声乐融合

声乐融合（通用10篇）

声乐融合 篇1

随着经济的快速发展, 各种文化开始了高度融合, 声乐文化也加入了这次大融合。民族声乐是具有中国特色的音乐文化, 受到外国美声声乐的影响, 两者相互作用、相互影响、相互融合。作为一名声乐教学者, 研究民族声乐和美声声乐的融合, 能够加深对两者的认知和理解, 推动两种声乐在中国的发展。

一、民族声乐的演唱和教学方式

(一) 民族声乐演唱概述

从广义上讲, 民族声乐是指我国各民族地区的民间山歌、小调、戏曲、民间歌曲等多种声乐形式。中国民族声乐源远流长, 不同时期音乐作品的题材、表现形式和情感表达等都会有所差异, 形成了不同风格的民族声乐艺术;不同的地区孕育出了具有地方特色的声乐作品, 丰富了我国民族声乐的艺术风格, 仅以汉族民歌为例, 就有北方民歌、南方民歌、东部民歌和西部民歌之分, 在演唱风格方面也很不相同, 或高亢、或细腻、或温婉、或嘹亮。

从狭义上讲, 民族声乐特指我国在建国后, 由一批知名的声乐表演艺术家和声乐教育家在继承民族声乐精髓的基础上, 结合美声唱法形成的一套针对我国民歌演唱的声乐教学体系, 也被称之为民族唱法。民族唱法是对我国传统民族声乐中的山歌、戏曲、民歌演唱精华的继承和发扬, 根植于我国的传统文化, 是中华民族的文化内涵、艺术特点、审美情趣和艺术欣赏的综合体现。民族唱法声音淳朴、情真意切、歌声清脆, 形成了独特的演唱风格和特点以及一套科学完整、系统权威的声乐体系, 对推动我国民族声乐的发展奠定了坚实的基础。

(二) 民族声乐的教学方式

民族声乐根植于我国的传统戏曲、山歌, 有着一定的演唱技法, 注重气息的训练、共鸣腔的使用、高位置的声音、咬字吐字和舞台表演等相关训练, 在继承传统民族声乐唱法精髓的基础上, 借鉴美声声乐唱法中科学系统的发声方式, 使得民族声乐在教学上向更科学、更系统、更完善的方向发展。

二、美声声乐的演唱和教学方式

(一) 美声声乐演唱概述

美声声乐演唱产生于16 世纪的意大利, 起源于西方古典声乐传统唱法的发展, 意大利称之为“Bel Canto”, 即优美的歌唱, 经历了17 世纪的迅速发展, 在18 世纪达到了顶峰, 随后在全世界范围内推广与流行, 成为了人们最喜爱的歌唱艺术形式之一。美声声乐演唱经过几个世纪的发展与完善, 已经形成了独特的演唱特点, 即嗓音自然优美、声音均匀统一、音色华丽、演唱技巧具有高难度, 并形成了科学完整的理论体系。

狭义的美声声乐演唱特指作曲家多尼采蒂、罗西尼、贝里尼等人所处时代的作品、演唱风格、歌唱技巧、表演形式等形成的歌唱艺术。广义的美声声乐演唱是一个非常宽泛的概念, 指以意大利歌唱发声技巧为基础的一切歌唱形式, 包括清唱剧、歌舞剧、音乐剧的咏叹调。虽然美声声乐演唱有多种歌唱方式, 融合了多个国家的语言特点和审美情趣, 但是对基本发声有着一致的要求, 即声音圆润、持续稳定、音色华丽、具有穿透力, 形成了刚柔并济、灵动柔和的演唱风格。

(二) 美声声乐的教学方式

美声声乐演唱经过几个世纪的发展, 已经形成了科学、系统、完整的理论与教学体系, 因此在教学上有章可循:重视气息的使用、共鸣腔的使用、高位置的声音训练, 同时也注重培养学生的美学修养、提升学生的个人表演气质。

三、民族声乐和美声声乐演唱上和教学上异同

(一) 民族声乐和美声声乐在演唱上的异同

1. 民族声乐与美声声乐在演唱上的相同点

民族声乐和美声声乐演唱最大的相同点是统一的发声方法, 两者都采用了科学的发声方法, 主要体现在以下几个方面:

深沉的呼吸。呼吸是歌唱的基础, 民族声乐和美声声乐演唱都采取较深位置的呼吸, 以发出深沉的声音、获得完美的音质。民族声乐演唱要求气沉丹田, 再冲冠于顶, 美声声乐演唱要求胸腹式联合呼吸, 将气息沉下来, 两者在本质上并没有区别, 都是为了更好地发声。

追求通畅的声音和完美的声音。民族声乐演唱和美声声乐演唱都追求声音的通畅, 要求放松喉头, 以产生良好的共鸣效果, 使声音达到统一。民族声乐演唱和美声声乐演唱都追求声音的完美, 通过扩大音域以发出完美的声音。

高位置的声音。民族声乐演唱借鉴了京剧的唱法, 追求高位置的声音, 美声声乐演唱同样要求高位置的演唱, 要求以良好的共鸣和深沉的呼吸为基础, 可见两者在声音安放方面是相同的。

心理素质。民族声乐演唱和美声声乐演唱都要求演唱者具备良好的心理素质, 以积极乐观的情绪、饱满的精神状态、全身心的投入, 声情并茂地演绎音乐作品, 以展现出作品最完美的状态。

2. 民族声乐和美声声乐在演唱上的不同点

虽然民族声乐和美声声乐在唱法上有着一致的发声方法, 但是两种演唱作品的表现形式、表演风格、语言特点、情感表现等方面都有所不同, 因此在演唱上具有一定的差异。

气息。民族声乐要求发声亲切自然, 追求原生态的演唱风格, 呼吸上以胸式呼吸为主, 强调气息从小腹到上口腔形成一个畅通的管道, 发声集中, 声音自然洪亮。美声声乐演唱则要求将气吸入肺部后, 扩张胸腔和腹部, 产生巨大的共鸣腔, 以追求洪亮的声音、饱满浑厚的音色。

共鸣腔的使用。民族声乐演唱只使用部分共鸣腔, 以民族语言为发声基础, 行腔韵味无穷, 而美声声乐演唱则使用上下全部的共鸣腔, 以腔行字、以腔带情, 实现共鸣的效果。

喉头打开方式。民族声乐演唱要求喉头向上、发声管道短小、喉咙打开程度小, 使发出的声音集中、明亮、柔和、细腻;美声声乐演唱则要求喉咙全部打开, 从喉头、咽腔、鼻腔到头腔形成一个共鸣腔, 拉长发声管道, 使得声音饱满浑厚。

咬字吐字。民族声乐和美声声乐在演唱上都要求字正腔圆、咬字吐字清晰, 但是由于两者演唱的语言不同, 带来了在咬字吐字上的差异。民族声乐演唱追求行腔运腔, 发声靠前;而美声声乐演唱在咬字吐字上内敛, 发声靠后。

(二) 民族声乐和美声声乐在教学上的异同

由于民族声乐和美声声乐在演唱上的差异, 因此在日常教学过程中的教学方法、教学形式都有所不同。

1. 民族声乐与美声声乐在教学上的相同点

民族声乐和美声声乐都是声乐表演的一种, 在演唱过程中都需要演唱者展现出美感, 这也是声乐表演对演唱者最基本的要求。因此, 在这两种演唱形式的教学中, 声乐教师都会教演唱者优雅的站姿 (收起下巴、肩膀和胸部放松、双脚分开、身体重心向前) 、饱满的精神、积极的状态、真挚的情感、准确的发声、清晰的吐字等。

2. 民族声乐与美声声乐在教学上的不同点

呼吸训练。民族声乐演唱和美声声乐演唱都要求深沉的呼吸, 两者在呼吸训练方面具有一定的共同点, 例如:训练时常采用“打哈欠”“闻花”的形式让学生体会缓慢地吸气, 用“吃惊”的脸部表情让学生体会快速吸气;用均匀吹蜡烛或均匀发出“嘶”的长音来训练呼气;用“吸着唱”的方式让学生体会横膈膜如何保持气息, 并用吸中有呼、呼中有吸的形式来感受气息的流动性。但是由于民族声乐和美声声乐在演唱上对呼吸深度要求的差异, 美声声乐教学中会注重保持更深的气息位置。

共鸣腔的运用。民族声乐演唱只使用部分共鸣腔, 主要集中在口腔、鼻腔和头腔, 发音靠前, 重视咬字和行腔技巧, 因此教师在指导共鸣腔运用时, 要求学生放松喉头、抬起上颚, 体验口腔、鼻腔和头腔形成的共鸣效果, 通常使用元音“i”体验共鸣位置, 以“大笑”感受上提的笑肌, 以产生更好的共鸣效果。美声声乐演唱则使用全部的共鸣腔, 从头腔到腹腔形成一个完整的腔体, 实现高音、中音和低音的演唱, 因此在训练时, 采用“半打哈欠”的方法感受共鸣腔的打开, 并且喉位下置、上颚拱起, 形成通畅的发声管道。

发声要求。民族声乐和美声声乐演唱都要求高位置的声音和共鸣腔的使用, 但是民族声乐演唱的发声管短、声带拉紧力量大、声音明亮, 在教学上通常采取“打哈欠”的形式, 使发声靠前, 而美声声乐演唱发声管较长, 在教学中强调声门的闭合作用, 减少声带的拉紧力量、减少肌肉张力、增加肌肉弹性, 以发出舒缓而富有弹性的声音, 同时应当避免拉紧声带, 避免呼吸僵硬、共鸣失效、声音失色。

吐字要求。民族声乐和美声声乐演唱的最大差异是吐字, 在教学上也表现出很大的差异。民族声乐演唱以汉字为基础, 汉字包含字头、字腹、字尾, 吐字时舌头前部用力强调子音或声母, 以获得字正腔圆的效果。因此, 在教学上讲究字头、重视元音的定位, 要求位置准确、发音清晰, 追求归韵, 更追求句子的连贯, 要兼顾两者, 不能顾此失彼。美声声乐演唱以元音发音为主, 辅音为次, 咬字时追求元音连贯、辅音清与轻, 以腔行字, 要求在同一腔体和连贯的气息中换字。

舞台表演。民族声乐演唱要求演唱者以亲切生动的表现形式, 优美、灵动、丰富的肢体语言来表现作品, 因此, 教师在教学上会注重手、眼、身、法、步的训练, 并要求学生学习戏曲知识, 而美声声乐演唱则更重视内在修养, 以内在的真情实感感动观众, 而对肢体语言的要求则比较少。因此, 教师会注重对演唱者艺术修养的培养, 使他们具备西方美学知识的素养, 展现出优雅大方的姿态。

四、民族声乐和美声声乐的深度融合

民族声乐和美术声乐在演唱和教学方面都具有许多差异, 但是两者在演唱和理论基础方面都有共通点, 这为两者的深度融合奠定了基础。

(一) 民族声乐和美声声乐演唱上的深度融合

1. 美声声乐对民族声乐的借鉴与融合

美声声乐作为西方演唱形式, 传入中国后, 在保持基本演唱技巧和方法的基础上, 适当地吸取了民族声乐的技巧和精髓。芭蕾舞音乐剧《白毛女》《红色娘子军》是这一时期美声声乐与民族声乐有机融合的优秀代表作品。美声声乐演唱在中国深入发展, 与民族声乐进行了深度融合, 逐渐形成了民族化唱法、美声化歌唱风格的中国美声唱法。这一时期涌现出了大批的优秀歌唱家, 有朱淑安、戴玉强、刘威葳、应尚能等, 形成了中国的民族美声学派。

对润腔的借鉴。民族声乐演唱的主要特色是行腔韵味, 追求腔、字、声、情这四者的统一。民族声乐演唱中在润腔方面具有极高的技巧, 需要通过音色、音高的转换来实现, 还要使用滑、擞、颤、假声等方法, 增强声音的表现能力和情感的表达, 美声声乐演唱在这一方面有所欠缺, 因此借鉴了民族声乐的润腔技巧, 以提升声音的表现力。

对韵味的借鉴。民族声乐演唱追求“淡、远、静、空”的韵味美, 意味深远和较高的情感境界, 形成了民族声乐独特的演唱风格。民族声乐的韵味是建立在行腔、咬字和风格的基础上, 具备较成熟的理论和实践基础。美声声乐在中国发展的过程中, 加强了对民族声乐演唱韵味的借鉴, 以增强自身演唱的韵味。

对意境的借鉴。民族声乐演唱作为我国的一种传统文化, 遵循写意的原则, 追求情景交融, 要求演唱者的演唱风格要与作品的审美情趣相一致, 相得益彰, 演唱者对作品进行二次演绎, 以引起观众的共鸣。民族声乐演唱方法体现出了中国人深沉、内敛、含蓄的性格特点, 因此, 美声声乐演唱在中国的发展和融合阶段, 应当遵循中国传统的写意原则, 营造出演唱的意境。

2. 民族声乐对美声声乐的借鉴与融合

相较而言, 美声声乐有着比民族声乐更为完整的理论体系和教学方法, 因此民族声乐通过对美声声乐演唱技巧的借鉴和融合, 逐渐形成了一套关于发声和共鸣的完备理论。在演唱技法上, 民族美声唱法发声管短、共鸣腔靠前、声音明亮, 能够表现出欢快的演唱风格, 但在表现悲痛的情绪时就稍显不足, 力度不够、表现力不够丰富。此时, 民族声乐借鉴了美声声乐的演唱技巧, 运用更大的共鸣腔, 加长发声管、下沉气息、加大声音的表现力度, 表现出沉痛的情绪。民族声乐对美声声乐发声技巧的借鉴和融合, 扩大了音域, 完善了民族声乐理论, 诞生了一批优秀的歌唱艺术家, 如金铁霖、沈湘、宋祖英、谭晶, 谱写了民族声乐的新篇章。

对咬字吐字的借鉴。美声唱法的咬字重视元音的统一连贯, 强调柔和性, 咬字有力、圆润集中, 将咬字与声音完美融合, 美化了声音, 使声音连贯自然、转换时不漏痕迹, 而民族声乐的演唱咬字不清、声音偏厚、转换生硬、痕迹明显, 影响韵味的传达。因此, 民族声乐演唱借鉴了美声唱法的咬字吐字训练方法, 增强咬字吐字技巧。

对混声唱法的借鉴。美声演唱具有真音、假音混合的演唱特点, 气息通畅、声音饱满圆润。混声唱法是美声声乐演唱与其它声乐演唱最大的区别, 也是美声声乐演唱最大的特点, 民族声乐借鉴了美声声乐的真假混音的唱法, 充分调动共鸣腔, 增强高音的柔和优美和穿透力。

(二) 民族声乐和美声声乐教学上的深度融合

随着民族声乐和美声声乐在演唱上的深度融合, 新的作品大量出现, 更多的人参与到民族声乐和美声声乐演唱中。因此, 声乐教学者也在实践中积极探索着适应我国国情的民族声乐和美声声乐的教学方法。在教学方面, 教师积极学习美声唱法, 并在实际演唱中运用美声唱法演唱民族歌曲, 使声音通畅浑厚, 富有时代感和民族感。教师以身作则, 将对美声唱法开放包容的态度传递给学生, 使学生在教师的熏陶下积极地学习美声声乐演唱方法。在演唱技法的教学方面, 教师教授民族声乐时, 在保留传统戏曲的吐字咬字、气息运用的基础上, 注重对美声唱法中混合腔体的训练与使用, 以扩大音域、增强音色, 使声音更富立体感、可塑性, 提升演唱者的歌唱能力和表现能力, 这样就使得民族声乐演唱比传统的民歌演唱更加甜美、亲切, 减少了粗犷、豪放感, 增添了更能打动人心的情感, 增强了民族声乐演唱的艺术效果, 深受现代人的喜爱。此外, 美声声乐与中国传统文化的相互融合进入了更深层次的阶段, 呈现出多样的内容、风格和形式, 在我国目前的声乐教学中也有所体现, 多样化的教学理念、教学思想、教学方法和教学模式, 正被运用于目前的声乐教学中, 使得我国声乐教育迸发出更强的生机与活力。

五、结语

民族声乐演唱和美声声乐演唱都是声乐演唱的形式, 既有一定的共同点, 也有明显的差异。在新时代, 民族声乐演唱和美声声乐演唱相互作用、相互影响、相互融合, 从而能够使民族歌曲走向世界, 美声歌曲更具中国特色。作为一名声乐教师, 应深入分析这两种唱法的异同点, 并相互借鉴, 将其运用到教学实践中, 推动我国声乐演唱事业的蓬勃发展。

摘要：民族声乐和美声声乐在新时代相互作用、相互影响、相互融合。两者在演唱和教学上都有一定的相同点和不同点, 研究民族声乐和美声声乐的融合, 能够加深对两者的认知和理解, 推动两种声乐在中国的蓬勃发展。本文首先分别简要介绍了民族声乐和美声声乐的演唱和教学方式, 然后从演唱和教学方式两个方面分析了两者的异同点, 最后探讨了两者在演唱和教学方式上的深度融合。

关键词：民族声乐,美声声乐,差异,借鉴与融合

参考文献

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声乐融合 篇2

在漫长的历史发展过程中，不同的民族用自己的聪明才智创造出了多样化的灿烂文化，尤其是一些具有民族特色的艺术种类更是历久弥新，成为我国传统文化宝库中弥足珍贵的财富。民族声乐流转至今，有极高的审美价值和强烈的感染力，深受大众的喜爱。随着时代的发展，民族声乐也焕发出新的色彩，涌现出一批优秀的民族声乐作品、民族歌唱家。创作者紧抓时代脉搏，勇于创新，将传统戏曲元素融入新的时代气息，给人耳目一新的视觉及听觉享受。《千古绝唱》就是一首创新较为成功的作品，在歌曲中穿插着京腔，别有韵味。

一、民族声乐与传统戏曲的发展流程

(一)民族声乐的发展历程

中国地域辽阔，人口众多，56个民族都有自己鲜明的民族特色。不同的生活习惯、文化传统、语言方式造就了民族声乐的多姿多彩，有的粗犷豪放、有的细腻稳重。回顾民族声乐的历史轨迹，最早出现在先秦时期，宋朝以后，陆续出现了鼓词、元杂剧、散曲等，成为民族声乐的最主要的形式。宋代之后的一段时间内，多数以号子、民歌、山歌为主;到了民国时候尤其是五四运动之后，民族声乐与西方声乐相结合，出现了艺术歌曲、新歌剧等形式[1]。民族声乐在广义上可以理解为是戏曲、民歌、曲艺这三种艺术的结合，是将原来的音乐、歌曲、舞蹈经过不断的演变融合之后，逐步形成了各类民歌、杂剧、戏曲等。

(二)传统戏曲的发展历程

传统戏曲的声腔艺术主要是在民间小调及说唱的基础上演变而来的。它将不同地域的民间音乐、民歌、语言相融合，并创新出一套自成体系的声腔艺术[2]。不同的地区之间的戏曲声腔艺术是不同的，可以理解为是民族声乐发展到一定的历史阶段产生的新的民族声乐形式，进而形成戏曲艺术。随着时代的发展，民族声乐与传统戏曲在演唱方式、表演模式上也各不相同，继而演变成两种不同的艺术表演形式。民族声乐注重慢慢有所变化，将以往的号子、山歌作为演唱的主要素材;传统戏曲则由舞蹈、歌曲等发展而来，讲究故事情节、人物个性，也就是现在所说的戏剧声腔艺术，需要说、学、逗、唱样样俱全。

二、民族声乐与传统戏曲的融合

(一)发音上的融合

演唱技巧在民族声乐和传统戏曲中起着重要作用。汉语声调中的抑扬顿挫有着一种韵味之美，在唱歌的时候十分注重咬文嚼字。传统戏曲的声腔发音上也需要掌握切音的技巧。民族声乐和传统戏曲，在发音的处理上都会对慢唱、快唱进行相应的艺术处理。此外，两个都需要收准音、归好押韵，这是二者的一种融合。

(二)唱腔上的融合

歌唱表达的是人的一种情感，演唱者将情感通过演唱外在表现出来，运用悦耳的声音和一定的气息将歌曲的韵味精髓表达出来。在演唱中，民族声乐和传统戏曲都需要演唱者饱含情感地去演绎，讲求吐字清楚、字正腔圆以及丹田的呼吸吐纳，最终实现声情并茂的良好效果。此外，两者在音质、音色的要求上也有所相同，演唱方式属于民族说唱。

(三)内容上的融合

民族声乐和传统戏曲都是依据故事内容进行改编的。民族声乐创作注重音乐的本质，传统序曲侧重人物形象的刻画，及故事连贯性的表现。民族音乐主要是以“唱”为主，而传统戏曲则是“演和唱”，两者在故事情节编排、情感抒发上具有相同之处，在演唱过程中都讲究“意境”与“韵律”。

三、以《千古绝唱》为例分析民族声乐对传统戏曲的借鉴

中国的历史文化源远流长，许多脍炙人口的经典爱情故事一直被传唱至今。《千古绝唱》就是一首缠绵悱恻的爱情歌曲，将民族音乐与传统戏曲相融合，让这首歌曲更加有韵味，深受民族声乐爱好者的青睐。

(一)曲式风格方面对传统戏曲声腔的借鉴

《千古绝唱》有一段体曲式特征，有三部性结构。结构图可以表达为：A=前奏2+a+b+al[3]。在欣赏歌曲的过程中，听者可以感受到三个结构的不同差别，即先抑后扬的风格，前奏部分运用京胡为主要乐器，使得歌曲更具有韵味。《千古绝唱》主要由两个小节组成。传统戏曲的声腔风格的融入将此歌曲所描绘的沧桑的情感淋漓尽致地表达出来，为后面的精彩演唱起到抛砖引玉的作用。这首歌曲的主题曲是通过对前奏的对比而表现出来的，使得先抑后扬的特点更加鲜明。主题曲构成的两个并行的乐句具有通俗易懂、结构严谨的特点。两个并行句将情感推向新的高度，激发了听众的兴趣，给听众带来广阔的想象空间。呈现段在二胡的帮助下，随着故事情节的变化将歌曲中少女的哀婉惆怅、生离死别演绎得更加生动。再现部分将前面已经出现过的一部分进行改编，使得听众更容易被浓浓的情感所感染。到第二遍音乐响起的时候，运用锣鼓和镲打慢唱，歌曲中融入新鲜的元素，并且将吉他、二胡、贝斯等其他乐器一起加入其中，使得声音更加有穿透力，音色更具创造性，将整个故事的意境渲染得更加浓厚[4]。引子上，曲子使用了戏曲的二黄，用“导板接回龙”的反复多次大幅度的音程跳动，使音乐悠扬而荡气回肠。《千古绝唱》将现代乐器与传统戏曲乐器相结合，配乐上呈现出耳目一新的听觉感受，使得《千古绝唱》成为不朽的经典。

(二)词作方面对传统戏曲声腔的借鉴

《千古绝唱》讲述的是一个感人至深的爱情故事，虽然歌词中对爱情内容的描述只用了寥寥数语，但是“山高水长”“悠扬琴曲”等用隐喻手法将人们对爱情的向往与情深表达得情意绵绵。通过《千古绝唱》歌词的句式可以看出，它与我国的古诗词有几分相似，即每一句歌词的尾音基本相同，比如：忘、想、光等，押韵也朗朗上口。在段式方面，传统戏曲有重复性的特点，这给民族音乐带来一定的.影响。比如在民族声乐作品中，二段式、三段式是屡见不鲜的。在作词的写法上，民族声乐与传统戏曲紧密相连，对戏曲歌词进行大量的吸收与融合，具有时代气息。在风格上，戏曲声腔蕴含着深厚的感情，质朴自然，贴近生活，达到雅俗共赏的艺术效果。而且，受中国传统文化的影响，戏曲声腔清新、含蓄。这种特点在民族声乐中也经常被借鉴，比如《千古绝唱》的歌词，在表现手法上为听众娓娓道来一场凄美的爱情故事，在戏曲唱腔的表演中将这个故事的缠绵哀婉表达得淋漓尽致。因此，《千古绝唱》简短精悍，歌词整齐精致，多元化的演唱风格将饱满的感情完整地传递给听众，让听众在不知不觉中沉浸于主人公的故事里，身临其境地体验一段爱情传奇。

(三)肢体“演唱”方式对传统戏曲声腔的借鉴

声乐融合 篇3

【关键词】高校教育；声乐教育；民间传统文化；融合

随着新时期的人民生活水平的提高，人们对生活质量的追求逐步提升，对精神文化产生更高的要求。现代声乐演奏及传统的民间文化艺术形式均满足不了现代人的文化气息需求。在此大背景之下，必须对高校声乐教育进行符合社会发展的改革，有效的将声乐教育与传统的民间文化进行融合是打造高水准文化表现形式的基础。鉴于此必须进行合理的教学尝试与改革。

一、开展民族声乐的重大意义

所谓音乐是人民日常生活、情感交流、以及文化冲击的文化形式，其深刻意义在于民族声乐不仅是歌唱的技艺，更是民族文化的展示。音乐是文化的载体，注重民族声乐的教育实质是民族文化的传承。因此高校声乐教学应该保证其多元性，首先在文化传承上应有一定的侧重，其次对民族声乐的学习不仅是对声乐技巧的精湛，更是对学生素养的提升。在我国这样一个多民族共存的国度，对多元性音乐学习是一种提升自我音乐修养的有利条件。再次民族的才是世界的，我国在长期的发展历史中产生了一定的文化积淀，对国粹的传承是教育部门应该完成的责任。最后是高校教育部门应该树立教育多元化的教育观念，以重视本土的基础上出发，对现代教育进行发掘，在解决声乐技术问题的同时强化教学文化的内涵。

二、当前高校声乐教育的现状

（1）民族音乐的发展态势。在现如今的音乐发展过程中，由于社会的快速发展，全球化的节奏不断加快，文化交流的同时产生了一定的文化冲击，对民族文化的长期稳定发展形成了巨大的影响，导致民间传统文化的丢失以及对民间音乐的重视减弱。由于现如今西洋文化泛滥，在音乐领域上更是如此，导致民族音乐的发展态势不好，出现许多问题，在一定程度上影响了我国高校声乐教育体制。（2）民族音乐的优良前景。随着我国的综合国力的不断提升，国际地位逐渐重要，在音乐发展中不断的重视起自己的风格。在回归传统的同时，进行中西结合的多元性发展的态势良好，民族声乐教育在高校教育中具有良好的前景。在教育的不断改革中，在高校的教育体制中不断形成了“立足于传统，以中西结合的方式进行不断探索与创新，在发展的过程中进行民族文化的发扬光大”的声乐教学理念。因此民族音乐理论上说是具有优良前景的。

三、高校声乐教育与民族音乐融合的探索

（1）树立民间文化的音乐教育理念。为有效的将传统的民间传统音乐教学融入声乐教育中，良好的教育理念是开展的基础。良好的教学理念是进行有效落实教学政策的内动力，因此相关教学部门应制定完善的教学制度，在战略上予以推动。由于现阶段的现代音乐表现形式比较单一，在感染性上具有一定的不足，由于民间传统音乐唱法具有一定的民族特色及表现优势，将其充分融合是令现代音乐快速、稳定发展的必然途径。在音乐教学理念上应该形成广纳百川的教学理念，将传统民间优势加入到现代音乐中，进行对表现方法丰富性的提升及文化内涵的丰富性的提升，是具有一定前景的。（2）保证高校声乐教学中民族音乐的重要地位。为加强高校声乐教学与传统民间文化融合，树立良好的教育观念只是实现目标的基础，树立现代高校声乐教学中民间传统音乐的主体地位是其在发展道路上长期稳定发展的重点。因此教育相关部门应该对声乐教学中民间传统音乐教育的重要性进行重视，对民间传统音乐教学进行鼓励及倡导。通过一定的物力财力投入进行相关资料的收集，可以将民间艺术大家引入高校教学课堂，将民间艺术形式与现代音乐唱法相结合是创造不同的音乐魅力的基础，同时鼓励学生进行创新性音乐思维的培养，该手段是刺激音乐的源泉。但无论如何必须确定民族音乐的特殊地位，这是极其重要的。（3）使高校音乐中突出民族特点。民族音乐是不同社会背景与文化冲击下形成的特殊文化形式，因此在高校音乐教学中必须建立相关的教学体系，为民族文化的传承与发展做出贡献。鑒于此，高校音乐教学体系的建立于完善是十分必要的，在高校中要建立这样的教学体系，首先在尊重民间传统音乐形式的基础上，进行现代音乐教学，进而在对民族音乐的特殊关注下进行传统与现代相融合的发展。再次是在教学体系中进行学生创新型音乐创作进行鼓励，在政策上予以支持。最后在教学体系中，将教学内容进行增加，在通识课程中进行多民族音乐形式的介绍与传播，在教材选择上进行对各民族文化形成一定重视。（4）增强音乐教育的软硬件投入。在高等学校的音乐教育中，由于音乐教学是一种特殊的教学形式，其专业性极高，因此对其的投入必须提升。为将民间传统音乐形式走进校园，一定的投入是必须的。首先是进行硬件环境的投资，有关部门在对各民族的音乐形式进行考查，对所需的乐器及所需的表现器具进行一定的完善，并对学生提供相应的学习环境。其次是师资力量的建设，在教师的培养上进行一定的培训，使之在具有先进的教学观念的同时具有一定的音乐教育能力及传统民间音乐的涉猎。在一定情况下需要将民间传统音乐表演大家引进课堂，对学生进行一定技巧的介绍。其次是对相关方面研究的专家进行引进，对学生进行传统音乐思维的培养。最后是在一定程度上，由学校支持进行民族音乐音乐会的举办，通过多元化的音乐形式的传播，对民族音乐走进现代音乐教学课堂具有一定帮助。（5）激发学生的学习热情。在政策、制度、甚至师资的准备下，需对实施高校声乐与民族音乐的结合的核心进行准备，对学生在课堂上的学习热情进行激发。在素质教育的大背景下，尊重学生的个性发展，培养学生的学习热情是有效落实教学内容、提高教学有效性的重要手段。兴趣是最好的老师，激发学生对民族音乐的热情是落实这一政策的最好方法。态度引领学习，令学生产生一定的学习热情是保证传统音乐长期稳定发展的前提。为激发学生的学习热情，首先教师应学会利用现代便捷的教学手段进行学生兴趣的积极培养。其次是教师在学生观念上进行的教育，在 思想意识上进行一定的意识灌输，使其对传统民间音乐学习产生一定的热情。最后让学生亲身参与到传统文化发扬中去是对学生兴趣的有利激发。例如在课上进行学生兴趣培养的两个有效方式是，首先是对学生比较感兴趣的音乐形式进行教学，在民族乐器演奏上进行介绍及民族舞蹈上进行欣赏。其次是对学生进行一定的肯定及鼓励。在精神上进行维护。（6）对学生音乐品味的提升与转变。由于学生是学习的主体，在充分尊重学生的个性发展的同时对其进行积极的引导，是教学的正确途径。对于高校教学的建设，必须对学生进行音乐修为的提升，在传统的音乐技能的教学基础上进行音乐修为的提升是及其重要的。由于文化的原因，民间传统音乐在形成的过程中是具有一定的文化积淀的，是民族文化的缩影，对各民族传统声乐的学习是感召历史及民族特色的重要过程，在这一学习过程中对自身的音乐修为进行一定的锻炼，通过不断拓宽学生视野，不同的音乐文化和音乐表演介绍给学生是直接有效的方式。

综上所述，声乐变现是现代的艺术表现形式，传统民间文化传统是具有历史特色及民族特色的瑰宝，是国民艺术发展中不可遗弃的宝贵财富。因此注重高校声乐教育与民间传统文化的融合不仅是对艺术表现形式的丰富与改进，更是对民族文化财产的有效传承，进行该教育事业的改革是具有极其重大的意义的。因此在高校声乐教育中必须充分融入民族音乐教学，是每一个教育工作者的责任。（作者单位：湖南人文科技学院）

参考文献：

①王利娟，刘伟.非物质文化遗产与高校声乐教学相结合的几点思考[J].艺术百家，2011（z2）：360～362

②沈艳芳.高校声乐教育与民间传统文化浅探[J].神州（中旬刊）.2013（11）：35～35

声乐融合 篇4

一、从起源与发展来看民族声乐与美声音乐的差异

民族声乐的发展是建立在我国的民族文化传统之上的, 随着政治、经济、文化背景的不断变化, 民族声乐艺术在汲取其他艺术文化形式的基础上不断地发展和变化, 我国民族声乐艺术的唱腔是建立在三十年代末的秧歌剧的基础之上的, 但是与此同时, 我国的民族声乐又不同于民歌与戏曲说唱, 在继承与发扬了传统音乐的精华基础上, 其有借鉴吸收了西方优秀的唱腔和科学唱法, 形成了具有科学性、民族性和时代特征的民族声乐形式。

美声艺术的发展则是建立在西方古典音乐的基础之上, 在文艺复兴的洗礼下不断地成熟并发展, 从美声艺术的根源来看, 当时的音乐文化是在多声部教堂音乐以及复调音乐的基础上, 在演唱方式上受宗教音乐的影响, 后来随着歌剧艺术的壮大和发展, 美声艺术得到了良好的展示舞台。随着歌剧剧情的发展, 一些情感激烈的戏剧性唱段, 阉人的唱歌满足不了表达剧情激烈发展的需要, 于是歌唱家们努力探索、钻研、改进自己的唱法, 以适应剧情的需要, 这样就产生了今天表现力丰富多彩的美声唱法。[2]

二、民族声乐与美声艺术的文化定位

黑格尔在《美学》一书中提到:“各门艺术都或多或少是民族性的, 它们与某一民族的天然的资禀密切相关。”从中可以看出艺术的发展离不开民族文化, 同时在长期的积累下形成了其特定的民族气韵。各个民族多样的思想文化内涵已经在时间的流逝下, 在各自熟悉的文化氛围中深深地植入到的音乐的精髓中去, 从文化的角度上来看中西声乐艺术的差异可以为我们更好地吸收外来音乐品种提供基本的方向性, 另一方面也为我们形成具有我国文化特点的美声艺术找到新的接入点。民族声乐艺术背后几千年的中华民族优秀文化、民族情感、民族语言、民族的审美等等都是其风格形成的重要因素, 它以汉语言作为基础, 以民族文化背景为前提, 以民族审美情趣为依据, 以民族的情感为主, 以情带声, 声情并茂, 以字行腔, 字正腔圆, 韵味浓郁, 唱演均重, 神情兼备, 真切动人。[3]与此同时我国的民族声乐形式是以单线条的轨迹进行发展, 在肌理结构方面更加的纯美和具有意境感, 在进行声乐的演唱时更多地需要演唱者对作品的软性文化进行发掘。美声艺术则是建立在西方的传统文明之上, 与我国的民族音乐完全不同, 美声音乐背后的宗教文化始终对其产生了较长时间的统治, 宗教文化的统治最终的结果便是使人们形成了节制和容忍的民族性格, 因此在西方文化背景下得到发展的美声音乐形成了在表达真实情感世界时的既真实又节制的特点。同样地在音乐创作的时候, 西方音乐注重音乐的立体性发展, 其交织的织体结构以及多样的和声旋律形成了其准确的音乐结构, 因此在美声唱法的表演过程中, 演唱者同时也要注意声音表现的准确性。

三、中西声乐艺术的碰撞

美声唱法是四十年代是随着留洋归国的学生而逐渐传入到我国境内, 最初以周小燕、黄友葵、喻宜萱、朗毓秀等为代表。美声唱法的传入为我国当时的民族声乐发展起到了推波助澜的作用, 美声艺术的科学唱法使得学生们在轻松愉悦的氛围中便得到了宽厚的歌唱技巧, 并为我国的声音艺术带来了科学的演唱方法。美声唱法其中蕴含的科学的训练方法、能够带给人们的强烈的具有震撼力的宏大音量以及圆润的细腻的音色, 为我国的民族声乐发展拓宽了思路, 同时美声艺术表现出作品戏剧性的特点也为我国的民族声乐发展带来了新鲜的血液, 随着时代的发展, 多元文化的融合是声乐艺术发展的路线方向, 但在多元文化的融合之下应立足于本民族的音乐文化基点进行扩展, 在保持民族声乐演唱艺术原滋原味的风格同时, 结合先进的演唱技巧, 才能够使声乐作品保持真正鲜明的时代气息和民族韵味。

参考文献

[1]赵梅伯.歌唱的艺术[M].上海:上海音乐出版社, 2001.

[2]李晋玮, 李晋瑗.沈湘声乐教学艺术[M].上海:上海音乐出版社, 1998.

声乐融合 篇5

关键词：民族声乐  戏曲声腔  《千古绝唱》  融合

我国传统的戏剧艺术走过了几百年的发展历程，在发展过程中，戏曲中的精髓已经对我国民族声乐创作中产生了潜移默化的影响和渗透。而我国现代民族声乐在对戏曲做出吸收与借鉴的过程中，也让民族声乐风格同质化的问题获得了一定缓解，由此可见，戏曲声腔与民族声乐的融入，不仅可以为我国民族声乐作品的创作提供更多的可能性，同时能够推动我国民族声乐生命力的提升。《千古绝唱》中民族声乐与戏曲声腔的融合，向我们展示了两种艺术融合的可行性，并为两种艺术的融合提供了一定的经验，由这首歌曲可以看出，要创作和演唱出具有代表性以及民族特色的民族声乐，就有必要对传统戏曲唱腔做出借鉴，只有如此，我国民族声乐才能够不脱节与我国传统的民族风格，也才能够获得更大的发展空间。

一  民族声乐与戏曲声腔的契合点

无论是我国民族声乐还是戏曲声腔，它们的产生与发展都根植于我国传统艺术文化，因此，我国民族声乐与戏曲声腔之间具有着千丝万缕的关联，在这些关联中，二者的相同点为民族声乐与戏曲声腔的融合提供了可能性。

1  民族声乐与戏曲声腔具有相同的文化底蕴

毕竟民族声乐与戏曲属于两个不同的音乐艺术类型，因此，民族声乐与戏曲在演唱风格与演唱技巧方面体现出了多种差异，但是二者在文化意蕴以及文化意蕴的表达中却体现出了诸多的相同之处。这主要是因为民族文化是民族艺术出现与发展的土壤，固然民族声乐与戏曲声腔在表现形式上存在差异，但是其文化底蕴却如出一辙，因此，在民族声乐的演唱中，民族所具有的艺术个性和艺术特征都能够得到良好的呈现，而戏曲声腔的融入，则能够让民族艺术的个性和特征得到进一步的强调与呈现。如在《千古绝唱》中，戏曲唱腔频繁且大量的出现在这首歌曲的散版部分。演唱者在京胡前奏结束后，使用京剧声腔开始演唱，此处的京剧声腔为这首歌曲奠定了厚重的基调。京剧唱腔之后则是昆曲唱腔，此处的曲风开始从高亢明亮变得圆润柔美。这些唱腔的运用，让歌唱者表现出了细腻、柔美的意境，并且凸显出了这首乐曲所具有的民族特色和民族个性。直到中间部分，现代配乐才在这首歌曲中若隐若现，此处歌曲的节奏逐渐变快，并且通俗唱法取代了戏曲唱腔，低沉厚重的声音也能够让听众感觉到演唱者对古老故事的娓娓道来。而在再现部分，戏曲声腔又替代了通俗唱法，但是这一部分对前面的戏曲声腔是做出了一定的改变，因此，虽然同样是戏曲声腔，但是却具有着明显的不同。

2  民族声乐与戏曲声腔具有相同的美学追求

声乐艺术都具有着浓厚的人文气息，这种人文气息在民族声乐与戏曲艺术中都有所展现，具体而言，这种人文气息体现出民族声乐与戏曲艺术在唱法方面都重视意境的营造与表达，并重视体现出人与人之间以及人和自然之间的辩证关系。从这一特征来看，民族声乐所具有的美学思想与戏曲艺术所具有的美学思想是相通的，而通过实现民族声乐与戏曲声腔的结合，二者之间的个性与共性则能够得到凸显。在演唱过程中，民族声乐与戏曲都要求演唱者能够做到“字正腔圆”，并体现出灵活多变的发生和共鸣，这些艺术技巧层面的追求，也体现出了民族聲乐与戏曲在精神美学层面所希望达到的和谐。事实上，我国民族声乐这一概念本身就具有着宽泛性特征，多民族文化特质的差异会导致我国民族声乐呈现出不同的艺术内涵。并且我国民族声乐经历了漫长的发展历史，当前也没有指出哪个时期的民族声乐才是这门艺术所具有的标准。但是，有些学者却对我国民族声乐的唱法风格做出了分类与界定，其中曲艺戏曲唱法就是这些分类中重要的组成部分，只是相对于民族声乐演唱者而言，专业的戏曲演唱者具有着更高的职业化与专业化程度以及更加规范的唱法。从这种分类中可以看出，民族声乐与戏曲声腔已经具备了进行融合的实践经验，并且二者在声乐美学上的追求都要求实现情声结合，坚持使用情感来对歌唱的内涵进行表达。

二  《千古绝唱》中民族声乐与戏曲声腔的融合

从《千古绝唱》中，可以看到民族声乐与戏曲声腔在演唱风格、曲式方面所实现的融合，更难能可贵的是，在对戏曲声腔做出借鉴的基础上，《千古绝唱》体现出了明显的民族艺术个性和民族文化底蕴，这让《千古绝唱》与其他歌曲在曲调、风格等多个方面体现出了差异，并使自身具有了优秀且难以被取代的特点。

1 《千古绝唱》在曲式风格方面对戏曲声腔的借鉴

从《千古绝唱》的曲式风格来看，《千古绝唱》具有一段体曲式特征，并具有三部性结构。转换为结构图则能够直观地看到这种曲式风格所具有的特点，即A=前奏2+a+b+a，。在这首歌曲的欣赏中，听众不难听出这三个结构所具有的差别，其中前奏部分由于使用了京胡这一乐器，所以《千古绝唱》具有了明显的传统文化韵味，并且也让前奏部分具有了先抑后扬的曲调特征。虽然《千古绝唱》仅仅是由两个小节来构成，但是戏曲声腔风格的融入准确地传达出了世事沧桑的情感，并且也让这首歌曲具有了一个完美的开端。另外，这首歌曲的主题曲主要是利用与前奏所进行的对比来体现的，这种抑扬风格具有着典型性。共同构成主题曲的两个并行乐句体现出了较强的结构性和通俗易懂的特点。在两个并行句中，“情”字得到了强调，这对于激发听众思维、引导听众开展联想具有着重要作用。呈现段能够促使听众产生古老、传统的审美体现，但是在呈现段之后，二胡的使用由引导着听众向现代情境转变，并使听众感受到少女在情感上的惆怅与爱情中的生离死别。再现部分则主要是为了回归主题，不同的是，在《千古绝唱》中的再现部分对前面已经出现的那一部分做出了改编，因此，再现部分为听众带来的审美体验也是不一样的。总之，在《千古绝唱》中，现代配乐与戏曲配乐实现了比较完美的结合，配乐运用上所体现出的跨度，也促使《千古绝唱》成为了一大经典之作。

2  《千古绝唱》在词作方面对戏曲声腔的借鉴

《千古绝唱》向听众讲述了一个古老感人的爱情故事，但是在歌词中却没有对有关爱情的内容作出过多的阐述，而是使用“悠扬琴曲”、“万里风光”和“山高水长”等词语反映出了人性的纯真与爱情的挚诚，这种隐喻的手法使这段爱情故事的凄美质感得到了更好的展现。从《千古绝唱》中歌词的句式来看，则体现出了与我国古诗词的相似之处。在每一句歌词中，尾音都基本相同，如光、想、往、忘等，这种押韵的尾音选择能够让演唱者的声音具有更好的润度，并且能够给听众带来更好的审美体验。在段式方面，我国传统的戏曲具有着一定的重复性特征，这种特征对我国民族声乐的发展产生着深刻的影响，因此，在我国民族声乐作品中，三段式、二段式的结构经常出现。而在作词的写法方面，我国民族声乐更是与我国戏曲艺术表现出了密切的关系，在《千古绝唱》中，就对戏曲唱词做出了大量的融合与吸收。从风格方面来看，戏曲声腔具有着情感真挚、质朴的特点，这些特点的存在是戏曲艺术具备了雅俗共赏的特征，并且，在我国传统文化的影响下，戏曲声腔具有了含蓄、清新的风格，而这种风格在我国民族声乐中被也被广泛的借鉴，如在《千古绝唱》中，歌词的表现手法不仅为听众讲述了一个故事，并且通过利用戏曲唱腔而让这个爱情故事的凄美程度更加凸显，因此，在这首音乐作品中，虽然字数较少，但是却因为歌词的整齐与精致以及演唱风格的多元化而能够向听众传达出完整的情感。

三  《千古绝唱》对民族声乐与戏曲声腔融合带来的启示

从当前我国民族声乐的发展来看，学院派已经成为主流，而体现民族风格的演唱者逐渐减少。学院派演唱课程的千篇一律，导致我国现代民族声乐作品逐渐产生雷同。在民族声乐的教学中，许多教师也尝试融入戏曲声腔这一元素，甚至将曲艺作为声乐教学中最为重要的内容，虽然许多人对于这种尝试持有反对的态度，但是事实上，在一定的实践和探索过程中，我国现代民族声乐也的确获得了一些成就。当然，这种训练方法所具有的弊端也十分明显，如演唱者会以为民族声乐源于戏曲，并导致训练方法的偏差和错误，因此，为了避免演唱者在认知与训练方法方面走入误区，演唱者有必要对戏曲与民族声乐的演唱方法做出区分，从而对现代和传统所具有的辩证关系做出良好处理。

从《千古绝唱》对戏曲声腔做出的成功借鉴来看，要实现民族声乐与戏曲声腔的融合，并不是要对我国民族声乐进行完全的戏曲化，也不是对我国当前的民族声乐教学和西方音乐模式做出全盘否定，而是要挖掘民族声乐与戏曲艺术之间的关联，以提升名族声乐表现力、拓展民族声乐创作空间为目的，来通过探索和实践寻求民族声乐与戏曲艺术的契合点，只有如此，戏曲艺术元素才能够在民族声乐中得以展现，民族声乐也才能够具有更加深厚的民族文化韵味，在此过程中，民族声乐唱法与戏曲声腔的继承与发展关系都可以得到良好的处理。在实践中，要实现民族声乐与戏曲声腔的融合，首先需要对民族声乐能够对我国戏曲艺术精髓做出借鉴和发扬，特别是能够反映出民族文化特色和地方特色的戏曲声腔元素，更应当给予较高关注;其次，在民族声乐和戏曲声腔进行融合的过程中，不能摒弃西方音乐文化中较为科学的训练方法。西方音乐文化中的许多训练方法已经在我国民族音乐发展中体现出了自身的价值，如果对这些有效的训练方法进行摒弃，无异于因噎废食。民族声乐要进步、要发展，不仅要体现民族特色与本土化，更应当走向国际化。只有在对我国传统的戏曲声腔以及西方现代声乐训练方法做出共同借鉴的基础上，才能让我国民族声乐实现取长补短，也才能够让我国民族声乐以更富本土化色彩、国际化色彩的歌唱手段对我国声乐艺术做出进一步的丰富。

四  结语

综上所述，我国民族声乐与我国戏曲声腔在文化底蕴与美学追求方面具有着共通性，这种共通性是《千古绝唱》这首融合民族声乐元素与戏曲声腔元素的经典之作得以问世的重要基础。《千古绝唱》无论是在曲式风格还是在词作方面都为我国民族声乐与戏曲声腔的融合提供了成功经验，在推动民族声乐与戏曲声腔的融合过程中，应当确保民族声乐体现出民族文化特色以及本土化特征，同时也需要避免对西方声乐理论一起训练方法进行摒弃，只有如此，我国民族声乐才能够实现本土化与国际化的协同发展。

参考文献：

[1] 原素梅：《浅议民族声乐艺术及其演唱要求》，《大舞台》，2012年第2期。

[2] 姜姗姗：《浅谈美声唱法与民族唱法的比较与融合》，《戏剧之家》（上半月），2011年第10期。

[3] 邓子娟：《浅析现代民族声乐作品中的戏曲因素》，《内蒙古艺术》，2011年第1期。

[4] 謝瑾：《戏曲唱腔中颤音的多样性及对高校民族声乐教学的启示》，《民族音乐》，2010年第6期。

声乐融合 篇6

一、美声、民族与通俗唱法的关系

美声、民族与通俗唱法这三种唱法有着相通之处, 也有着各自的特点。相互区别又紧密联系的关系奠定了三者融合的基础和可行性。

美声唱法主要从专业的古典声乐传统唱法上得以继承与发展, 并于文艺复兴后逐步成形。现在的美声唱法一般包括了欧洲的歌剧、清唱剧和音乐会等舞台常用唱法。美声唱法最主要的特征是它属于一种混合声区的唱法, 以其纯美的声音、高超的技巧与完美的艺术表现而大放异彩。美声唱法还非常注重严格区分声部, 追求音区的和谐与统一, 通过科学的发声方法对音色与音量进行塑造雕琢, 重视气声的一致性, 使音与音之间的连接平滑。

民族唱法是按照我国传统民族演唱方式与人民的审美倾向, 结合汉语发音吐字的习惯, 创造和发展的起来的一种艺术表现方式。民族唱法对于吐词咬字、形体台风和语言声韵的处理要求非常高, 有戏曲唱法、民间歌曲唱法、民族新唱法和说唱唱法是民族唱法的四种主要唱法。民族唱法多侧重于打开胸腔、口咽腔、鼻咽腔和喉咽腔, 通过气息和声带的变化形成细长且灵活的共鸣管。声音上以真声和咽音为主, 基本上不运用到假声, 注重对声带震动频率的控制。演唱时, 口形以嘴角向上的横式微笑为主, 通过声带、嘴角和嘴唇的配合清晰的吐字、咬字, 注重“三分唱, 七分说”, 吐词咬字字正腔圆, 表现得声情并茂。

通俗唱法又称为流行唱法, 是目前广受年轻人追捧的音乐演唱形式, 也是世界通俗文化的重要组成部分。它具有通俗性和娱乐性的特征, 以抒发个人的内心情感为主。在演唱过程中以真声为主、辅以假声, 对轻声与气声的使用较为频繁, 并常常配以颤声、滑音等装饰演唱, 对歌唱语言的韵律把握和吐词咬字要求较为严格。通俗唱法不仅通过音响、舞台灯光等对气氛进行烘托渲染, 更配合伴唱、伴舞的表演形式, 是一门集说、唱、演为一体的演唱艺术。通俗唱法的演唱风格也非常多元化, 或清新自然的、或高亢浑厚、或摇滚、或民谣, 是世界上感染性最强、普及面最大的一种演唱方法。

二、高校声乐教学中融合各唱法的策略

1. 教师要树立创新教学的意识

随着社会时代的发展与进步, 人们对于声乐艺术的审美与欣赏也在悄然发生变化。但声乐艺术带给人美的享受这一特点是不变的, 因此在遵循科学的规律和发声技的基础上, 通过各种唱法的融合, 带给人美的享受是值得提倡与推广的。广大的声乐教师应当意识到, 相互融合与借鉴美声、民族、通俗这三种唱法不仅是社会文化发展的必要, 更是顺应了全球音乐多元化的发展潮流与趋势。在教学实践过程中, 应当对高校声乐的教学内容和教学手段进行创新性的研究与发展。

2. 帮助学生了解各唱法间的异同, 把握声乐教学的本质规律

各种唱法虽然具有自身的特点, 但是对于声乐技术的运用和情绪情感的表达却是各个唱法都共同需要的。声乐技巧的发展与创新是决定美声、民族和通俗这三种唱法发展的重要因素之一。声乐技巧一般被概括为呼吸、发声、共鸣和语言四方面。在高校的声乐教学过程中, 应当突出教学重点, 帮助学生在呼吸、发声和语言上的技巧训练;然后再根据歌曲的种类和风格, 并结合具体的实际情况指导其对共鸣的运用。通过尝试多元化风格歌曲的了解与演唱, 激发学生的学习兴趣与主动积极性。

3. 因材施教, 构建多种唱法相融的声乐教学观

音乐专业的学生在声乐条件和素质上存在着一定差异, 而教师在声乐教学中有需要兼顾所有学生进行教学。若仅仅依靠一种固定的模式和统一的要求对学生进行声乐训练, 显然不符合声乐教学的客观规律, 也不利于提高教育教学水平与质量。因此, 在教学实践中教师应当结合学生的各自实际特点, 利用教材与其他素材开展因材施教的教学工作。根据美声、民族和通俗三种唱法的特点和风格, 并结合不同学生的音质特长, 开展有针对性的声乐教学活动。首先, 进行美声演唱的理论与技巧方法教学, 科学合理地安排教学内容, 有利于学生更为全面地了解这三种唱法的异同点。然后, 在学生对三种演唱方式已有初步理解的基础上, 引导学生根据自己的声音条件以及兴趣爱好等去选择适合自己的演唱方法。

总之, 高校声乐教学的观念应当随着时代发展的变化与时俱进, 采用多种唱法融合的新型声乐教学有利于打破多种唱法的界线, 以更为灵活的方式进行声乐人才的培养。广大的声乐教育工作者应以教学目标和人才培养目标为准绳, 以掌握基本的演唱技巧和深入地了解多元化的音乐为主线, 相互融合与灵活各种唱法, 因材施教地对学生的积极审美倾向以及声乐演唱能力进行有力培养, 从而提高声乐教学质量, 培养合格的声乐人才。■

摘要：随着时代的发展, 社会的各个领域都有了崭新的变化, 音乐领域也不例外, 无论是在音乐形式和审美倾向等方面都有着翻天覆地的变化。本文通过浅析美声、民族与通俗这三种唱法的关系, 提出字高校声乐教学中融合各唱法的策略。

关键词：声乐教学,美声唱法,民族唱法,通俗唱法

参考文献

[1]郑勇.谈声乐教学中的唱法问题[J].辽宁教育行政学院学报, 2007, 2.

[2]曹登银.浅析新型声乐教学观与唱法的融合[J].赤峰学院学报, 2012, 6.

论声乐演唱与钢琴伴奏的高度融合 篇7

声乐课可以说是高师音乐教育专业的一门必修课, 跟钢琴一样同等重要, 虽然教学模式是一对二甚至一对多, 但学习的时间都是本科四年制, 可见这门学科在此领域的重要性。对声乐专业的学生来说, 钢琴伴奏是不可或缺的一部分, 演唱者和伴奏者是呈现声乐作品的两个组成部分, 动听美妙的声音要有融会贯通的伴奏才能完整表达歌曲的情感内容, 其中伴奏是帮助学生学习声乐技巧、掌握声乐作品的重要搭档。由此可见, 在高师声乐教学中, 声乐教师不但要有过硬的专业技能, 还必须要有较高的钢琴伴奏水平, 好的钢琴伴奏不但可以提升声乐演唱的品质, 还能与之相互呼应, 以达到天然一体的艺术境界。而钢琴作为声乐教学中必备的一门乐器, 对声乐教学质量的好坏起着不可忽视的作用, 教师要想让学生的乐感更好地被激发出来, 就必须借助钢琴伴奏, 唯有这样才能使学生的能力提升一个层次。

闻名于世的19世纪浪漫主义作曲家舒伯特, 就非常重视钢琴伴奏, 他的许多优秀作品大都以形象的钢琴伴奏呈现给世人, 对当今社会的声乐发展产生了深远的影响。舒伯特的艺术歌曲创作经历了三个不同的阶段, 而每一阶段都是以当时的背景为创作基础, 其角度也是多种多样的, 无论是描绘自然风光还是描述爱情的作品, 都体现出变幻莫测的特点。在伴奏创作上来讲, 首先是对歌曲的整体把握, 需要深入了解歌曲所体现的情感以及表达的思想, 才能创作出好的伴奏, 帮助演唱者理解歌曲;从声音形象来说, 具有歌唱性的伴奏更能够让演唱者融入歌曲中;在曲调色彩上来讲, 鲜明且具有旋律性的意义多是体现在低音上面。另外, 舒伯特歌曲的曲风比较淳朴自然, 与民间情感非常契合且极具诗意。虽然出自一人之手, 但每个作品仍存在着差异性, 这就要求我们在解析作品时要先熟悉作品的创作时期和背景, 不同的背景所表现出来的情感和内容都是不同的, 也只有在特定背景下, 我们才能更好地理解曲调所表现出的情感。

一休止符在艺术歌曲作品中的运用

休止的手法在钢琴伴奏中是最常见也是非常重要的手法, 是情绪产生变化的原因。舒伯特在他的艺术歌曲中使用了大量的休止符号, 为了能让歌曲中的情感更加自然地过渡和转变, 休止符会在适当的时候出现。

二艺术歌曲作品中对独奏声部的理解

在钢琴伴奏中, 独奏声部是指除了歌唱部分以外的钢琴演奏部分, 这些独奏部分一般都是情感转换的过渡部分, 演奏者需要对这部分的内容进行深入理解, 把握情感的变化, 才能在钢琴演奏过程中展现出恰如其分的情感。所以, 在作品演奏中, 对其分析尤为重要, 也是钢琴演奏前必须掌握的一项技能, 只有这样才能更好地进行歌曲演奏。

三艺术歌曲中整体速度的把握

在所有歌曲演唱前, 适当的演奏速度是好作品的标志, 所以演奏速度是关键。歌曲是激动的, 演奏速度就必须是积极的, 只有在二者高度统一下才能展现作品的情感。演奏者除找到合适的速度对歌曲进行处理外, 也要充分诠释出作品的内容, 不能破坏它的节奏感, 在演奏中尽量展现作品的整体风格。

四句法和呼吸在艺术歌曲中的体现

演唱者对歌曲的理解首先是对歌词的理解, 在歌曲的句法特点上进行呼吸。演唱者根据歌词内容和句法来决定演唱过程中是停顿或是呼吸, 只有这样才能展现歌曲的情感和内容。

五人声和伴奏在钢琴演奏中的融合

舒伯特的艺术歌曲中都结合了人声和伴奏, 有时歌词和人声都无法将歌曲的情感表达出来, 但在钢琴演奏中, 可以达到我们说的此时无声胜有声, 此时无词胜有词, 更能够衬托出歌曲的情感。在歌曲演唱中, 伴奏声部对歌唱具有烘托作用, 有时演奏声部将情感渲染到一定程度时, 再由歌唱声部展现歌词的情感, 这样更能够将情感全面地表现出来。所以, 无论是曲调还是情感上, 都要保持高度的融合和统一。

新型声乐教学观与唱法的融合 篇8

关键词：新型声乐教学观,美声,通俗,民族,唱法,融合

一、构建新型声乐教学观的重要性分析

不管是从我国的教育改革,还是从联合国教科文组织中对教育提出的明确要求,都可以看出当前教育的改革与发展。社会对人才的要求是较为严格的,声乐教学作为教育的一个组成部分,自然也有必要紧跟时代的步伐,突破唱法中的局限性,对教学演唱曲目进行扩展,让声乐学习者更多地接触到不同时代、不同风格的优秀和经典的声乐作品,让学习者从更深层次地了解声乐作品和声乐知识。而且各个唱法之间存在交叉和融合的地方。声乐教师要对具有强烈时代感的流行歌曲演唱方法进行研究,进而古老的声乐艺术注入新鲜的血液与活力,使其声乐教学与时俱进。因此在进行声乐教学的过程中,教师应该树立新型的声乐教学观念,将各种唱法融合、贯通。在声乐教学中融入通俗唱法,这不仅仅是时代的呼唤,同时也是发展声乐学科的一个必然趋势。

二、新型声乐教学观与唱法的融合

构建新型教学理念就需要进行观念的转变,紧跟时代步伐,并且要让教学内容更具时代特征,体现出现代音乐的多元化和相互融合的特性,作为教育工作者也需要不断进行教学调整,进而为学习者的音乐发展道路打下坚实的基石,使其更加满足社会和时代对音乐人才的需求。

(一)掌握各唱法间的异同,深刻认识声乐教学本质规律。各个唱法之间具有统一性的本质规律,即对声乐技术的熟练灵活运用,以及对不同文化中蕴含的各种情绪、情感与内容的表达,声乐技巧的发展与创新也是由其唱法决定的,我国当前的声乐技巧通常概括为四个方面,即呼吸、共鸣、发声以及语言,这也是声乐教学中需要把握的根本点。教师需要结合声乐学习者的实际情况以及曲目风格,使得两者间产生一定的共鸣,进而让学习者进一步地对多元风格的歌曲进行试唱。这样的教学观可以充分调动学习者的主观能动性和积极性,让学生更容易深刻认识和掌握不同唱法,同时也会比纯粹追求唱法技巧更有意义,也更有助于让所有学习者收获知识。

(二)模糊“唱法”概念的提倡,促进不同唱法相融的声乐教学观。各种唱法之间的本质不同,追究其根源也只是因为不同的文化背景和环境使其存在不同的表现风格,进而也造成了不同的声音效果。而且在历史长河中,这些唱法进行了交流,使其相互借鉴和融合,因此也体现了不断发展的音乐文化。正如通俗唱法,因为它具有通俗易懂、大众化的特点,普通民众更容易接受,虽然其作品质量参差不齐,但是在不断发展中发挥艺术作用,不论是歌曲形式还是内容,都将当代人的思想情感展现得淋漓尽致。因此针对通俗歌曲的这些优点,声乐教学可以将其作为教学的起点,并“以点带面”,激发学生对声乐知识学习的兴趣和积极性,同时对美声及其它唱法技术进行深入学习,例如《青藏高原》不仅可以采取通俗唱法进行演唱,也可以采取美声唱法进行演唱,这又是另外一种韵味。声乐教学需要具备开放性的教学思维,为学生创设一个开放性的学习环境,使他们既能够掌握不同唱法之间的差异性,还能不断探索更多行之有效的学习方法。

三、结语

论声乐作品演唱与情感的完美融合 篇9

一、作品演唱之前必须仔细读谱并深入理解

要真正理解作品所包含最深层思想感情,必借助其歌词、旋律内涵来了解。要了解作品具体内容与思想情感细微变化,须深入到对歌词独到的理解和感受,因为歌词一般如诗歌般精炼。演唱之前,必须对作品进行深入研究,特别是词的出处,方可掌握其风格与真正内涵,才可以准确了解作品主人公内心思想情感和作者创作作品背景和真正意义。只有这样,演唱作品时方能更好“进入特定环境,进入角色”。此外,还要反复诵歌词,在朗读中感受和体味词的韵味与韵律、作品包含的情感氛围,才能将词和声音有机结合起来,根据作品感情表达需要,最终唱出该有的韵味。

另外,读谱在演唱作品之前重要性不可忽视,歌者拿到一首新作品,要先根据作品的作者、年代去了解作品风格,再看作品的拍子特点、旋律线特点、旋律标记,深入了解与掌握作品内涵。切不可直接去网络搜取范唱,直接模仿。这样根本不了解作品就去演唱,是对作品的亵渎与不尊重,做不到对作品正确演唱与诠释。

“呼啦啦啦,西湖的桥,从中折断,雨中定情的纸伞,丢向谁边……”只从作品的词中就可直观看出它是一首悲凉意味的情歌。这是歌曲《断桥遗梦》中的开篇歌词,演唱者也许并不知道其真正背景内涵,会误以为是写给神话传说中的许仙与白娘子的。其实,曲作者是为了表达对已逝爱妻的深切思念,满怀爱恋与不舍之情而写的。曲作者是一个纯艺术人,日常很少做家务,是妻子一直全权打理一切,妻子的突然离世给他以巨大心灵撞击。作品就是在这样这样背景下创作的,寄托了作者无尽的思念之情。所以,歌者对作品的词、背景感受愈加深邃,演唱时表现力就愈加完美。对作品的曲调创作了解越深,包括拍子特点、旋律线特点、旋律风格、旋律与歌词结合特点等深层进行咀嚼。尽量发挥演唱者想象力,把自己从文字与音符中获得的灵感信号,融入到作品演唱意境中去,就会最大限度增强作品的艺术生命力。

因此,在拿到一首新的作品时,不要急于唱谱,应将歌词反复朗诵,查找资料了解主人公所处的时代背景、环境和思想情感,做好案头工作才会对作品理解越深,感受越深,在演唱时表达就会越纯真,越完美。

二、准确把握作品风格,充分利用自己独特的音色表达歌曲的韵味

能否准确掌握作品风格,对于歌者的演唱效果是迥异的。通常歌者在演唱作品之前,要切实做到正确了解作品所处时代而去准确把握其风格,包括其民族与地区属性、作曲家性格特点及其生平,才会对其风格等进行细致分析和了解,这样才不会把各种风格的作品混淆在一起。每个演唱者的嗓音条件、身体条件、家庭教育背景所造成的性格特点、兴趣爱好不同,则演唱特点不尽相同,或深情婉约,或朴素深邃,或粗犷奔放,这与个人先天条件和其对作品独到领悟有关。每一首作品都有其特有的创作背景和作曲家所要表达的意图,其中倾注了曲作者自己的全部思想感情。演唱者要尽力用自己心灵去感受、揣摩,再借以歌唱技巧把作者意图准确而完整地表达出来。不能信马由缰跟着自己的感觉走,忽视了作品本身的情感元素,就会让作品失去原始魅力。

以作品《北京颂歌》为例,歌者在演唱前几句时,以一种叙说口吻来演唱,二十世纪七十年代初北京的早晨静谧而美好,一轮朝阳从地平线上缓缓升起,此时北京的秋天清晨似乎有些清凉,但在庄严的东方红乐曲声中,灿烂的朝霞掩映着祖国首都的壮丽,人们心中升起一团豪迈的激情,不得不去歌唱她。

所以,在了解了歌曲的文字内涵以及创作背景前提下,我们要用甜美的音色、柔和的声音、诉说般把对祖国首都的无限热爱从心底发出,切忌用强壮的声音,不加修饰地只顾声音宏大,暴躁而索然无味。要把当时人们那种单纯的,对祖国一腔热血投注于工作的情感与热爱诠释出来,也就是用声音与音乐表现把时代感表现出来,这样才会唱出自己独到韵味。

另一个重要方面,有很多演唱者一味地追求技巧而去演唱,有的为追求大的音量而演唱,丧失风格进而丢掉作品的风格,结果表现出的尽是呆板、木讷。要唱好一首歌,单凭一成不变的音色是远远不够的。所以,在学习声乐的过程中一定要非常清晰地知道属于自己的那个音色,印于脑海。要唱属于自己的声音与风格!不做别人的附属品。

再者,还要根据不同作品所需的情感来选择音色。声乐作品素材如浩瀚的海洋,有关于政治的,有描写爱情的,有诉说人文的等等,因此歌者在面对不同作品时,应该首先把握好作品风格。如进行曲风格要选用雄壮有力且适度的声音,圆舞曲风格的则是华丽、明亮、轻巧有弹性的声音,摇篮曲风格的则需要用柔和甜蜜充满爱的声音。要善于调动起自己最恰当的声音,从心出发,表现出歌曲内容所真正需要的听觉效果,还原作品原意。

所以,我们在学习与诠释声乐作品的过程中,既要注重声音的质量更不能忽视情感表现力,使科学的声音与准确的思想相结合,做到声情并茂。

三、努力拓宽知识面,有目的地提高自身文化素质和音乐修养

一个歌者文学修养的深浅,会对演唱作品内涵的理解和诠释产生直接影响。一个优秀的演唱者同时一定是一个音乐内涵的成功诠释者,他不仅要准确传递歌词内涵,还要从各个角度去演绎歌曲。歌唱是集多种学科为一体的综合表演艺术,最终是演唱者综合素质的体现,这也是艺术家与艺人的最终区别。歌者在学习演唱的同时,还要深层了解一些电影、戏剧、文学等方面的知识;广采文博,从历史的、美学的及其他相关学科中汲取营养,更好地为作品的表达与诠释做准备,使歌唱水平进一步提高。努力提高自身美学的认知水平,对于一个演唱者尤为重要,当你知道什么是美才会对你所表现的事物加以规范地表现。一个人美学的高低直接对其演唱形成制约,美学的认知培养除了先天的独到见解外,更多的是后天的不断补给。最后,在美学认知的引领下,舞台表现才会有质的飞跃。也就是说,歌者自身修养的提高一定是表现一切艺术作品的基础。

四、保持良好的舞台心态,提高演唱心理素质

良好的心理素质是演唱者舞台表演成功的关键之一,这一点是歌者需要在学习声乐专业的过程中与舞台实践的过程中有意识逐步培养的。对于一个演唱者,身心状态好,舞台演唱时才会有充沛的感情与合理而饱满的热情去演绎歌曲。良好的身心状态、正确的歌唱技术和健康的心理素质这三个部分决定了一个歌者演唱状态,也决定了他最终是否能够走向演唱的成功!不良的歌唱身体与心理状态会导致演唱者技巧的失衡,久而久之,歌唱信心就会被残酷折磨掉,这样的例子多如牛毛。因此不良的身体与心理状态对演唱者带来的负面影响是难以估量的。

若做到舞台演唱的成功,首先歌者在演唱前要做好充分的身体与心理准备,对即将演唱的作品要做到胸有成竹、了如指掌。要一丝不苟地做到对歌词、音准、节奏的熟练掌握,做到驾轻就熟。每一个字、每一个乐句、每一个记号、每一个课堂上标记的重点都铭记在心。在曲目的选择上,不能贪大、盲目地追求难度、高度。应当客观地选择能轻松驾驭的作品,最大限度地展现自己的优点和长处。其次建立起演唱信心。演唱信心是演唱者舞台放松的前提,信心不足会使演唱者不自觉地紧张、胆怯,最终不能发挥出应有的水平,影响到演唱效果。而演唱的信心又同时来自台下的大信息量的提早准备,要有备而来,所谓艺高人胆大。

即便在舞台上,演唱者也是可以做临时自我调整的,比如深呼吸、平静心情、用心想作品内容,用一颗平常心去演唱,不要给自己过高的目标要求等。在平时练习时也要始终保持心情的愉悦,对作品的真正喜欢也尤为重要,使自己达到忘我的境界。丢掉那些来自思想上与声音上的包袱,以饱满的激情,放松自如的状态投入到歌唱中。演唱实践是检验和锻炼歌唱者的最好途径,平时要多实践,创造与把握各种演出机会求得锻炼自己,那么紧张感就会慢慢消除。最后,歌者要锻炼身体,有一个强健的体魄才会有饱满的积极向上的精神状态,随之自信心也就会增强。反之,当演唱者身体状态不佳时,柔弱多病,抑郁寡欢,自信心也会打折扣,必然会影响正常发挥。

五、结语

总之,歌唱是全身心参与的一门综合表演艺术,它要求我们做到身体与灵魂的有机结合。声与情,是歌唱表演中密不可分的血肉相连的部分,它们既辩证又统一,是相辅相成的。在学习歌唱的道路上,我们要投注太多的甚至是毕生的精力去探索。它要求我们每一位演唱者协调好自身,使歌唱技术和心灵情感完美地结合,真正使歌唱达到“感情为师,技术为源头,情深技活,声情并茂,动人心弦”的艺术境界,让作品充满生命力,达到情感与作品的完美融合。

参考文献

[1]赵淑云.歌唱艺术与实践[M].浙江大学出版社,2001.

[2]邹长海.声乐艺术心理学[M].人民音乐出版社,2000.

[3]范晓峰.声乐美学导论[M].上海出版社,2004.

声乐融合 篇10

一、美声、民族。通俗唱法融合的作用

人们的审美随着时代的变化也在不断的进行革新,以往单一的演唱歌曲的模式已经满足不了人们对于音乐欣赏的多样化需求,因此为了改变这一现状,让我国的音乐事业能够更好的发展,就需要进行创新。声乐艺术在能够保证正确的发音技巧的基础上,可以将这三种唱法进行有效的融合,提取三者之中的优势,在融合的时候要体现出每种唱法的特色,形成适应时代发展以及人们需求的演唱风格。

二、美声、民族、通俗唱法融合的方式

1、美声唱法与通俗唱法的融合

对唱歌有所了解以及会唱歌的人,都会知道唱歌的方法,需要用丹田来发力,用气来演唱歌曲,分析美声以及通俗两种唱法可以发现他们有一些相同的特点,美声唱法是通俗唱法的基础,通过在美声唱法的基础上进行发展,形成通俗唱法,更具有大众化的特点。二者有共同的特点,美声中的很多东西在通俗唱法中都能够得到体现,比如在呼吸方式上,演唱者在使用通俗唱法演唱歌曲的时候,普遍会使用气声,这就是在美声基础上发展而来的,需要有充足的气息,这样才能更好的表达歌曲,体现出音质以及张力。很多演唱家和歌手将这两种唱法进行融合演唱歌曲,比如安德烈波切利、平安等人,他们在这方面的融合做的比较出色,演唱的风格以及对歌曲良好的表现力,让人们非常喜欢[1]。在演唱一首歌曲的时候,如果使用美声和通俗唱法进行演唱,能够将二者进行完美的融合,就可以让歌曲表现的更加丰满。比较具有代表性,深受人们喜欢的歌曲,比如《我和你》,这是在2008年北京奥运会开幕上由刘欢和莎拉布莱曼一起合作演唱的一首歌曲,二者也分别是通俗歌唱家以及美声歌唱家,这一合作使得歌曲非常成功。

2、美声唱法与民族唱法的融合

美声和民族这两种唱法的融合会带来不一样的感受,融合之后的演唱效果相对传统的用民族唱法来演绎歌曲,更加具有新鲜、巧妙的感觉,具有很多差异。经过有效的融合后,其所表现出来的是音域会变得更加的宽广,音色则会变得更加圆润[2]。学生在学习这两种唱法的融合时,要想实现完美的融合,就需要注重多学习国外的美声唱法,能够清楚的了解国外优秀的演唱方法的融合方法,经过反复的练习,理论结合实践,不断的提高自己的演唱水平,促进我国声乐艺术更好的发展。

3、民族唱法与通俗唱法的融合

对于这两种唱法的融合还是比较常见的,很多歌手也都很熟悉,我国对于民族和通俗唱法的融合的研究也有不错的成果,也有很多深受欢迎的作品,比如谭晶的《天空》,祖海的《在那东山顶上》,这些歌曲的演唱中都有效的将民族与通俗唱法进行了融合,主要以民族唱法为基础,加入了一些通俗唱法的元素,这种全新的演唱方式给人们耳目一新的感觉[3]。还有周杰伦和宋祖英成合作演唱一首《山歌好比春江水》、《千里之外》等,在演唱歌曲的时候将两种唱法实现了完美的融合,让人们耳目一新,歌曲效果很成功。

4、学生要了解每种唱法间的差异,把握其中的本质规律

美声和通俗唱法讲究的是对气息的运用,因此学生首先需要对每种唱法有深入的了解,明白他们各自的特点,能够从中把握住本质的规律,学生后只有掌握了不同的唱法,在此基础上,才能进行不同唱法融合的练习[4]。在声乐学习中,呼吸、发声、共鸣以及语言练习都是歌曲演唱中非常基础、重要的内容,因此学生在学习的时候也要做到有重点的学习,对进行练习,最终能够掌握这些声乐技巧。随着社会经济的发展,对于演唱者的需求也越来越多,学生在毕业后,在工作中,对学生的要求也更高,需要学生能够用不同的唱法去演绎歌曲,这就需要学生能够对这三种唱法都有所了解,都能够进行演唱,社会环境对学生提出了更高的要求,学习美声唱法的学生,对于另外两种唱法也会有所了解和掌握;学习民族声乐的大学生,在学好这一唱法的专业基础上,能够懂得一些美声和通俗唱法;学习通俗唱法的大学生也要了解和掌握一些另外两种唱法,社会更希望有三种演唱方法都会的演唱人才。因此学生要对这三种唱法多进行学习、了解和掌握,在学好所选演唱方法的相关专业知识外,也要多进行拓展,能够掌握其它唱法的基本要点,能够灵活的使用不同的唱法进行歌曲的演唱,让自己一技多能,在就业竞争日益激烈的环境下,能够不断提高自己的竞争力,提高音乐素养,更好的实现就业。

三、结束语

时代的发展,让音乐出现多元化的发展趋势,人们的审美也在不断地进行变化,将美声、民族、通俗三种唱法进行融合演唱歌曲,是在美声和民族唱法融合的基础上发展而来的,这是一种创新,也具有较大的困难。学生要在教师的帮助下,了解这三种唱法的区别和特点,从中把握组本质规律,学生要掌握三种唱法的演唱规律、演唱方法,以及对不同唱法进行融合的融合方法,实现有效的融合,可以让歌曲的表现更加新颖,更富有感染力,歌曲演唱效果更好,让这三种演唱方法能够更好的发展,实现音乐的多样化以及开放化发展。

摘要：自改革开放之后,经济文化的快速发展,歌曲是人们最喜欢的一门艺术,经过发展,形成了美声、民族以及通俗等多种唱法,每个唱法之间都有很大的不同,但是时代变化,文化的多元化发展,让这三种唱法出现了融合的趋势。本文分析了声乐教学中美声、民族、通俗唱法的融合,希望可以促进我国音乐教育以及声乐教育的发展。

关键词：声乐教学,美声,民族,通俗唱法,融合研究

参考文献

[1]刘雅旭.论吉乐教学中美吉、民族、通俗唱法的融合[J].长沙大学学报.2011

[2]赵敏.由碰撞到融合—三种唱法的发展之路[J].合肥学院学报(社会科学版).2014

[3]刘雅旭.论声乐教学中美声、民族、通俗唱法的融合[J].长沙大学学报.2011