设计艺术下艺术教育

设计艺术下艺术教育（精选12篇）

设计艺术下艺术教育 篇1

艺术哲学家苏珊·朗格说:“所谓艺术品, 说到底也就是情感的表现。”艺术与非艺术的分界线, 就看作品中是否灌注着生命意味和思想情感。艺术是情感的艺术, 是情感力度的表达。

一、电影艺术的特点及独特魅力

电影显然是一种艺术。这种20世纪诞生的艺术类别, 以现代科技为手段, 以画面与声音为媒介, 在运动着的时间和空间里创造银幕形象, 反映和表现现实生活和思想感情。不仅如此, 电影还是一种由纯视觉艺术发展而成的视听艺术。蒙太奇是电影最基本、最独特的艺术表现方法。电影的蒙太奇, 除了镜头内部、镜头与镜头之间的组合关系外, 还包括画面与音响、音响与音响之间的组合关系, 由此形成各个有组织的片段、场面, 直至一部完整的影片。电影还可称为时空艺术, 它兼有时间艺术和空间艺术的性质, 能将各种形式的时空组合直接诉诸观众的视觉和听觉, 再现物质世界的时间、空间关系。银幕上的世界是一个特殊的时空复合体。

一直认为电影里的艺术是最美的, 那些美仑美奂的画面, 那些看似无意却是精心安排的场面, 那些委婉动人、荡气回肠的情节……总之, 电影里所有美的一切都令人着迷。有人认为电影像文学, 有人认为电影像戏剧, 也有人认为电影像绘画, 还有人说像音乐, 等等。其实电影既像它们又不像它们, 电影就是电影, 因为电影是吸取、包容了文学、戏剧、音乐、舞蹈、绘画、雕塑、摄影等多种艺术的因素、集它们于一身的综合艺术。它通过画面和音响, 以及电影所独具的特殊表现手段———蒙太奇来塑造银幕形象。银幕形象通过可见的画面和可闻的声音具体、直接地诉诸观众的视听感官。

作为艺术的电影, 是诞生于众多古老传统艺术, 如文学、戏剧、音乐、绘画、雕塑等之后最年轻的艺术。它和古老传统的艺术相比, 只能算是小弟弟。可它后来居上, 最年轻的艺术———电影, 以其无可比拟的艺术魅力, 闯进了世界艺术之林, 一跃而成为最富群众性、最具影响力的艺术巨人。其所以能如此, 恰恰是由于它年轻, 有它自己的优势。电影不仅是诞生于古老传统的艺术之后, 而且它是吸取和消化了这些艺术的所长而又扬弃了它们的所短, 有机综合了多种艺术因素而形成的一种新型的独特的艺术形式。因此, 综合性是电影美的本质所在。

电影吸取了多种艺术门类而形成综合性的审美特性, 就其实质来说, 是时间艺术和空间艺术的有机综合。它是视觉艺术和听觉艺术的综合, 克服了纯视觉艺术难以满足人们对听觉形象的审美需求和纯听觉艺术难以满足人们对视觉形象的审美需求的局限, 而具有可以融合视听两者之长的优势, 成为一门最富群众性的艺术形式。

二、艺术名义下的“暴力和色情美学”

综合电影的种种, 电影里的艺术的确令人着迷。可慢慢地发现, 越来越多的非艺术的东西充斥进了大家所热爱的电影, 艺术和非艺术之间变得越来越混乱, 它们之间的界限似乎模糊了。如果说好莱坞电影曾以歌颂人性的善良、博爱、自由、平等而赢得世界的尊重的话, 那么现今充斥着色情、暴力、犯罪等所谓社会问题、探讨人性扭曲的电影在对人们的感官进行猛烈的刺激之后, 留给人们的无疑只剩下躁动、恐慌和心灵的迷失了。

前段时间从报上看到过这样一条新闻:某天凌晨1点, 杨女士刚刚参加完聚会, 往家里走。这时街上人流稀少, 当杨女士独自一人走到一条寂静无人的小巷子时, 两个黑影突然从背后向她袭来。一人冲上去把她按倒在地, 另一人伸手要抢她的皮包。杨女士慌了手脚, 想到自己随身携带着的5000多元现金和一部刚买不久的手机, 倒在地上的她尖叫着本能地护住了自己的手提包拼命挣扎。这时, 一把锋利的尖刀架到了她的脖子上。在冰凉的疼痛中, 杨女士无力地松开了手。两个人趁机夺过皮包后飞奔逃跑, 转眼就消失在黑暗中。后来在看守所中, 这些孩子告诉记者, 他们羡慕电影里人物的生活方式, 并且决定要像电影中演的一样一起在社会上“出人头地”。他们商量着在外面混到20岁, 希望能当上电影中所谓的“老大”。

同样的事例还有很多。陆良县某中学初中生李高敖与同学在教学楼前遇到闲逛的王某。因李高敖曾与王某的弟弟打过架, 王某在辱骂声中用脚踢了李高敖。被殴打的李高敖不是找老师反映或报案, 而是回宿舍找到一把弹簧刀, 并喊了3个同学助阵。4人返回教学楼前找到王某理论。对骂中, 李高敖拿出刀就朝王某胸部刺去……庭审中, 充满幼稚的被告人说:“我和同学们现在最爱看的就是那些江湖恩怨、打打杀杀的影片, 只要你够狠, 谁还敢欺负你呢?”

这样的案例并非孤立事件, 电视电影中到处都有宣扬暴力、色情的镜头和画面。一些中学生被充斥暴力和色情的电视电影所误导, 暴力倾向也就有了愈演愈烈的可能。一位初一学生说:“不是我喜欢暴力, 是因为暴力整天围绕在我身边!电影里不都是这么演的吗?”看着这些鲜活的事例, 听着这些令人揪心的话, 我开始思考电影的艺术到底怎么了, 忽然想到了鲁迅先生的一句话:救救孩子!

再来看看国外, 《环球文萃》曾登载的有关消息说, 美国动作巨星、银幕英雄施瓦辛格的传记出版时, 一个美国女孩极其兴奋地对记者说:“我就是喜欢看他杀人。是的, 我就是喜爱看他杀人!是的, 喜欢看杀人!是的, 喜欢杀人!是的, 杀人!”我想这个女孩如果真有机会目睹一场真的凶杀场景, 会很冷静且极有兴趣地旁观。

充斥着色情和暴力的影片实在是多的无法列举。像《天生杀人狂》、《杀死比尔》等, 由于影片大量运用了蒙太奇、黑白与彩色互换、MTV的手法, 对视觉极具冲击力。看完后我已是一身大汗, 朋友突然问我:“有没有杀人的感觉?”这些宣扬所谓个人英雄主义的影片, 为了取得理想的票房收入, 无不动用大量的人力、物力, 制造出大量残酷的凶杀和爆炸场面来冲击人们的视觉。电影里人与人之间的冷漠、丑恶人性的张扬对人们有多么负面的影响就更不用说了。

那么, 试着有理性地命定它是“艺术”的, 可这明显还是无法说服我们自己。实际上很多的影片让人实在无法把它与艺术二字联系起来, 那的确是活生生的、血淋淋的暴力或色情的场面, 最可怕的还就是那种所谓艺术化了的、夸大的场面。一部有关越战的片子一开始就是这样的镜头:一把刀架在一个美国士兵的脖子上, 因为他勇敢地不透露一点消息, 刀开始向上运动, 还是慢镜头, 然后有力而缓慢地向下砍去, 人头缓缓地与脖颈分开, 鲜血冲天而起, 殷红了整个银幕, 这时编导及时地打出片名。

这又怎么能让大众理智地、努力地用“艺术”的眼光去看待这些光怪陆离的电影呢?电影, 你究竟怎么了?曾经令人砰然心动的艺术, 似乎越来越模糊。不知从何时起, 我们越来越多地看到、听到“暴力美学”这个词汇。电影评论中, 一批新锐导演的作品被认为与“暴力美学”相关, 如美国的昆廷·塔伦蒂诺、中国香港的吴宇森等。一些武侠电视剧, 以及原本单纯可爱却被加入暴力内容的卡通画, 被联系至“暴力美学”;一些新推出的电子游戏产品, 也争先恐后以“暴力美学”作为卖点;一些新闻类作品, 如犯罪实录电视采访、展示残酷场面的新闻摄影作品, 也被贴上了“暴力美学”的标签。如今, 它作为一种电影艺术的风格和表现手法, 实实在在地存在。它是以美学的方式、诗意的画面, 甚至幻想中的镜头来表现人性的暴力面和暴力行为的。昆廷·塔伦蒂诺的《杀死比尔》是近几年暴力美学的典型代表, “拿斧子削尖脑袋挤进江湖”这么血淋淋的事情是暴力, 但又被冠以“有美学倾向和美学目的”。而这种美学, 被不断地扭曲, 甚至有些支持人士声称“暴力程度与票房收入成正比”。于是越来越多的暴力和色情场面贯穿在电影里, 艺术与非艺术似乎也越来越模糊。

这究竟是艺术还是纯粹的暴力和色情?以艺术的名义, 色情和暴力, 在心理禁忌的最后限度下, 似乎还在全方位地探索着。

请还电影一片纯洁的天空吧, 我们爱电影, 也爱艺术。

摘要：作为艺术的电影, 是诞生于众多古老传统艺术如文学、戏剧、音乐、绘画、雕塑等之后年轻的艺术。它吸取了多种艺术门类而形成综合性的审美特性, 就其实质来说, 它是时间艺术和空间艺术的有机综合, 是视觉艺术和听觉艺术的综合, 具有可以融合视听两者之长的优势, 成为一门最富群众性的艺术形式。而如今越来越多的暴力、色情等非艺术的东西充斥着电影, 艺术和非艺术之间变得越来越混乱。充斥着色情、暴力、犯罪等所谓社会问题、探讨人性扭曲的电影在对人们的感官进行猛烈的刺激之后, 留给人们的无疑只剩下躁动、恐慌和心灵的迷失。

关键词：电影,艺术,“暴力和色情美学”

设计艺术下艺术教育 篇2

1艺术教育可以陶冶情操

理性与情感对个体的发展起着至关重要的作用，而感情往往通过艺术教育得以正确发展。艺术教育具有的审美功能，在陶冶人的情操和发展各人感情方面具有不可替代的作用。审美教育在具体的教学过程中，运用感性的、直观的方式，使审美个体切身体会美的标准、美的特质和美的规律。这种超越理性的观照方式，能够更加触动个体内心，从而对个体起到直接的、强烈的教育作用。个体情操的不断发展和完整，最终将促使个体间关系的和谐发展，这即是艺术教育在和谐校园文化建设方面的“润滑剂”作用的最好体现。

2最重要的环节离不开艺术教育的培养

每个人都具有共性和个性两个方面，在当今社会发展中，创新往往与人的个性有密切关系。人的个性培养，需要获得方方面面的教育。在高校艺术教育过程中，注重学生感受的多样性，通过艺术教育使个体尽可能地获得丰富的独特感受，成为高校艺术教育者的共识。如果说智育和德育主要发展了人心智和德行方面的个性，那么美育则发展了人审美方面的独特个性。艺术教育的这一审美功能，促使个体在和谐的最高境界中追求“和而不同”，保持了个性的独立性。只有每个个体具有独特的审美认知，才能够达到整体的“百花齐放”，进而使校园文化建设充满生机，促使校园文化建设成为生动的而非呆板的、独特的而非随波逐流的、内容丰富的而非单一的发展模式。

3艺术教育可以促进人的心理健康

设计艺术下艺术教育 篇3

关键词：西方艺术；影响；中国当代艺术

中国当代艺术的形成和发展经历了一个漫长的过程，并在形成初期不断借鉴和模仿西方艺术，并在很大程度上照搬西方艺术的先进模式。虽然以美国为首的西方国家在艺术发展方面的确领先于世界，并有许多值得各个艺术发展落后的国家借鉴的地方，但是，一味的挪用和照搬使以中国为首的其他国家的艺术形式缺乏自身特色，违背了当代艺术自由、创新的原则，更缺乏观念性和批判性。现代艺术最注重彰显人的主观意识和精神，体现人主观的社会价值，是对当代社会生活最真实的反映，因此，也要求具有广阔的创作空间，体现全新的艺术理念。

一、中国当代艺术的特点

（一）追求个性

当今社会，个性的张扬已成为一种趋势，追求个性不仅体现在新思想、新风尚方面，艺术类型的发展也逐渐强调个性的张扬，一定程度上说，新事物无疑为社会发展和人类进步注入了活力，体现了文化的张力。西方国家将追求个性作为艺术领域最重要的方面，因此出现了各种抽象派、写意派的艺术作品和艺术大师，这种先进性也被我国拿来学习。但是我国艺术家对追求个性的理解却有所欠缺，创新的艺术作品往往在形式上变幻莫测，作品题目更是让人难以理解，整体呈现一种杂乱无章的状态。追求个性作为中国当代艺术的重要特征，若不能被正确理解就可能会对中国当代艺术的发展产生错误引导，因此，艺术家追求个性的脚步不能停止，同时要把握好个性张扬的方向。

（二）强调批判性

艺术作品往往是社会现象和社会状态的反映，因此，艺术家通常具有敏锐的洞察力和强烈的社會责任感，对社会问题具有一定的预见性和较强的敏感度，优秀艺术家的艺术作品也往往具有时代批判性。比如著名油画作家罗中立的《父亲》，就是通过画中父亲苍老、辛劳、贫苦的形象对当时农民贫困生活进行描绘，批判了当时落后的社会经济体制。同时，张晓刚的《同志系列》通过对一个时代人的生存状态进行描绘，反映当时人物的心理，从而对文革给社会带来的负面影响进行批判。总之，当代艺术作品很大程度上是当时社会状态的反映，对当下社会的某些落后性进行批判，并对未来生活进行启示和引导。

（三）民族特色

中国当代艺术的发展是在不断学习西方艺术的先进性的过程中进行的，外国艺术作品中的优秀成分固然值得学习，但是这种学习应该是有限的，并且应体现本国本民族的特色，然而在漫长的学习过程中，我国艺术家却忽视了这一点，导致我国艺术作品过多借鉴外国的设计甚至照搬外国艺术作品的核心。当前，在中国当代艺术不断革新的过程中，艺术家们逐渐认识到了民族特色的重要性，并尝试在艺术作品中体现中国元素和民族特色，包括京剧脸谱、水墨和剪纸等。艺术作品是将本国文化推向世界的重要桥梁，不应成为别国文化入侵中国的载体。

二、西方艺术对中国当代艺术形成的影响

（一）推动了中国当代艺术的形成

艺术的出现起源于西方，并最先在以美国为首的西方国家发展和完善，艺术框架的形成为中国艺术的发展奠定了基础。从20世纪六七十年代开始，中国开始进行艺术培养和发展，主要对美国等国家已形成的艺术体系进行借鉴，对西方国家优秀艺术作品的设计进行学习，逐渐勾勒出中国的艺术体系，到80年代末90年代初，中国当代油画艺术作品频繁出现在国际知名卖场，并拍得上千万元的天价，这得益于外国藏家的热情和支持，成为中国当代艺术发展的重要推动力，在西方艺术市场对中国当代艺术的推崇下，中国当代艺术体系正式形成。

（二）中国当代艺术成为一个没有大师的时代

艺术领域对“大师”并没有一个明确的定义，也没有确切的标准去衡量。事实上，大师是艺术领域一个时代的产物，往往带有革新精神和艺术创造精神，其作品或思想是两个不同时代艺术模式承前启后的转折。徐悲鸿作为一名画家，他也是一名美术教育家，擅长国画、油画和素描，提出了“洋为中用古为今用”的改革主张，体现了中西结合的思想，可以说对中国画的进步改良做出了一定的贡献，其思想虽然被主张传统的反对派所抵制，但是其思想却被应用至今。吴冠中在油画创作的中西结合方面也作出一定贡献，其作品主要表现美的各种形式，但是过分强调形式美又称为其作品最大的缺点。因此，中国当代艺术成为一个没有大师的时代。

（三）中国当代艺术长期缺乏创新性

中国当代艺术受西方绘画、影象、装置、行为、波谱等的影响后，材料、手法等都更加自由多元，不拘一格，形成了多元化的局面。如油画，从传入中国至今已一个世纪有余，在技法上与风格上很快走完了西方油画几百年的发展历程。对西方油画是模仿或说学习，但更多的是抄袭，批评家美其名曰“挪用”。

西方的艺术的样式风格对中国艺术产生了巨大的影响，中国艺术家在思想认识与艺术方式上与西方都显得很相似。衡量当代艺术作品质量的优劣的方法是：学术上是否有创新，艺术作品是否美。当代艺术作为观念性艺术，没有框框，唯一的要求是不能模仿和剽窃别人的创意，否则当代艺术就不会存活。如“政治波谱艺术”王广义的作品《大批判》《打格子的毛泽东》等，是对美国艺术安迪沃霍尔的政治波谱艺术的翻版。中国当代艺术一产生就带有西方的影子，似乎是同一个爹娘，艺术家要尽早摆脱这种局面，形成中国面貌。

三、中国当代艺术完善发展的建议

（一）抽象表现主义与东方化结合

叶朗在《现代美学体系》中指出要重视对东方美学独立范畴和体系的研究，并探索西方美与中国美融合的艺术发展之路。抽象表现主义的画作最能表现美，因此艺术领域要加强对抽象派画作对东方美融合效果的引导。传统的抽象派画作往往注重对色彩、材料的运用，反倒使作品主题表达不鲜明。70年代以来，抽象派画作的代表人物朱德群开始调整自己的创作方向，使之具有更深刻的含义，并不断将东方化元素融入到他的作品中，比如对自然的描绘就体现了中国化特色，在绘制中摆脱了形的束缚，但是自然界的山水云朵却在斑斓的色彩背后得到更好的描绘。抽象画中的这种意象就是创作者的思想与自然的结合，创作者将东方文化融入到抽象画作中进行表达，再结合西方对色彩关系和线条的运用，从而形成新的抽象绘画风格，并进一步促进中国当代艺术的发展完善。

（二）艺术与科学、哲学结合从而造就艺术大师

哲学和科学是对人类社会和客观世界自然规律研究的学科，能使人看得更高更远，使艺术创作者判天地之美，析万物之理，从而提高艺术作品的境界。吴冠中先生对艺术作品的境界和情怀高度重视，也十分强调科学和哲学之于艺术创作的重要意义，这也是一切艺术大师都具备的特点。艺术与科学和哲学息息相通，艺术领域要想造就艺术大师就要注重于这二者的结合，艺术创作者要想成为“大师”就要学习科学的缜密性，从而准确表达艺术情感，还要融合哲学的博大情怀，方能创作出思想境界和艺术境界较高的作品。

（三）探索民族性与西方性相统一的艺术形式

当代艺术创作的核心是革新艺术观念，通過对西方国家新表现主义方法的借鉴，从而减少传统中国画中对优雅意境描绘的追求，增加对社会、历史和自然的本真描绘，构建有中国气息、体现民族特色、符合大国形象的艺术风格。追求中国性也正是我国第十、十一届“全的国美展”的突出特征，这充分说明中国当代艺术开始注重民族性与西方性的结合。当前我国艺术领域开始进行跨界创新，以期打破艺术门类的界限，一方面在面临西方画对中国画造成的巨大冲击时，我国艺术创作者开始大胆吸收西画的色彩和造型技巧，从而丰富国画艺术情感的表达；另一方面，在中西方艺术交流的大背景下，中国画敢于运用传统艺术题材表现当代人的审美情操，从而达到了一种向西方国家宣传中国文化和中国画创作的目的。如刘文洁的《物华》就是通过弱化中国水墨画的线条，吸收油画的银灰和淡绿基色并将其水墨画，将中国画空灵写意的美好意境表达得淋漓尽致，实现了较大的突破。因此，我国当代艺术发展过程中进行民族化和西方化的融合值得进一步推广。

四、总结

总之，在西方艺术的影响下形成的中国当代艺术，既有其值得肯定和继承发展的方面，又有需要创新和改进的方面，中国艺术作品的创作者应把握好民族元素与西方绘画的平衡，合理借鉴西方艺术创作中的先进手法，而不是照搬西方艺术的整体设计，走出有民族特色的艺术创作之路。

参考文献

[1] 常宁生.艺术学的建构与整合——近百年来的西方艺术学理论与方法及其与中国艺术史研究[J]. 艺术百家. 2009（05）

[2] 潘颖.对中国当代艺术的反思[J]. 文学界（理论版）. 2011（03）

艺术品鉴证备案下的艺术未来 篇4

凡是艺术品持有人,都可以按照鉴证服务流程在雅昌艺术品鉴定中心进行鉴证服务。

艺术家本人创作的作品,可预约雅昌艺术品鉴定中心,到其约定的鉴证服务点直接进行鉴证备案服务,只需要做技术备案即可。

登录中国艺术品鉴证备案信息平台(http://beian.artron.net),输入“鉴证号码”可查询该艺术品相关备案信息;或用智能手机直接扫描证书中的二维码,亦可登录查询备案信息。

就艺术品造假这一现象而言,可谓古来有之,“鉴定”也成为中国历代收藏鉴赏家们必备的能力。北宋宣和年间的《宣和画谱》,清乾隆、嘉庆两代皇帝亲自主持编成的《石渠宝笈》、《秘殿珠林》、《天禄琳琅》,包括私人收藏家编著的明代项元汴的《蕉窗九录》、《天赖阁帖》,张丑编著的《清河书画舫》,清代安岐著录的《墨缘汇观》等都成为后人收藏和鉴定艺术品的重要证据。所以在当下的艺术品市场中,传承有序、著录可信的艺术品一直是拍场藏家相互追逐的对象。但当代书画市场中的不可追溯性和产业链中的漏洞让造假者趁机而入,从而让当下市场的造假现象却比以往任可时代都严重。

为了从源头解决造假问题,作为首批艺术品鉴定试点单位,雅昌艺术网联合艺术家对现有作品进行鉴定建立DNA式的权威艺术品“身份证”,为中国艺术品传承有序、艺术品市场健康发展保驾护航。雅昌鉴证备案服务从2013年5月份启动以来,包括杨之光、何家英、周韶华、卢禹舜、龙瑞等越来越多艺术家陆续加入到艺术品鉴证与打假的行列之中。

从事艺术品收藏已经十几年的收藏家王先生参加了雅昌艺术网联合著名艺术家何家英先生进行首轮何家英作品鉴证备案,他带来的一件作品经过技术检测和何家英本人鉴证之后确认为艺术家原作。王先生在鉴证备案现场颇有兴致的谈起了自己的收藏故事,但同时也感慨自己所在的收藏圈子里大部分人都曾经吃过假画的亏:“收藏家作为这个产业链条的最后一环,往往受到假画的影响是最直接也是损失最大的,让人深恶痛绝,所以才参与了这次何家英首轮的鉴证备案。这不仅能够让我与艺术家本人直接进行交流,同时,艺术家亲自签署的‘鉴定证书’让我的藏品有了一种保障。”

鉴定结果:真(由艺术家本人亲自鉴定)鉴定编号:JZGZ101000019401330

鉴定结果:真(由艺术家本人亲自鉴定)鉴定编号:TP31010000172487769

鉴定结果:真(由艺术家本人亲自鉴定)鉴定编号:JZBJ101000017201529

王先生所提到鉴定证书在西方的艺术品流通市场中尤为重要,证书上注明艺术家姓名、作品名称、作品材质、创作版数等详细信息,防伪证书为艺术市场的规范性起到至关重要的作用,也成为二级市场专家决定是否上拍的重要证据。也正是因为如此,艺术家亲自签署鉴定证书也成为雅昌艺术品鉴证备案服务中的重要环节。

据雅昌集团鉴证备案鉴定证书的研发负责人葛侬介绍,鉴证备案的鉴定证书是由雅昌艺术品鉴定备案中心出具的公信证明,该鉴定证书检测数据具有司法证明的作用与意义,所以雅昌在证书的设计研发和制作上应用了高端的防伪技术。

葛侬介绍,雅昌艺术品鉴证备案鉴定证书主要应用了熊猫水印证券纸、开窗安全线、隐形可变荧光防伪码和RFID射频电子标签四方面的防伪技术。

首先证书的用纸是熊猫水印证券纸,这种纸张主要用于印制对强度和耐久性要求极高的证券、政府法律条约文件等;纸的水印夹在纸的中间,是纸张生产过程中用改变纸浆纤维密度的方法而制成的,纸面光滑、细致,纸质坚韧,耐久性强,具有优良的耐水性、耐擦性和耐折性;辨别方式是透光看即可看到水印图案。

鉴定证书的第二种防伪技术是开窗安全线,也是以目测的识别方式来辨别,这种防伪方式主要用于证府机关各类证书、金融机构各种票据、有价证券、证照等产品的防伪。

第三种隐形可变荧光防伪码则是使用特殊荧光油墨印刷,肉眼和手感触摸无法找到防伪码,必须使用紫外线灯照射才能看到,具有较高的隐藏性。同时采用可变的编码作为荧光防伪码的内容,增加仿制难度,通过荧光灯照射来观看。

证书中所应用的RFID射频电子标签防伪技术需要采用专用RFID电子标签识别器来识别,RFID电子标签由标签天线或线圈及标签芯片组成,芯片是具有无线收发和存贮功能的单片系统,它存有一定格式的电子数据,可根据需要标识信息。全球标准编码委员会给各个RFID厂商分布不同序列号区段,全球唯一序列号固化在RFID标签的芯片里,使得RFID标签具有全球唯一性。一套完整的RFID系统,是由阅读器、电子标签、应用软件系统三个部份组成。RFID技术具有防水、防磁、耐高温、读取距离大、标签上数据可加密、存储数据容量大、存储信息更改自如等特点。多用于电子票证、物流系统、高速公路收费及智能交通系统。

四大防伪技术的运用保证了雅昌艺术品鉴证备案鉴定证书的权威性,经过鉴定后的艺术家原作将由艺术家亲自签署证书并由雅昌艺术品鉴定备案认证中心进行技术备案,出具防伪鉴定证书的同时也将作品数据存入中国艺术品数据,并向全球公开查询。当作品进入市场中流通时,鉴定证书便成为保证艺术品真实性的重要证据,当这种为艺术作品建立流传有序的“身份证”式体系建立起来之后,将会在很大程度上肃清艺术品市场。

鉴定结果:真(由艺术家本人亲自鉴定)鉴定编号:JZGZ101000019401564

八（下）艺术课 篇5

开课时间：第七周星期二　第五节

学科教材：上海市《艺术》（音乐）八年级第二学期

学校年级：新寺学校　八（１）班

执教教师：范利华

【教学目标】

1、审美情感与态度：

鉴赏以《梁祝》故事为基础的艺术表现形式，领略由中国民间传说衍生的艺术魅力。并引导学生感受作品中的真挚情感，从而加深对中华民族文化与民间艺术的热爱之情。

2、艺术知识与技能：

在欣赏的过程中，初步接触协奏曲、越剧、影视等艺术表现形式，并简单了解其艺术特点。

3、过程与方法：

在体验的基础上，引导学生对不同艺术形式的《梁祝》作品进行简单的分析和讨论，通过编创展示活动让学生对所学知识进行拓展与整合，促进学生的创新、合作与交流。

【教学重点】

在各种艺术实践活动中引导学生学会欣赏民族作品《梁祝》的艺术魅力，并运用不同艺术表现形式来感受与体验作品中的真挚情感。

【教学难点】

通过对《梁祝》作品的分析与讨论，让学生了解不同艺术表现形式的手法与特色，感受并体验艺术表现形式的多元性和交融性。

【教学过程】

一、导入

１、欣赏各种类型有关蝴蝶的艺术作品

师：你们最喜欢哪种风格的艺术作品？为什么？

２、学生回答

３、归纳：虽然它们采用了不同的艺术表现手法，但都把原本简单的蝴蝶表现得栩栩如生、多姿多彩。那么今天我们这节课的主题就是——“多彩的蝴蝶”。说到蝴蝶，同学们印象最深刻的音乐作品是什么？

二、复习小提琴协奏曲《梁祝》中“化蝶”乐段

师：小提琴协奏曲《梁山伯与祝英台》我们在七年级的时候就已经欣赏过了，它有很多个主题乐段，其中最具代表的就是“化蝶”这个乐段，让我们一起再次重温这个美好的主题。

１、作品的艺术表现形式是什么？（请选择）

小提琴协奏曲

２、介绍协奏曲

由一件乐器与管弦乐队协同演奏的器乐套曲称之为“协奏曲”，属于交响音乐的体裁之一。

３、（出示旋律谱）

让学生一边做拉小提琴的动作，一边跟着老师的钢琴优美试唱乐曲的旋律。

４、音乐素材的来源

师：同学们你们知道《梁祝》的音乐旋律，是以我国的哪一种地方戏曲为素材的吗？（越剧。同学们如果回答不出，或者回答错误不要紧，欣赏完“十八相送”在给他们答案）

三、赏析越剧《梁祝》中“十八相送”的片段

１、初次欣赏（音频）

Ａ、判断剧种

师：下面我们欣赏一个戏曲片段，判断它属于戏曲中的哪个剧种？（越剧）

Ｂ、判断依据

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语言：江苏、浙江一带的方言

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风格：曲调委婉、柔美

Ｃ、简单介绍越剧

越剧是流行于江苏、浙江一带的地方戏曲，它最明显的标志就是运用了江浙的方言演唱，曲调委婉柔美、清新脱俗。

小提琴协奏曲《梁祝》正是运用了越剧清新、委婉曲调，作为旋律素材进行再度创作的。

２、再次欣赏（视频）

师：“十八相送”师越剧《梁祝》的经典唱段之一，讲得是梁、祝二人学业结束以后，依依不舍、十八相送到长亭的故事，唱词中祝英台运用了许多比喻，来暗示她对梁山伯的爱慕之意，现在我们就来欣赏这个唱段的片段。

Ａ、祝英台运用了几个动物作比喻，分别把什么比喻了什么？

Ｂ、分析二人的性格特征：

祝英台——活泼、聪慧，而且含蓄。

梁山伯——老实、憨厚，而且木讷。

Ｃ、学一学剧中祝英台向梁山伯道歉的对白。

（学出祝英台的调皮、可爱，和梁山伯的木讷、正经。）

台词：祝：梁兄~~

小弟讲错了~~

梁：嗯，下次不可！

祝：嗯~~

下次不可~~

（为了活跃课堂气氛，可以生生对白，也可师生对白。）

三、赏析电影《梁祝》的结尾视频片段

师：看完这段“十八相送”，此时此刻同学们的心情一定和祝英台一样，沉侵在喜悦和欢乐中，但是这个喜悦却是短暂的，我们都知道他们最后的结局是什么样的？（梁山伯抑郁而死后，祝英台投坟殉葬）。那么现在让电影来再现《梁祝》最后悲惨、凄美的结局。

１、初次欣赏

思考：电影在视觉艺术上的是通过哪些元素来表现这种悲壮、凄美的氛围的。我们可以从场景的变化，和人物的造型、动作着两个方面来思考。

1)

场景的变化：

风云突变、——　狂风暴雨、——　飞沙走石、天昏地暗　　　　　漫天黄沙　　　　　低裂坟开

（营造了一种人神共泣、天地都为之动容的场景。）

2)的造祝英台的造型、动作：

（造型上）红妆——孝服

（动作上）首先从轿中摔下了，然后一边奔跑，一边把衣服、头冠扔掉，跪在了梁山伯的坟前，最后面带微笑、毅然投坟。

（体现了祝英台的“不顾一切、义无反顾”。）

２、再次欣赏

师：这一次欣赏我们注意力放在听觉艺术上，听一听电影“英台投坟”中出现了几种不同类型的声音。

1)

女声齐唱的声音

2)

物体崩塌的声音

3)

声声呼唤“小姐……”的声音

３、学生运用以上三种声音，模拟影视配音。

４、总结电影艺术

师：什么是电影艺术？简单一点说，电影艺术就是集音画艺术、视听艺术为一体的综合艺术。在电影版的《梁祝》中，我们看到了综合艺术表现的手法，让观众的视觉、听觉以及情感都获得了强烈的震撼。

四、对比戏曲艺术和影视艺术的相同和不同之处：

相同点

不同点

戏曲艺术

都有丰富完整的剧情、个性鲜明的人物。

场景

审美心态

特点

影视艺术

虚拟场景

唱腔

艺术化

真实场景

故事情节

生活化

总结：无论是西洋的管弦乐，还是传统的戏曲，或是现代的影视，都把中国古老的蝴蝶传说演绎的委婉动人、多姿多彩，让观众和听众产生了强烈的艺术共鸣。这就是艺术的多元性和交融性。

六、艺术创编与展示：

活动主题：“艺术大舞台”

活动口号：爱艺术，爱生活，我的舞台，我做主！

1、学生把课前的创编成果，分小组展示

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舞蹈形式：用扇子舞表现化蝶。

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舞台剧形式：剧本创编（把结尾的悲剧，进行喜剧改编。）

2、评价、小结

七、总结

现代语境下的传统设计艺术 篇6

关键词：传统设计思想 手工艺 设计作品

在艺术设计领域，对“传统与现代”话题的讨论用泛滥来形容并不为过，无论是在期刊、杂志上公开发表的汗牛充栋的理论文章，还是各院校设计专业的毕业论文；无论是各种大小型展览中的设计作品，还是学生的设计作业；无论是艺术设计界的知名学者和顶级设计师，还是刚刚踏入设计领域的在校学生；他们无不在谈论和运用传统设计。我想之所以出现这样“热闹非凡”的局面，一方面是对于当前设计界所处的现状不满，另一方面是越来越多的人意识到传统文化和传统设计对于未来社会和未来设计的重要性。尽管当前的讨论还比较混乱，甚至还很难找到切实可行的方法，但我始终认为只有讨论才有益于深入，也只有讨论才有益于思想的碰撞。因此，笔者将从传统设计艺术在现代社会中所处的困境的角度入手，谈一些粗浅的看法。

我们的所谓现代设计，无论在技法表现上还是在指导思想与设计理念上都源于西方的理性文化，现代设计固然在西方曾取得过辉煌的成就，但当其传入中国后，仍然出现了水土不服的情况。“现代设计从根本上说是一种西方理性文化的设计理念，这种理念与中国传统的设计思想有诸多相异之处，后者没有刻意的设计成分，而是一种从整体上以感性把握而又顺乎自然的创造方式。”①中国的现代设计仍处于起步阶段，西方的设计理念和经验我们固然需要吸取和借鉴，但要形成自己的特色，我们必须立足于本土，立足于我们的传统文化和传统设计艺术。

当我们去梳理我国传统的设计造型和设计元素时，我们不难发现，中国历史上出现的设计造型和设计元素极其丰富，不仅包括传统陶器、青铜器、漆器、玉器、雕刻等各种造型，还包括具有传统意味的其他形式及其表面上的装饰和纹样，即便我们的民间艺术中的造型和元素用汗牛充栋来形容也不为过。可是，让人遗憾的是，随着我们生活方式的日益西化，传统设计造型和元素离我们也越发遥远。作为设计工作者，我们有必要去反思出现这一现状的原由。

首先，随着经济的不断发展，社会生活的改变使传统设计造型和元素失去了赖以生存的土壤。传统设计造型和元素是手工业社会的产物，与以机械化生产条件下的现代设计显得格格不入。自从20世纪初期西方思想和先进技术的不断涌入，中国社会发生了深刻的变化，现代中国人的衣食住行可以说更接近于西方社会。中国传统设计造型和元素产生并发展于比较封闭的慢节奏的生活方式，很多复杂的工艺和繁琐的形式并不能适应现代快节奏的生活方式。1978年湖北随州擂鼓墩曾侯乙墓中出土的战国时期青铜尊盘（图1）可以说是工艺与技术的完美统一，这件作品主要由尊和盘两部分组成，这两部分再有本体、装饰附件和镂空附件组成，分别使用了不同的铸造工艺和不同的接合方法；“本体用浑铸法（即一次整体铸成），附件用分铸法（即分别铸就），镂空附饰则采用失蜡法熔模铸造，然后借助铸接、焊接、铆接、组装等多种接合方法连成整体”②；这件青铜尊盘的铸造可以说集先秦铸造工艺之大成，其造型和装饰艺术之精巧，无不让人惊叹。然而，对于生活在现代社会中的我们，这样的复杂工艺和繁琐的装饰除了使我们感慨前人的工艺技法外，却很难融入到我们的现实生活。要想使传统的设计作品和传统元素更好地为现代设计服务，我们必须要对前人的作品进行研究和变革，提取其中仍然具有现代价值的因子。

其次，我们对传统设计思想和设计作品本身研究严重不足。设计艺术思想是设计艺术创作的原动力。由于受到传统文化中“重道不重器”的观念影响，中国的艺术创作和艺术思想主要集中在绘画、书法、音乐等几个门类，而真正流传下来的付诸于文字的设计思想却严重不足。由于中国古代从事手工劳作的匠人基本都处于社会的底层，很少能把自己的设计经验和设计思想用文字记载并保存下来，与内容极其丰富的古代画论和书论相比，关于设计和工艺方面的文章和专著极其稀少。除了《考工记》、《天工开物》、《营造法式》等少数几本专著外，几乎很难找到其它专门论述手工艺方面的文章。然而，即便如此，也不能说明中国古代艺术设计缺乏设计思想，首先，几本专著中就含有极其丰富的设计思想需要我们不断地去研究；其次，流传下来的大量手工艺作品本身具有丰富的设计内涵，这就要求我们从作品中去发掘和研究造物者的思想。例如，现代设计中所强调的对于材料的质感原则，在先秦时期的《考工记》中就记载着“天有时，地有气，材有美，工有巧。合此四者，然后可以为良”的设计制作原则，对于材料的重视可想而知；现代设计中所强调的环保原则，在西汉时著名的“鎏金长信宫灯”（图2）中就表现的淋漓尽致，可以说是艺术与技术、实用与环保相结合的典范。可以毫不夸张地说，现代设计中所强调的各种设计思想和设计原则，在古代设计思想和设计作品中基本都能找到其渊源。建筑大师贝聿铭曾经说过：“现代建筑必须源于他们自己的历史根源，就好比是一棵树，必须起源于土壤之中，互传花粉需要时间，直到被本土环境所接受”。③因此，现代设计的发展需要对传统设计思想的借鉴和继承，否则将成为无源之水，无本之木。这就需要我们去不断地研究传统设计思想，研究其在当今社会仍然具有借鉴意义的设计内涵。

再者，对于中国传统设计艺术作品而言，工艺技术起到了非常大的作用，在机器大生产出现之前，也正由于工艺技术的不断发展和创新才推动了古代设计艺术的不断进步。“工有巧”、“能工巧匠”、“巧夺天工”等是对中国古代设计艺术作品以及制作者的最高评价。当我们去欣赏古代流传下来的大量手工艺作品时，其精巧的工艺水平无不使我们叹服。前面所列举的战国曾侯乙墓出土的青铜尊盘便能很好的说明这一点。但从另一个角度而言，也正是由于中国古代工艺技术的复杂性阻碍了传统设计的现代化进程。中国古代设计艺术品是关乎人们的衣、食、住、行、用诸多方面的物质文化创造，是与人们的日常生活最为密切相关的，因此，人们对于其工艺技术的掌握便显得司空见惯。然而，随着人们生活方式的不断改变以及商品的机械化和批量化生产，普通大众对于传统的工艺技术越发显得陌生。除了极少数专业人士外，很少有人了解陶器、青铜器、漆器等器物的制作流程，即便是民间最为普及的剪纸、刺绣、皮影等也成了重点保护的对象。毋庸置疑，中国古代传统设计艺术中的工艺技术理应为现代设计提供有益的借鉴，但这需要设计师们的集体智慧和共同努力。

作为拥有五千年悠久文化的文明古国，中国曾经出现过极其辉煌的手工艺设计，并为我们留下了极其丰富的古代设计艺术作品。尽管在过去的几十年中已经有越来越多的设计界有识之士认识到传统设计艺术对于当代中国设计的重要性，也进行了不同程度的理论研究和创作实践，但在整体上并未能改变中国设计当前总体落后的尴尬局面。我们有理由相信，随着我们对传统设计艺术的研究不断深入，随着越来越多的人对中国本土精神回归的重视，传统设计艺术必然会给未来中国设计提供更多地有益帮助。

注释：

①汪大伟，胡建君.“岁寒三友”的理念—图案、三大构成、艺术设计及其它，载杭间等主编，中国传统图形与现代视觉设计[D].济南：山东画报出版社，2005.1

②孙长初.中国古代设计艺术思想论纲[M]，重庆：重庆大学出版社，2010.3

③【德】盖罗冯·波姆著，林兵译.贝聿铭谈贝聿铭[M]，上海：文汇出版社，2004

艺术教育:放慢脚步,静下心来 篇7

现在, 家长们坐在一块儿聊天常常是“拼孩子”, 如果谁家的孩子没学过画画、没报过艺术培训班都不好意思在众人面前开口。不知从何时起, 艺术培训、艺术比赛俨然与艺术教育等同起来, 艺术培训越来越热, 幕后指挥是家长, 前台参谋是各类培训班和学校的老师, 孩子们冲锋在前, 牺牲无数个节假日接受所谓的艺术教育!在这场始于幼儿园阶段, 终于小升初或初升高阶段的拉锯战中, 输家只有一个, 那就是孩子, 而且赌资巨大———孩子的金色童年!家长们忙着把孩子赶进各种培训班的牢笼、参加各级各类的比赛, 但是我们却鲜有人带着孩子去听音乐会、看画展!孩子按照家长的意愿走进各类艺术培训班, 似乎这样就不会输在起跑线上, 结果到了升初高中的“关键时期”, 这些“业余爱好”戛然而止, 最多有些孩子到了高中, 发现艺术考试是一条“捷径”时, 于是又纷纷重拾“艺术”, 通过艺考去敲大学之门!

此外, 学校是艺术教育的主阵地, 适当地、持久地艺术教育对孩子的艺术素养无疑有积极作用, 但此类活动不能搞成运动式的比赛, 一阵风过, 了无痕迹。学校不仅应该把艺术节、课外兴趣小组等活动作为长效机制坚持下去, 更应该把音乐、美术等课堂打造成学校艺术教育的主阵地, 让学生接受到专业老师的指导, 充分保障艺术课课时, 严禁出现所谓主课挤占艺术课的现象, 不能让艺术教育沦为工具, 更不能成为形式。

艺术教育的核心是让我们在名利的追逐中静下心来, 慢下脚步, 让孩子们在艺术教育的过程中受到浸润与陶冶, 而不是以名次和奖状为目标。

设计艺术下艺术教育 篇8

关键词：工程教育,艺术设计,课程,改革

引言

深化课程改革是进一步推进广告艺术设计教育教学发展的核心和根本，面对当前广告艺术设计课程教学的现状和学生实际，只有在重塑基础课程与人文精神、课程改革与高新科技的全面整合、尊重个性加强引导、发挥隐性课程的积极作用和课程改革的实验性与精细化等方面下工夫，才能让广告艺术设计课程教学走上可持续的科学发展的轨道。

工程教育改革着重解决“面向工程实际”的问题，培养层次、结构体系与人才类型的问题，教育与产业结合、与企业紧密合作的问题，教育中的创新教育问题。与工程教育改革要点相对应，设计人才培养也需要注意面向实际生产制作与创作问题、人才类型与结构体系问题、校企合作与产学研结合问题、创新能力培养问题。从培养方案改革与课程体系自身建设入手，结合课堂教学、实习实训、产学研结合、效果跟踪、学生就业、企业反馈、制度建设、管理环节等方面，进行了大量的研究与实践改革探索，全面阐释广告艺术设计人才特色培养问题。

一、工程教育的培养方案

以工程教育改革中要解决的培养层次、结构体系与人才类型的问题为参考，在借鉴欧美与日本等成功的教育模式，以及在传统艺术院校因材施教的工作室培养模式的基础上，经过大量的校、企调研，结合实践探索，我们广告艺术设计课程着手进行教育改革，将人才培养模式定位为“工程教育培养模式”，同时辅以大量的艺术、人文、管理、设计，掌握专业知识与技能，打好后续课程的基础，加强学生逻辑思维的训练，加强对课程的设计环节，提高学生艺术修养和创作、创新能力。广告艺术设计课程的工程教育重点放在知识技能融会贯通与提高创新上，请企业的专家走进课堂，教学方法由“听中学”改为“做中学”，侧重对学生实践动手能力、解决问题能力、艺术表达能力的训练。工程教育最大限度地保证学生实践能力的培养的同时，也锻炼了教师队伍的生产实践能力，保证了教师的教学质量。学校参照工程教育改革中的工程师培养思路，结合专业特点和培养方案对课程标准作了充分调整，进一步围绕艺术设计所需知识与技能，重视学生的动手能力和创作能力，使各部分和各阶段课程相互搭界、相互衔接。因此，学生的学习有了一条明确的主线贯穿始终。

二、创新工程教育的途径与方法

要创新工程教育模式，探索新的工程教育途径与方法，创建适合广告艺术设计课程的工程教育模式，通过教育与行业、高校与企业间的密切合作，以工程技术为主线，以实际工程为背景，以社会需求为导向，着力提升学生的工程素质和工程实践能力，从而培养艺术设计类型的工程技术人才。

（一）建立一个核心理念，即以能力培养为核心，实现从注重知识传授向更加注重能力素质培养的转变。

以应用型工程技术人才作为人才培养目标，使我们广告艺术设计课程成为在大学教育阶段完成工程基础知识的教育，使学生具备在相关行业从事产品的生产、营销、服务及工程项目的实施、运行与管理能力，从而提高学生在工程一线的实际工作能力。

（二）建立两个保障，即建立师资和教学基地保障。

师资队伍的保障要实施“双师工程”人才强校战略，要从制度上确定教师必须具备工程背景，通过与企业合作，将青年教师放在企业锻炼，鼓励、支持教师积极参与校企技术开发，并将学术成果应用于人才培养。建立全新的教师教学评价体系，对于专业类教师的职务聘任的考核，要从评价理论研究与发表论文为主，转向于评价工程项目的设计、专利、产学合作以及技术服务等方面为主。教学基地保障要依托行业、企业，合作建设校内外实习、实训基地，注重校内生产性实训与校外顶岗实习的有机衔接与融通。研究创立行业、企业相结合共同培养人才的机制，让企业由单纯的用人单位演变成联合培养单位，与高校共同设计人才培养目标，制定人才培养方案，共同实施人才培养过程。

三、结论

广告艺术设计课程在教学方法上更新教学观念，从过去“以教师为中心”的传统教育观念转变成“以学生为中心”新观念，激发学生学习的积极性，引导学生“主动学习”和“动手实践”。在教学过程中以项目为导向，在完成项目的过程中，由教师提出问题引导学生思考和研讨。在教学方法上采用基于项目的教学方法，教师将一个相对完整的项目交给学生，学生以小组为单位进行构思、设计、实施、运行，教师只起指导作用，在实践中有效地培养了学生分析问题和解决问题的能力。根据课程不同环节的要求，在教学方法上我们也可以采用基于问题的学习———探究式学习。通过建立对学生学习效果的评估和反馈机制，不断提高学生学习的效率。

纵观工程教育的改革背景，发现一些工业发达国家都在致力于推进工程教育的改革与发展，创新实践教育环节。随着经济全球化的深入发展，我们的广告艺术设计课程改革也面临着越来越严峻的形势。我们既要学习借鉴发达国家的先进经验，又不能生搬硬套，要立足于高职院校实际情况，冷静分析工程教育在实施中的成绩和存在的问题，不断总结经验教训，创新工程教育模式，探索新的工程教育途径与方法，为培养符合现代企业要求的工程技术人员作出自己的贡献。

参考文献

[1]缪宪文, 左延红.国内外高校工程训练现状及发展途径[J].安徽建筑工业学院学报:自然科学版, 2007, 15 (6) :45-48.

[2]叶树江, 吴彪, 李丹.论“卓越计划”工程应用型人才的培养模式[J].黑龙江高教研究, 2011 (4) :110-112.

[3]吴志功.论现代高等工程教育人才培养方向[J].中国高教研究, 2007 (7) :17-18.

设计艺术下艺术教育 篇9

一、高等艺术设计教育存在的问题与成因

当今我国设计艺术众声喧哗, 催发了文化多元, 但大多难以植入我国文化谱系, 不能发挥文化传承更生的重任, 个别设计反而在一定程度上催生了物役、权谋、区隔、冲突、虚无等人的存在困境与社会顽疾。像极力标举官本位、炫富情结、等级观念的宏大设计;唯利是图, 以生产消费者欲望为手段, 暴殄天物的设计;将图像挪移成新型社会区隔方式的设计;凸现存异不求同的虚无主义、极端个人主义、泛性欲主义甚至反道德、反生命的设计等。这说明在消费逻辑与多元文化双重的制导下, 设计艺术被视为市场的奴隶、文化自由的由头。设计教育也因此出现重技能训练、轻思想养成的急功近利之偏差。第一, 教育目标重工轻文。即学科定位工科化, 培养目标技工化。直言之, 设计艺术专业学生的核心任务就是学会构成平面、立体、色彩, 学会分析使用材料, 学会相关的施工方法等物质性技术。第二, 教育内容重文轻质。在当前高等设计教育中, 无论在课程设置、学时比例, 还是在教学重点上, 都出现对涉及设计表现的形式因素诸如造型、色彩、形式、装饰、材料、工程技术研习的偏重。第三, 教学过程重授轻养。把设计教学过程简化成传授技能的单极化活动, 缺乏总体性的教学过程观, 理论教学与实践教学严重脱节, 课堂教学中对学科内涵的把握不准, 教育不够。第四, 教学手段重机轻心。或是以制图代创造, 把设计师的手打造成工程制图员的手;或借助计算机制图, 把设计师的手打磨成计算机的键盘。第五, 教学评价重果轻因。宏观上, 用理工科的评估模式来判剖衡量艺术设计学的学科建设。微观上, 教师对学生课程成绩及毕业设计水平评定过多依凭制图, 着重考察施工的合理性、科学性、便捷性、实用性及形式美, 而不太判剖作品的文化内涵和设计思想。

出现这种状况的原因是多方面的, 既有社会文化的掣肘, 也有教育界对设计艺术教育的误读。

自21世纪以来, 我国步入全面建设小康社会时期, 经济的飞速发展促成消费嵌入日常生活, 消费经济为个体多样性的生活态度、审美志趣、行为方式选择提供了可能。这意味着为大众提供多元文化选择可能性的设计艺术蕴涵着巨大的经济效益, 设计艺术遂成为一条集经济生产与文化生产于一身的产业, 这对高等设计教育产生了质的影响。首先, 高等设计艺术教育跟从市场, 办学目标急功近利。近几年来, 设计艺术人才的就业市场看好, 我国高校蜂拥而起开设该专业。市场需要的是能直接产生经济效益的熟练技术, 故而在短短的四年设计艺术教育中, 高校难免急功近利, 将综合性的设计艺术教育简化成单向度的技能人才生产过程。其次, 设计师的文化身份没有得到认可。多元文化背景下的设计艺术策动了日常生活的美学革命, 并依托其物质化、通俗化、图像化文化特质直接作用于大众身体, 将一定的文化规范或观念内化成个体的日常意识, 因而它已然逐渐替代纯美术, 成为大众享用的主要视觉文化方式, 承担着生产、传播价值观念, 造就大众文化心理的社会责任。当代设计师是当之无愧的公共知识分子, 但由于传统观念特别是市场价值观将设计师当成工具等因素的影响, 我国的设计师无法获致这种文化身份, 设计师也没有把设计艺术作为一种维护公共领域权益的方式。再者, 设计艺术人才的创新力没有得到足够重视。我国设计师一方面在市场经济体制中大多受制于一些短视的民族企业家的视界, 进行低水平的跟风式设计。这主要是因为我国的产业结构大多为低层次的制造业, 创新型人才与熟练技工对企业的经济效益贡献很难产生质的差异。另一方面表现为设计师对设计艺术创新的误认, 只着意于设计艺术的形式、语言与手段变异。但设计“一直都在对产品、消费、社会和环境作出积极的回应, 所有这些又反过来刺激设计的发展, 为设计创造了永远延续下去的条件”[1]。可见, 设计艺术的创新植根于生活, 引领着生活, 有着鲜明的人文性与科学性。若缺乏对人的生存境遇、文化方式、精神诉求的理解与研判, 设计艺术就不可能具有创新力。最后, 我国的设计制度, 从教育体制到评审、展览制度、政府组织的设计竞标等大都倚重设计艺术的技术层面, 也是造成设计艺术教育定位偏向工科的重要原因。

从高等设计艺术教育的自律性来看, 造成重授轻养的根本原因是设计艺术教育者对高等艺术设计教育本质的有意误读。即教育者没有充分了解当下社会文化的总体迁变, 没有认识到多元文化背景下设计艺术作为一种新型文化形态和创新经济发展方式等的综合性社会价值。首先是对学科本质的误读。现代设计艺术脱胎于工业化大生产, 设计与生产彼此独立, 设计艺术也逐渐走向科学化、标准化、图像化, 但也容易出现把“形式追随功能”奉为圭臬, 过多囿于材料性质, 过多依赖现代技术, 过多地注重构件组合, 从而让技术理性完全地统摄设计艺术的偏颇。在我国部分院系的艺术设计教育中, 出现了这种偏差, 误把设计教育的旨归当成塑造能替设计对象的功用配置形式化外观的技能, 而且这种技能的呈现基本都是图纸式的效果图或单因素模型, 其实设计艺术的本质是科学与艺术的综合。现代设计艺术中强调的纯粹形式语言也并非按照纯粹的审美法则成为一个相对封闭的体系, 而必然受孕于一定的文化语境并反构着它。其次是对职业素质的误读。教师中普遍存在设计技能优秀, 综合修养不足, 教学理论知识匮乏, 教学技能、手段缺失等问题。设计艺术教学的核心任务乃培养学生的设计创造力。设计艺术创造力主要体现在对社会、经济、文化、生活、技术、艺术等发展规律的综观把握及改造创新的能力, 而这些能力都不是通过纯技术性的传授就能获得的, 必须经由多向度、过程性的陶冶与养成。要组织好这样的教学, 需要教师掌握教育的一般原理规律。但我国高等设计教师基本没有接受正式的教育学教育, 对一般的教学手段也知之甚少, 往往凭自己的设计经验或者自己教师的教学经验进行教学。最后是对科研工作的误读。很多设计专业教师只重设计漠视研究。他们没有认识到作为一名设计教师除了应具有一定的设计能力外, 还必须要对本学科的发展动向有相对清晰的认识, 并在学科发展的某个环节或问题上展开探索, 形成系统性、学理性的知识结构体系等。

二、加强艺术设计思想教育的对策

艺术设计思想教育的无关论、松散性、盲目化形成的精神给养不足, 势必造成一代设计者的艺术设计思想虚位。因此, 当前我国的艺术设计教育急需形成比较系统而科学的设计艺术思想教育体系。换言之, 设计思想教育应从内容、途径、方法、机制等方面整体推进, 把它贯穿于设计教育的全程中。

(一) 捋清设计思想教育的内涵

进行设计思想教育的前提是认清多元文化背景下设计艺术的多重价值, 树立正确的学科思想, 如此才能把捉设计思想教育的重点内容。多元文化背景下设计艺术日渐彰显出的社会价值大抵有:构建日常存在的实用价值、建塑文化范式的人文价值、助成众生和合的生态价值、创新发展方式的经济价值, 其技术性、艺术性、文化性显而易见。如果有了这样的学科思想, 设计教育中应该也会自然强化设计思想的陶冶。第一, 把设计放置在“人的全面发展”思想中观照, 让学生充分认识到设计艺术既是人的生活世界的丰富与美化, 更是人的体验丰富、认知充实与思想提升的重要途径。因此, 在设计教育中应该充分贯彻民生、民本、和谐理念。第二, 将设计艺术放置在低碳发展思想中研判。教育中要致力于让学生知晓设计艺术的本质是人类持存的必要中介而非目的。它只有勾连物性, 才能张扬人性。第三, 把设计艺术放置在当代伦理、文化认同及社会核心价值取向上观审, 让学生明了当代设计艺术应实现创构图像美学与拓展生命体验、书写个体自由与融合社群关系、生产传播优秀文化与提供心灵栖居场所的契合。第四, 把设计艺术放置在经济发展转型的视角下看待。在设计教育中要强化日常生活审美呈现及现代科技思想。总之, 设计思想教育的核心内容就是塑造学生正确的设计艺术观, 充分意识到设计艺术在展露多元化价值吁求的同时, 应主动遵循人类社会可持续发展依托的自然生态以及精神生态的普遍规律。

(二) 弄清设计思想教育的途径

设计思想是一个潜移默化的长期生成过程, 但高等设计教育即在学校教育体制中进行系统化设计思想教育依然是塑造设计思想的重要途径。这不仅指通过设计哲学、设计史、设计概论、设计心理学、设计文化学以及其他社会科学、自然科学等课程为主专门设计思想教育, 还应包含一切课堂教学中渗透的艺术设计思想教育, 同时也指与艺术设计相关的科研、展览、比赛、讲座、校园文化环境等潜性课程对学生产生的教育辐射力等。应该说学生无时无刻不处在设计思想的熏染之中, 但目前我国设计教育中大多忽视了后两者。与此同时, 还要明确多元文化背景下艺术设计思想生成途径的多向度。其一, 中国传统文化。既要从我国传统的设计思想如天人合一、意匠美、道法自然等中萃取精华, 更要从中国文学、哲学、艺术中找寻适合设计专业学生的优秀传统, 文化教育资源。其二, 世界优秀文明。西方人本观念、和谐美学、形式美学依然是现代艺术设计思想的武库, 但包豪斯以来西方设计教育和设计精品中的优秀思想更为我们提供了多元的选择。其三, 当代中国的现实语境。适切国人的设计艺术思想必然植根在他们的生存状态、愿景中。

(三) 厘清设计思想教育的方法

实施设计思想教育的方法很多, 诸如谈话法、讨论法、研究法、主题讲座、个案研究、创作阐释、品鉴设计精品等, 但微观层面的方法必须要经由宏观的教育观念统领才能奏效。为此, 首先, 要转变课程观念, 打破课程之间的壁垒, 建立总体性教学过程观, 也就是把人文科学、社会科学、自然科学等课程放在设计学的视野下考量, 遴选适切设计类学生需求心理和知识结构的内容, 真正实现科技、艺术、人文思想的贯通。其次, 要转变教学模式, 把教学过程看做是师生双方动态交往的过程。学生是发展的人、独特的人、完整的人, 他们的生活世界、文化语境、气质性格、设计艺术基础等方面都有差异性。实施交往式教学意味着教学过程中师生双方分享彼此的思考、经验以及知识。如此一来, 新的问题、方法、思想就会被不断发现。最后, 要贯通理论与实践教学。一方面丰富理论教师的设计经验, 提升设计专业教师的理论素养, 另一方面强化设计理论与实践、设计专门技能课程中的理论教学与实践的关联。即在教学中为学生提供一些案例或者课题让其主动探求其间的思想性。

(四) 廓清设计思想教育的机制

世界上一些艺术设计水平较高的国家, 如德国、日本、法国、美国都将设计思想教育纳入设计教育的管理机制中。我国的设计教育起步较晚, 今后应该注重设计思想教育的保障机制建设, 其核心就是教学评价机制。它不仅是一种手段, 更是风向标。从宏观视角来看, 本科办学质量评估中要尊重设计艺术学科的综合性, 增加评估专家的知识及学术构成中设计艺术学要素。从微观层面上看, 首先, 要把艺术设计思想教育在人才培养目标上予以明确地表达。其次, 要在课程设置中确保“设计史、设计评论、实例解读、设计美学”等课程的比重, 并增强对展览、讲座、博物馆等潜性课程的物质、资金、人员保障。再者, 要加强对教学诸环节中的设计思想教育内容与质量的考量, 尤其要明确评价标准。最后, 在学生课程成绩评定, 特别是在毕业设计中划分设计思想的考察权重等。

我国要实现从制造大国向创造大国的转变就必然要锤炼一支引领世界潮流的设计人才队伍, 而这种队伍的核心标志乃鲜明而健康的艺术设计思想。设计的本质之一就是解决问题, 设计师的思想决定了其解决问题的方式与方法不同。“设计是构想和解决问题的过程。它以艺术设计为手段, 以提高人生生活质量为目的, 它涉及人类一切有目的的价值创造活动”[2]。艺术设计思想教育又事关文化导向, 事关人的全面发展、社会和谐。因此, 设计思想塑造是艺术设计教育中不可或缺的成分, 不可偏废, 尤其是在文化多元共生的时代。

参考文献

[1][美]大卫.瑞兹曼;[澳]王栩宇等译.现代设计史[M].北京:中国人民大学出版社, 2007:9.

管窥艺术人类学视野下的行为艺术 篇10

关键词：艺术人类学,行为艺术,窥探

行为艺术, 是一种现代艺术形态, 于20世纪五六十年代在欧洲兴起。具体地, 行为艺术指的是艺术家将现实本身当做艺术创造的媒介, 并赋予其一定的时间延续性。行为艺术有四个非常重要的构成元素, 即:时间;地点;行为艺术者的身体;与观众的交流。行为艺术对人的身体比较重视, 因此, 行为艺术表现出一种实在性。其反对逻辑和连贯的剧情, 这是与其他艺术如表演艺术和概念艺术进行区分的重要标志。

一、行为艺术的历史沿革

关于行为艺术的发展沿革, 可从遥远的巫术仪式中初见端倪, 在后续的发展中, 中世纪的基督受难剧和文艺复兴时期的情景剧也有行为艺术的痕迹, 而如若就学术研究的视角看来, 行为艺术在21世纪60年代末在美国产生。当时的美国, 是一个方兴未艾的时代, 充斥着文化运动、民权运动、女性运动, 这些运动的兴起实质上是对美国社会传统观念的反抗, 也是对新的价值观的追随。在1959年, 美国艺术家卡普罗曾出版了《分为六部分十八个偶发事件》, 在这本书里, 卡普罗的偶发艺术作品, 在很大程度上促进了行为艺术的生发。1961年, 法国艺术家伊夫·克莱因出版《自由坠落》, 这是一个在行为艺术历史上很有标志性的一个经典文本, 自此之后, 行为艺术开始踊跃发展起来, 直至20世纪70年代, 行为艺术达到鼎盛发展时期。20世纪80年代后期, 艺术新形象运动开始兴起, 行为艺术逐渐在西方艺术领域衰落。行为艺术开始在中国获得发展, 是在20世纪80年代中期至90年代初期, 中国比较著名的行为艺术家有来自山西的宋永平和宋永红, 他们是一对兄弟, 他们的代表作品是《一个场景的体验》;来自上海的丁乙, 《街头布雕》是其比较具有代表性的作品等等。到了20世纪90年代, 直至20世纪末, 行为艺术在亚洲蓬勃发展。从艺术史的视角看来, 行为艺术的发展和社会语境相伴相生, 关系紧密。行为艺术之所以能够在西方世界获得广泛发展, 最主要的原因是当时的人们在思想上存在对世界大战的反思部分, 并且, 具有先进思想的进步者有针对人被异化的呐喊。而在中国的发展则是派生于文化大革命之后, 备受侵害的中国人关于精神和肉体遭受的痛苦使他们急于找到情绪的突破口, 向世人控告。这样看来, 其实行为艺术通常都是伴随着痛苦和反思的, 而行为艺术发展的历史情境也是特定历史时期的特定产物。

二、规训与身体

“规训”一词, 最早出现于福柯的著作《规训与惩罚》, 福柯是法国著名的哲学家、社会思想家, 因此他对此的见解自然深刻。对于“规训”, 根据他的定义, 我们可以这样理解:“规训”可以概括为一种权利类型, 也可理解为一种行使权力的轨道。而关于“身体”的探究, 则是在人类学视阈下进行探索。在对于身体的研究中, 人类学领域经历了两个阶段, 那就是体质, 以及文化。体质, 研究的是身体的自然属性;文化, 研究的是身体的社会特征。二者有本质上的区别。

“身体”是行为艺术中非常重要的一个要素, 当中的身体关注的并不是身体的自然属性, 也就是说不是单纯的肉体, 其是一种多维度、多层次的现象, 是伴随着历史和境遇而变换的。身体回归其自然属性, 是当其被看做生理学或者解剖学的一个部分时, 在行为艺术当中, 身体和肉体的穿插呈现依赖于行为艺术主体的不同表现形式。

行为艺术带有自发性, 因此, 在行为艺术中呈现出的身体与被规训后的政治身体是有区别的, 行为艺术常常是为遭受不公平待遇的人们呐喊, 而其讽刺的对象却正是政治身体。行为艺术中, 艺术家表达的是对当下生活乃至生命的最直接反应, 可以被理解为一种信仰, 一种希望, 一种孤独, 抑或一种关于生命的理解, 具有一定的历时性和共时性, 是关于人生的普遍观照。行为艺术中, 身体往往能摆脱肉身和政治身体的限制, 表达出最深层次的文化内涵和意义, 引发人类的反省和深思。

三、功能与隐喻

艺术人类学视角下, 艺术研究不囿于艺术品的形式和风格, 而是对其功能、社会意义、所处的文化境遇进行研究, 这一点与功能主义的主旨很相近。在这样的视阈下, 行为艺术具备多重涵义——物质客体, 物质现实, 象征符号, 富有精神内涵的事物。所谓的物质现实, 可以解释为, 行为艺术家阐明意向的载体是其自己的身体, 并通过这样的形式, 向人们展示高于现实的精神世界, 并赋予这种精神世界一定的功能和隐喻。同样具有深刻且丰富的文化内涵。

第一点, 带有仪式感的功能和隐喻。从行为艺术这种艺术形式的本质而言, 其所推崇的是文化中某种矛盾的一隅, 但其宗旨并不是推波助澜, 而是想要通过某一种可以采取的解决办法来化解这种矛盾, 最终的目标是将集体文化带往一个趋向于理想的仪式化境况。在这种方式之下, 有关于集体文化的价值观广泛扩散, 实现共享。实践中, 西方的行为艺术更倾向于用个人风格化的体验来对宏大的叙事进行展现。比如, 德国的艺术家博伊于斯, 正是其雕塑作品中深刻地揭示了人性, 而最终将行为艺术带动到一个发展的极点。中国的行为艺术更喜欢将个人经验和宏大叙事进行联系。比如, 1993年, 蔡国强在长城用万米导线和蔓延的火墙堆砌出万里长城的新景观, 并取名为《万里长城延长一万米——为外星人作的计划第十号》, 这是一种行为艺术的放大效应, 而且将行为艺术与中国的传统文化进行了巧妙的结合。这种形式的行为艺术存在一定的关于社会与历史的痕迹, 有关于个人的记忆, 也可理解为某些记忆在空间上的重置, 但总的来说, 它更像一种关于“本我”的顺延和认定, 重塑了审美意义上关于重任的认同。

第二点, 安全保障的功能和隐喻。行为艺术重构的社会现实和带有仪式感的展示, 从本质上看就是一种关于现实社会规训和身体二者之间生成的结构网, 在某一个层面上, 行为艺术的这种功能给了人们宣泄情绪的出口, 避免了社会安全事件的产生, 因此, 可以说, 行为艺术就是社会的安全阀, 可以及时地释放阴郁, 压制暴怒, 保障社会的安全与稳定。比如, 1986年, 行为艺术作品《厦门达达》在展出结束之后, 所有陈列的作品被点燃焚毁, 随之消失的, 还有人们关于“85”运动的反叛情绪, 艺术品的毁灭代表的是旧有的桎梏的破除, 属于一种艺术境界的再超越。

第三点, 僭越的功能与隐喻。很多的时候, 行为艺术家为了展现自己的作品中关于自由意志的追随, 往往不会为自己的作品做出限定。但是, 同社会其他事物一样, 行为艺术也需要一个底线, 至少不能发生关于道德底线的僭越。伴随着多种社会因素的作用, 行为艺术的发展出现偏离迹象。有一部分艺术家, 单纯为了追求感官的刺激, 而丢掉了艺术创作的原始动机, 将行为艺术演变为一个“噱头”, 这种作品的创作者追随的只是“一鸣惊人”的效果, 甚至丢了做人的底线, 这样僭越道德规范、僭越行为艺术的行为是不能称之为艺术的, 理应被严厉禁止。

结语

艺术人类学关于艺术和行为的关注和研讨, 生发了艺术人类学与行为艺术相互间的诉求, 也就是说, 对艺术人类学进行研究, 要以行为艺术为落脚点;而对行为艺术的深层次探索, 也有赖于艺术人类学多维度的探索方式得到深层次的解读, 因此, 基于艺术人类学的视野对行为艺术进行研究显得相当必要。

参考文献

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[2]张一帆.艺术家在现场——解析马瑞娜·阿布拉莫维克背后的现当代行为艺术[J].美术教育研究, 2014 (10) :38-38

剪刀下的艺术 篇11

一、激发学生的剪纸兴趣

要想使学生的剪纸技巧获得发展,重要的是激发其兴趣。“兴趣是最好的老师”。如果学生对剪纸有了浓厚的兴趣,他们就会主动去看、去听、去动脑想、动手作,积极探索,这样就能促进其剪纸潜能的发展。在剪纸教学中,我并不是采取强制性的教育方法来约束学生、训练学生,因为这样做不仅不会激发学生的兴趣,发展学生的创造性思维,相反会使学生感到压抑、厌倦和畏俱。所以我根据学生的生理、心理特点,采取不同的有趣方式来培养学生的剪纸兴趣,让他们高高兴兴地投入剪纸活动,从而激发学生创造的欲望。例如:在一次剪花瓶的教学中,我先收集了各种造型别致形状不同的、花纹漂亮的花瓶图片,在班上开了一个展示会,有意识地引导学生仔细地去观察花瓶,增加他们的感性认识。然后,我又在学生面前象变魔术似的,把一张张纸剪成一个个奇特的花瓶,进一步给予学生足够的刺激,以激发学生想剪花瓶的欲望。在剪花瓶的过程中,我不过多地干预,而是让他们凭借自己已有的感性知识,通过一次次地实践操作,通过他们自己的思维来剪。当一幅幅富有想象的花瓶作品被展示在教室、走廊的墙面上时,学生得到了被肯定的快乐,从而提高了学生对剪纸的兴趣。

二、创造良好的剪纸环境是培养学生创造力的前提

剪纸虽然是以学生自发为主的一种活动,但如果没有适宜于学生自主活动和自我表现的环境,儿童就难以在活动中充分的发展。

1. 物质环境是培养创造力的基础。在儿童剪纸时,除了提供剪刀、手工纸外,还要为儿童准备充足的辅助材料,如:宣纸、颜料、助染剂、胶水、毛笔等。通过提供适当的辅助材料,可激发儿童的创造兴趣,丰富主题情节,并引导儿童剪出最高水平。如:根据需要选择适宜作品的染纸图案,经精心折叠后巧妙地利用原来的图案色彩,将它剪成一幅幅生动有趣、图案别致的剪红作品,进而我又发展了学生自己动手染纸,根据自己剪的作品,按自己的意愿选择颜料进行染纸。通过对图案设计、色彩配置和对我种技法的掌握,激发了学生的创造意识和审美情趣。

2. 精神环境则为儿童营造一种轻松、自由,且利于交流的氛围。在平时指导学生剪纸中,我常鼓励儿童毫无拘束地表现自己的内心情感,重视每个学生的个性及艺术创作,并及时给予赞扬。如:“你剪的这个小朋友太可爱了,你能举起来让大家欣赏一下吗?”“这张京剧脸谱是你创作的吗?你真了不起。”由于我给予每个学生被认可的快乐,使他们在获得经验的同时,逐步形成良好的意识,使他们由此而更加喜欢剪纸活动,更富有创造勇气。

三、适时指导,不断提高学生的创作热情

数字艺术形态下高校摄影教育探析 篇12

一、在高校开展摄影教学的重要性

摄影艺术的形象思维能把感觉、情感和理性相结合, 通过表象去创造对象与完成作品, 解释经验, 促进顿悟。摄影艺术为学生提供发现过程中的学习, 推动他们用新的方式看待自己, 在更深的层次把握对事物的理解, 发现并更新着他们的想象。

1. 摄影艺术教育能提高学生审美感知力与判断力

由于现有教育体制的原因, 学生在中学教育阶段受高考影响较大, 所受艺术教育不多, 有的甚至是空白, 更谈不上具备较高的审美感知和审美判断。审美感知与判断的过程, 是从心灵上对事物本质把握和从整体上认识审美对象的过程。用镜头去感知与判断, 目的在于让学生学会用眼睛, 从司空见惯的日常生活中发现事物深藏的原生美, 学会平中见奇, 学会通过摄影艺术去充实生活、感受生活带给人的温暖和幸福。

2. 摄影艺术教育能锤炼学生的艺术修养与意志品质

基于摄影艺术自身的特点, 一方面我们要使学生掌握娴熟的摄影技能与技巧, 另一方面要求学生能够以积极健康的情感去感受生活, 不断地丰富阅历, 积累素材。学生通过参加摄影艺术学习, 深入生活采风, 拍摄健康的优秀的摄影艺术作品, 使学生不仅了解风俗、民情、地理, 而且更加体会到社会的发展与变化, 从而使学生的人生观发生积极的变化。

3. 摄影艺术教育不仅能使人性更加完美与充实

摄影艺术教育激活了人类潜在的爱美之心, 使学生更加明白人生的意义, 使他们在由衷的对生活的热爱中, 获取知识, 施展才华, 使艺术的激情转变为生活的激情、学习的激情。

特别是艺术院校, 摄影作为一门基础平台课程, 是学生快速掌握色彩、构图等艺术基本形式的捷径, 也是学生今后艺术设计时素材收集、创意来源的手段。

二、数码摄影与传统摄影的区别

1. 成像不同

传统像机是用胶卷记录影像的, 一般其过程分为感光、化学反应、存储三个过程。而数码像机的原理则是影像通过镜头成像在影像感应器CCD或CMOS上, 影像感应器将光信号转为电信号, 再通过像机内的微处理器将电信号转为数字信号, 并编码、压缩成数字图像文件, 存储在存储器中。传统摄影的全过程为化学过程, 其相应的三个过程在数码相机中却由影像感应器、图像处理器 (ASP、DSP、JPEG压缩器) 和存储器三个部件分别完成, 全过程为数据流处理过程。

2. 摄影效率不同

传统摄影需要取景、拍摄、冲洗放大、加工校色等一整套复杂程序, 如果洗像效果不好, 还得重头再来, 效率较低。而使用数码像机可以在拍摄现场立即查看已经拍到的影像, 可以立即进行有关摄影的技术分析与调整, 并能立即看到调整后的效果, 因而也就能保证和提高摄影的效率和成功率。另外, 由于数码摄影不需要胶卷, 也省去了胶卷成本和冲洗放大的时间成本。因此, 数码摄影的效率要大大高于传统摄影。

3. 后期加工制作不同

传统摄影后期冲洗放大、加工校色等程序复杂繁琐, 而且一般在暗房内进行, 暗房阴暗潮湿、空气污浊、药液污染, 环境十分恶劣。数码摄影的后期制作就要简单得多、舒适得多、先进的多。利用数码像机、计算机、打印机、图像处理软件等一套系统组成的电子“暗房”, 摄影师不仅可以在后期制作中弥补前期拍摄的不足, 弥补了传统摄影是遗憾艺术的说法, 而且还可以进行二次创作。通过各种图像处理软件可以轻松地设计各种效果、叠加各种背景、校正透视变形、进行照片合成等。

4. 经费投入不同

数码摄影离不开数码像机, 另外还需要电脑、打印机、扫描仪等一系列配套设备, 而传统摄影只需照相机和胶卷。初看起来可能会认为传统摄影节省资金, 实际上恰恰相反。数码摄影投入的是从输入到输出的全套设备, 而传统摄影的照相机只是输入设备, 若算上后期制作设备, 则传统摄影的投入大大高于数码摄影。

从以上四点可以看出, 数码摄影与传统摄影相比, 具有明显的优越性。数码摄影以其不用胶卷、不用冲洗、直接拍照、直观效果、直接传输、方便快捷等优点, 受到广大使用者的欢迎。随着电脑网络化、数字化、信息化的高速发展, 数码摄影注定成为未来摄影的主旋律。

但是, 传统摄影与数码摄影在拍摄技术上也有一些明显的差别。比如在影别的运用上, 传统摄影可以根据作品的意境和作者的需要调节光圈和快门以得到不同的景深, 而数码摄影的光圈一般是自动的, 景深较大, 难以表现一些特殊需要的景物。其次, 数码像机一般是以中心对焦, 要达到传统相机的特殊效果有一定的困难。再次, 由于电子原件和电路的特殊性, 对光线的表现力常常不如传统像机, 尤其是对逆光景物的拍摄等等。数码像机目前还无法完全取代传统光学像机。

三、数字艺术形式对高校摄影教育提出的新要求

目前在高校的摄影教学中存在一些不合理现象。有的高校的摄影教学仍是坚持以传统相机为主, 要求学生使用胶卷进行拍摄实践, 不正视现实的数字时代的来临, 或很少提到数码像机的摄影创作、操作规范等。有的高校是过分强调数字艺术的作用, 认为数字艺术降低了摄影的门槛, 已彻底改变了延续160余年的传统摄影现状, 数码摄影几乎将摄影过程简化到无以复加地步只要按下快门的观念, 而忽视传统摄影在摄影艺术教育中重要性;有的高校虽是传统摄影与数码摄影相结合, 教师主要讲授传统像机知识, 而学生们普遍使用数码相机进行创作实践, 两者之间存在明显的脱节。

高校摄影教育应遵循以下原则。

1. 应立足数码、继承传统

数码与传统不是一对矛盾, 而是有着共同血缘关系的亲兄弟, 相互促进相互发展。应注重基础知识、基本概念的教学和实践。在教学过程, 教师是主导, 学生是主体, 两方面都发挥主动性和创造性。通过像机结构、传统像机与DC的区别、摄影用光、正确曝光、取景与构图的等各个教学环节, 利用数码相机的便利条件, 将理论学习与实践应用紧密结合, 相互对应补充。在教学实践中, 强凋学生们要主动接受主题和意境传递感染, 培养和掌握摄前意识, 通过特殊地选择手段引发灵感, 创造出摄影艺术新形象。

2. 加大摄影技能、技术的传授

摄影是先有技术才有艺术。以摄影原理为中心, 摄影基本技术的步入, 融为艺术修养提高的循序渐进之中。在教学中, 充分利用数码摄影的有利条件, 将技术基础性与表现意识相结合, 使学生完成技术技能的练习, 培植艺术修养, 培养个人对客观实体如何感受及其产生激情, 在艺术刻划表现上, 利用数码像机, 去运用和巩固摄影的基本技能。

3. 应加强创新能力、创新思维的培养

由于观念与技术的改变, 如何增强学生的创新能力, 提高学生自主学习研究、创作创新的能力。摄影是观察艺术, 摄影也是观察中的感觉艺术, 所以, 艺术感觉是摄前意识的代言语。在我们的摄影教学中应十分重视艺术摄影总体意识, 加强摄前意识的培养。摄影同时也是靠科技器材的使用过程来创造艺术作品, 但拍摄前构思意念的孕育和产生, 运用造型艺术的常规或反常规及其姊妹艺术潜能, 来沉淀主题、去经营画面等等, 都是对客观景物观察、感受, 具有摄影自身的选择性形象思维而引起的艺术与科技结合之作。因此, 拍摄照片, 更重要的是对客观对象的灵敏感觉, 在艺术头脑中产生丰富的联想等。鼓励和引导学生以文艺学和社会学为中心, 在深入生活的社会实践中, 扩充知识领域, 不断发挥自己的优势, 在艺术摄影创作与设计中, 注重人的视觉感受, 张扬摄影艺术之本。

四、结束语

综上所述, 面对新的形势, 高校摄影应该顺应时代的变化, 认真研究如何与现代技术结合, 调整课程结构, 改革教学方法与手段, 用现代文化、科技发展新成果充实和更新教育内容, 逐步实现教学内容、课程体系、教育方法和手段的现代化, 不断在教学方法上推陈出新, 以满足社会发展对现代人才的需要。

摘要：本文探讨了数字艺术形式对高校摄影艺术教学的提出新要求, 结合目前摄影发展的趋势, 提出了应立足数码, 继承传统, 注重基础知识、实践技能的掌握和创新能力、创新思维的培养等观点。

关键词：数字艺术,高校,摄影教育

参考文献

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[4]刘智海.基础摄影[M].上海:上海人民美术出版社, 2007, 4