童话电影艺术的

童话电影艺术的（精选12篇）

童话电影艺术的 篇1

表演, 是一门繁盛而历史悠久的艺术门类, 是社会发展和人类智慧的产物。电影, 这一可以说是艺术史上最“年轻”的、仅有一百多年历史的艺术门类, 也在其初生的一百年内就显现出蓬勃发展的趋势。准确地说, 从梅里埃的《月球旅行记》开始, 电影和表演这一古老的艺术门类就在彼此的依靠和相互的影响中流淌出了新的血液。

电影史上在技术层面有几次重大的技术革新, 从无声片到有声片、从黑白片到彩色片、从固定笨重的摄影机到轻巧便携的摄影机, 这些转变对电影表演艺术形态的改变产生了重要的影响。从20世纪90年代开始, 随着电子计算机时代的到来, 高科技以眼花缭乱的技术特效, 使人们天马行空的想象得以实现, 电影囿于现实技术的桎梏一步步被打破。童话题材的电影也走出动画片的类型限制, 能够由真人出演, 以实拍场景结合二维三维特效的方式来呈现。但这也带来了问题, 那就是真人表演与技术之间的碰撞与博弈。反观近几年出现在电影市场上的真人童话电影, 无论在艺术成就还是在观众欢迎度上都呈现出良好发展的势头。可见演员的表演在此类电影中的美学特征是值得一探的。本文结合《沉睡魔咒》《灰姑娘》《爱丽丝梦游仙境2》这三部真人童话电影来看演员是如何在现实与虚拟之间游走的。

1 打破传统的人物形象设计为观众带来全新的审美体验

因为电影的母体是童话, 为了符合观众在观看影片时脱离现实、追求奇幻的心理预设, 为观众营造一个充满梦幻的动画世界, 真人童话电影中对人物角色的形象设计往往会打破传统电影中的人物造型, 追求新奇夸张的造型方式。例如, 电影《爱丽丝梦游仙境2》就展现了导演蒂姆伯顿独特的美学设计风格。在传统的好莱坞电影中, 人物形象设计一般会按照人物性格优劣来设定, 好人一般面容俊秀, 而坏人一般面目可憎, 而这部影片却舍弃了这种传统风格设定。由约翰尼德普饰演的疯帽子, 身着哥特时代的服饰, 面色苍白, 操一口奇怪的口音, 造型夸张程度比德普以往的出镜有过之而无不及。而片中爱丽丝、白皇后和红心皇后等人也都有着一张过于苍白的脸, 一般在西方电影中只有吸血鬼的脸是白的, 导演蒂姆伯顿这样的设定带有浓郁的哥特式风格, 通过脸色的奇特来暗示并加强这些人物与周围人物完全不同的性格。另外, 导演对主要人物的体形也做了别出心裁的改动, 如在疯帽子本来就瘦高的身材上再加上一顶高顶礼帽, 使人物的身形显得出奇的修长, 透露出一种哥特式的怪异隐秘。对于臭名昭著的红皇后, 后期使用了电脑特技对她的身材进行变形处理, 使其头部增大, 对比矮小的身躯显得尤为怪异和不协调, 配合其角色残忍跋扈的性格特征, 达到讽刺和荒诞的效果。这些颠覆传统的人物设计, 使这部电影带有了独特的审美特征, 也能配合演员的表演达到更加突出和鲜明的审美效果。

2 虚拟的环境与角色要求演员更加自然的表现和细腻的演绎

“电影与戏剧最大的不同在于电影表现时空的真实性和自由性。电影以这种无所不能的表现空间的潜能, 使电影从业者极力挖掘想象空间, 最大限度地在电影中展示无限纷繁的时空世界。”[1在真人童话电影中, 为了展现神奇梦幻的场景, 大部分环境和物件都需要用到电脑特效, 而演员表演的时候是没有这些神奇的画面的, 因此在童话电影中演员们需要面对一个挑战, 那就是在空无一物的情况下, 调动自己的想象力, 凭空想象出电影中虚拟的环境和角色, 在镜头前完成自然生动的表演。例如, 在《沉睡魔咒》中公主爱洛进入摩尔王国后与神奇生物们嬉戏的情景;国王在宫殿里与三个小仙女对话的情景;《爱丽丝漫游奇境2》中爱丽丝和时间之神驾驶着时间飞船穿越时空的追逐……这些都需要演员用自己的想象力调整自己的情绪和状态, 以达到逼真的演出效果。

另外, 真人童话电影往往很考验演员的细节演绎。电影表演与戏剧表演不同, 电影表演中不需要演员像在舞台上一样运用夸张的肢体表演来向观众传递信息, 摄像机的特写和近景画面可以将演员的面部表演清晰地传递给观众, 一次皱眉、一个眼神都能达到表意的效果。在景别运用和镜头运动的作用下, 演员流露出的细微情绪变化会得到强化, 恰当的细节表演能够为镜头、场景乃至影片增色。同样, 表演中的任何一处扭捏与不自然也都会被一览无余。这就需要演员对情绪和面部表情的极高的控制力。在《爱丽丝梦游仙境2》中, 当爱丽丝拒绝了疯帽子救回家人的请求之后, 疯帽子内心巨大的心理落差, 不是通过肢体动作或者大声喊叫表现出来的, 而是通过眼神, 他的眼睛瞬间由充满希冀变为黯淡无光, 继而转为冷漠和绝望, 观众可以感受到疯帽子这一刻几近崩溃的心情。安吉丽娜朱莉在《沉睡魔咒》中的表演同样可圈可点, 在影片中大量的各个角度的面部特写中, 她的面部表情行云流水, 感情流露恰到好处。当她醒来发现自己被爱人欺骗失去翅膀时的愤怒和悲痛, 当她发现自己爱上艾洛公主时对自己施加咒语的悔恨和自责, 等, 这些内心情感都从她细微的表情、眼神中自然地流淌出来。

3 童话的母体要求演员区分表演情景并适时地营造出梦幻缤纷的舞台剧效果

虽然演员在电影中的表演模式不同于舞台表演模式, 不需要夸张的语言和肢体动作来传递情绪和信息, 但是童话电影的母本依然是童话, 影片中需要一些特定的情景来营造童话故事的梦幻感, 因此演员需要适时地分辨使用电影表演模式和剧场表演模式的情景。“演员需要运用强烈的肢体语言来塑造角色, 观众会感觉表演的夸张具有喜剧的效果。”[2]略带夸张的表演在合适的叙事情境中能够给观众以奇异梦幻的观影感受。《灰姑娘》中表现灰姑娘童年时期无忧无虑的场景, 灰姑娘来到园子里, 一边跑着跟各种小动物打招呼, 一边跟自己的妈妈对话, 然后拉起刚刚走到园子里的爸爸的手跳舞, 一家人其乐融融, 幸福安详, 这里小姑娘在跑跳的时候运用幅度较大的肢体动作来表现内心的欢快, 绕场一周的走位和父女二人的歌舞动作营造出剧场式的欢乐氛围。另外, 国王下令邀请全国少女参加舞会时, 两位骑着马身着维多利亚时代服饰的官员在市场上宣读命令, 所有的市民围拢来, 扮演官员的演员用十分夸张的洪亮嗓音宣读命令, 围观的人群欢呼雀跃。这里也同样使用了剧场式的肢体语言形态, 完全符合舞台剧演出的特点, 可以原样搬到舞台上去表演。这样的情景模式引起了观众对未来即将发生的事情的喜悦和好奇, 使观众翘首以盼灰姑娘即将改变的命运。

“就本质而言, 任何电影都是综合性与技术性、逼真性与假定性的统一。”[3]表演是个人化的、感性的行为, 演员需要用自己的认真和激情去思考每一段表演, 如果只是符号化、模式化的墨守成规的表演吸引不了观众, 也会限制表演艺术的发展。演员要顺着自己独特的演艺道路去探索。

摘要：近年来, 在世界科技发展大潮的推动下, 许多真人童话电影作品出现在电影市场上。这些真人童话电影以童话为母本, 结合二维三维动画, 由真人参与演出, 可以说这既是技术进步的产物, 也是真人表演与技术的一场博弈。那么真人表演在童话电影创造出的现实与虚拟之中表现出了怎样的美学特征呢?本文以2015年上映的三部真人童话电影《沉睡魔咒》《灰姑娘》《爱丽丝梦游仙境2》为例进行简单分析。

关键词：真人表演,童话电影,美学特征

参考文献

[1]冯果.数字技术产业中的电影表演.北京电影学院学报, 2004 (2) .

[2]朱芳芳.真人版童话电影的表演艺术.品牌, 2014 (4) .

[3]李崴.当幻想成就现实——论真人与动画结合电影的魅力.电影评介, 2011 (6) .

童话电影艺术的 篇2

Only Yesterday

The other day, I watch a movie named Only Yesterday.It is cartoon which was made by Hayao Miyazaki, the most famous cartoon director in Japan.The movie tells a worm and sweet story about a 27 years old girl named Miaozi.Miaozi is a ordinary girl with a kind and innocent heart.She loves nature very much, so she asked for 10 days off from her company and went to a village for vacation.While living in the village, she gradually understood her true self and the true meaning of life.At last, she found her real love in the village and determined to stay there.The movie is exquisite and moving, full of warmth.The most attractive scenes in the movie are the memories she reminded of about when she was in fifth grade.She reminded many first times, like first eating pineapple, first taking a hot spring bath, first being slapped by father, first being liked by a boy, and so on.With time going, Miaozi’s memory shows us a innocent and warm childhood.I can find myself in her childhood.We have similar feelings about ourselves.This is the point moving me most in the movie.In short, I get a lot inspiration from the movie.It is really worth watching.

童话电影艺术的 篇3

人人都是投资人 李菲，曾经的武术世界冠军，经过商、做过演员，这一次变身出品人投资电影《大唐玄机图》，还带来了全新的电影投资模式，把电影的投资拆分成股份，每个人都能入股，人人都是投资人。张之亮：2000年的时候我们就认识了，那时候你还是一个武术世界冠军。后来你尝试过很多新的角色，都很成功，这一次又选择投资电影，我一直很好奇，你为什么会选择电影？ 李菲：因为电影梦啊，这是我一直没有泯灭过的梦想。我从来没有因为下海做过别的行业就丢失了这个梦想。之前的经历都是我的沉淀和积累，让我默默积蓄更多的能量。 张之亮：怎么样？有信心吗？我觉得你还是很有女性冒险家精神的。 李菲：我这些年虽然没有再走到台前，可是我一直在观察和准备当中。这次我要在投资模式上做一个创新，这种创新的商业模式也是一次电影业内的变革，甚至可以颠覆电影的传统制作方式。简单说就是把电影变成一个金融产品。 张之亮：听上去很有趣，你说通俗一点嘛。 李菲：比如电影投资一个亿，我们自己出3千万，大约30%。其余的70%通过一个交易所的平台进行定向募集，7千万分成7千股，1万块钱1股，任何一个人都可以成为交易所的会员来参与电影投资。就像买股票一样，你不用去经营管理，助推就好了，电影要是赚了钱，拿它的80%面向所有投资人分红。这样，电影发烧友不但能看电影，还能有机会让这个电影为自己赚钱。不看电影的人也像买股票，买黄金一样，多了一种投资机会。也许，它还会比其他的金融产品利润点更高，成为一个新的理财的产品。 张之亮：这真是一件好事。因为一些电影是比较难融到资的，有的电影很难遇到一个有眼光的独立投资者，但是市场上可能有很多人对这类不同的电影有兴趣，透过这种新的模式，可以实实在在推动更多好电影的发展。用金融的手段来为电影铺路，这条路要是成功的话，我相信对很多电影都有好处。 李菲：其实以前也有人探索过这个方向，我也是在尝试，希望努力做成。这种创新的实践如果成功，会帮助很多台前幕后的业内人士，新演员、新导演，他们会有更多展示的机会。当然，投资，这只是一个环节，我们还需要不断完善产品生产线，生产新的产品，有人负责给钱，有人负责做产品，有人负责营销，有人负责后勤。 我始终觉得如果影视文化产业没有真正让资本市场介入，发展的空间相当有限，也会面临更大的瓶颈制约，从艺术家到市场，也会碰到更多的资金压力。你当导演这么多年，有没有曾经为资金问题揪心过？ 张之亮：其实这过往二十多年，每一部电影都要为资金揪心，每一次都是。每一部电影都要面对和承担发行的压力，发行的成功在于有没有找到好的发行人和好的时机。《笼民》的时候，曾经因为突然之间资金没到位而停止；《仙乐飘飘》时，我是股东之一，还需要去见不同的投资者，一定要把资金落实才能够开始；《墨攻》做了十年，《马头琴》准备了好几年，现在还在弄，我们都经常要面对资金短缺的问题。看来这次我不用再为钱发愁了。 电影是一个梦，要是有资本的话，当然要尽量把这个梦做得更精彩。多一点资本，的确可以让我们把梦做得更华丽，但资本小这个梦不见得就小了，不是所有的戏都是大片。资本的介入在某些程度上也会对艺术有限制、摩擦和冲突。李菲：我们也试图去将资本和艺术做一个互补与协作，我认为任何一个优秀的产品或者一个成功的商业案例，前提都是大家的核心价值观高度一致，只是我们在实现这个核心价值观的过程中扮演着不同角色。作为资本环节首当其冲我是第一责任人，我想我是作为一个服务者，一个支持者，顶多就是一个参与者，我一定不会是个主推者和决策者，一定要让专业的人来做专业的事。 好故事排第一 在香港电影界有个“文张武徐”的说法，“武徐”是指徐克的武侠电影开创了一代江湖；而“文张”就是张之亮带有人文关怀和社会现实的文艺片。而这次担任《大唐玄机图》的导演，张之亮依旧坚持好故事是根本。李菲：这次《大唐玄机图》开始考虑导演人选的时候，有很多位业内资深人士推荐你，其实我们很早就认识了，当时你对电影是抱着“十年一梦”的愿望，现在还是这种心情吗？ 张之亮：我在1985年拍了第一部电影，当时就想拍一部关于在大时代下小人物的电影，可是当时我觉得作为导演我缺乏应有的博学和驾驭影片的能力。到1995年我具备了拍大制作的能力，可是香港的电影环境又开始走了下坡路。后来我看到张国荣和梅艳芳相继离开，感到人的脆弱，所以决定要做尽早做一些自己想做的事情。 李菲：这次我们邀请你来做导演，一开始你没答应，你肯定是觉得我们之前准备的剧本基础还不扎实，好在后来我不断地拿我们改进的新剧本骚扰你。 张之亮：为了我参与这个戏，你花了差不多一年的时间在等我，觉得这种是很有决心的做法，既然这样，我也愿尝试一起来做这个电影。这是一个古装片、动作片、但在我看来，无论什么片都必须是一个好的故事。 李菲：我太认同这一点了，我锁定你当导演就是因为你是一个特别会讲故事的人。这个故事是定制化的剧本，清晰定位为古装动作悬疑片，有层层的推理，有故事的发生和延伸，有正反两派，有黑白分明，包含着主人公的爱恨情愁，这些都是避免不了的元素。 张之亮：我们看到很多动作片只是为了打而打，没有一个有说服力的动机，我希望一部戏能够配合到感情，有需要。哪怕是商业片，也能够留一些东西下来。 李菲：请你来之前我重新看了《墨攻》，印象非常深刻。之前就看过你的片子，觉得你特别细腻，很有人文情怀。到了现在这个阶段，武侠热已经过了一波又一波，你觉得当下拍古装动作片应该突出表达的是什么？ 张之亮：古装动作片也分很多不同的种类，是动作喜剧片，还是动作悬疑片，它们的手法都彼此不同。每一部电影本身，它要提出一个什么观点，是爱情，真理，和平，还是友谊，黑与白，都不一样，月光之下没什么特别新鲜的东西，我们只是重复，但每一次的重复观点都应该不一样。 李菲：特别是拍古装片，不能做完全的颠覆，每个人都对历史有了解，我们不能改变史实，不可以杜撰更多的人物，只需要考虑怎样赋予他一些新的元素，有一些微创新，使故事性更跳跃，想象空间更大。人物塑造可以更有立体感，有更多的爱恨情愁，但要在尊重历史的基础上，在重复的过程中尝试创新。如同我们做一个创新模式，不能摒弃电影本身所应该具备的元素。 巩俐版武则天 除了融资方式和会讲故事的导演，《大唐玄机图》当仁不让的主角还是武则天。而这一次，塑造武则天的人变成了巩俐。对于巩俐而言，能够在银幕上过把女王瘾，也算是实现了自己入行20多年来的“女王梦”。张之亮：你对唐朝的这段历史特别感兴趣吗？为什么非要确定这样一个背景。 李菲：我不是必须要拍唐朝片，而是因为我想做一部古装大片。我为这个项目定位做了很多市场调研，得出的结论是如果做古装片，只有不多的时代背景吻合做大片的契机。如果选那些大众都不喜欢或不是特别熟悉的时代，电影很难吸引受众的兴趣。在国际上也是，外国人只对中国最核心的两三个朝代感兴趣，一个是唐朝，一个是清朝，还有一个是秦朝。我希望这部片子不仅在国内卖得好，未来还能走向国际，向世界传递中国元素，考虑到老外对中国的认知，我们才锁定了唐朝的故事。 张之亮：我对唐朝的认识就是在决定接拍这个电影之后，才用心去了解。我发现唐朝是一个非常开放的年代，它的开放是我们所想象不了的，而且它有很多很特别的、很精彩的东西。我看的资料越多就越喜欢，在我加入这个团队之后，就希望把一些观众没看过的东西放进去，不光是色彩亮丽，也要充满了传奇和民间的味道。 这个故事的背景是武则天登基之前，一些传闻让她心里很不踏实，于是她开始追查，有一条类似福尔摩斯查案的主线。除了武则天，李家的王爷们，还有她的左右手上官婉儿和谢环瑶，这些人物是故事的主要基础。 李菲：几乎所有讲述关于唐朝的故事，都离不开武则天这个最重要的人物。 张之亮：历史上对武则天的描述太多了，我试图用一个不太定性的方式来表达她。她是一个历史人物，我觉得历史中有太多模糊的地方，不应该由我这个导演来定论她是正还是反，我只给她一个爱的立场和政治立场，让她两难，最终让观众判断她的作法是对还是错。 李菲：我曾经去过乾陵，武则天的墓，无字碑给我了很大的冲击力，这样一个女性她曾经做过那么多轰轰烈烈的事情，却在百年以后没有给自己立碑。她长着一副女儿相，但是有一颗男儿的心，我觉得她是比较豁达的一个人，不会担心后人怎么评价她，我们怎么评价不影响她对自己的评价，不影响她对自己价值的肯定，她才会立一个无字碑，将功过留给后人传说。她还是一个内心非常强大的女人，她相信自己做过那么多事情，历史不会抹掉这一笔，因此她不需要告诉别人她有多么大的丰功伟绩，或者有多么非同一般。 张之亮：我觉得她是很矛盾的个体，有些时候是母亲，有些时候她是暴君，有些时候她有很仁义的一面，可是有些时候又有冷酷和残暴的一面。 李菲：她自己也是一个需要别人疼爱的人，可是她总想保护所有人，想驾驭所有人，她的经历造就了她人性中的多面。用现在的话来说她是一个多重人格的立体人。也许她在留下这一段历史的过程中，有人影响过她的价值观，不排除她因为某一个事件而改变了自己的抉择。 张之亮：所以，这一次，由谁来演武则天？ 李菲：巩俐，我们选择了巩俐。巩俐出演武则天，作为国际巨星的强大气场与女皇的身份不谋而合，巩俐的加入加重了电影的品质砝码，相信很多人都会期待。对于与巩俐合作的其他演员阵容…… 张之亮：哈哈，还是继续保密吧……

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张之亮 香港著名电影导演。无线电视台艺员训练班毕业，从配角、到助理监制、制片一路做到导演。首部导演的电影是《中国最后一个太监》，之后创立梦工场任监制及导演，并以独特的文艺片风格独树一帜。代表作有《仙乐飘飘》《自梳》《流星语》《慌心假期》《墨攻》等影片。

李菲 澳门体育史上第一个武术世界冠军，第一个亚运会亚军，澳门政府功勋运动员。1996年澳门小姐亚军兼最上镜小姐获得者，2001年获世界武术联盟颁发终生成就奖、杰出运动员金牌奖。结束运动生涯后，先后涉足影视、商业等领域，并取得了出色的成绩。此次以投资人的身份筹拍电影《大唐玄机图》，并将全新的金融融资方式引入电影投资。

画 外

百变女皇 作为中国历史上唯一的女皇帝，武则天向来都是影视作品中的“最佳女主角”。而在此次巩俐在《大唐玄机图》中出演武则天之前，由不同的女星塑造出的不同的女皇也是各有风情。最轰动—潘迎紫 1985年，潘迎紫主演的《一代女皇武则天》问世，在台湾首播之时造成了巨大轰动，60%以上的超高收视率创下台湾电视史最高的收视纪录，至今无人能破。时年40岁的的潘迎紫在《一代女皇武则天》中，先把幼年的武媚娘演得天真烂漫，后又把当上女皇的武则天演得仪态十足，不怒而威，前后判若两人，堪称经典。最娇媚—冯宝宝 “谁濒临绝境，心中会不吃惊？谁临困苦里，身边会不冷清？”很多观众一听此歌就会想起冯宝宝所主演的《武则天》，作为台湾红极一时的童星，冯宝宝出演《武则天》时已经三十出头，可是她演的少年武媚娘，娇媚可人，秋波流转，把小女的娇态表现得丝丝入扣。冯宝宝还是最会跳宫廷舞的女星，挑她演武则天，导演除了看中她的外形和所具有的古典气质外，最看重的就是她跳宫廷舞的特长。最传神—刘晓庆 在电视剧《武则天》和《武则天秘史》中，刘晓庆曾先后两次出演武则天。通观刘晓庆的个人经历，骨子里倒是真有武则天的风骨。而从表演本身而言，不算美艳，称得上本色，特别是骨子里透着的狠劲，不认输，跌倒了站起来的韧劲，相当传神。而两次武则天的表演，一次侧重于后宫生活，另一次则侧重于政治生活，无论后宫还是前台，她都把一个处在政治风云中怎么玩弄权谋，越挫越勇，永不言败的女人表现得淋漓尽致。最人性—归亚蕾 在很多历史描述中，武则天被视为一个暴君和强硬的女人，而归亚蕾则一直以演绎温良女性而著称，让她来演武则天，开始颇有些令人生疑，她自己接到这个角色时也感到压力很大。而《大明宫词》一经播出就引起了观众的强烈反响，归亚蕾在赋于武则天母性温柔的同时，也让女皇多了几分柔中带刚的展示。塑造了一个有血有肉，内心十分复杂的“母仪天下”的武则天。

多彩童话放飞孩子的艺术梦想 篇4

一、故事表演的作用分析

在教育教学中,故事表演往往是幼儿最喜闻乐见的,也是最能让幼儿掌握表演技能的一种形式。故事表演到底对幼儿有何促进作用呢?善于发现和掌握幼儿的兴趣点,增强其自信心。

故事表演具有生动、形象、直观、有趣、寓教于乐的特点,能极大地满足幼儿的好奇心,深受孩子喜爱。我班幼儿就很喜欢故事表演,更喜爱模仿故事中的人物对话,但他们在大胆表现方面能力稍弱,会不好意思在众人面前表现。为了更有目的地进行指导,我在幼儿大胆表现能力方面进行了初测,结果发现,敢于表现的占21%,有表现愿望但又有些胆怯的占67%,不敢表现的占12%。根据调查结果,我觉得幼儿的个体差异比较明显。

如轩轩是一个很特别的孩子,性格较内向,不敢大胆表现,有时还爱发一些小脾气。在开展《拔萝卜》表演的过程中,轩轩对老爷爷这个角色十分喜爱,并积极制作了相关的道具,有想表演的欲望。但是当真正开始表演的时候,他却不肯演了。不管我怎样鼓励,他就是站在原地不动,最后甚至出现哭闹的现象。在和家长沟通的过程中,我了解到他很喜欢表演老爷爷,但怕表演不好,心理有负担。“怎样让他放下包袱,敢于实现自己的愿望呢?”在第二次《拔萝卜》表演活动中,在角色上,我添加了“萝卜地”里的小萝卜等角色,让许多孩子在一起表演,在动作上和台词上都没有过多的限制,幼儿可以自愿模仿其他角色的动作或对话,也可以站在台上什么也不做。轩轩自然地被邀请了,和许多小朋友一起扮演小萝卜。因为人很多,又没有过多的要求,所以他感到很安全,很乐意地加入了。在“老爷爷”上场表演的时候,我发现他很关注“老爷爷”的表演动作,而且跟着学生一起学说做了起来。虽然是在模仿,但有模有样,更重要的是我看到了他脸上的笑容。当活动完后,我走到他的身边,轻轻地对他说:“刚才你表演得很棒。”听了我的话,他走到小朋友身边,一直说:“老师说我表演得很好。”他的脸上眼里满是成功的喜悦。

通过这次指导,我发现轩轩比以前活跃了许多,能主动和老师说话了,并愿意接受老师的建议了。在接下来的表演活动中,虽然他还欠缺上台表演的勇气,但是在自己的座位旁,在小朋友中间他不再胆怯了,能看到他快乐地进行自我展现。

二、提高幼儿故事表演能力的策略

(一)在活动中学习语言。

集体教学时间是幼儿习得各种技能技巧的重要时间,教师要充分重视这样的时机,提高活动效率,多给幼儿表现、表演的机会。而语言教学中的故事表演是提高幼儿表演才能的有效途径,故事表演是指幼儿通过扮演某一文学作品中的角色,运用一定的表演技能(语言、动作、手势、表情),再现该文学作品的内容(或某一片断)的一种游戏形式。它以幼儿在表演角色的活动中获得满足、追求表演的快乐为目的。所以我们不必过于追求表演效果,但这并不是说就不需要老师的指导,我们要帮助幼儿学习运用语言动作及表情开展表演。

(二)语言、语调、动作、表情等技能的学习。

如《三只小猪》有一情节是这样的:妈妈告诉猪宝宝必须自己去盖房子,三只小猪在树林里走着,小花猪说:我要用砖头盖间又结实又牢固的房子。孩子在表演这一情节时,一半的孩子都会直接说台词,很少有盖房子的动作,然后就很快直接表演房子盖好以后的情节对话,少数孩子会做砌砖等单一动作表现;只有个别的孩子会在做动作的同时做出劳累擦汗等动作。另一情节:小猪们与大灰狼对话时,孩子大部分只有对话或动作,缺乏动作、语言、表情的表现。

孩子的语言、移情能力等限制他们的角色扮演能力,表演以一般性表现为主,以动作为主要表现手段,对于故事情节是简单的再现,缺乏创新意识。对于孩子表演经验不足、表演动作单调缺乏想象空间,我觉得可以用参与游戏的互动方式动作示范,引导孩子互相学习。

(三)“互动式介入指导为主,隐性式介入为辅”的指导策略。

在表演过程中,我认为使用“互动式介入指导为主,隐性式介入为辅”的指导策略是适宜的,它让我们学会观察孩子的表情、言行,判断他们是处于积极主动的活动状态还是无所事事的消极状态,判断空间材料是否适合孩子活动发展水平不断变化的需要。针对性地在游戏中有重点地个别观察,注意个别孩子的需要,适时适度地提供帮助。虽然孩子依赖成人参与,但并非教师应一味地示范带领。当发现孩子表演偏离主题表演活动进行困难时,教师可通过扮演剧中的某一角色参与到孩子的表演活动中去,利用扮演的角色和孩子进行互动,从而自然地引导孩子开展活动。

通过与幼儿一起从小班成长到大班的这三年的探索和实践,我深深体会到,故事表演不仅提高了幼儿对文学作品的理解能力和兴趣,发展了他们的想象能力和创造能力,更重要的是促进了幼儿语言能力及幼儿合作能力的积极发展,为幼儿进一步学习和把握文学作品、提高合作能力打下了基础。

摘要：孩子们通过模拟角色行为,使用角色语言,不仅能促进言语交流,使心理需要得到满足,而且能学习一些优美的语言,明白一些生活中的道理。然而在现实教育教学生活中,一部分幼儿因为缺乏表演技能而被同伴排斥的现象时有发生,这引起思索:如何才能更好地帮助幼儿提高表演才能?作者围绕这一问题进行了积极的探索与实践。

《格林童话》的艺术魅力 篇5

《格林童话》这部著名的儿童文学名著,到底蕴含着多少神奇的内容，作者采用哪些奇特的艺术手法，其独特的魅力何以吸引如此众多的读者,赢得了世界儿童的喜爱。

一、《格林童话》简介

当今世界上,可以说有孩子的地方就有《格林童话》,它是德语文学的一大瑰宝,在世界童话之林中与丹麦的安徒生童话一起形同双璧,占据着至高无上的地位。其中的《灰姑娘》、《小红帽》、《睡美人》、《白雪公主》往往还是年轻的爸爸妈妈,幼儿园或学校老师给孩子讲述的第一个故事。它自19世纪初诞生以来,已被译成世界上140多种文字,它的影响超越了它的国界,也超过了它的时代,它流传得这么久远,可见它的魅力有多大。

《格林童话》是欧洲地区搜集得最系统,出版的最早的一部民间童话集,产生于19世纪的德国,带有浓重的地域色彩、民间色彩和时代色彩。它共有216篇,分儿童和家庭故事、儿童宗教传说和补遗三部分,有格林兄弟搜集整理,于18出版。它问世后,不仅在德、在欧洲流传,在世界各地也都有喜爱它的读者。《格林童话》讲述的多的是善与恶,勤与懒,富与贫等;通过故事让孩子理解那些简单而又富有哲理的道理,具有广泛的趣味性和娱乐性。《格林童话》自问世以来,以其单纯、稚拙、幻想、奇丽等特点赢得了小读者的喜爱。它的许多名篇佳作如《白雪公主》、《灰姑娘》、《青蛙王子》等在世界各国广为流传。它们中的众多人物也深为孩子们熟知和喜爱,在世界文学史中的众多人物也深为孩子们熟知和喜爱,在世界文学史中有着不可代替的地位。

作者:雅各布格林(1785―1863)和威廉格林(1786---1859)两兄弟是德国著名的语言学家,研究民间文学的学者,生于哈瑙一小宫吏家庭,曾在马尔堡大学攻读法律。

二、《格林童话》的内容

在《格林童话》中,我们经常可以看到民间童话常用的创作模式。通过兄弟们不同品质,不同遭遇的对比来表达出人们的道德评判和善恶分明的生活原则,寄托了人们人们对美好生活的向往,抑或通过描述动物之间的简单对话,表达了每个动物的本性。格林兄弟在搜集童话时,都尽力保留了这些童话的民间本色,不妄加删改和润色,所以它的语言淳朴、粗犷、幽默充满了各种谚语、俗记、新颖的比喻,富有浓厚的民间色彩和韵味。又如:“你整天呆在家里,穿着深灰的厚呢外套,拖着长辫子,心里烦闷,所以想不通。你要是白天出去走走,就不这样了。”(《猫和老鼠交朋友》),几句话就既形象生动的地勾勒出老鼠的外型特点,又透露出猫的狡猾个性,甚称妙笔,这种例子在《格林童话》中比比皆是。

幻想是童话的灵魂,也是最基本的特征。一般来说,《格林童话》的内容大致分三种,也是在浓厚的幻想基础上去创造故事,推动情节发展的,分别是:

第一种是巫术/神魔童话。主要通过奇妙的巫术或者神的力量来推动整个童话的发展。如《石竹》中,王子生下来就被赋予了具有“事事遂心”的本领;《白雪公主》里的魔镜告诉王后谁才是世上最美丽的女人,从而推衍出王后千方百计的设计谋害白雪公主的情节,等等。

第二种则是动物以及与人的故事,把动物拟人化,让它们开口说话,以更生动可感、活泼有趣的形象展现在读者面前,便于儿童接受和喜爱,如《小红帽》、《狼和七只小山羊》、《猫和老鼠交朋友》等。

第三种是常人童话,讲述比较接近现实生活的故事,在中国一般叫做“民间故事”。这类童话近乎小说,以荒诞幽默的形式肯定健康的生活态度、嘲笑人类的丑行和弱点。诸如懦弱、贪婪、吝啬等,如《月亮》、《三兄弟》等都是这类作品。

三、《格林童话》的特点

首先,充满烂漫诗意的想象。“幻想是丰富天性的最必要因素之一,幸福对于这类天性来说仅仅寓于人心生活之中,因而培养这种幻想对于幼儿的心灵来说是必不可少的。(1)格林兄弟充分注意到了童话所具有的大自然的诗意。正如雅克布所说的:“大自然的一切使人感到非同一般的事物无不散发着一股诗与传说的芬芳,就如远方将放晴时鲜嫩细柔的花果洒在花朵与金果上一般。”在这本书里,大自然的一切都是有灵性的:森林、原野、草地、花木都富于诗的意趣。“过了一个月,雪化了。过了两个月,大地绿了。过了三个月,满地开着鲜花。过了四个月,森林里树木的绿枝儿一起长大了,枝搭枝、叶靠叶、枝繁叶茂。小鸟的歌声在大森林里来回飘荡,话、花呀,从树上掉下来”

其次,这些童话充满了耐人寻味的温馨。格林兄弟早年丧父,青年丧母,兄弟相依为命,共同经受人世间的忧患困苦。他们之间的感情非常好,一生中的大多数时间都是共同度过的.。从中学到大学期间,头脑始终在一起,并且连书籍和其他任何财产都是共有的,所以他在搜集整理童话的时候,特别看重那些表现人间真情、饱含生活温馨的童话素材。格林兄弟在解释《儿童和家庭童话》这本书时,就明确的说道:“这些给儿童的故事能以它们的温柔和纯洁去唤起孩子对生活的向往,在人生之初就培养起一种美好的思想和感情。”

第三,也是《格林童话最为突出的特点,就是赞美勇敢、机智的人物。《格林童话》多以生活在社会底层的人为主人公,他们大都是平凡的百姓,有士兵、农夫、裁缝,也有牧童和工匠,但是他们并不是俯首帖耳的顺从邪恶力量的奴隶,而且是生活的主人。他们往往以自己的机智和勇敢来反抗邪恶力量,并在经历了一挫折艰险以后,凭借纯洁善良,坚忍不拔和勤劳智慧而得到神奇力量的帮助,终于找到了爱情、平安和幸福,从而改变了他们暗淡的生活。这些童话往往通过一组善与恶、美与丑的对比形象来展开故事,充满了善良必将战胜邪恶的题旨,赞美对暴力很邪恶的反抗,激发被损害者的同情,颂扬对暴力和邪恶的反抗,激发被损害者的同情,颂扬聪明和机智。其中最有名的是《灰姑娘》和《白雪公主》。

此外,格林童话还有着曲折而不离奇、朴素而不单纯等特点,充分表现了德国老百姓的质朴、幽默和机智。按照今天的观点来看,《格林童话》中有些详细描写惩治恶人的种种手段多少过于残酷,对于我们来说是不太适宜的,这些部分需要我们在阅读时加以鉴别。

四、《格林童话》的艺术手法

《格林童话》中的幻想采用童话惯用的夸张、象征和拟人手法,特别是变形手法的妙用更为着本书增色添彩。

“变形”实际上也是一种夸张,不过是更极端的夸张。特指在艺术想象中,有意识地改变原有形象的性质、形态、特征等,而以异体形象出现,使之更具表现力,它是童话幻想常用的一种表现手法。(2)变形想象与夸张想象所不同之处在于:夸张想象毕竟还留有客观世界原有物的“面目”,而变形想象则连“面目”也丢弃了,是个不同的异类。这种变形又分为“局部变形”和“全部变形”两类。所谓’局部变形”就是将人体或物体的某一部分变形,例如:科洛迪《木偶奇遇记》中的皮诺曹;《海的女儿》中木人鱼的鱼尾巴经女巫施法后变成了人腿。而所谓“全部变形”也就是整体形象的变形,比如《格林童话》中的“青蛙王子”是因中了魔法而由王子变成丑陋的青蛙的。采用何种变形主要看童话情节发展的需要而定。

向童话电影学习婚姻之道 篇6

就像《哈利·波特》未必是给孩子看的，迪士尼的童话电影教给我们关于爱情的道理，又岂是童话世界专属。虽然童话一般只告诉我们，“王子和公主举行了盛大的婚礼，从此以后，他们过着幸福的生活，一直到老”，但我们仍然能从中窥见王子和公主那些欲说还休的婚姻之道。

1.不要太快就做决定非他不嫁。

心里特别渴望爱情的时候，恰巧又迷恋上了某个人，冲动之下，人很容易做出非理智的决定。《冰雪奇缘》里，安娜就得到了教训：太着迷、倾心太快，会让自己耳目不清，落入汉斯那样的花花公子手里，甚至要把自己的王国托付出去。

婚姻课程？爱情是婚姻的基础，但爱情和婚姻不是一回事。无论你和他看上去是多么完美的一对，在决定嫁之前，你都要多花点儿时间和心思了解对方。唯有耐心观察，才能知道他是不是那个能与你厮守到老的人。

2.不要将对方局限在某个“类别”。

在遇见意中人之前，我们都爱想象他是个什么样子。不过，别把对方局限在某个类型的圈子里，一旦见到谁长得或者穿得合乎你的想象，就认定这辈子就是他了。《阿拉丁》中，茉莉公主对围绕在她身边的王孙贵胄左挑右选，奈何谁也比不上阿拉丁会逗她开心。阿拉丁身份似乎不够高贵，可他是唯一愿意为她献出一切的人！放开眼界，放开成见，茉莉发现了一个全新的世界。

婚姻课程？真爱出现时，往往不是你想象中的模样。生活有太多的可能性，说不定哪天你迎头撞上一个人，他打动了你，你也喜欢他，那就别再执着于想象中的对象了。

3.做自己。

《小美人鱼》中，美人鱼爱丽儿以为，要赢得埃里克王子的心，只有把自己完全改头换面。她是这么做了，可她放弃掉的偏偏是他最喜欢的东西！正如塞巴斯蒂安告诉爱丽儿的：“你有你的风格，该什么样子就什么样子好了。记住，无论如何，要忠实于你自己。”

婚姻课程？你一心想要改变的缺点，或许恰恰就是他喜欢的你的优点。不管婚前还是婚后，都别把自己的个性和特色藏起来。

4.给爱情和婚姻留出成长的空间。

爱意味着事事为对方着想，即使没有回报甚至失去，也无怨无悔。《美女与野兽》中，野兽放手让贝儿离开，让她去照顾生病的父亲，其实他心里明白，就凭自己这副形象（还有瘆人的举止），她这一走，有可能不再回头。但到最后，正因为事事都想着让贝儿开心，野兽赢得了贝儿的芳心。贝儿不仅回到野兽身边，而且使出魔法，让野兽变身成了一个眉清目秀的王子。

婚姻课程？你的心有多大，你的爱情婚姻世界就有多大。

5.身外之物有时候不重要，有时候又很重要。

《灰姑娘》中，可怜的辛迪瑞拉被继母洗脑洗得太狠了，她真以为自己找不到爱情就是因为自己没有好衣服穿，没有漂亮的首饰戴！后来，灰姑娘变身为公主，以为王子会因为她的身份而爱上她，可王子根本不在意她是什么家世，就算她刷洗壁炉也无所谓。但同时，我们也不应忽视那双魅力夺人的水晶鞋——没有它，灰姑娘和王子也许永远不能欢喜团圆！

婚姻课程？不为外物所困，忠实于自己才能迎来真爱。但也别忽略生命中最重要的物件，有时候缺了它还真不成。

6.诚实可贵。

《花木兰》中，木兰假扮男人在军中服役并把这件事瞒着所有人，当然她是有苦衷的，但在现实生活中，除非万不得已，我们还是选择诚实面对自己亲近的人比较好。

婚姻课程？在婚姻中永远诚实看起来很难，总有这样那样的原因让我们言不由衷。但是除了一些无伤大雅的善意谎言，尽量做到诚实是婚姻坚实的基础之一。

7.有时候，爱情不能地久天长。

大多数童话的结尾都很美满，不过《风中奇缘》的故事却来得很现实。宝嘉康蒂和约翰·史密斯是天差地别的两个人，可是初次相见这俩人就产生感情，宝嘉甚至冒着生命危险去救约翰的命！但是，现实往往多遗憾，有时候无论你爱得多深，生活会让人天各一方。

婚姻课程？没有什么会永垂不朽，唯有在相爱的时候好好爱，不留遗憾。

8.不要忘记朋友。

《白雪公主》中王子的一吻拯救了公主，但别忘了那七个小矮人，是他们收留了白雪公主，保护她免受狠毒王后的加害，给了她最纯真的友谊。

婚姻课程？热恋的时候，你忘了给朋友们留点时间;结婚了，跟另一半赌气的时候，还是得有朋友陪着你。长点心吧！还有，别随便吃陌生人给的苹果！

9.自信的女人最有魅力。

《青蛙王子》里，蒂亚娜一心一意实现自己开餐馆的梦想，她的抱负、冲劲还有充实的生活让王子惦记上了她。事实上，很多男人认为，女人最有吸引力的时候是她们全神贯注投入工作的时候。你忙着做自己的事情，全神贯注投入其中，完全没有时间和心思顾及身边的男人，反倒会吸引他的目光和他的心。

婚姻课程？一个满怀自信投身工作的女人，有眼光有激情，无论走到哪里，魅力都无法阻挡！

论音乐艺术与电影艺术的异同 篇7

音乐艺术与电影艺术是艺术领域里完全不同的两个艺术门类, 虽然有许多的不同点, 但艺术却又是相通的, 所以, 这两个艺术门类又会有它们的相近与相似之处。本文就是针对音乐与电影这两个艺术门类, 论述其间的相同与不同。

一、音乐艺术与电影艺术的创作基础

1. 音乐艺术与电影艺术是不同的物质媒介

音乐艺术是以声音为其表现手段的一种艺术形式, 音乐意象的塑造, 是以有组织的音为材料来完成的, 音乐是声音的艺术;[1]电影艺术是指心灵与视听感官按照一定的理念逻辑, 凭借摄影镜头有序组接而构制运动意象的艺术。[2]音乐是声音的艺术、听觉的艺术;而电影是视听艺术、感官艺术与想象的结合。音乐艺术离不开声音, 声音是音乐艺术的物质基础, 也是音乐艺术的主要表现手段;电影艺术离不开画面, 画面是电影艺术的物质基础, 也是电影艺术的主要表现手段。

2. 音乐艺术与电影艺术的创作抒发了艺术家的思想情感

音乐作为听觉艺术的主要形式, 是最能显现和拨动心弦的艺术。[3]音乐艺术不可以将作者的思想呈现在欣赏者的面前, 因为它没有视觉的空间, 但音乐艺术可以通过音乐特有的语言来进行描述, 同样可以使人体会到身临其境的艺术感觉。音乐艺术家是以独特的音乐语言进行描述, 来表达其思想感情。

电影艺术则不然, 它可以通过镜头的剪辑具有再现现实的巨大可能性。电影在最大限度地再现现实生活的基础上, 又能够最大限度地表现内心生活。最客观的在线生活形式, 总渗透并流露着最主观的理解与体验。艺术家可以通过不同的艺术手法将思想感情融入到作品中, 既有视觉的冲击力, 同时又让人们感受到艺术作品的内在情感。

二、音乐艺术与电影艺术的艺术形式

1. 音乐艺术与电影艺术的存在形式

音乐艺术是听觉、时间的艺术;电影艺术则是现实的直观的艺术。音乐艺术的展现要在一定的时间过程中完成, 是抽象的, 不会有具体的物质存在, 只有在记忆中体现;电影艺术中的电影作品则是一个具体的事物, 通过镜头的运用达到一种具体形式的存在。电影是借助演员的表演对情节进行动态的表现, 让人们有一种面对面的交流的感觉。音乐艺术与电影艺术相比, 音乐艺术最突出的特点是间接性, 只能让人们在聆听音乐时通过自己的想象来理解和感受;而电影艺术则是直接性的, 人们只需观看一部片子就可以明白它想要表达的思想与情感。

2. 音乐艺术与电影艺术的构成形式

音乐艺术用音符在纸上表现出音乐中的旋律, 在纸上的每一个符号都不能被孤立出去, 每一个符号都有它自己对整曲乐章的贡献, 只有在一起才能表象出这个乐章中旋律的灵魂, 才能称之为一首完整的乐曲。

电影艺术中通过创造者用一个个不同拍摄手法的镜头来表现艺术作品。而这些镜头远非一般人所想象的那么简单, 每一个镜头中都寄存着创作者的情感, 不是给人表面上的视觉效果, 而是使作品中的艺术感染力更浓厚。

3. 音乐艺术与电影艺术的创作形式

每个能发声的物体都有自己的形式, 通过它们各自不同的声音形式来表现各自的特征。不同的声音形式, 可以表达出不同的内在感情。音乐艺术中声音不仅有形式的不同, 而且还有民族、地方风格的不同。不同民族、不同的时代和不同的地方, 形成不同的风格、音调、特色。这些声音状貌又可以表现不同的事物、不同人的感情。这样一些外部现实被音乐艺术塑造出来, 体现了音乐艺术的创作性。

电影艺术可以从不同的角度去划分。按内容题材, 可以分为故事片、动画片、美术片、舞台艺术纪录片等等;按媒介形式, 可以分为无声电影和有声电影、黑白电影和彩色电影、标准电影和宽银幕电影, 还有立体电影、全景电影、香味电影。[4]这些不同题材不同媒介形式的作品, 体现了电影艺术的创作性。

三、音乐艺术与电影艺术的作用

1. 音乐艺术与电影艺术对人能力培养的作用

音乐艺术通过的旋律来传达给人们一个轻松愉快的心情, 在这个过程中使人们的心灵得到陶冶, 情感得到升华。在陶冶情操的同时, 提高了人们的音乐审美能力。

电影艺术运用镜头剪辑和画面创造美, 展现美。人们在观影时, 可以忘却生活中的琐事, 使人们的感情得到陶冶和升华。在欣赏电影艺术作品的同时, 我们也可以在影片中寻找到生活中的点滴, 是我们情感得到释放。

2. 音乐艺术与电影艺术都具有提高爱国情操的作用

音乐艺术可以提高我们的爱国情操。通过爱过歌曲的欣赏和演唱, 对我们进行爱国主义思想教育, 增强了我们的群体认同感, 提高民族的凝聚力, 充分发挥了音乐艺术的功能, 无形中起到了培养爱国情操的作用。

电影艺术学习都强调艺术作品的内容和题材。由于电影艺术涉及的技巧比较多, 所以涉及多方面的知识, 因此电影艺术要不断学习, 来增强作品中思想与情感的表达。目前我国的爱国主义电影发展势头很好, 让我们观看到了很多优秀的电影作品, 通过对这些电影作品的赏析, 使我们的民族自豪感不断增加, 同时也培养了我们的爱国情感。

通过总结, 我们了解了音乐艺术与电影艺术的不同点和相似之处, 掌握音乐艺术和电影艺术的不同特点, 可以更好地提高欣赏音乐艺术和电影艺术的能力, 提高艺术欣赏水平, 促进音乐艺术和电影艺术的发展, 只有这样, 我们的艺术事业才会蒸蒸日上!

摘要：音乐艺术与电影艺术是两种不同的艺术形式, 从艺术创作的基础、形式、功效上看, 两种艺术形式既有不同之处又有着相同之处。音乐艺术是听觉艺术, 电影艺术是视听艺术。但它们都可以给我们带来美的享受, 使欣赏者在欣赏作品的同时既陶冶了情操, 又提高了艺术鉴赏水平。

关键词：音乐艺术,电影艺术,创作基础,艺术形式,艺术作用

参考文献

[1]、齐易, 张文川.音乐艺术教育[M].北京:人民出版社, 2002.

童话电影艺术的 篇8

关键词：电影,艺术,群鸟,民族特色

1 电影的开端

电影诞生于1895年12月28日的法国巴黎,卢米埃尔兄弟是“电影之父”。1895～1930年,电影的发展形成了三足鼎立的格局:商业性浓重的美国电影、探索艺术的法国电影、宣传政教的苏联电影。

2 电影的成熟期

1930～1966年,是世界电影的成熟期。电影告别了无声时代,开启了有声的新纪元。

2.1 美国

精明的美国人意识到这是一个更具潜力的市场,他们加重了影片的商业性色彩,采取了标准化的操作来生产影片,于是出现了大量的类型电影。如经典的音乐歌舞剧《雨中曲》,西部片和强盗片等。这类影片以盈利为首要目的,按照一定的模式来规范影片的拍摄手法和故事情节。在电影风格上大多千篇一律,缺乏新意,影片人物的塑造和故事情节也是为了迎合观众的口味,娱乐性强,较为肤浅。虽然这一时期有希区柯克风格鲜明的悬疑片,如《群鸟》《电话谋杀案》;有电影史上经典的《公民凯恩》,但总的来说,这一时期的美国电影是观众本位,经济原则至上的商业电影。电影的艺术性融合于商业性中,并且是以服务于商业性为大前提的。

2.2 欧洲

而在同一时期的欧洲却开展了轰轰烈烈的艺术电影运动。在1942～1956年,意大利开展了新现实主义电影运动。这一时期的电影不要严谨的故事情节,不要刻意的加工,关注普通人的生活,以此来反映社会现状。导演们喜欢用非职业演员来表演,如德·西卡的《偷自行车的人》,就是用一个真正的工人来扮演角色。此时的电影是高度的写实,与美国娱乐性的电影不同,它有着导演的社会关怀。而在1958～1962年,法国也掀起了电影新浪潮运动。在继承法国电影追求艺术和意大利新现实主义写实风格的基础上,这一时期的电影无论是在拍摄手法上还是情节叙述上都有了很大的突破。如特吕弗的《四百击》和戈达尔的《筋疲力尽》,这两部影片带有强烈的个人自传色彩,对传统的道德观念提出了质疑。此时的电影脱离政治,提倡以真诚打动观众,渴望挣脱传统的束缚。对于演员,同样采取非明星制度,在摄影方法和剪辑上,都有所创新。

意大利导演费里尼和瑞典导演伯格曼则更能代表欧洲电影的艺术本位风格。费里尼的代表作《八部半》有新现实主义电影写实的影子,但是他用丰富的想象力来传达感情,用荒诞的场景来营造气氛,意在表现人物的精神世界,主题深刻隐晦,开创了意识流的先河。伯格曼的《野草莓》不仅是有着复杂哲学涵义的电影剧本,更运用了出色的摄影技巧,是欧洲艺术电影的集大成者。

2.3 亚洲

在同时期的亚洲,与经济本位的美国电影和艺术本位的欧洲电影不同,中国电影更侧重于政治传化功能。在新中国成立之前的电影,多为鼓动人民参与抗日战争或解放战争。在新中国成立之后的第三代导演,多是用写实的手法记录百姓生活,有关注社会的,也带有鲜明的政治倾向的。

而同属亚洲的日本却在50年代进入了电影发展的黄金时期。小津安二郎就擅长于描写细碎的家庭琐事和反映家人间的恩恩怨怨,力求以日本传统的审美方式来审视平常状态下的普通日本大众,他的代表作如《东京物语》。这些影片带有浓郁的民族特色,在世界电影史上获得了一席之位。可以说,当时的日本电影是以民族文化为本位的艺术电影。

3 电影的发展期

1966～1980年是世界电影的发展期。此时的德国正在开展新电影运动。导演们试图克服电影的商业性,更多地展示给观众电影的美感和深度。施隆多夫的《铁锡鼓》就能反映那个时期电影的特点。他通过对一个变态小孩心理的描写来反映战争带给人类的伤害,主旨深刻,引人深思。这一时期的欧洲电影其实还是以反思人类历史,关怀社会为本位的艺术电影。

4 总结

美国电影是商业文化主导的,但它在发展的过程中也越来越注意到艺术美学的重要性。欧洲电影是艺术文化主导的,它在发展的过程中必然会结合商业的因素,让自己的艺术电影更有市场,更具影响力。

参考文献

[1]范志忠.当代电影思潮[M].杭州:浙江大学出版社,2008.

[2]唐纳德·伊·斯特普尔斯.美国电影史话[M].张兴援,郭忠,译.北京:中国人民大学出版社

[3]邵牧君.西方电影史[M].北京:中国电影出版社,1982.

童话电影艺术的 篇9

一、电影艺术的特点及独特魅力

电影显然是一种艺术。这种20世纪诞生的艺术类别, 以现代科技为手段, 以画面与声音为媒介, 在运动着的时间和空间里创造银幕形象, 反映和表现现实生活和思想感情。不仅如此, 电影还是一种由纯视觉艺术发展而成的视听艺术。蒙太奇是电影最基本、最独特的艺术表现方法。电影的蒙太奇, 除了镜头内部、镜头与镜头之间的组合关系外, 还包括画面与音响、音响与音响之间的组合关系, 由此形成各个有组织的片段、场面, 直至一部完整的影片。电影还可称为时空艺术, 它兼有时间艺术和空间艺术的性质, 能将各种形式的时空组合直接诉诸观众的视觉和听觉, 再现物质世界的时间、空间关系。银幕上的世界是一个特殊的时空复合体。

一直认为电影里的艺术是最美的, 那些美仑美奂的画面, 那些看似无意却是精心安排的场面, 那些委婉动人、荡气回肠的情节……总之, 电影里所有美的一切都令人着迷。有人认为电影像文学, 有人认为电影像戏剧, 也有人认为电影像绘画, 还有人说像音乐, 等等。其实电影既像它们又不像它们, 电影就是电影, 因为电影是吸取、包容了文学、戏剧、音乐、舞蹈、绘画、雕塑、摄影等多种艺术的因素、集它们于一身的综合艺术。它通过画面和音响, 以及电影所独具的特殊表现手段———蒙太奇来塑造银幕形象。银幕形象通过可见的画面和可闻的声音具体、直接地诉诸观众的视听感官。

作为艺术的电影, 是诞生于众多古老传统艺术, 如文学、戏剧、音乐、绘画、雕塑等之后最年轻的艺术。它和古老传统的艺术相比, 只能算是小弟弟。可它后来居上, 最年轻的艺术———电影, 以其无可比拟的艺术魅力, 闯进了世界艺术之林, 一跃而成为最富群众性、最具影响力的艺术巨人。其所以能如此, 恰恰是由于它年轻, 有它自己的优势。电影不仅是诞生于古老传统的艺术之后, 而且它是吸取和消化了这些艺术的所长而又扬弃了它们的所短, 有机综合了多种艺术因素而形成的一种新型的独特的艺术形式。因此, 综合性是电影美的本质所在。

电影吸取了多种艺术门类而形成综合性的审美特性, 就其实质来说, 是时间艺术和空间艺术的有机综合。它是视觉艺术和听觉艺术的综合, 克服了纯视觉艺术难以满足人们对听觉形象的审美需求和纯听觉艺术难以满足人们对视觉形象的审美需求的局限, 而具有可以融合视听两者之长的优势, 成为一门最富群众性的艺术形式。

二、艺术名义下的“暴力和色情美学”

综合电影的种种, 电影里的艺术的确令人着迷。可慢慢地发现, 越来越多的非艺术的东西充斥进了大家所热爱的电影, 艺术和非艺术之间变得越来越混乱, 它们之间的界限似乎模糊了。如果说好莱坞电影曾以歌颂人性的善良、博爱、自由、平等而赢得世界的尊重的话, 那么现今充斥着色情、暴力、犯罪等所谓社会问题、探讨人性扭曲的电影在对人们的感官进行猛烈的刺激之后, 留给人们的无疑只剩下躁动、恐慌和心灵的迷失了。

前段时间从报上看到过这样一条新闻:某天凌晨1点, 杨女士刚刚参加完聚会, 往家里走。这时街上人流稀少, 当杨女士独自一人走到一条寂静无人的小巷子时, 两个黑影突然从背后向她袭来。一人冲上去把她按倒在地, 另一人伸手要抢她的皮包。杨女士慌了手脚, 想到自己随身携带着的5000多元现金和一部刚买不久的手机, 倒在地上的她尖叫着本能地护住了自己的手提包拼命挣扎。这时, 一把锋利的尖刀架到了她的脖子上。在冰凉的疼痛中, 杨女士无力地松开了手。两个人趁机夺过皮包后飞奔逃跑, 转眼就消失在黑暗中。后来在看守所中, 这些孩子告诉记者, 他们羡慕电影里人物的生活方式, 并且决定要像电影中演的一样一起在社会上“出人头地”。他们商量着在外面混到20岁, 希望能当上电影中所谓的“老大”。

同样的事例还有很多。陆良县某中学初中生李高敖与同学在教学楼前遇到闲逛的王某。因李高敖曾与王某的弟弟打过架, 王某在辱骂声中用脚踢了李高敖。被殴打的李高敖不是找老师反映或报案, 而是回宿舍找到一把弹簧刀, 并喊了3个同学助阵。4人返回教学楼前找到王某理论。对骂中, 李高敖拿出刀就朝王某胸部刺去……庭审中, 充满幼稚的被告人说:“我和同学们现在最爱看的就是那些江湖恩怨、打打杀杀的影片, 只要你够狠, 谁还敢欺负你呢?”

这样的案例并非孤立事件, 电视电影中到处都有宣扬暴力、色情的镜头和画面。一些中学生被充斥暴力和色情的电视电影所误导, 暴力倾向也就有了愈演愈烈的可能。一位初一学生说:“不是我喜欢暴力, 是因为暴力整天围绕在我身边!电影里不都是这么演的吗?”看着这些鲜活的事例, 听着这些令人揪心的话, 我开始思考电影的艺术到底怎么了, 忽然想到了鲁迅先生的一句话:救救孩子!

再来看看国外, 《环球文萃》曾登载的有关消息说, 美国动作巨星、银幕英雄施瓦辛格的传记出版时, 一个美国女孩极其兴奋地对记者说:“我就是喜欢看他杀人。是的, 我就是喜爱看他杀人!是的, 喜欢看杀人!是的, 喜欢杀人!是的, 杀人!”我想这个女孩如果真有机会目睹一场真的凶杀场景, 会很冷静且极有兴趣地旁观。

充斥着色情和暴力的影片实在是多的无法列举。像《天生杀人狂》、《杀死比尔》等, 由于影片大量运用了蒙太奇、黑白与彩色互换、MTV的手法, 对视觉极具冲击力。看完后我已是一身大汗, 朋友突然问我:“有没有杀人的感觉?”这些宣扬所谓个人英雄主义的影片, 为了取得理想的票房收入, 无不动用大量的人力、物力, 制造出大量残酷的凶杀和爆炸场面来冲击人们的视觉。电影里人与人之间的冷漠、丑恶人性的张扬对人们有多么负面的影响就更不用说了。

那么, 试着有理性地命定它是“艺术”的, 可这明显还是无法说服我们自己。实际上很多的影片让人实在无法把它与艺术二字联系起来, 那的确是活生生的、血淋淋的暴力或色情的场面, 最可怕的还就是那种所谓艺术化了的、夸大的场面。一部有关越战的片子一开始就是这样的镜头:一把刀架在一个美国士兵的脖子上, 因为他勇敢地不透露一点消息, 刀开始向上运动, 还是慢镜头, 然后有力而缓慢地向下砍去, 人头缓缓地与脖颈分开, 鲜血冲天而起, 殷红了整个银幕, 这时编导及时地打出片名。

这又怎么能让大众理智地、努力地用“艺术”的眼光去看待这些光怪陆离的电影呢?电影, 你究竟怎么了?曾经令人砰然心动的艺术, 似乎越来越模糊。不知从何时起, 我们越来越多地看到、听到“暴力美学”这个词汇。电影评论中, 一批新锐导演的作品被认为与“暴力美学”相关, 如美国的昆廷·塔伦蒂诺、中国香港的吴宇森等。一些武侠电视剧, 以及原本单纯可爱却被加入暴力内容的卡通画, 被联系至“暴力美学”;一些新推出的电子游戏产品, 也争先恐后以“暴力美学”作为卖点;一些新闻类作品, 如犯罪实录电视采访、展示残酷场面的新闻摄影作品, 也被贴上了“暴力美学”的标签。如今, 它作为一种电影艺术的风格和表现手法, 实实在在地存在。它是以美学的方式、诗意的画面, 甚至幻想中的镜头来表现人性的暴力面和暴力行为的。昆廷·塔伦蒂诺的《杀死比尔》是近几年暴力美学的典型代表, “拿斧子削尖脑袋挤进江湖”这么血淋淋的事情是暴力, 但又被冠以“有美学倾向和美学目的”。而这种美学, 被不断地扭曲, 甚至有些支持人士声称“暴力程度与票房收入成正比”。于是越来越多的暴力和色情场面贯穿在电影里, 艺术与非艺术似乎也越来越模糊。

这究竟是艺术还是纯粹的暴力和色情?以艺术的名义, 色情和暴力, 在心理禁忌的最后限度下, 似乎还在全方位地探索着。

请还电影一片纯洁的天空吧, 我们爱电影, 也爱艺术。

摘要：作为艺术的电影, 是诞生于众多古老传统艺术如文学、戏剧、音乐、绘画、雕塑等之后年轻的艺术。它吸取了多种艺术门类而形成综合性的审美特性, 就其实质来说, 它是时间艺术和空间艺术的有机综合, 是视觉艺术和听觉艺术的综合, 具有可以融合视听两者之长的优势, 成为一门最富群众性的艺术形式。而如今越来越多的暴力、色情等非艺术的东西充斥着电影, 艺术和非艺术之间变得越来越混乱。充斥着色情、暴力、犯罪等所谓社会问题、探讨人性扭曲的电影在对人们的感官进行猛烈的刺激之后, 留给人们的无疑只剩下躁动、恐慌和心灵的迷失。

谈电影艺术表演的特性 篇10

表演艺术的特性主要体现在四个方面:

一、“三位一体”性

演员以其自身为创作的手段和工具。演员创作的材料就是演员自己的脸、五官, 自己的肌体, 自己的思想、情感、语言等等。表演艺术的特点是:创作者、创作的工具和材料、创作的成果 (人物形象) 全部统一于演员自身, 形成“三位一体”。比如, 银幕上的聂耳是从演员赵丹的肌体、语言、情感、心灵等表现出来的, 创作者就是赵丹。这是表演艺术独具的特性。

“三位一体”的特性决定了演员要去磨炼自身的外部表现工具——形体、五官、声音、语言以及各种外部技能 (包括骑马、射箭、开车、游泳、擒拿、格斗、歌唱、舞蹈、演奏等等特殊技能) , 并掌握一整套表达内心世界及情感的内部心理技巧。当然也包括演员自身对生活的理解和积累及各方面的修养等。

二、“身份双重”性

表演艺术创作中, 演员一方面表现为人物形象———角色, 另一方面又作为形象的主人———创作者, 两者“合二为一”。这就决定了艺术创作中演员必须过好双重生活, 掌握双重人格。它是演员表演时所具有的一种独特的心理状态。演员要化身为角色, 进入角色的规定情境, 过着角色的精神生活;同时, 演员作为角色的创作者, 又时刻监督着自己的表演, 驾驭表演角色的整个进程, 使其沿着正确的创作目标行进, 这就形成演员创作角色时其身份的双重特性。表演术语中, 演员作为创作者的“我”, 称为“第一自我”;所扮演角色的“我”, 称为“第二自我”。如潘虹创作的角色陆文婷, 就是她构思并体现出来的“第二自我”。

三、“对立统一”性

表演创作中所有的形象, 一方面都离不开具体的演员。如张良的董存瑞、白杨的祥林嫂、孙道临的肖涧秋、张瑞芳的李双双、斯琴高娃的虎妞、李纬的盘老五、刘子枫的赵书信等等;另一方面又都是一个个活生生的剧中人物、舞台角色。演员在艺术创作中必须熟悉和驾驭矛盾、对立的双方———自我与角色。一方面要了解自我创作的优势、弱点和特点, 探索自我的创作路子;另一方面又要熟悉角色, 寻找到自我与角色的桥梁。优秀的舞台演员郑振瑶所以在不到两年的时间内, 成功地塑造了不同阶层、不同职业、不同性格的三个形象:《邻居》中的明大夫、《城南旧事》中的宋妈、《如意》中的金绮纹, 一个重要的原因就是演员在创作中找到了通向角色的沟通点和桥梁, 将演员“第一自我”与角色“第二自我”融为一体。

四、“艺术流派”性

演员表演风格各异, 神采不一, 但归根结底可分为两大流派, 即“表现派”和“体验派”。

1.“表现派”

“表现派”主张演员从外部的动作接近角色, 首先要像这个角色, 慢慢才能达到表演的成熟。一般说来, 属“表现派”的演员, 戏路子宽, 演啥像啥。他们有较深的表演功底, 善于创造多种不同的银屏与舞台形象, 而使之到达酷肖的境地。

比如, 著名电影艺术家赵丹一生创造了许许多多动人的艺术形象, 其中有《马路天使》中诙谐的吹鼓手, 《十字街头》中正义的老赵, 《为了和平》中正直的老教授, 《聂耳》中热情的聂耳, 《林则徐》中刚正不阿的林则徐。另外还有, 《乌鸦与麻雀》中的“小广播”, 《烈火中永生》中的许云峰, 《李时珍》中的李时珍, 等等。特别是“林则徐”, 赵丹在影片中非常出色地把握了这个人物的风貌, 赋予他以十分鲜明的色彩:雍容大度的仪表, 炯炯有神的目光, 神采奕奕的气质……人物的步态、眼神、一招一式, 都表演得洗炼、分明。在动作和道白方面, 赵丹还吸收了我国传统戏曲程式中的有益部分, 创造出符合电影表演的形体动作和语言。如见驾时的跪拜, 斟酒时的手势, 摘下顶戴时的动作, 都显得干净利落、线条健劲而又潇洒。在企图挽救危局与琦善发生激烈争执而终遭摈斥时, 他强抑住满腔怒火而发出的悲愤语言, 简直是一个字一个字地迸出来的, 铿锵有力, 逼真地表达了人物的内在情绪。

由此, 我们可以说, “表现派”着重“表演”, 特别强调所演角色外部形体动作, 即强调“形似”。

2.“体验派”

“体验派”主张演员从内在的情绪接近角色, 使“有意识”变成“下意识”, 达到“我”就是“角色”的境界。“体验派”要求演员在表演中注意揣摩角色的心理, 注重刻画人物性格, 努力在情绪上靠拢角色。演员的表演, 主要是缩短和解决演员本人同角色间的差距和矛盾。因此, 不论是由内到外, 还是由外到内, 目的都是要把角色生动地表演出来。但从表演艺术的发展趋势来看, 似乎强调“体验”角色的多一些, 运用“体验派”的表演方法较普遍一些。演员们认为, 只有把角色的内心想什么“体验”准了、深了, 才能找到外部动作, 把“体验”恰到好处地表现出来。

童话电影艺术的 篇11

为《冰雪奇缘》这部电影，我们一共创作了20首歌曲，有8首被采用。为了让音乐更好地融入故事中，我们甚至根据创作的歌曲改写了部分故事情节。

我们试图建立一个“可信的世界”，它并不是指真实的世界，而是让观众可以真正沉浸在电影中的白雪世界，所以，雪景、服装、城堡、人物和雪之间的互动就变得非常重要。

艺术指导团队成员特意去了怀俄明州，亲自去大雪中走路、追逐，以便获得最真实的人在雪中的形态。

冰雪在自然界中是白色或透明的，但我们在电影中使用了各种灯光，让冰、雪的颜色来反映人物的情绪。包括颜色、光与影的变化，树影与有魔力的太阳光线的变化，为的就是充分吸引人们的视线。

我们的艺术总监亲自到挪威，为电影中的场景寻找灵感。最后观众看到的在电影中呈现的教堂、木质结构房屋、城堡，这些建筑物灵感都源自挪威建筑。

人物构建方面，我们运用了大量手绘来构建人物形象，我们画了大量的人物表情素描，然后输入到电脑中建立CG模型。手绘可以快速进入人物，加速整个建模的过程。

我特别喜欢喜剧中的角色，喜欢那种像孩子般天真、对任何事物都充满好奇的性格，这些在“安娜”身上都有体现。我们的CG动画师与导演有沟通很频繁，这种沟通从早期就开始建立了。

在整个制作过程中，我们不断研究、演绎故事。我记得故事最初发布的版本，被批评为是一个“灾难性”的故事，虽然有一些好桥段，但是组合在一起非常不好。随后的3个月里，我们的故事改变了很多。比如姐姐“艾莎”，最初被设计成了一个完全的反面角色，真正的恶棍，后来感觉这样行不通，必须推倒重来。我们认为“艾莎”和妹妹“安娜”，她们应该是匹配的，因为她们生活在一个有关联的世界里。后来当“安娜”进入城堡姐妹重逢时，我们就觉得原来的音乐不够有效。我们试图表现的是，姐妹两人长久分离后重逢的内心矛盾，“安娜”想要与姐姐在一起，而姐姐则担心伤害妹妹，内心深处最主要的感受是害怕，每个时刻都在斗争，试图控制自己的感情。后来我们重新编写了歌曲，表现多个层次的情感。最终，故事没有落入英雄战胜邪恶这个老套主题上。当最后安娜替姐姐挡剑时，很多观众都没有预料到。

戴尔·梅达，《冰雪奇缘》艺术总监

雪是《冰雪奇缘》这部电影最重要的组成部分，为了表现冰雪与人物的关系，我们做了很多研究。

我们开发了一个名为Matterhor的工具，用来处理雪的仿真效果，它像一个“虚拟雪盒”，可以非常准确地模拟出人物动作与雪之间的关系。

我们曾经做了一个测试：一个雪球如何从雪坡上滚落，雪如何分开，如何重新黏合，结果都与真实的测试完全一致，效果非常好。

另外就是风暴与人物的结合。我们建造了一个风向指示器工具，这样人物动画师就可以根据背景中暴风雪的方向，设计出人物的迈步方向、衣服被吹动的效果等。

为了了解雪花的形状，我们和加利福尼亚大学的教授们一起研究雪花的自然属性——雪花在结晶过程中因为温度、湿度变化而不停分裂的过程。我们制作了雪花生成器工具，能够形成2000个不同形状的雪花结构。最后，影片呈现出的冰雪世界美轮美奂，多部门协作的成功令人兴奋。

卡洛斯·沙尔丹哈，《冰河世纪》、《里约大冒险》系列导演

我们的蓝天工作室是个小型工作室，我本人有20年的动画电影从业经历。10年前做“冰河”系列电影时，我就想，为什么不做一部关于自己家乡的作品，反映我们那里美丽、多元的文化？我出生在里约热内卢，在我们的语言中，Liberdade是自由的意思，同时它也是一种鸟的名字。于是我们后来创作了《里约大冒险》，片子很成功，有很多人喜欢，所以现在出了续集。

《里约大冒险2》讲了“Blue”在有了家庭、孩子以后的冒险故事。

有趣、好看的动画电影需要好的角色，要有情感关联度。我们画了成百张草图，想象Blue这只鸟的“人物性格”。我们为Blue尝试设计了很多脸部表情、羽毛的颜色等。工作小组根据我给定的范围，去掉我不喜欢的元素，保留我喜欢的元素，慢慢地，设计稿与我想象中的角色越来越接近。最终确定后，我们在计算机中建立了一个3D的塑像模型，这样就可以从每一个角度碰触、观察它。

有了角色形象后，还要赋予它个性、感情、灵魂。我们要在鸟类和人的真实性间找到平衡。后来我们把真实的鸟带进了工作室……经过6个月，这个角色才最终成型。

电影中最难的部分是羽毛的处理。在“冰河”系列中，还只有“皮毛”，不需要“羽毛”技术。我们的做法是这样的：先在电脑中设计出一只“裸鸟”，然后加上皮毛，再添加上500万根羽毛，包括最内部的绒毛。

另一个巨大挑战是如何体现亚马逊丛林。我此前从没去过亚马逊，这次带着我的家人一起去了一趟，拍摄了大量照片，获得了很多灵感。我们还租了飞机从空中俯瞰，那些冰冷的海水与温热的河水形成了一个非常明显的交界线，这个场景后来用在了电影中。

体现“树木王国”也是个挑战，我们研究了大量的植物绘图，为的就是让每一片叶子都不一样，呈现自然状态，让观众感到仿佛真置身亚马逊丛林。

罗伯·明可夫，《狮子王》、《精灵鼠小弟》系列、《功夫之王》、《天才眼镜狗》导演

在迪士尼工作的时候，我参与了《小美人鱼》、《美女与野兽》、《狮子王》等动画片的制作，离开迪士尼后，我导演了真人与动画结合的电影《精灵鼠小弟》。后来，我在执导《功夫之王》时在中国待了一年，我觉得中国动画电影的未来会非常好。

人类超越其他任何物种、不同于其他动物之处，就在于我们需要讲故事，我们要记住过去和思考未来。早期人类讲故事的目的是教育或娱乐，要留下关于生活的记录，为下一代开发过去的故事，以让后辈欣赏前辈作为“人”的体验。这样，就需要通过各种媒介来展示“故事”，包括岩画、动物皮肤画等，他们是最早的故事讲述者，也可以说是世界上最早的动画创造者。

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现在，技术日新月异，如何将先进技术与人类最原始的需求结合，通过对光影、颜色的运用，创造最好的动画电影，是我们的责任。

孙立军，北京电影学院动画学院院长，《小兵张嘎》、《兔侠传奇》导演

首先我有一些数据跟大家分享：中国电影市场在2013年成为世界第二大市场，特别是3D银幕数，中国居世界第一。2014年第一季度，中国的电影票房依然喜人。

《兔侠传奇》是我第一次尝试使用三维技术的电影。很多人说中国的动画电影想象力差，但是我想告诉大家，当我们用“小米加步枪”去跟美国人的“飞机大炮”较量的时候，是非常难的。当我们有一个好的创意时，无法保证稳健的投资，以使它变成一个商品推到市场上去。另外，我们的市场游戏规则、人才都比较欠缺。

谈艺术或者技术，不应该忘记动画的本体。现在三维动画越来越多，二维动画越来越少，手画更少，而且，越来越依赖计算机。但是，艺术的源泉很重要，不可过于夸大技术的作用，否则会掉入技术陷阱。

动画电影未来是怎样的？我认为，未来的动画电影将是“电影游戏化”以及“游戏电影化”，交互式电影将成为主流。

互动影院和传统影院区别不大，但座位上要有一个按钮，观众可通过这个按钮参与剧情创作。事实上，像《阿凡达》、《少年派》这些影片也属于动画电影，因为里面超过一半的镜头运用了动画技术。不能固步自封于原来对动画的理解上，应该解放思想，抓住技术革命带来的千载难逢的艺术创新机遇。

中国现在有超过10亿的手机用户，有效用户大概6.5亿人，这些用户是“移动屏幕”，而现在影院的银幕数才20000块——全媒体时代，互动影像是发展大势。

彼得·洛伊德，《小鸡快跑》、《神奇海盗团》导演

做木偶电影，我最早的灵感来源于经典电影《金刚》。威廉斯·布朗在上世纪30年代制作了这部电影，他是这个行业的技术先锋。

1970年，我发现了一种材料——可以建造人物模型的黏土，很适合做动画。今天我带来的这个人物，里面是用钢架做支柱，身体是用硅和黏土制成的。我移动它的胳膊肘、手腕及手指，这样拍摄一个画面；再移动它的胳膊肘、手腕及手指，再拍摄一个新的画面……如此，最后把各帧放在一起播放就形成了动画。

这样拍摄动画，过程非常缓慢。动画师每周只能拍摄五秒钟，而且拍摄是不可逆的。如果是真人表演，一个动作不行可以修改，但木偶动画或黏土动画不行。如果不幸某个星期拍摄的镜头有某些错误，需要花很多时间来处理。

我们是如何让人物说话的？《神奇海盗团》中，一个人物有大约250个不同的嘴形，所有人物加在一起有上万个嘴形。

我们创造的是一些有趣的东西，所以即便到了今天，木偶和黏土动画仍然保有活力。

童话电影艺术的 篇12

一、艺术电影的缺失

根据我国当前院线汇总的官方数据统计显示, 张艺谋导演的《山楂树之恋》电影到2010年9 月28 日的总票房则已经突破上亿元, 是中国文艺片票房十几年发展的新高。这对于当前中国电影市场中艺术气息薄弱情况来讲, 不愧为一剂强心针。《山楂树之恋》文艺片电影在商业发展中的成功, 充分论证了精细化艺术内容的号召力和产业价值, 这与《孔雀》上映之后的结果非常相似。尤其是在2002 年, 张艺谋执导的《英雄》这部电影, 更是掀起了当前中国电影市场中开始制作商业电影的热潮。随后上映的《十面埋伏》、《夜宴》、《无极》、《满城尽带黄金甲》、《投名状》等商业大片, 促使整个中国电影市场呈现出更加浓重的商业化气息。正是过分追求商业化的现象导致中国艺术电影在发展中出现了缺乏危机意识的盲目自信, 以及轻视艺术发展的问题。通过从这点进行分析, 整个中国电影市场的结构性矛盾和制作方面出现“两极分化”的局面。

由于中国电影市场2004 年在整个产业化发展的道路上跨出了一大步, 所以这年被称之为“中国发展年”。在本年中, 整个中国艺术电影的产量首次突破了200 部, 与2003 年相比提高了60%, 这也是整个电影年中所创下的最高记录。但是, 这些记录只是盲目的向数量和盈利看齐, 在一定程度上酝酿了乐观的情绪。同时, 随着多部商业电影对艺术电影不断产生挤压, 促使越来越多的人们将商业电影作为一些文艺电影导演中出现创意不足和文化意识缺失的借口, 从而诱导中国电影观众逐渐靠向充满娱乐性的文化内容和媚俗的文化内容靠近。然而, 很多艺术电影中的激情与真诚逐渐被抹杀, 甚至很多粗暴的语言符号泛滥于电影市场中。

二、电影市场的结构失调

1、市场集中度低, 规模经济效益差

随着产业化改革不断发展, 整个中国电影市场的产业产量虽然不断增加, 但是电影产业的集中度却呈现出下降的趋势。中国电影集团在我国整个电影市场发展中具有非常重要的地位, 但是在2001 年的制作片市场份额虽达到了32%, 但随后却呈现出逐年下降的趋势, 直到2005 年直线下降到10%。我国其他电影企业的规模普遍较小, 生成集中度较低, 经济效益差, 严重制约了中国电影规模经济的发展。

2、企业间竞争不足, 市场结构不合理

中国电影市场的产业集中度较低, 便伴随着整个电影市场中企业间的竞争呈现出不充分的现象。虽然当前制定的发行体制打破了整个中影公司的发行独家垄断, 但是中影集团的参股及控股的电影院线的票房却只占据全国市场份额的一半左右。尤其是中影集团的电影进口分公司, 垄断了我国每年20 部国外影片的进口权, 拥有较高的竞争优势[2]。

例如:当前国外电影公司更乐于选择中影作为主要合拍片的中方合作者。直到2008 年底, 我国依然有17 家国有电影制片厂尚未完成改制现象, 而更多的是由国有全资电影发行放映, 并没有构建起科学完善的现代企业制度, 从而难以真正突出独立自主和自负盈亏的现代电影市场主体。同时, 当前国有电影企业凭借着自身多年的经营经验, 与政府间存在纷繁复杂的联系, 所以便需要获得政府的保护和支持。

当前中国的34 条电影院线在发展过程中, 其规模上的差异具有一定的明显性。同时, 在2008 年对本院的前十强的票房进行合计统计, 总票房为3115 亿元, 占整个中国电影市场总票房的78%, 清楚的看出整个院线间呈现出不平衡的现象, 从而形成典型的“金字塔”型结构。

三、中国电影市场和艺术电影结构协调发展的策略

1、集群化发展, 实现产业规模效应充分释放

创意产业作为一种新兴产业, 其具备的产业融合性直接决定了产业发展过程中所需要的多种资源, 集群化发展趋势较为明显。但是, 中国创意产业正处于起步阶段, 其发展规模较小, 发展特色不突出。因此, 在中国艺术电影创意产业的发展过程中, 应该不断强化特色创意产业集群的培育发展, 积极构建优势条件突出的创意产业基地, 打造系统完整的创意链条, 从而促使创意产业集群发展和产业规模效应能够较好的凸显出来。同时, 政府还应该充分利用法律手段全面监管集群化产品和电影市场服务, 合理的将影视制作集群产业的社会效益和经济效益有效统一起来。

2、选择市场准入条件, 构建平等竞争的市场环境

为了从根本上实现中国电影市场投资主体的多元化、公共化, 便需要充分利用公共的文化力量来构建中国电影市场不断发展的新格局。同时, 还应该合理分配电影审评、评片、电影专项资金及各类基金的使用, 坚持公平合理的原则。只有让政府的、国家的资本逐步形成经济利益共同体, 才能够取得社会各方力量的支持, 促进中国电影市场更好的向前发展。

3、秉承文化价值, 充分突出艺术电影的审美意义

为了有效改变中国艺术电影的缺失现象, 在制作艺术电影的过程中应该秉承艺术电影的审美价值和文化价值。尤其是在当前中国文化产业不断发展的过程中, 电影产业发挥着非常重要的作用, 具有举足轻重的影响力[3]。因此, 在当前世俗文化和电影艺术产业的发展中, 应该秉持文化价值和审美意义, 在电影中塑造出极具中国特色的人物醒悟, 合理的将典型的中国人物呈现于电影屏幕中, 充分全面的反映出中国人的伦理道德、风俗习惯、表情语调、行为准则, 以便满足现代中国电影观众的审美要求。

四、结论

总而言之, 在当前中国艺术电影缺失和电影市场结构失调的背景下, 要求中国电影应该坚持与时俱进的原则, 不断创新电影艺术, 从观念创新到体制构建、从管理到经营都需要有效结合时代发展的形式, 不断优化中国艺术电影市场的发展结构。只有这样才能够促进中国电影市场更好的向前发展。

参考文献

[1]中国电影市场:“偏心眼”的艺术[J].记者观察:上;2015 (9) :32-33.

[2]张丁心.论中国当下电影市场对电影艺术的解构趋势[J].创作与评论;2015 (12) :74-79.