方特色的音乐, 它能够充分地反映特定时代的特点, 其地域信息以及民风民俗都会在民间音乐中有所体现。民间音乐一般来说都有着一定的中华民族音乐的共性, 同时也包含着其特别的个性特点。传统民间音乐相比于精英艺术来说具有坚实的生活基础, 大众对它的审美创造力有着很深的理解。民间音乐是中华民族传统文化的一朵奇葩, 它能够推动中华民族灿烂文化的发展。传统的民间音乐是中华灿烂文化中的一员, 因此如何能够在新时代成功地保护并发展传统民间音乐, 是一个重要的问题。

传统的民间音乐正面临消亡的危险, 因此, 如何使传统民间音乐能够可持续发展下去, 成了一个重要的课题。文化的发展与历史的传承成为了现代人们面临的主要问题, 想要使文化传承下去, 就必须有一定的创新, 才能够持续发展下去, 因此对待传统的民间音乐不能够一味地以保护为主来进行传承, 要想传统民间音乐能够可持续发展, 在整体上要运用既要进行保护又要能够不断创新的方法, 这两个方面我们不可偏向于一面, 二者都不可忽视、不可忽略。

3传统民间声乐的可持续发展之路

面对现实的传统民间音乐, 想要使其能够可持续发展下去, 首先要对其进行有效地保护。传统民间音乐也属于传统文化的一部分, 作为传统文化的一部分来说, 它是与民族精神、民族情感、民族自信力、民族凝聚力息息相关的。对传统文化的保护能够使得中华民族的文化稳固地立足于世界文化的潮流之中, 因此传统民间音乐的保护也显得尤为重要。但随着全球化的发展, 世界文化对中国的冲击也越来越大, 中国传统民间音乐的可持续发展受到了前所未有的挑战。现实世界的物质化、商业化, 将传统民间音乐的处境逼到了绝处, 当初许多只能够依靠口传心授方式来传承民间音乐的方法正在随着商业化进程慢慢消亡。还有一个很现实的问题就是许多老民间艺人年事已高, 后辈也不愿意去学习传统民间音乐, 因此许多有价值的民间音乐可能因为后继无人、青黄不接而直接消亡。随着时间的流逝, 越来越多的传统民间音乐的实物与资料正在消失, 因此对传统民间音乐的有效保护刻不容缓。

在对传统民间音乐进行保护的同时还要注重传统民间音乐的创新之路。因为目前的社会发展必然会不断地朝着现代化方向发展下去, 因此传统民间音乐文化必然会与现代文化进行碰撞。如何能够处理好传统与现代的关系, 是目前十分重要的话题。传统民间音乐是那个特定时代所创造出来的经典, 因此我们在认识传统民间音乐时, 要将其放到特定的时代中去, 因为传统民间音乐具有时代性。而传统的民间音乐想要在这个时刻发展的大时代里保持其固有的活力与生机, 就必须有与其相符合的可持续发展机制, 而想要保持一个可持续发展的势头, 就要在传统民间音乐的基础上进行创新。只有进行创新才能够跟上这个时代的节奏, 不被这个快速发展的时代所淘汰。传统民间音乐的创新是在不断发展的进程中, 传统音乐不能坐以待毙, 只活在自己的时代当中, 要在现实中以多种不同的角度, 以实际情况为基础来主动地进行自我调节和完善, 在不断地自我调节和完善中, 找寻发展生存之路。按理论上讲, 传统民间音乐应该能够自我调节发展并找到一条适合自身发展的道路, 而现实情况却恰恰相反, 目前的传统民间音乐往往是出于无奈而被动地随着现实而改变, 其创新的道路是十分艰难的。传统民间音乐的可持续发展问题仍然不能很好地解决, 传统民间音乐在传承方面难以制定出一套有效的模式来将民间音乐文化传承下去。传统音乐的眼光若还停留在过去, 那么其可持续发展性将难以得到保证。在这个飞速发展的时代, 传统民间音乐要有长远的眼光和进步的观念, 其文化传承的态度要放正, 要与时俱进, 能够吸收同化外来的文化知识, 在不断地吸收中获得进步。

三促进民间声乐文化传承与现代文化发展相结合的现代声乐教育发展之路

民间音乐文化教育是一个具有主体性、基础性和开放性的教育课程。民间音乐文化是一个具有传承性和时代性的大观念, 它将文化传承与现代文化发展相结合。作为一个音乐教育的主体, 民间音乐占有着不可代替的位置。关于音乐教育的更深一层的问题, 直到20世纪90年代左右, 中国对音乐教育的认识才开始启蒙, 虽然民间音乐的研究已经取得了一些成果, 但并没有能够真正融入到传承民间音乐文化的领域中去, 也就是学校的音乐教育。因此, 相比于普通音乐教育来说, 民间音乐教育的传承与改革创新, 无论对于音乐教学来说, 还是对于音乐教学的理论改革研究, 都是一个有着巨大意义却又很有挑战性的课题。

1应重新树立民间音乐文化观和相应的音乐教育观

在目前这个多元化的社会, 世界各地的文化在不断地交流和碰撞, 这种现状要求学校在进行音乐教育时, 应对文化的多元性有深刻的理解。这种多元化的认识要求音乐教育不仅要融合民间音乐, 同时还要融合他国的民间音乐进行教育, 这样的教育方式能够让学生们在学习音乐时融会贯通, 很好地去理解音乐文化观念, 能够在很大程度上调动学生的创造力和想象力。

2确立民间音乐在高师音乐教育中的主体地位

民间音乐并不像现代的精品音乐一样有着高知名度、高人气的特点, 因此学校想要将民间音乐融入到学校的音乐教育中, 就必须自觉地对当地的民间音乐进行采访和收集, 并将当地的民间音乐融入到音乐教育中去。同时, 在收集民间音乐的同时还可以邀请民间音乐艺人到教室中向学生们授课。

高校音乐教育在民间音乐教材方面还比较欠缺, 因此, 应请人编写专门的民间音乐教材。只有有了相关的教材, 学校的音乐教育质量才能够有一个提升。在教材的编写过程中, 应广泛收集中华民族的优秀民间音乐, 这样才能够让学生们领会多种风格的优秀音乐。

新型的民间音乐教学也能够提升民间音乐教学的质量, 教师在教学过程中应能够充分调动学生的积极性, 将学生们的学习热情激发出来, 使学习变被动为主动, 使师生之间的关系变得更加和谐, 更加富有创造力和想象力。

总之, 根据目前国内的音乐教育现状, 从文化与教育这两个视角, 将民间音乐的传承问题结合到音乐教育中去。本文探讨了民间音乐长期以来受到音乐教育忽视的一些后果, 并强调了民间音乐在中国文化发展中的重要性。学校的教育作为民间音乐的传承体, 要紧紧抓住这一点, 并实施下去, 使得学校的音乐教学发挥其在传承民间音乐方面的重要作用。

参考文献

[1]阮娜.我国民族声乐艺术对于民间音乐的吸收与借鉴[J].音乐生活, 2010 (04) .

[2]高歌.浅谈中国民族声乐及其发展方向[J].陕西师范大学继续教育学报, 2004 (04) .

[3]张伟.中国当代高师声乐教育发展研究[J].大众文艺.2011 (03) .

声乐 篇2

一、中西民族声乐融合的过程

民族声乐文化有着悠久的发展历史，内涵深厚的文化底蕴，是我国精神文明建设不可缺少的一部分。现在国内外交流更加自由与广泛，我国的民族声乐在世界这个大环境下怎样生存，怎样把传统的民族文化传承下去，这都是现在所需要思考的问题。我国民族声乐艺术在不断的发展与继承中改进和完善，传统的艺术风格和演唱方式是我国民族声乐的特色。现在国内外交流更加频繁，本国的民族音乐走向世界，外来的音乐也来到了中国。想要发展前进，就不能闭门不出，要学会借鉴国外的优点来改进国内民族声乐的不足。上个世纪开始，外国音乐就逐渐渗透到我国的社会音乐生活之中，西方的乐器、音乐理论和创作方法等出现在人们的生活中，对本国的民族声乐艺术产生了影响。本国的一些音乐人在发展自己民族声乐文化的同时，也吸取西方的音乐文化，最后把中西音乐文化融合在一起变成自己的音乐。著名的音乐作品《长恨歌》、《白毛女》等作品都是在继承本国的民族声乐特色的基础上加入了西方音乐因素，这也是我国民族声乐与西方声乐首次的艺术碰撞，也为后来的民族声乐发展奠定了很好的基础。在西方声乐文化传入我国之后，一些作品在选曲和创作上都有了些微改变，这也代表中华民族声乐从民间声乐发展到现代民族声乐了，这是一种艺术上的升华。这个时候正是民族声乐文化的飞速发展期，一些民族声乐演唱家在演唱方式上就借鉴了西方的演唱方式，国内民族声乐文化得到了创新和发展，而且那个时期的诸多作品也颇受欢迎。这些演唱家的风格已经与民间歌手有所差别，但是又含有独特的民族风格，满足了当时人们对于音乐的需求。

现在我国成立了很多音乐教育机构，民族声乐艺术被广泛的传播，传统的民族声乐与西方声乐艺术融合达到了更高的高度，中外的声乐艺术交流更加频繁。民族声乐教育机构的教育模式、教育理念以及教育学形式都是借鉴了西方的声乐教育，西方的声乐艺术比我国发展的要早，因为中西方思想观念的差异，西方音乐很是洒脱、自由，这也是我国声乐艺术所需要借鉴的地方。西洋声乐的`演唱的方式相比于国内也更加系统化，因为我国民族声乐一直处在民间口口相传的阶段，没有太过系统的归纳总结。现在很多民族声乐演唱家唱歌的方式，口腔震动、气息的改变和艺术的表达等很多都是借鉴了西方的演唱方式。

二、总结

声乐 篇3

关键词：声乐演唱 声乐作品 方石 《土家女儿会》

声乐作品的艺术内涵表达依靠演唱方式的选择，以及演唱技巧的综合运用，而声乐演唱的成功体现需要以声乐作品作为具体的蓝本。通过探究具体声乐作品与声乐演唱技巧的运用，明晰两者之间相互依存、不可分割的统一关系，对艺术处理与二度创作具有重要的导向作用。本文通过分析方石《土家女儿会》的艺术特色和文化内涵，从而全面地展开声乐作品与声乐演唱之间关系的探讨，深化作品的艺术价值，提升演唱者的演唱水平。

1.声乐演唱与声乐作品是相互依存、不可分割的整体

声乐艺术是凝聚语言、音乐、表演等文化范畴的精神财富，代表不同民族之间独具特色的审美品位和文化底蕴。我国传统的声乐艺术历史，是展现我国民族悠久的审美理念与文化内涵的载体。在声乐艺术漫长的发展史中，一方面通过声乐演唱传播艺术文化价值，另一方面通过整合声乐演唱和声乐作品之间的关系，提高声乐演唱相应的感情和内容，使得声乐艺术作品的旋律和技巧赋予生命力和灵活感。，使听众广泛听取作品真正的内涵价值。因而理解声乐演唱与声乐作品之间的关系，对于降低声乐艺术作品的空洞感，提升艺术品位，具有重大的意义。通过运用演唱技巧与优美声音对声乐作品内容进行诠释，从而充分传递作品的文化意蕴。声乐作品与声乐演唱之间存在密不可分的关系，通过声乐演唱的二度创作获得恒久的艺术生命力。

土家女儿会是恩施州著名的四大民族节日之一，具有悠久的历史文化，以保留传统的姻缘相亲的方式，成为当地的特色代表。方石声乐作品《土家女儿会》是对独具湖北土家民族特色文化的深刻反映，针对当地民族节日“女儿会”进行细致刻画，以音乐演唱的方式衬托当地的文化意蕴。方石在音乐创作历程中，将别致的民间文化形态融入声乐作品的创作当中，作品中流露出土家女儿会热闹非凡的场景，青年男子追求爱情时的大胆心声，美妙女子羞涩腼腆的娇羞神态，以及对美好恋爱婚姻生活传神的描述，都透露土家女儿会动人别致的民族文化特色。

2.方石声乐作品《土家女儿会》的创作意蕴

“如何使用民族音调，使其产生强大的吸引力，从而具有强大的生命力是摆在作曲家面前的一个新的课题。方石主动顺应时代的需要，在坚持传统民族风格的同时，积极探索民族音调时尚化的新路，他从民族音乐的选材，和声配器，演唱方式等方面开始探索（方石总结为时尚写作的五个‘预置’模式）”[1]，方石截取民俗题材，以敏锐的审美认知和创新思维，对土家女儿会进行大胆的求索和研究，从而创作声乐作品《土家女儿会》，这是讲民间通俗题材音乐话、时尚化的巧妙转变。透析《土家女儿会》中的词曲创作，以典型的土家族口语方言结合土腔土调的乐理音韵，从而展现原汁原味的民俗文化生命形态。在旋律行腔上具有明显的地域文化色彩，同时结合时尚的调式韵味，从而使得整部作品呈现出强大的生命力和生态性，是再现民俗文化内涵的艺术载体。《土家女儿会》解除了对传统民俗文化素材的审美疲劳，延续其艺术艺术魅力。

3.方石声乐作品《土家女儿会》的作品分析与艺术处理

从方石声乐作品的创作发展历程中，可发现以时尚音乐元素与传统民族风格相互融合的成熟音乐样式，是方石声乐作品的成功表现。《土家女儿会》正是时尚与传统、语言与音乐结合的完美典范，通过对《土家女儿会》的音乐内容分析，全方位把握声乐作品的文化知识信息，拓宽民族文化视野。通过对《土家女儿会》的音乐情感诠释，展示相应的民族音乐风格。

《土家女儿会》是在特定的时代背景下诞生的民间音乐文化的结晶，具有强烈的时代的特征。主要分为前后两个乐段，前者描述女儿会的传奇色彩，以天上“鹊桥会”引入人间“女儿会”，点明女儿会的文化意义及寄托。后者主要描绘女儿会的热闹缤纷的场景，交待地点、时间、人物、事件，将具有厚重的文化底蕴的民俗，以娓娓几笔简单地勾勒出来，以正面描写和侧面衬托丰富女儿会的思想内涵，两个乐段都将乐曲表现归结于女儿会主题——土家风俗有味，土家女儿高贵。女儿会的内容推进与作品的旋律、节奏、速度相一致，将情节发展与整首作品的曲式结构相映衬，从而完美地表现土家女儿会浓郁的民俗风情。

为达到完美的演唱效果，演唱者应当注意声部效果与作品内涵的有效配合，产生共鸣。一方面，随着作品情感节奏的变化，保持腔体与呼吸之间的合理配合，明确腔体处在何种具体调式位置，以调整呼吸节奏，使得声音能够收放自如。另一方面，演唱者应当注重作品中音色的情感表达，准确地处理音色的力度和速度，融合旋律、伴奏的特性，演唱者通过对《土家女儿会》的情感变化来变换音色的强弱，营造歌曲的意境。

4.结束语

方石的《土家女儿会》既为听众展现了活灵活现的女儿会场景，同时为民族声乐的艺术创作提供借鉴经验，是充分融合作品艺术内涵与演唱技巧的成熟作品，对于创新民族声乐的发展之路具有指向作用，体现声乐作品与声乐演唱相互依存关系的代表典范。

参考文献：

[1]赵雅.浅论声乐作品与演唱技巧的依存关系[J].艺海，2012，（10）.

民族声乐与美声声乐的融合 篇4

一、民族声乐的演唱和教学方式

(一) 民族声乐演唱概述

从广义上讲, 民族声乐是指我国各民族地区的民间山歌、小调、戏曲、民间歌曲等多种声乐形式。中国民族声乐源远流长, 不同时期音乐作品的题材、表现形式和情感表达等都会有所差异, 形成了不同风格的民族声乐艺术;不同的地区孕育出了具有地方特色的声乐作品, 丰富了我国民族声乐的艺术风格, 仅以汉族民歌为例, 就有北方民歌、南方民歌、东部民歌和西部民歌之分, 在演唱风格方面也很不相同, 或高亢、或细腻、或温婉、或嘹亮。

从狭义上讲, 民族声乐特指我国在建国后, 由一批知名的声乐表演艺术家和声乐教育家在继承民族声乐精髓的基础上, 结合美声唱法形成的一套针对我国民歌演唱的声乐教学体系, 也被称之为民族唱法。民族唱法是对我国传统民族声乐中的山歌、戏曲、民歌演唱精华的继承和发扬, 根植于我国的传统文化, 是中华民族的文化内涵、艺术特点、审美情趣和艺术欣赏的综合体现。民族唱法声音淳朴、情真意切、歌声清脆, 形成了独特的演唱风格和特点以及一套科学完整、系统权威的声乐体系, 对推动我国民族声乐的发展奠定了坚实的基础。

(二) 民族声乐的教学方式

民族声乐根植于我国的传统戏曲、山歌, 有着一定的演唱技法, 注重气息的训练、共鸣腔的使用、高位置的声音、咬字吐字和舞台表演等相关训练, 在继承传统民族声乐唱法精髓的基础上, 借鉴美声声乐唱法中科学系统的发声方式, 使得民族声乐在教学上向更科学、更系统、更完善的方向发展。

二、美声声乐的演唱和教学方式

(一) 美声声乐演唱概述

美声声乐演唱产生于16 世纪的意大利, 起源于西方古典声乐传统唱法的发展, 意大利称之为“Bel Canto”, 即优美的歌唱, 经历了17 世纪的迅速发展, 在18 世纪达到了顶峰, 随后在全世界范围内推广与流行, 成为了人们最喜爱的歌唱艺术形式之一。美声声乐演唱经过几个世纪的发展与完善, 已经形成了独特的演唱特点, 即嗓音自然优美、声音均匀统一、音色华丽、演唱技巧具有高难度, 并形成了科学完整的理论体系。

狭义的美声声乐演唱特指作曲家多尼采蒂、罗西尼、贝里尼等人所处时代的作品、演唱风格、歌唱技巧、表演形式等形成的歌唱艺术。广义的美声声乐演唱是一个非常宽泛的概念, 指以意大利歌唱发声技巧为基础的一切歌唱形式, 包括清唱剧、歌舞剧、音乐剧的咏叹调。虽然美声声乐演唱有多种歌唱方式, 融合了多个国家的语言特点和审美情趣, 但是对基本发声有着一致的要求, 即声音圆润、持续稳定、音色华丽、具有穿透力, 形成了刚柔并济、灵动柔和的演唱风格。

(二) 美声声乐的教学方式

美声声乐演唱经过几个世纪的发展, 已经形成了科学、系统、完整的理论与教学体系, 因此在教学上有章可循:重视气息的使用、共鸣腔的使用、高位置的声音训练, 同时也注重培养学生的美学修养、提升学生的个人表演气质。

三、民族声乐和美声声乐演唱上和教学上异同

(一) 民族声乐和美声声乐在演唱上的异同

1. 民族声乐与美声声乐在演唱上的相同点

民族声乐和美声声乐演唱最大的相同点是统一的发声方法, 两者都采用了科学的发声方法, 主要体现在以下几个方面:

深沉的呼吸。呼吸是歌唱的基础, 民族声乐和美声声乐演唱都采取较深位置的呼吸, 以发出深沉的声音、获得完美的音质。民族声乐演唱要求气沉丹田, 再冲冠于顶, 美声声乐演唱要求胸腹式联合呼吸, 将气息沉下来, 两者在本质上并没有区别, 都是为了更好地发声。

追求通畅的声音和完美的声音。民族声乐演唱和美声声乐演唱都追求声音的通畅, 要求放松喉头, 以产生良好的共鸣效果, 使声音达到统一。民族声乐演唱和美声声乐演唱都追求声音的完美, 通过扩大音域以发出完美的声音。

高位置的声音。民族声乐演唱借鉴了京剧的唱法, 追求高位置的声音, 美声声乐演唱同样要求高位置的演唱, 要求以良好的共鸣和深沉的呼吸为基础, 可见两者在声音安放方面是相同的。

心理素质。民族声乐演唱和美声声乐演唱都要求演唱者具备良好的心理素质, 以积极乐观的情绪、饱满的精神状态、全身心的投入, 声情并茂地演绎音乐作品, 以展现出作品最完美的状态。

2. 民族声乐和美声声乐在演唱上的不同点

虽然民族声乐和美声声乐在唱法上有着一致的发声方法, 但是两种演唱作品的表现形式、表演风格、语言特点、情感表现等方面都有所不同, 因此在演唱上具有一定的差异。

气息。民族声乐要求发声亲切自然, 追求原生态的演唱风格, 呼吸上以胸式呼吸为主, 强调气息从小腹到上口腔形成一个畅通的管道, 发声集中, 声音自然洪亮。美声声乐演唱则要求将气吸入肺部后, 扩张胸腔和腹部, 产生巨大的共鸣腔, 以追求洪亮的声音、饱满浑厚的音色。

共鸣腔的使用。民族声乐演唱只使用部分共鸣腔, 以民族语言为发声基础, 行腔韵味无穷, 而美声声乐演唱则使用上下全部的共鸣腔, 以腔行字、以腔带情, 实现共鸣的效果。

喉头打开方式。民族声乐演唱要求喉头向上、发声管道短小、喉咙打开程度小, 使发出的声音集中、明亮、柔和、细腻;美声声乐演唱则要求喉咙全部打开, 从喉头、咽腔、鼻腔到头腔形成一个共鸣腔, 拉长发声管道, 使得声音饱满浑厚。

咬字吐字。民族声乐和美声声乐在演唱上都要求字正腔圆、咬字吐字清晰, 但是由于两者演唱的语言不同, 带来了在咬字吐字上的差异。民族声乐演唱追求行腔运腔, 发声靠前;而美声声乐演唱在咬字吐字上内敛, 发声靠后。

(二) 民族声乐和美声声乐在教学上的异同

由于民族声乐和美声声乐在演唱上的差异, 因此在日常教学过程中的教学方法、教学形式都有所不同。

1. 民族声乐与美声声乐在教学上的相同点

民族声乐和美声声乐都是声乐表演的一种, 在演唱过程中都需要演唱者展现出美感, 这也是声乐表演对演唱者最基本的要求。因此, 在这两种演唱形式的教学中, 声乐教师都会教演唱者优雅的站姿 (收起下巴、肩膀和胸部放松、双脚分开、身体重心向前) 、饱满的精神、积极的状态、真挚的情感、准确的发声、清晰的吐字等。

2. 民族声乐与美声声乐在教学上的不同点

呼吸训练。民族声乐演唱和美声声乐演唱都要求深沉的呼吸, 两者在呼吸训练方面具有一定的共同点, 例如:训练时常采用“打哈欠”“闻花”的形式让学生体会缓慢地吸气, 用“吃惊”的脸部表情让学生体会快速吸气;用均匀吹蜡烛或均匀发出“嘶”的长音来训练呼气;用“吸着唱”的方式让学生体会横膈膜如何保持气息, 并用吸中有呼、呼中有吸的形式来感受气息的流动性。但是由于民族声乐和美声声乐在演唱上对呼吸深度要求的差异, 美声声乐教学中会注重保持更深的气息位置。

共鸣腔的运用。民族声乐演唱只使用部分共鸣腔, 主要集中在口腔、鼻腔和头腔, 发音靠前, 重视咬字和行腔技巧, 因此教师在指导共鸣腔运用时, 要求学生放松喉头、抬起上颚, 体验口腔、鼻腔和头腔形成的共鸣效果, 通常使用元音“i”体验共鸣位置, 以“大笑”感受上提的笑肌, 以产生更好的共鸣效果。美声声乐演唱则使用全部的共鸣腔, 从头腔到腹腔形成一个完整的腔体, 实现高音、中音和低音的演唱, 因此在训练时, 采用“半打哈欠”的方法感受共鸣腔的打开, 并且喉位下置、上颚拱起, 形成通畅的发声管道。

发声要求。民族声乐和美声声乐演唱都要求高位置的声音和共鸣腔的使用, 但是民族声乐演唱的发声管短、声带拉紧力量大、声音明亮, 在教学上通常采取“打哈欠”的形式, 使发声靠前, 而美声声乐演唱发声管较长, 在教学中强调声门的闭合作用, 减少声带的拉紧力量、减少肌肉张力、增加肌肉弹性, 以发出舒缓而富有弹性的声音, 同时应当避免拉紧声带, 避免呼吸僵硬、共鸣失效、声音失色。

吐字要求。民族声乐和美声声乐演唱的最大差异是吐字, 在教学上也表现出很大的差异。民族声乐演唱以汉字为基础, 汉字包含字头、字腹、字尾, 吐字时舌头前部用力强调子音或声母, 以获得字正腔圆的效果。因此, 在教学上讲究字头、重视元音的定位, 要求位置准确、发音清晰, 追求归韵, 更追求句子的连贯, 要兼顾两者, 不能顾此失彼。美声声乐演唱以元音发音为主, 辅音为次, 咬字时追求元音连贯、辅音清与轻, 以腔行字, 要求在同一腔体和连贯的气息中换字。

舞台表演。民族声乐演唱要求演唱者以亲切生动的表现形式, 优美、灵动、丰富的肢体语言来表现作品, 因此, 教师在教学上会注重手、眼、身、法、步的训练, 并要求学生学习戏曲知识, 而美声声乐演唱则更重视内在修养, 以内在的真情实感感动观众, 而对肢体语言的要求则比较少。因此, 教师会注重对演唱者艺术修养的培养, 使他们具备西方美学知识的素养, 展现出优雅大方的姿态。

四、民族声乐和美声声乐的深度融合

民族声乐和美术声乐在演唱和教学方面都具有许多差异, 但是两者在演唱和理论基础方面都有共通点, 这为两者的深度融合奠定了基础。

(一) 民族声乐和美声声乐演唱上的深度融合

1. 美声声乐对民族声乐的借鉴与融合

美声声乐作为西方演唱形式, 传入中国后, 在保持基本演唱技巧和方法的基础上, 适当地吸取了民族声乐的技巧和精髓。芭蕾舞音乐剧《白毛女》《红色娘子军》是这一时期美声声乐与民族声乐有机融合的优秀代表作品。美声声乐演唱在中国深入发展, 与民族声乐进行了深度融合, 逐渐形成了民族化唱法、美声化歌唱风格的中国美声唱法。这一时期涌现出了大批的优秀歌唱家, 有朱淑安、戴玉强、刘威葳、应尚能等, 形成了中国的民族美声学派。

对润腔的借鉴。民族声乐演唱的主要特色是行腔韵味, 追求腔、字、声、情这四者的统一。民族声乐演唱中在润腔方面具有极高的技巧, 需要通过音色、音高的转换来实现, 还要使用滑、擞、颤、假声等方法, 增强声音的表现能力和情感的表达, 美声声乐演唱在这一方面有所欠缺, 因此借鉴了民族声乐的润腔技巧, 以提升声音的表现力。

对韵味的借鉴。民族声乐演唱追求“淡、远、静、空”的韵味美, 意味深远和较高的情感境界, 形成了民族声乐独特的演唱风格。民族声乐的韵味是建立在行腔、咬字和风格的基础上, 具备较成熟的理论和实践基础。美声声乐在中国发展的过程中, 加强了对民族声乐演唱韵味的借鉴, 以增强自身演唱的韵味。

对意境的借鉴。民族声乐演唱作为我国的一种传统文化, 遵循写意的原则, 追求情景交融, 要求演唱者的演唱风格要与作品的审美情趣相一致, 相得益彰, 演唱者对作品进行二次演绎, 以引起观众的共鸣。民族声乐演唱方法体现出了中国人深沉、内敛、含蓄的性格特点, 因此, 美声声乐演唱在中国的发展和融合阶段, 应当遵循中国传统的写意原则, 营造出演唱的意境。

2. 民族声乐对美声声乐的借鉴与融合

相较而言, 美声声乐有着比民族声乐更为完整的理论体系和教学方法, 因此民族声乐通过对美声声乐演唱技巧的借鉴和融合, 逐渐形成了一套关于发声和共鸣的完备理论。在演唱技法上, 民族美声唱法发声管短、共鸣腔靠前、声音明亮, 能够表现出欢快的演唱风格, 但在表现悲痛的情绪时就稍显不足, 力度不够、表现力不够丰富。此时, 民族声乐借鉴了美声声乐的演唱技巧, 运用更大的共鸣腔, 加长发声管、下沉气息、加大声音的表现力度, 表现出沉痛的情绪。民族声乐对美声声乐发声技巧的借鉴和融合, 扩大了音域, 完善了民族声乐理论, 诞生了一批优秀的歌唱艺术家, 如金铁霖、沈湘、宋祖英、谭晶, 谱写了民族声乐的新篇章。

对咬字吐字的借鉴。美声唱法的咬字重视元音的统一连贯, 强调柔和性, 咬字有力、圆润集中, 将咬字与声音完美融合, 美化了声音, 使声音连贯自然、转换时不漏痕迹, 而民族声乐的演唱咬字不清、声音偏厚、转换生硬、痕迹明显, 影响韵味的传达。因此, 民族声乐演唱借鉴了美声唱法的咬字吐字训练方法, 增强咬字吐字技巧。

对混声唱法的借鉴。美声演唱具有真音、假音混合的演唱特点, 气息通畅、声音饱满圆润。混声唱法是美声声乐演唱与其它声乐演唱最大的区别, 也是美声声乐演唱最大的特点, 民族声乐借鉴了美声声乐的真假混音的唱法, 充分调动共鸣腔, 增强高音的柔和优美和穿透力。

(二) 民族声乐和美声声乐教学上的深度融合

随着民族声乐和美声声乐在演唱上的深度融合, 新的作品大量出现, 更多的人参与到民族声乐和美声声乐演唱中。因此, 声乐教学者也在实践中积极探索着适应我国国情的民族声乐和美声声乐的教学方法。在教学方面, 教师积极学习美声唱法, 并在实际演唱中运用美声唱法演唱民族歌曲, 使声音通畅浑厚, 富有时代感和民族感。教师以身作则, 将对美声唱法开放包容的态度传递给学生, 使学生在教师的熏陶下积极地学习美声声乐演唱方法。在演唱技法的教学方面, 教师教授民族声乐时, 在保留传统戏曲的吐字咬字、气息运用的基础上, 注重对美声唱法中混合腔体的训练与使用, 以扩大音域、增强音色, 使声音更富立体感、可塑性, 提升演唱者的歌唱能力和表现能力, 这样就使得民族声乐演唱比传统的民歌演唱更加甜美、亲切, 减少了粗犷、豪放感, 增添了更能打动人心的情感, 增强了民族声乐演唱的艺术效果, 深受现代人的喜爱。此外, 美声声乐与中国传统文化的相互融合进入了更深层次的阶段, 呈现出多样的内容、风格和形式, 在我国目前的声乐教学中也有所体现, 多样化的教学理念、教学思想、教学方法和教学模式, 正被运用于目前的声乐教学中, 使得我国声乐教育迸发出更强的生机与活力。

五、结语

民族声乐演唱和美声声乐演唱都是声乐演唱的形式, 既有一定的共同点, 也有明显的差异。在新时代, 民族声乐演唱和美声声乐演唱相互作用、相互影响、相互融合, 从而能够使民族歌曲走向世界, 美声歌曲更具中国特色。作为一名声乐教师, 应深入分析这两种唱法的异同点, 并相互借鉴, 将其运用到教学实践中, 推动我国声乐演唱事业的蓬勃发展。

摘要：民族声乐和美声声乐在新时代相互作用、相互影响、相互融合。两者在演唱和教学上都有一定的相同点和不同点, 研究民族声乐和美声声乐的融合, 能够加深对两者的认知和理解, 推动两种声乐在中国的蓬勃发展。本文首先分别简要介绍了民族声乐和美声声乐的演唱和教学方式, 然后从演唱和教学方式两个方面分析了两者的异同点, 最后探讨了两者在演唱和教学方式上的深度融合。

关键词：民族声乐,美声声乐,差异,借鉴与融合

参考文献

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[3]鄂薇.从中西声乐文化差异看民族声乐与美声艺术的融合[J].黄河之声, 2013, (18) :20-20.

[4]张素华.民族声乐作品在高校美声教学中的重要性[J].音乐创作, 2014, (11) :191-192.

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[6]姜姗姗.浅谈美声唱法与民族唱法的比较与融合[J].戏剧之家, 2011, (10) :35-35.

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[8]刘凤.论民族唱法与美声唱法的异同与融合[J].艺术广角, 2007, (4) :43-44.

[9]程军.论美声唱法与民族唱法的融合[J].西北大学学报:哲学社会科学版, 2009, 39 (5) :171-172.

民族声乐与中华民族声乐之我见 篇5

摘要：当代，在莺歌燕舞，百花齐放的歌坛上，对民族声乐的界定呈现出各行其说，百家争鸣的状况。针对这一状况，文章在总结民族声乐不同解释的基础上，通过定义和分类的方法，解释了“民族声乐”及“中华民族声乐”这两个概念的内涵。我们应该认识到，界定民族声乐的一个重要前提，是如何处理文化传承关系的问题，其着眼点应该放在继承优秀传统声乐基础之上。

关键词：民族声乐； 中华民族声乐

中图分类号：J616 文献标识码：A 文章编号：1002-6959（2008）06-0058-04

民族声乐艺术如同琴棋书画甚至宗教、科学等文化形式一样，都是人类文化现象。它是人们的一种音乐行为。人类早期的声乐艺术只是一种简单的歌唱，随着社会的发展，歌唱逐渐发展成为一门独立的学科。民族声乐反映了不同历史时期各民族人民的心声，展示了不同群体的文化特征、心理特征和民族特征。我们可以透过歌声中的文化联系去了解人；了解不同地域、不同民族的人；了解生活在各种生活状态中的人类。

一、关于民族声乐的解释

近年来随着我国改革开放的不断深入，民族声乐理论研究逐步展开，有关民族声乐的概念探讨，呈现出百家争鸣，各行其说的状况。但总体来说，对中华民族声乐的解释大致归为以下几种：

1.有学者认为：以中华民族的一种语言和音乐风格表达中华儿女思想、感情的声乐作品及表演就属于我国的民族声乐。石惟正先生在《中华民族声乐的范围、结构及其发展方向》学术报告中所述:“以中华儿女熟悉、喜爱的母语文学以及音乐语言表达中华民族的思想、感情的声乐作品及其表演就是中华民族的声乐艺术。换言之，用中华民族的一种语言和风格以声乐形式表达民族思想、感情的艺术种类就是我们的民族声乐。”

2.还有学者认为：民族声乐这一概念有两层意思，即“民族”与“声乐”。“民族”指中华民族，包括汉族在内的56个民族组成的中华民族。“声乐”，是指民族的声乐。它包含唱法（技术层面）和审美价值取向（文化层面）。金铁霖先生在2004年出版的《金铁霖声乐教学》中提到：“民族声乐，是由传统艺术逐渐发展演变而来的，一是来源于中国戏曲、曲艺；二是来自民歌，从而形成了一种传统的民族唱法”。之后，金铁霖先生又说：“民族声乐艺术，根植于中华传统音乐文化，来源于各族人民群众的生产生活，是地地道道的反映中华民族特色的一门艺术。”

3.另有学者认为：中华民族声乐应该包括民歌、曲艺、戏曲等一切演唱艺术形式。陈君凡先生在《中国古代民族声乐艺术的演进》中提到：“要研究中国古代声乐艺术，首先要解决的是中华民族声乐艺术概念的界定问题。‘民族声乐’的含义有两个方面，狭义的讲：它是指具有民族风格的声乐作品，歌唱技巧及表现特色；广义的讲：民族声乐是指民歌、说唱、戏曲等传统体裁的声乐形式及专业作曲家创作的各种民族声乐作品。”

以上三种解释集中体现了我国民族声乐的内涵及范围。但也看出从不同角度对中华民族声乐的理解。从我国音乐发展的历史来看，中华民族声乐的历史可以追溯到4000多年前的远古时代，几千年来，我们的祖先在实践中练就了不可低估的声乐唱法。如汉朝的叙事歌《孔雀东南飞》，全曲长达350多个乐句，用优美感人的声音演唱如此之长的歌曲，演唱者应具备相当高的声音韧性和演唱技巧。从古代有关唱论的描述中也可见中国传统声乐艺术是很讲求方法的，如：《礼记?乐记》中描绘：“故歌者，上如抗，下如队（坠），曲如折，止如搞水，俗中距，句中钩，累累乎端如贯殊”；又如《东府杂录》中讲：“善歌者，必先调其气，氤氲自脐间出，至喉乃噫其词，即分亢坠之者，即得其术即可致遇云响谷之妙也。”其实，我国传统的对于歌唱的科学总结早于西方“BeCantuo”唱法两千年左右。这足以说明我国的传统歌唱艺术源远流长，并在演唱实践和理论总结上都达到相当的水平。

二、民族声乐及中华民族声乐

民族声乐，指歌唱行为（包括演唱方式、演唱技巧、歌唱语言、表演等。）是具有民族文化特质的一种演唱艺术。它包括历史上不同民族的歌唱艺术，既包括西方民族的声乐，也包括东方民族的声乐；既包括传统声乐，也包括近现代、当代的声乐。简而言之，民族声乐包括了各民族不同的演唱形式和不同的演唱方法。

中国的民族声乐，既包括汉族声乐，也包括少数民族声乐；容纳了民歌、说唱、戏曲，以及近现代创作歌曲等演唱形式。可分为民间歌唱、民间说唱、戏曲演唱和民族新唱法四大类。

1.民间歌唱

民间歌唱，指由民间艺人、民间歌手演唱本地区、本民族乡土民歌的演唱方式。其演唱主要根据当地传承的民间歌曲、演唱方式即兴演唱。演唱者一般没有经过专门的声音训练，但能在本民族语言的基础上吐字真切，唱出韵味浓郁，自然纯朴的歌声。一般而言，我国北方民间歌唱声音豪放、高亢、明亮，唱高音时常用真假混声；而南方的歌唱则委婉、甜美、圆润，常以真声为主。民间歌唱源于民间，是我国民族文化的宝贵财富。我国有56个民族，不同的民族习俗，不同的民族语言，形成了丰富多采的民间歌唱。有的形成了民间歌唱系列，如：茉莉花系列、摇篮曲系列、送情郎系列、山歌系列、号子系列等。在演唱实践中，民间歌手们逐步找出适合自己的、较为科学的用嗓方法和技巧，演唱各种山歌、号子、小调及各地方、各民族不同种类的民歌，并在民间口传心授，广为传唱。这些来自民间的歌唱，是孕育中华民族声乐的摇篮，也是民族声乐发展的源泉。

2.民间说唱

民间说唱，实质是念白和歌唱在表演过程中交替进行，即说中有唱、唱中有说、说说唱唱、讲唱结合。顾名思义就是指以吟为主，加上唱的一种民间演唱形式。音乐体裁以叙事性为主，兼有抒情功能。我国民间说唱曲种繁多，明清时期，我国的说唱艺术发展很快，曲种达三百多种，如今随着社会主义文艺的繁荣，各民族曲种更为丰富多彩，2007年在全国少数民族曲艺现状与发展学术研讨会上，据中国曲协有关领导介绍，目前曲种已达六百多种。汉族的南方弹词，北方的大鼓、渔鼓道情、牌子曲类、琴书、杂曲、走唱、板诵等，深受人们的欢迎。还有少数民族说唱如“好来宝”“大本曲”、“赞哈”等；民间说唱多为民间艺人演唱，说唱自如，韵味浓厚。说唱表演要求艺人们要有“清晰的口齿、灵活的吐字、动人的声韵、感人的声音”。他们在民间传唱着本民族的历史、传说、故事等，须具备较强的说唱能力，他们有娴熟的说唱技巧，能用声音塑造不同的人物角色。如果把民间演唱比喻成短小的诗篇，那么民间说唱就是长篇的乐章。说唱是民间演唱的继续和发展，在历史的发展中，也是民间喜闻乐见的一种声乐演唱形式。

3.戏曲演唱

戏曲演唱的起始年代已无从考察，至少有一千多年的历史。它是我国传统声乐艺术中的一种演唱类别。我国戏曲丰富，各民族、各地方戏曲品种繁多。戏曲演唱中主要是以昆曲、京剧为代表。现代京剧除了在唱腔上保留原来的传统外，增加了合唱、重唱、伴唱等形式。乐队编制也有了很大的改变。戏曲演唱是民族传统声乐中具有重要地位的代表性声乐演唱艺术，在中国声乐史上曾占有主导地位。它采用大嗓、小嗓、大小嗓结合、堂音等不同的演唱方法，并按音色划分生、旦、净、丑不同的行当。唱腔讲究，对于吐字、归韵、收声、声调等都有严谨的规范。“字正腔圆”、“声情并茂”是其最重要的特征，我国民族声乐至今仍沿袭着这一基本特征。优秀的戏曲演员都具有深厚的“念、唱、做、打”基本功，特别在唱功方面，独具特色。戏曲演唱中的京剧，是中国传统戏曲表演艺术中的杰出典范，它为中华民族声乐的提高和发展奠定了扎实而广博的基础。

4.民族新唱法

“民族新唱法”，主要是继承了我国汉族民歌传统唱法的特点，同时借鉴了西方美声演唱方法而发展起来的一种新唱法。它既不等同于上述的三种演唱形式，也不同于西方的美声唱法。它是以汉语为基础，适应性较强，既能演唱各种传统歌曲、唱段，又能演唱近现代、当代创作的不同风格歌曲和歌剧，其表现方法和表现力具有民族风格和特点。民族新唱法的优点是咬字吐字清晰，声音甜美，气息灵活；又有美声唱法的声区统一，音域宽广，真假声结合的长处。这种新唱法使演员的演唱时间延长，是我国声乐工作者多年来努力研究探寻的结果。

“民族新唱法”与美声唱法的发声原理大体相同，但是，因表现歌曲的风格不同，吐字方法、润腔、气口等不同，所以表现技法也不同。“民族新唱法”是“民族民间唱法”与“西洋美声唱法”的结合，在中国有人泛称为“民族唱法”，也有人称为“中华民族声乐学派”、“中国声乐学派”、“中国的民族声乐”等。这表明“民族新唱法”在传统声乐的基础上经过几十年的实践探索，使中国特色的声乐艺术在中国乐坛确立了自己的地位。

我国“民族声乐”有两层含义：广义上讲，“民族声乐”既包括了我国各民族民歌、说唱、戏曲等传统演唱形式，也包括了民族新唱法这种形式；（包括了专业作曲者创作的各种民族风格特点的声乐作品）狭义上讲，它是指具有中国风格特色的声乐作品及演唱。

总之，中华民族声乐是指中国人运用本民族固有的演唱方法、采取本民族固有的演唱形式创造的、具有本民族固有的演唱风格特征的声乐作品，其中不仅包括在历史上产生、世代相传至今的古代声乐作品，也包括当代中国人用本民族固有的形式创作的、具有本民族形态特征的声乐作品。我们应该用立体的思维，全方位的去理解中华民族声乐这个概念。中国的民族声乐，应该包括汉族在内的五十六个民族的声乐艺术，即包括中国不同地域特色、不同风格的声乐作品；演唱方法上，既包括“学院派”的唱法，也包括各具民族特色的传统唱法、同时也包括各种不同类型的具有民族特色的通俗唱法。演唱内容及题材上，既包括从古代传承下来的民歌、民谣、说唱、戏曲等演唱类别，以及从古代传承下来，在近现代又有所发展的声乐作品，也包括当代创作的具有中华民族固有的形式和形态特征的声乐作品。

我国的“民族声乐”在发展和形成过程中，深深根植于民间音乐，从中吸取营养和创作灵感。在对传统歌唱艺术进行系统、深入地搜集、整理和研究的基础上，借鉴了西方声乐艺术的发声方法，将民间传统歌唱艺术系统化、科学化、专业化，使之形成自身特有的演唱技巧和民族风格。多年来，在演唱、创作、表演和声乐教育上都取得了丰硕的成果，总体来说，其发展发可归为：一是以传统声乐艺术为基础，吸取借鉴西洋唱法之长处，使歌唱能力得到提高；二是以西洋唱法为基础，结合处理好中国歌曲的字音特点，使其具有民族语言韵味。二者虽然有不同，但都强调“中西互补”，前者的基本定位是民族声乐唱法的美声化，后者是美声唱法的民族化。

我们应该认识到，界定歌唱艺术发展的一个重要前提，是如何处理文化传承关系的问题，我们的着眼点应该放在继承优秀传统声乐基础之上。

中国的民族声乐是建立在中华民族文化传统的基础之上，“贝尔康托”（美声唱法）则建立在欧洲文化传统的基础之上，两者存在着不同的文化渊源。当代民族声乐的发展已经把继承和借鉴的关系处理得比较合适了。早在三四十年代，在延安解放区的声乐工作者中两种唱法就是并存的，相互影响融合贯通的，新中国成立后更是如此。当民族声乐走进高等学府以后，在教学方式、程序和方法上对欧洲的歌唱方法都有所吸收和借鉴。但是，应该明确在演唱、学习和教学中，继承或是借鉴, 都不能代替特质与创造。在继承方面，将传统转为现实活动时，不断根据现实的发展注入符合时代要求的新方法、新内容、新精神，这种不断注入新内容的本身，既是对传统声乐艺术的继承，也是对自身的弱点进行不断的扬弃和修正，对民族声乐艺术来说是一种丰富和创造。在借鉴方面，要学习一切姊妹艺术，及欧洲唱法的长处，经过分解、消化融合和吸收，为我所用。那种把“贝尔康托”作为唯一科学的唱法，并作为唯一的标准对不同民族的声乐加以评价，甚至用简单的“对”与“不对”来下定义，都是片面和偏颇的。

三、结语

民族声乐艺术是不同民族、不同文化内含以及关联于特定的地域、语言和历史形态的人声的音乐。它与器乐相对而言，是“歌唱的音乐”。中华民族声乐艺术与西方民族声乐艺术是不同文化背景下的声乐艺术。承认不同民族的声乐艺术应该有平等的价值观, 这是我们分析不同民族声乐艺术特质的前提。其观念包括三层意义:(1)人类不同文化的声乐价值是相对的。(2)不同文化的声乐艺术, 在传统价值体系上主要体现出差异性, 因而是不可比的。(3)衡量一种声乐艺术的价值,只能用它所根植的文化作为价值标准。这种思想的核心,就是否认西方价值体系的绝对意义。对任何文化所表现的价值认识和评价, 取决于拥有该民族文化对事物的看法，承认每种文化都有其独特的性质和充分的社会价值。

刍议声乐教学中的声乐表演艺术 篇6

关键词：声乐教学；声乐表演艺术

长期以来，声乐界对声乐表演艺术进行了长期的研究，并结合国外的研究基础与时代发展现状以及应用科学技术等手段对我国的声乐表演艺术进行了综合性研究，并取得了可喜的阶段性成果。特别是我国民族声乐表演的研究走在该项研究的前列，以著名声乐教育家、声乐表演艺术家金铁林大师为代表的研究团队 培养了一大批民族声乐表演艺术家并形成中国民族声乐表演体系，促进了民族声乐表演艺术的发展，为我国文化大发展、大繁荣做出了重大贡献。

一、学习声乐表演需要深厚艺术功底

声乐表演艺术是指用歌声为主的音乐表演。她是一门结合于智力、体力、想象力，表演力为一体的综合艺术。同时有一个完美的标准，这个标准能让我们去衡量某个作品的“美”或“不美”。声乐表演除了美声、民族、通俗，还有各种戏曲的表现形式。她是一个二度创作的过程，这个过程需要演唱者在演唱技巧娴熟的同时，将本身所理解到的情感表达发挥并配合联系作者的初衷，使演唱表演得到画龙点睛的妙用。

声乐学习和演唱使我明确到一个真理：那就是“踏踏实实地掌握科学的发声技巧，再致力于艺术作品的表现”。人体就像是一个“音箱”，对演唱者来说，是非掌握不可的，而且功底越扎实越好，但它单独存在却没有什么意义。因为声音的美并不能代表声乐表演的全部艺术含义，声乐的艺术表现特点在于通过美好的声音，表达真切的情感。我们可以把这个“情”理解为情感表达和声乐审美意识对声音质量的指令性要求，这就需要我们掌握全面的歌唱发声技巧，并让发声技巧服务于精神内容。在远古时代，我国民族声乐早就强调歌唱技巧与情感表达的辩证与和谐关系。“口中有曲，心中有曲者纵全字正音和，终未能登峰造极”。任何只注重“声”或“情”单方面的学习都是不完整的，它们是歌唱表演中相辅相成的，缺一不可的。

二、声乐表演更加注重情感

我国早前有音乐理论专著《礼记·乐记》开篇便指出：“凡音之起，由人心生也，人心之动，物使之然也，感于物而动，故形于声”。说的是音乐作为“情”组合而成的韵律之声，无论是通过人体器官还是通过外在乐器以及其他乐舞形式展现出来，无非都是在表达人“感于物而动”的情感或感受，这表现了一种很朴素的反映论观点。譬如在歌唱艺术表演中强调“声者发乎情”“情动而辞发”，自然是主情说的刻意引申；“转轴拔弦三两声，未成曲调先有情”，也是以情带声，以声传情的喻意；至于“歌欢则声与乐谐，歌戚则音与泣共”，说明声与情相谐和而存在。常见有些歌者，不用心思，只求以“厚声”“猛音”自赏，认为只要声音高亢就没有无情之曲。他们在舞台上为声音而紧张，为高音而颤抖，和音乐艺术紧密的融为了一体。他们的歌唱意识和思维高度集中于声音的追求。认为“高”、“响”、“亮”就达到完美了。过度的艺术表现力显得苍白和肤浅，从而使演唱者的表演在观众的听觉和视觉中有形无神、有声无情。意大利声乐家兰培尔蒂说：“嗓音不等于一切，因为一个歌唱家必须表达出一个诗人和作曲家的灵感”。从这个意义上讲，“唱情”之说，可基本概括为歌唱家的二度创作，而二度创作的主要任务又是音乐形象的刻画。音乐形象所揭示的是生活在音乐形象中无尽延伸。所以，歌声必须首先“入人”，然后才能“化人”。你的歌声要“入人”，就必须与人“情通”。你的歌声要“化人”，就必须使人神往，这是歌声与听众“情通”之后达到的另一个更深刻的思想境界，也就是“同声相应，同气相求”的深刻感应。

例如抒情女高音歌曲《我的深情为你守候》，这是一首近几年来深受声乐学习者和演唱者喜爱的作品。前奏：由12个小节构成；在旋律方面，主要采用二度音程；节奏方面则采用连续十六分音符，同时结合切分音和不规则三连音和七连音等提供了整体音律的流动性；速度方面从每分钟74拍过度到65拍，使得音乐情绪安静而深情。演唱者应从伴奏中做好演唱的准备。从一开始的歌词“你的爱在我胸口，每个梦如此温柔，走过的岁月，风雨岁月，把你放在我心头。”到歌词“凝望天边的星斗，你脚步从未停留，感动你所有，所有的感动，懂得你欢乐忧愁。”情感显得更深入，使得演唱要更深情，也推动着整部作品的音乐发展。“不管什么时候，不管什么地方，我的爱为你保留；不管什么时候，不管什么地方，我的爱为你守候。”比一开始时候的歌词更加直接真挚。两次的“不管……不管……”呐喊出作词曲家们心中坚定爱的决心，感人肺腑。演唱者要注意把握好速度的同时还要注意“声断气不断”的气息演唱。通过以上简要的分析，我们可以感受到歌曲《我的深情为你守候》是一部艺术性极高的作品，无论从作品结构或歌词的表达上，完美的诠释离不开“情感”的表达。这个“情”字，可谓是歌唱的灵魂，也是声乐技巧的“内在”。

再如抒情歌曲《我像雪花天上来》，作曲徐沛东，作词晓光。这是一首放映中老年人爱情的歌曲，作品运用拟人的作词手法，把自己和雪花，秋叶融为一体。意境贴切，令人拍板叫绝。歌曲初听：4/4拍子，那“强 弱 次强 弱。”的律动犹如神气换发的老者，踏着矫健的步子在丛林走来，让人不禁喃喃自语：“我像一朵雪花天上来，总想飘进你的情怀。”

当我们演唱这首歌时，注意掌握了节奏的强弱外，还要注重感情的线条要连贯，准确地把握住整首歌曲的深邃意境，努力做到声情并茂和具有丰富的艺术表现能力。《我像雪花天上来》演唱的时候通过把握歌词的内涵，通过演唱者发掘和表现力，调动思维，发挥想象力，表现出完整的音乐形象，让这首歌通过演唱更加深入人心，这也充分说明了二度创作的重要性。

我们在声乐表演中强调情感的作用，同时又强调“二度创作”的表达，而这些都是需要以声乐技巧作为前提。“情“和“感”的表达离不开作品本身的内涵和自己对作品的理解。实际上在声乐表演艺术中，“声”和“形”是整体的，是不可分割的。必须达到了“声情并茂”，声乐表演艺术才得以充分体现。

三、结语

总之，声乐表演作为我们孜孜追求的一门高雅艺术，可以说，她要求了学习者演唱者在具备扎实演唱的基本功上，还需要对作品的理解力，想象力，表现力的文化内涵的提高注入新鲜的血液，使得声乐表演艺术不断升华。声乐表演艺术创造审美对象时，对生活认识感受的方面是不同的，对事物的价值观念判断的取向也存在差异，对情感流动的方式各有偏爱，对反映世界表达手段千差万别。但是为审美主体创造和人类一切美好的精神和情感，是一致的。优秀的作品总是万古流芳，这是人们艺术审美的呼唤，表演艺术的创作主体为审美主体而存活，演员有责任引导观众走向正确更美好的精神境地，艺术的美与心灵的美一样，贵在真实。只有在心灵的真与艺术的真实相结合时，才能发出耀眼的火花，只有真诚的对待生活，才能获得真实生活感受。演员的表演同样要有真情实感才能打动观众，这就是声乐表演的本质。

【参考文献】

[1]张前.音乐表演艺术论稿[M].北京：中央民族大学出版社，2004.

在声乐演唱中如何诠释声乐作品 篇7

关键词：声乐演唱,声乐作品,音乐风格,音乐表现

一、作品的音乐风格

音乐风格是指音乐作品来表现音乐内容的方式、形式、方法方面的总的特征。声乐作品的音乐风格主要通过节奏、节拍、旋律、速度、力度、音色、调式调性等音乐手段来实现, 其中节奏、旋律、力度、以及速度在声乐作品中尤为重要。

首先是关于节奏、节拍方面。很多的学生演唱技巧不错, 但就是在唱歌时把握不住节奏。节奏先于音乐, 没有节奏, 音乐就没有生命。因为有的一些典型的节奏型就代表一个民族、一个地域的风格。如我们演唱维吾尔族民歌《一杯美酒》、《曲曼地》等歌曲时, 只要能把这个节奏唱准确了维吾尔族民族风格就自然而然凸显出来了。因此演唱中, 节奏的准确性应放在首位。节拍中, 进行曲多用二拍子, 如《团结就是力量》、《中国人民解放军进行曲》。而舞曲多用三拍子, 如《希望》、《春天的芭蕾》。

其次旋律方面。众所周知, 旋律是音乐中最富于表现力的部分。理解旋律, 找到旋律的动向、形态、多练、多听, 体验作曲家的意图、音乐的风格、句子的结构以及理想的音色、表现的内涵等。旋律有三种:

(一) 歌唱性旋律。他善于抒发情感、表现人的内心世界, 最具代表性的就数歌剧里面的咏叹调。就因为歌唱性较强, 所以常常被许多歌唱家拿来在演唱会上演出。还有一些如《红旗颂》、《黄河颂》、《北京颂歌》等歌唱性较强的颂歌, 好多的情歌也同样具有很强的歌唱性, 如《喀斯格尔女郎》、《西班牙女郎》等。

(二) 叙述性旋律。它直接表达人的感受、述说事物、宣泄情绪。我们常见的叙事歌曲是比较多的, 如《跳蚤之歌》、《歌唱二小放牛郎》等都在向听众讲故事。还有就是歌剧里面的宣叙调, 叙述性更强, 往往放在咏叹调之前演唱。

(三) 技巧性旋律。就是我们经常说到的炫技乐段, 是作曲家为一些歌手施展高超的演唱技巧而专门设计的。我们常听到的花腔女声的华强部分, 就是技巧性旋律。如《春天的芭蕾》、《玛依拉变奏曲》、《夜后咏叹调》。

再次力度的变化。不同风格的作品力度处理是不一样的, 小夜曲与进行曲的力度绝对不一样的。即使在一首歌曲里边, 段落与段落之间的力度也不尽相同, 如《那就是我》, A段的力度是mf, 要像讲故事一样娓娓道来。B段是全曲的华彩乐段, 曲作者用了个渐强把力度推向了f, 为了让歌曲旋律显得更加的抑扬顿挫B段两个f之间又加了个mp。再现段时力度又回到了A段的mf, 作者又加了“无限思念地”要求。

再次速度的变化。速度的变化在许多民族声乐作品中常出现, 并且好多歌曲先《美丽家园》、《峨嵋酒家》、《走上这高高的兴安岭》等, 开头总是先来几句散拍子的引子, 再进入速度较快的正题。

音乐的风格是靠上述因素的综合来实现的。每一因素都很重要, 它们又是不可分割的整体。如速度的变化往往便随这力度的变化等。

二、作品的音乐表现

音乐的表现就是我们把内心从音符和歌词中感受到的审美体验, 通过人声演唱的方式表现出来。如何去表现音乐, 使之更生动真切, 这就需要对作品尽可能的理解准确、透澈、到位。一部优秀的声乐作品它的美, 有时我们可以凭直觉感受的到, 有时我们需要一个学习、理解, 逐渐深入领悟的过程。如果我们在乐曲中体会到的美和自己在生活中亲身经历过的类似情感体验产生了共鸣。例如我们从《阿瓦人民唱新歌》中体会到愉快的美感时, 很自然的, 也会联想到我们自己逢年过节时的欢乐情绪。同样当我们从《送别》中体会到伤感时, 也会很自然的联想到我们自己曾经有过的亲朋好友的离别情绪。当乐曲中的情感与现实生活中的情感合二为一时, 那我们就在表达自己欢乐的同时也表现了乐曲的欢乐。反之在表达自己忧伤的同时也表现了乐曲的不高兴。如果声乐作品都能把这种合二为一的感觉通过声音演唱出来, 才能称得上声情并茂, 才能令人感动。一首作品, 或多或少、或大或小, 总会有对比的因素存在, 包括力度、速度、音色、情绪上的对比等等。这样的乐曲才显得有起伏, 只要恰如其分的做到了应有的对比, 唱出来的声音才能够抑扬顿挫, 作品才会有较好的音乐表现效果。

演唱者只是有内心对音乐的深刻感受和理解还显得不够, 演唱者还必须具有扎实的声乐演唱功底, 就是说演唱者要有能力去表现音乐、展示音乐。音乐表现是目的, 人声的演唱只是手段, 二者只有相辅相成, 才能相得益彰。

三、结语

声乐初学者的声乐发声训练 篇8

关键词：声乐初学者,发声训练,发声方法

声乐发声训练可以解决在演唱中各种声音的技术环节遇到的问题，是一种提高声乐演唱者的歌唱发声基本功的有效方法。声乐初学者通过科学的、有规律的发声器官及机能的有效训练，可以提高歌唱技巧及表现力，并且可以领会科学发声方法，明确正确声音概念。科学的发声训练过程包括歌唱的呼吸训练、歌唱的发声训练、歌唱的共鸣训练和歌唱的语言训练[1]。

一、歌唱的呼吸训练

在声乐的演唱中，只有科学正确地呼吸才能有正确的发声及良好的共鸣。声乐演唱中的发声动力及基础就是科学正确地呼吸。每个人都会呼吸，呼吸是人的基本生理功能。声乐演唱中的呼吸与普通的生理性呼吸方法不太相同，声乐演唱中的呼吸是歌唱者在歌唱时的有目的、有意识并且有一定技巧性的呼吸。声乐演唱中的呼吸方法包括腹式呼吸、胸式呼吸及胸腹式呼吸。胸腹式呼吸是声乐演唱中被普遍采用的方法，这是因为胸腹式呼吸能够使气息流畅自然、富有弹性、灵活自如、深沉饱满。胸腹式呼吸在控制呼吸的气息时全面地调动膈肌、腹肌及胸腔的机能共同参与。因此声乐初学者在进行科学、有效的发声训练后，不仅能区分生理性呼吸与歌唱中的呼吸，而且能掌握科学正确的声乐演唱呼吸的方法。声乐演唱中的呼吸过程包括吸气过程与呼气过程，两个过程的生理机能在用力方向及运动方向是相反的，声乐演唱中的吸气过程，其生理机能为膈肌与两肋向下及向外用力，而在声乐演唱的呼气过程中，其生理机能为膈肌与两肋向上及向内用力。在声乐演唱中，必须在呼气过程中将膈肌、两肋、胸腔等呼吸器官保持在吸气过程时的用力方向，以此能够使吸入的气息呼出冲击声带发声时是有控制的、平稳及均匀的。声乐演唱中的“呼吸支点”就是这种作用力和反作用力平衡对抗的着力点，因此在声乐演唱发声训练中，练习好了呼吸支点就将歌唱练习好了，声乐演唱中的强弱、连跳、长短及快慢等的气息运用就可以得到运用自如。在歌曲的情感表达和演唱的声音及技巧与演唱中的换气运用密切相关。在声乐演唱的发声训练中，通过对胸腹式呼吸方法进行有效的练习，可以锻炼和发展声乐演唱者的歌唱呼吸器官生理机能，不仅使得肺活量得到增强，还能通过训练增强膈肌、两肋和小腹控制气息的能力。在声乐演唱的发声训练中，通过对不同节奏类型的练习曲进行练习，练习顿音、跳音、连音及连跳音等，声乐演唱者呼吸机能的弹跳力会得到有效的发展，变得更好、更灵活，在演唱中速或者稍慢的抒情歌曲时，可以从容自然地进行深呼吸与大呼吸，在演唱活泼快速的歌曲或者有切分及附点节奏的乐句前，可以进行快速的小换气、“偷”换气及“抢”气，这样声乐演唱者可以更加生动自如地演唱歌曲[1]。

二、歌唱的发声训练

科学正确的声乐演唱发声方法必须有科学正确的呼吸，发声的生理是由吸入肺部的空气经气管呼出时冲击声带，以此振动声带发声。科学正确的声乐演唱和保持良好歌唱状态的前提就是科学正确的歌唱发声方法。根据发声生理，喉头及声带是声乐演唱的主要发声器官，在声乐演唱发声时喉头的位置应该是处于颈部的中间稍偏下，即吸气与打哈欠的位置。处于此位置与状态，咽喉部打开且相对稳定，口腔张开，喉咽腔扩大，颈部、下巴、舌头均为放松状态，在此状态下发出的声音会是松弛通畅的。在声乐演唱发声时喉头如果上提受到挤压或者各发声器官的肌肉紧张，则均会造成声音变得浮浅、僵硬及尖细。在声乐演唱发声时声带的状态应该是向下闭合挡气并拉紧内收，只有在此状态下才可以利用腹肌的力量使得横膈膜有效地推动气息，以此冲击声带振动发出声音。声带如果松弛闭合不好，将会发出嘶哑及漏气的声音，并且会造成声带过度疲劳，以致产生病变。因此声乐演唱者通过科学正确的歌唱发声训练，才能养成保持良好的歌唱状态[1]，[2]。

三、歌唱的共鸣训练

声乐演唱者掌握了科学正确的歌唱呼吸和发声方法，在此基础上掌握了科学正确的歌唱共鸣方法，演唱的声音才可获得较强的穿透力、较宽的音域和表达歌曲感情所需的各种声音色彩。在演唱中，良好的歌唱共鸣是表现情绪和歌曲内容的一种有效手段，并且是一个很重要的声乐艺术中的组成部分，这是因为歌唱共鸣可以使歌唱的声音富有穿透力、圆润明亮和具有丰富的色彩感。声带振动所发出来的声音被称为“基音”，“基音”很单薄，并且也很微弱，所以不能直接成为声乐演唱的声音。要想让声带振动所发出的“基音”的音色丰满和音量增加，必须通过人体的各个共鸣腔体进行共鸣作用。口腔、头腔及胸腔构成了人体的共鸣腔体。在声乐发声训练时，要想获得良好的声音共鸣效果，必须将这三个共鸣腔体进行科学有效的协调配合。口腔共鸣在低声区运用得较普遍，也是在各个共鸣腔体中最易感觉到且最方便形成的共鸣。胸腔共鸣的状态是声乐发声时咽喉腔处于做半打哈欠时的状态。为了在声乐演唱时获得较好的胸腔共鸣，必须保持喉头在歌唱发声时相对稳定，使口腔处于运用自如的状态，并且还要将咽腔得以进行扩展和拉长，这样才可获得整体、良好的共鸣效果，避免造成挤紧的声音或者白声[3]。软腭也是一个重要的发声器官，软腭与喉头是直接相连在一起的，可将软腭调节咽腔管道的机能在歌唱技术中进行巧妙的运用，使得高声区的声音略微靠后，声音到达软腭和悬雍垂的部位后再返回高位置，它相对于在中声区的开放而变成了关闭性的声区唱法，却不能用舌根压喉头，否则会使演唱者的咽腔管道薄弱无力，声音僵化，机能变得迟钝，且缺少伸缩性而失去活力。基于此，软腭可主要用来调节高音，在声区唱法中发挥其独特的作用[4]。胸腔共鸣是口腔共鸣在硬腭上的声波振动反射点移动至下牙背上，声波在气管和喉头的附近引起更多的振动后再经气管传递至整个胸腔而产生共鸣，在中声区运用的较为普遍。头腔共鸣发生在口腔共鸣的基础之上，将声波在硬腭上的反射点略向后移，经上腭骨传递至鼻腔和鼻腔上部的各个鼻窦，并在这些腔体中进行回荡而形成。头腔共鸣具有穿透力，其色彩也比较明亮，在高声区中的运用较为普遍。这三个共鸣腔体进行有效的调节对于声乐演唱的音色影响较为显著，因此，声乐演唱者必须在发声训练中不断揣摩与协调，才可将演唱的声音音色丰富、音量增加，位置与音区上下统一，为演唱发挥出更好的作用[1]。

四、歌唱的语言训练

歌唱是一种将语言与音乐相结合塑造艺术形象和表达人们的思想感情的艺术形式。我国传统的民族声乐艺术一直以来均非常讲究歌唱中的语言动听清晰，并提出了“字正腔圆，以字行腔”的歌唱语言要求。因此在声乐发声训练中，歌唱的语言训练也是非常重要的训练内容。在人们的生活中，语言是相互交流的主要手段，但是歌唱的语言和生活中的语言在表达上有所不同。人们在生活中说话是不会刻意讲究的，可是在声乐演唱中，语言方面因歌曲表达的需要而有着较为严格的要求，字必须唱在腔体里、唱在深沉饱满的气息上、要有高位置等，只有这样才能让歌唱的语言跟歌唱的发声相吻合，演唱才能变得丰满、结实和有色彩。在声乐发声练习的说唱练习中，用歌唱的状态说着唱，声乐演唱者通过这样的练习不仅可以更生动地区分歌唱语言和生活中的语言，而且可以更好地掌握歌唱语言中的发音技巧。人类的语言中的语音由元音和辅音构成。在声乐演唱中可以延长的语音基本上都是元音，唱好元音可以使声音美化、流畅并且富有色彩性。这些元音或者复合元音在声乐发声训练中均会随发声状态与共鸣状态的调整，音高的变化，相应地做出适合演唱表达的调整，使得歌唱的语言可以变得饱满、清晰、圆润和有色彩，从而使得声乐演唱变得更好[1]。

声乐发声训练是演唱的基础，声乐初学者通过训练可获得各种演唱的技巧，也可逐渐提高歌唱的发声机能，调节歌唱器官的相互协作运动，树立科学的发声状态，在演唱中保持良好的歌唱状态，使演唱技巧得到提高。

参考文献

[1]王亮.声乐发声训练在声乐演唱中的重要作用[J].北方音乐, 2011, 10:11-12.

[2]路瑜.歌唱发声训练中若干“生理动作”的运用[J].河北师院学报 (社会科学版) , 1994, 1:127-129.

[3]潘龙瑞.浅谈歌唱中的喉头稳定问题[J].江西教育学院学报 (综合) , 2006, 3:120-122.

声乐 篇9

一、民间声乐的概述

(一)传承方式

我国的民间声乐主要是通过多年的口头传承而流传下来的,在传承过程中加入我国人民自身的再创造形成了今天的民间声乐体系。我国民间声乐重视“口传心授”,通过口头传授获得技巧、音调、音色等基础知识,然后依靠内心的领悟能力去体会音乐的所表达的意境[2]。因此,就形成了我国民间声乐独有的记谱形式。比如古琴谱、减字谱以及公式谱。

民间声乐需要群众自发地在生活中进行传承和沿袭,但是现在的人普遍缺乏的就是自主意识,所以其传承在今天仍然处于一个不上不下的状态。与学校古板的教育模式相比, 自发地进行民间声乐的传承是较为妥善的,它能够更好地保护并发扬区域文化。从另一个角度上来说,民间声乐其实是民族自身状况的具体表现,代表着民族的特点与文化特色, 所以说,它的传承对国家的各项发展都有促进作用。

(二)民间声乐传承的现状

传统民间声乐是在历史的发展中以及人类的智慧下逐渐形成的,具有不同于其他音乐体系的独特魅力。不同时期的民间声乐能够具体反映当时的时代特色,民风民情等细节也会在其中得以体现。我国的民间声乐是我国传统文化中的重要一环,推动了文化发展的整体进程。但是在今天音乐文化形式多样的发展背景下,传统的民间声乐正在走下坡路, 给我国的文化传承带来了难题,也是现代人们要解决的难题。文化想要谋求全面发展,就要进行创新。在民间声乐的传承上不能再像以前一样,用保护的姿态让其发展,相反, 要保护与放手相结合,任其合理地自由创新。

二、民间声乐传承与现代声乐教育相结合发展

(一)树立正确观念

目前社会呈多元化发展,各种文化在不断地交流中进行融合与创新,在这样的时代背景下,民间声乐的教学也要呈现多元化的理解与传授。在进行声乐教育的同时,也可以适当地融合他国的先进声乐教育方法,让学生在了解了本国音乐内容的同时,了解更多外来的优秀音乐文化,有助于学生全面了解声乐体系和其内涵。在这个过程中,传授者以及学生掌握好度,对于外来音乐文化要抱着学习借鉴的心态,决不能对其进行抄袭或是模仿,这样就失去了现代声乐教育的意义[3]。

(二)高校对民间声乐加以重视

民间声乐在高校的教育中没有被重视,学生们对这一传统文化没有更深地认识,长此以往,就容易造成传统文化的流失。所以高校要将民间声乐的教育纳入教程,对学生全面普及。首先,对当地民间声乐要有一定的了解,并对其进行归纳总结,将其应用到现有的声乐教育中,实现二者的有效结合。由于我国的教育制度限制,民间声乐教材还不完善, 针对这一点,高校应聘请专业的音乐人士编写教材,将优秀的内容全部编入书中。

新型的现代声乐教育教学,通过规范的教育课程的讲解与指导,使学生们对我国的民间教育有了更深一层的理解, 从而在学习过程中更有求知欲,主动学习,对民间音乐的传承与发展发挥了重要作用。

(三)教师提高自身能力水平

民间音乐传承教育中,教师的整体水平是学生学习效果的主要影响因素。学生们对民间声乐普遍了解不够、认识不深,需要教师一点一点渗透相关基础知识,使学生有初步的了解,然后再对其进行声乐技巧的训练与培养。教师们要做到这两点,就要严格要求自己,要在平时的工作中注意提高自己专业技能的修养。教师自身专业能力强,在教育学生的时候就会更加得心应手,达到教学要求。

摘要：音乐在多年的历史发展中与人类朝夕相伴,是人们生活的重要组成部分,人们的生活因为音乐而丰富多彩。音乐的起源是在民间,所以我们可以总结为传统民间声乐是其他音乐的起源与基础。民间音乐在漫长的历史发展中,通过人们的口口相传而流传至今,是我国的民族特色。

声乐 篇10

一、声乐表演浅析

声乐表演不仅仅是一项艺术形式,其在还包含着作品情感、表演者个人情感及声乐情感等,是一项涉及多个方向的综合艺术。从声乐表演的本质表达方式上来说,声乐表演的情感离不开创作者的投入,而情感的投入则需要表演者对声乐具备足够的认识与了解。声乐的表演是基于原有的歌曲、歌词基础上而进行进一步的增强与扩充发展的,因此许多表演者在表演时认为,声乐表演在表达过程中不需投入过多情感,只需掌握声乐的发音技巧即可,而这也是导致当前大部分声乐表演作品在表达时内容过于空洞的主要因素。声乐表演普遍属于二次创作,当二次创作的感情元素越丰富时,其表演就越打动人心,且基于改观点,声乐的主体不仅仅包含了基本的演唱与音乐,还包含了表演艺术,在演唱的过程中需将情感充分演绎,使情感得到良好诠释。因此,声乐表演不仅需具备良好的嗓音条件及演唱水平,还需具备良好的情感控制力,能够将情感充分表现于演唱当中,这是声乐演唱的主要组成结构[1]。

在声乐表演中,其表演并不是由即兴演绎形成,而是通过表演者自身对情感的控制、感受及分析进行正确演绎,这对表演者的个人艺术修养有着较高要求。一般情况下,表演者在进行声乐表演前,需对声乐作品做到详细分析与了解,对声乐作品的创作背景、旋律的抑扬顿挫、音乐的节奏分布、语气表达及声乐的类型进行整体构思与研究,从中表达出最具代表性的表演方式,根据声乐的不同含义采用不同的表演方式,使声乐表演在情感的表达与控制下更深入人心[2]。

二、声乐表演中的情感控制方式

1、声乐表演中个人情感的控制

完整的情绪表达是声乐表演的在呈现的重点所在。从声乐表演整体来说,声乐表演的是由表演者完成,而声乐作品的情感内涵则是由表演者传递出来,因此,声乐作品的情感内涵取决于表演者对情感的控制能力。表演者在表演过程中,需对自身个人情感做到良好把控,明确各个情绪的表达方式,并结合作品将情感进行准确呈现。在声乐表演中,其作品情感表达主要分为两大部分,第一是作品内容的情感表达,第二是作品的呈现方式。因此,表演者在演绎声乐表演的过程中,需对作品存在的内在情感及各个外在情感做到适当表达,对各个情感的起伏与变化做到准确呈现,把握声乐表演的整体节奏,并通过声线的跨度及音调表达出不同的情感,对个人情感做到良好掌控[3]。

2、声乐表演中情感与技巧的辩证掌控

从声乐表演的综合因素来说,情感与技巧在声乐表演中都占据着非常重要的地位,且在声乐表演中缺一不可,但在声乐表演的演绎过程中,表演者时常对情感与技巧的融合产生矛盾心理,导致许多表演者在演绎声乐表演时出现注重声乐技巧而忽视情感表达,而注重情感表达时忽视了声乐技巧,使得声乐表演无法达到情感与技巧的完美演绎。从整体来说,情感与声乐技巧是一项辩证统一的结合,情感表达与声乐技巧并未存在矛盾,其技巧是表演者需具备的基础表达能力,是演唱者必定掌握的基本技巧,且基础越稳固其声乐表达能力就越高,但该技巧仅仅代表声乐能力,因为完美的声乐技巧无法代表声乐表演的整体,其仅仅只能代表声乐的表达。

而情感则是建立在声乐技巧能力之上的创作内涵,其能够将苍白的声乐技巧通过情感的演绎将作品的神韵进行表达,从而将声乐作品的思想传递于观众,但情感不可代替整个声乐表演,其属于声乐一种表达方式。情感与技巧的辩证掌控需演唱者对声乐表演方式具备一定的丰富经验,并能够在区分声乐表演中的技巧的同时,能够完美结合声乐表演,通过表演的二度创作将情感充分表达,使声乐表演整体成为有情感、有灵魂的作品。

3、声乐表演中情感的呼吸控制

声乐表演的呼吸控制是许多表演者时常忽视的问题,在声乐表演中,声乐表演的情感表达不仅仅关系着表演者的肢体语言、表情及声乐技巧,还关系着演唱者的呼吸方式,因此,表演者在表演时,需具备一定的呼吸控制能力,并通过呼吸方式将情感过渡至表情与肢体语言之上,一般来说,表演者在练习时需结合声乐表演的作品内容进行情感式呼吸练习,将情感的发声方式、呼吸转折、表情等进行协调调节,并配合不同的情感运用不同的呼吸节奏,掌控呼吸速度,根据声乐情感进行调节,使声乐表演通过呼吸节奏的掌控呈现丰富的情感及表演过程,加强表演者对声乐表演的更深层次理解。

三、结束语

综上所述,声乐表演包含的不仅仅是声乐技巧,还有情感技巧,而情感技巧是基于声乐技巧所创作的再现艺术。表演者在表演过程中,需根据声乐作品声线的高低进行良好掌控,同时,对表演的情感表达需做到良好控制,通过情感控制赋予声乐表演新的生命,并结合表演者自身见解及认知充分表达情感内涵,这是演绎声乐表演的关键所在。

参考文献

[1]段海燕.论声乐表演艺术的特性及情感表现方式[J].陇东学院学报(社会科学版),2015,14(01):84-87.

[2]刘洪巨.论声乐表演中情感表现力的培养[J].安徽文学(下半月),2014,33(04):154-155.

声乐 篇11

关键词：民族声乐艺术 声乐教学 价值

一、民族声乐艺术的界定

中国民族声乐艺术是一个很宽泛的概念，通常对中国民族声乐艺术这一概念的界定为：一是以在漫长历史中形成的中国汉族的声乐艺术为主体，以中国少数民族传统声乐艺术为补充；二是以近现代汉族民间原生态歌唱法形态及审美内涵为主要参照对象，并以近现代中国各少数民族民间原生态民歌唱法形态及审美为辅助和对比性参照对象。民族声乐艺术包含有三种风格的唱法，首先是民间歌曲演唱风格，其次是曲艺、戏曲演唱风格，第三种是民族新唱法。

二、民族声乐艺术在高校声乐教学中的价值

民族声乐艺术作为一种音乐体裁，本质上就存在着受重视的理由，我们把民族声乐艺术运用在高校声乐教学中则有一种工具性价值。民族声乐艺术通过中国作曲家借鉴西方的作曲技巧的同时，结合本民族的文化特点，创作出具有民族特色的艺术歌曲，因此在高校声乐教学实践中，教师需要通过发掘民族声乐艺术作为音樂载体的价值来为其教学中的价值进行更好的诠释。

（一）民族声乐艺术的价值

尼采说过，“没有音乐，生命是没有价值的”，生命的本真在于真、善、美。民族声乐艺术是音乐多元“美”的其中重要的一种体现，作为一种音乐与文学结合的艺术体裁，民族声乐艺术的难能可贵之处就在于它把音乐美和文学美有机结合起来，传达给人们的是更容易感知的美。众所周知不重视本民族历史的民族很难产生其持续的生命力，而民族声乐艺术的产生与发展从来是与本民族文化中的文学历史发展深度有直接联系，从这个角度来看，民族声乐艺术是延续本民族生命的重要载体，这种价值毋庸置疑需要得到认可。中国民族声乐艺术的产生与发展是与中华民族自身文化内在超越的过程息息相关，中华民族文化博大精深、源远流长，中华民族的文学历史发展的宽度、广度和深度在世界文学世上都是占有重要地位的。因此，民族声乐艺术本身包含的就不仅仅是作为音乐自身的内在价值，更重要的是承载了中华民族文学的精髓，这就远远超越了音乐自身的价值。民族声乐艺术中包含了大量的传统的优秀文学作品，包含了各个时代重要的优秀作品，其歌曲的歌词内容往往具有深刻的哲理性和启示性。民族声乐艺术不仅表达出作者对生活的真诚感悟和丰富的情感，传递出真善美的东西，而且还深刻地展示出明显的时代背景和民族情怀，这对个人的情感，乃至人生观、世界观、价值观都起到了潜移默化的影响。

（二）民族声乐艺术在高校声乐教学中的价值

首先，民族声乐艺术在高校声乐教学中有着传承民族文化的价值。民族声乐艺术的产生、发展都蕴含着中华民族文化的特质，更重要的是民族声乐艺术的“中国化”直接表现在歌词中，它大量引用传统的诗、词、曲，这些元素都是民族传统文化的重要载体。高校声乐教学是民族文化的教育，同时也是传承民族文化的重要阵地，在声乐教学过程中融入民族声乐艺术就是为民族文化的再创作提供人力和知识的储备，更有利于推动民族文化的传承与发展。

其次，民族声乐艺术在高校声乐教学中有着弘扬民族精神的价值。每一个民族都有自己的民族文化，中华民族是伟大的民族，民族精神在漫长的传承过程中，代表了我们民族文化的本质内蕴。民族声乐艺术通过对民族歌曲的传唱，展现出民族精神，同时表达出民族前途的深刻思考。作为高校的学生应该担负起实现民族伟大复兴的使命，高校声乐教学中的声乐艺术的教学实践，其目的就是为了让学生通过学习民族歌曲，帮助发掘民族歌曲深层蕴含的厚德载物的民族精神，使民族精神成为高校学生的自觉意识和群体特征，成为弘扬民族精神的力量源泉。

第三，民族声乐艺术有着提高学生感知美的能力。民族声乐艺术在高校声乐教学中实践的意义是为了促进审美教育的有效推进，本质上是以民族声乐艺术来提高学生的美感意识和感性认知水平，这对全面提高学生审美能力有着极其重要的作用，通过师生的实践使受教育者逐步确立审美观，从而激发学生感知美的动力，提高学生创造美的能力。

第四，民族声乐艺术可以提高学生演唱的能力。中国民族声乐艺术歌曲的美不仅包含自身的韵律美和内涵美，同时还包含歌唱者的形象美、技巧美和语言美。声乐歌唱中的歌唱技巧与艺术表现是相辅相成的，民族声乐艺术本身就具有艺术性，因此高校声乐教学纳入民族声乐艺术的教学对于提高学生演唱能力方面发挥着极为重要的作用。

三、结语

中国民族声乐艺术是我国音乐宝库中十分重要的组成部分，审美艺术性极高。在高校声乐教学与实践中，民族声乐艺术是不可或缺的一部分，它可以提高学生的演唱能力与审美能力，同时对中华民族的文化与精神进行传承与弘扬，对提高高校学生的音乐修养具有重要的作用。

参考文献：

[1]姚晓婷.浅谈民族声乐艺术的音乐美学因素[J].陕西教育学院学报，2010，（02）.

声乐 篇12

一、民族声乐形体表演的表现

(一)面部表情

在声乐艺术中,形体表演能够促进演唱者情感的表达,表演者充分运用面部表情,能够与观众有很好的交流,更加深刻地表现声乐作品的艺术价值。不同的声乐作品适合不同的形体表演,演唱者要遵循一定的准则,不能随意表演,要结合声乐作品的风格,达到真实性和艺术性的统一。要合理运用自己的面部表情,比如喜、怒、哀、乐、盼、羞、愁等,根据不同的人物以及作品的不同情感,相互配合,不能太过统一[1]。

(二)眼神

眼睛是心灵的窗户,表演者在表演声乐作品时,要注意眼神的运用。将眼神合理地运用到声乐形体表演中,能够帮助表现人物的内心活动和人物的性格。眼神的表现有多种方式,比如上下转动、左右转动、近看、远眺等。眼神要与面部其他器官相互配合,协调统一。

(三)身体姿势

在民族声乐形体表演中,表演者需要注意形体美,身体的姿势是其重要表现。传统的身体姿势主要是坐如钟、站如松、精神抖擞、自信等,恰当合理的身体姿势能够促进演唱者的演唱,充分表现出声乐表演的艺术美[2]。身体姿势不能太过随意,不能过于生活化和自由化,要根据声乐作品的不同进行选择,演唱者要深刻分析声乐作品的情感和人物,依照标准进行表演。

(四)手势

手势是民族声乐形体表演中重要的辅助工具,要注意手势的发挥及其地位,不能喧宾夺主,影响演唱。手势要稳,不能太过僵硬,要注意圆柔,将手势与人物内心情感结合在一起,整体的动作既要细腻,也要从容。手势作为辅助的工具,不能过多,不能干扰整体的演唱,

二、基于民族声乐形体表演的声乐艺术性

(一)形体表演与声乐作品结合,提高了作品的欣赏魅力

艺术看似高高在上,实际与我们的生活有密切的关系,民族声乐的形体表演不是为了动作而动作,而是为了更好地塑造声乐作品中的人物形象,更好地表达声乐作品的情感内涵,提高作品的欣赏性和艺术性。表演者通过形体表演与观众进行交流,观众通过视觉以及听觉,感受声乐作品的魅力,达到美的艺术享受,提高自己的审美观念[3]。演唱者通过每个动作、眼神、手势等的表演,塑造出完美的人物形象,引导观众进入作品的世界,使观众身临其境,切身体会到作品的艺术魅力,触动内心的情感。

(二)形体表演使声乐艺术更加真实生动

声乐艺术是情感的传达,是人们某种情感慰藉的需要。艺术的传达需要语言,需要形体动作。我国传统的民族声乐注重韵味,注重声乐作品的人性魅力。民族声乐是从丰富的民族文化中诞生出来的,不同的民族不同的地域产生不同的声乐作品,声乐作品具有浓重的民族色彩以及个性魅力,更是人们情感交流的方式[4]。形体表演使声乐艺术更加贴近人们的生活,更加真实生动。京剧表演艺术家梅兰芳先生,曾经为了训练眼睛的灵活度,专门养了一群鸽子进行观察,通过眼神的训练,达到真实性与艺术性的完美结合。

(三)形体表演使声乐艺术更加完美

声乐艺术是用语言创作出来的,带有虚拟性的人类的现实生活。在声乐作品中,以现实为基础塑造人物,情节的变化只通过声音来传达是不够的,需要演唱者结合形体表演,合理运用手势、身姿、面部表情等方式进行传达。人物来源于现实生活,演唱者要以此为基础,加上艺术性的创作,博采众长,使声乐艺术更加完美。声乐艺术对形体表演有特殊的要求,既要注重形象生动,同时要保持庄重和得体,不能故作姿态,要注意内心情感的表达。只要内在的情感和形体表演一致,才能达到最佳的艺术效果。在戏曲中,对形体表演的要求尤其严格,除了唱词,还要求身段、舞台的基本功、眼神等,务必达到最好的舞台效果,表演者在舞台表演时游刃有余。

三、结语

总之,声乐艺术是声音、语言、情感以及形体技巧等的结合体,通过它们的完美结合,更好地表达人们的思想感情,给观众带来多样的艺术享受。形体表演在声乐艺术中发挥着重要的作用,优秀的形体表演能够提升声乐艺术的欣赏价值。表演者要勤加练习,提高形体表演的技巧,创造出精美的声乐艺术。

参考文献

[1]朱瑾.基于声乐表演艺术的形体语言剖析[J].音乐时空,2015,08:120.

[2]庞洁.论声乐表演中的形体艺术[J].大舞台,2014,05:143-144.

[3]尹晖,朱国治.关于声乐表演中形体艺术的相关研究[J].科学中国人,2014,10:158.