动画电影音乐

动画电影音乐（共12篇）

动画电影音乐 篇1

第66届戛纳国际电影节刚刚落下帷幕, 华语电影和电影人全面回归。华语3D动画巨制《兔侠传奇2》也藉此机会在戛纳电影宫咫尺之遥的皇家海滩上耀目登场。继2011年的3D《兔侠传奇》惊艳动画界后, 原班人马历时3年倾力打造的这部续集又将再次吹响进军国际的号角。就此将以《兔侠传奇》为例, 剖析国产3D动画电影技术和艺术创作得失, 全面回顾国产动画对市场把握。《兔侠传奇》以1.2亿元人民币的大投资, 500人的专业创作团队, 历经3年打造中国第一部国产原创3D立体动画电影, 以期呈现地道的中国味道和中国文化。必然成为这一年国产动画不能不提的一部作品。然而借鉴与原创、技术与艺术的探索也使《兔侠传奇》引来颇多争议。不过, 争议意味着观众与行业的关注, 也是创作者大胆探索和尝试的结果。

1 技术——以突破之姿呈现中国元素酝酿中国味道

电影的发明与变革和技术息息相关。与真人实拍电影相比, 动画电影对技术更强烈的依赖和更严格的要求不言自明。作为国内首部3D动画电影, 《兔侠传奇》将1.2亿投资的百分之八十用于设备采购、技术开发和制作。相比较以往的国产动画电影, 《兔侠传奇》力图在画面的细腻, 动作的到位等方面为观众呈现出独特的视觉感受, 更期望以高品质视听效果呈现中国元素、中国文化。

《兔侠传奇》三大技术突破:第一, 时长90min全部采用3D制作。通过“双机渲染”的制作机制, 模拟出真实的空间感, 让观众产生如临其境、角色触手可及的感觉。第二, 三维毛发技术。动物为主角的动画电影中, 毛发的表现对于画面效果和真实度而言至关重要, 毛发特效已经日趋成熟并成为动画电影的一个流行趋势, 受到市场、制片、观众等多方面的关注。在《兔侠传奇》中, 毛发的制作倍受重视, 影片中主要人物的毛发制作效果逼真、富于变化、具有通透感和空气感。第三, 《兔侠传奇》首次在国内使用了好莱坞盛行的人脸捕捉技术和动作捕捉技术, 使动作和表情能够保留真实感, 去掉生硬与刻板的部分, 看上去流畅、圆滑、幽默。

以往国产动画或以传统艺术形式如水墨、玩偶等为媒介, 或以古代神话传说为故事素材, 《兔侠传奇》对于传统文化的承传借鉴主要立足点是通过技术的突破创新, 生动真实地呈现中国元素。为了地道的中国味, 《兔侠传奇》力图做到影片的中国元素有源可依, 兔二形象、风筝、空竹、戏曲、街市、美食的设计以旧时京津民间生活为原型;而竹林绿野、城墙门楼等众多场景, 甚至屏风漆柱、飞檐彩绘等细节取材于中国古代建筑园林;老虎椅的木质漆彩、擂台的图腾彩绘等道具的细微处均有资料可考。通过动画设计制作, 中国符号的复现强化了生活实感, 而细节化的创新和改造又营造了正义/侠义之威武的氛围。《兔侠传奇》中光与影、自然景物与人工建筑之间的和谐之势, 也是依据和遵循中国古代“天人合一”思想。《兔侠传奇》是中国动画电影首次在制作中聘请武术指导的影片, 专门特聘太极大师景建军指导影片的武打动作, 力图运用动作捕捉技术将虚拟世界和现实功夫结合在一起。据说为了走向国际, 还将李小龙、成龙、李连杰的武功风格和动作特点融会贯通在一起, 虽然这种努力并未在最后完全满足观众的期待。或许这样一个憨态可掬的兔侠, 在动作表现和喜剧性上还可以有更多惊喜。

《兔侠传奇》的投入相对于好莱坞动画还很难达到制造视觉奇观和视觉盛宴的要求。但是, 在动画电影日趋国际化的发展环境下, 以国际流行的动画语言、创作方式和先进技术呈现中国元素, 酝酿中国味道的确是重塑国产动画形象, 并走向国际市场的有利依托。影片的海外推广即是最好证明。

2 艺术——需想象之力彰显中国文化中国气派

奇特丰富的想象力毫无疑问是动画电影最大的艺术魅力。而这种艺术魅力不仅在于设计出奇特的动画形象和夸张幽默的动作, 更重要的是剧作结构和故事叙事中想象力的充分发挥。在实现动画制作技术突破的同时, 《兔侠传奇》在剧本和故事上试图以好莱坞成熟的叙事模式述说中国文化、传播中国精神。

《兔侠传奇》讲述了热爱劳动、擅作炸糕、憨厚知足、乐于助人的兔二偶然遇到因徒弟熊天霸谋反篡位而身负重伤、生命危在旦夕的武林老盟主, 于危急时刻接受了老盟主传授的功夫, 受老盟主之托, 找到其女儿牡丹将象征盟主地位的令牌交与牡丹, 并最终帮助牡丹打败熊天霸的故事。在老盟主弥留之际将百分之八十的功力传给兔二, 为了不使这样一个没有任何功夫基础的兔二变身武林高手显得太过牵强。在影片的叙事中, 兔二借助梦中老盟主的点拨和挑水、擦地等日常活动, 逐渐体会领悟到了中国功夫的精神和技艺, 从未习武而且看起来体型笨拙的兔二最终变身功夫之王, 打败熊天霸。这与中国功夫的习得重视悟性并与日常生活活动紧密相关的特性分不开。可信性的叙事进程使一个“纯属虚构”的叙事起点获得最终“真实感”的叙事效果, 是好莱坞电影惯用的叙事技巧之一, 它的使用使《兔侠传奇》的叙事富于传奇色彩和喜剧气氛。而中国文化大音希声、大象无形的特征也在此自然彰显。

叙事模式可以借鉴, 想象力却无法复制, 在借鉴与自我探索中, 《兔侠传奇》也有着作为一部国产大片在故事剧本和叙事上的普遍不足。

如何富于想象地讲述兔侠的故事?剧本采用了线性叙事结构, 线索明晰、易于理解, 却因此更需要想象力的发挥, 因为线性叙事并不意味着故事的简单、结局的无悬念和主题的单一。比如结尾兔二找到牡丹, 打败熊天霸, 属“情理之中”的圆满而无“意料之外”的惊喜。作为一部功夫动画的主角, 兔二从一个炸糕厨师成长为功夫之王, 原本是一个充满想象力和戏剧性的故事, 但是剧本中兔二的功夫获得地似乎过于简单, 人物及性格缺乏成长性, 这恰恰是动画艺术的叙事核心和应着力之处。兔二成长性的缺失不可避免致使故事简单, 缺乏戏剧性的情节高潮和激动人心的情感高潮。

在《兔侠传奇》中, 兔二信守承诺寻找牡丹交付令牌, 诚信是故事的主题和情节推动力。但是既然被称之为“侠”, 兔二从厨师到侠客的性格成长, 以及由此生发的英雄侠义/正义也无疑该成为叙事线索、主题, 并酝酿出故事的高潮。不过, 在影片中我们看到的兔二本分知足, 热爱做炸糕, 从没做过英雄梦, 接受老盟主委托的兔二心中的使命也只是将令牌交给牡丹, 并不是成为一个武林英雄, 即便后来在日常生活中展露身手, 也不觉得这是功夫, 还因此造成了与牡丹的误会, 甚至在最后的武林大会上, 兔二神奇般地降临, 也是因为要完成将令牌交给牡丹的承诺。诚信成了故事的不二主题。虽然兔二、牡丹与熊天霸, 正义与邪恶对立较量, 在故事结尾处, 兔二还出手打败熊天霸, 匡扶正义, 成为众人眼中的英雄。但是正义与英雄梦只是诚信这一强大主题下被淡化的线索, “兔侠”之“侠义”因此大打折扣, 功夫拳脚因此失去了理想的精神依托成为视觉满足。诚信, 作为中国传统的身份伦理和现代社会的契约伦理, 的确是中国文化的重要元素, 但是对于想象力天马行空的动画电影而言, 成长中冒险的乐趣、千奇百怪的遭遇、战胜困境的欢乐、理想达成的激情等等, 更能制造悬念、酝酿高潮、增加欢乐趣味、激发打动人心的情感力量。当然这并不是说英雄梦是动画电影的题中应有之义。只是就《兔侠传奇》这部电影本身而言, 诚信话题的突显使得故事主题显得过于单薄。这既是中国动画电影的观众过去长期定位为低幼年龄儿童, 着重说教意义的观念和模式的影响, 也与当下意识形态尤其是社会主义核心价值体系倡导的公正、包容、责任、诚信的价值取向相关, 国产动画电影功利化的主题难免导致故事叙述的简单。有叙事简单、主题说教之嫌的“兔侠”似乎还不能满足和说服过足进口动画大片瘾的中国观众走进影院, 骨架尚显稚弱的故事似乎也不足以支撑博大深厚的中国文化和中国气派。

技术固然重要且不可或缺, 但它并不是动画电影创作的唯一核心, 不是决定一部动画电影成败的唯一要素。对于动画电影来说, 艺术创作的本质问题是想象力, 以及将这种想象力通过影像方式呈现出来的叙事能力, 还有不可或缺的童心和童趣。国产动画如何在借鉴中形成自己的风格和模式, 如何在技术探索中提升艺术水准, 这些中国动画面临的问题和挑战非一日之功可以解决, 因为美日动画今朝的繁荣局面也是历经几十载才形成的。据了解, 《兔侠传奇》海外发行持续推进, 成绩显著, 制片方也正在投入电影《兔侠传奇2》和电视剧的制片工作。《兔侠传奇》等国产动画是在实践中改变, 在摸索中提高, 相信也能在坚持中继续突破。热闹的2011国产动画市场带给观众更多的期待, 也给业界更多的信心。

3 国产动画电影市场现状

3.1 国内市场营销

营销决定影片在市场的成败, 这一观念越来越深入人心。动画电影有独特的产业盈利模式, 从市场调研开始到内容策划、制作、播出, 再到衍生品的设计、开发和营销, 接着将资金投入下一个制作项目中, 形成一个连绵不绝的良性循环。从国内外成功的例证也可以证实, 动画在健全的产业生产循环下, 收益十分可观。所以, 一个整合营销的系统工程对动画电影的市场表现十分关键。没有全面的、连续的、互动的、整合的跨媒介传播, 就不会有品牌, 难以提升价值。如何综合分析电影的全部商业元素, 打造有力有效的媒体传播是国产动画电影进入市场之前就应该考虑的。

这样说来, 如果实施更为有效的整合营销, 《兔侠传奇》等国产动画应该有更佳的市场表现。其国内票房不尽如人意的原因, 具有某些国产动画片市场运作的普遍问题。

第一, 缺乏一个全程整合营销系统。研究表明, 一部动画片经过播映, 只能收回制作成本的20%～30%, 而其他成本则是通过相关产品的销售才能回收。《兔侠传奇》的宣传在影片上映前10个月展开, 但是在市场调研、目标市场定位等前期铺垫和后期营销的衍生品开发、动画形象的经营等很多环节有所欠缺。这与产业链的不健全也有关, 很多国产动画精力基本集中在“动画制作”的环节上, 顾不上发行推广, 极大削弱了盈利能力。

第二, 观众定位不够精细准。目标观众定位不准确就无法制定一系列行之有效的市场宣传、发行计划。2011年上映的国产动画除了四部以网游爱好者为基础的影片之外, 其他大都面临这个问题。

第三, 国产动画长期以来的低质量和低口碑所透支掉的信誉度, 使得院线经理心中有偏见, 观众在心理上排斥, 造成影院排片时段、上映周期、银幕数量上的不公和歧视。观众数量决定院线的态度, 院线对《兔侠传奇》的排片变化可见这一点。所以在国产动画市场还不成熟的现阶段, 政府可以通过政策鼓励电影院开辟上映国产动画片的黄金时间。无论从投入、里程碑价值、引发的讨论热情, 还是从国家这些年对动漫产业的重视度来讲, 2011年暑期的几部动画都理应获得更高的关注。

第四, 宣传营销媒介的选择。对于迅速更新的营销手段和观念, 动画电影的认识和应用表现滞后。例如, 从中国目前动画电影观影群体分析来看, 70后和80后以及他们的子女群体是最重要的目标受众。这个群体除了受传统媒体影响之外, 对当下的社会化媒体网站更为亲睐, 尤其是微博和SNS虚拟社交网站。因此, 社会化媒体平台与传统营销活动的资源整合是当下动画电影营销获得成功的关键途径之一。如果缺乏对这类新媒体特性的关注和使用, 必然影响营销的有效性。

3.2 海外市场推广

中国电影“走出去”的时间并不长, 海外发行经验不足。《兔侠传奇》是近30年来中国电影出口成绩最好的影片。这也给国产动画“走出去”很多启示。

华语电影的海外淘金之路并不平坦, 对于《兔侠传奇》海外营销已取得的成绩, 唐铭基分析认为, 《兔侠传奇》最大卖点是影片的市场独特性, 制片方北方电影集团坚持的决心和整体营销策略正在努力将中国“兔侠”推向世界。他提到, 影片及宣传工具高水准的视觉效果对海外片商很有吸引力。一切非美国动画片要想让全球观众在商业层面接受是非常困难的, 国产动画要想成功介入海外市场, 惟有尽力提高和接近主流的动画创作水准, 并恰当加入本国本民族的文化元素。

参考文献

[1]谭政, 殷娜.<兔侠传奇>做中国的动画大片——孙立军访谈[J].电影艺术, 2011, 21 (6) :36-38.

[2]孙立军.用一份坚持来传承中国人自己的文化[J].北京电影学院学报, 2012, 20 (1) :68-70.

[3]陈晓云.动画电影:叙事与意识形态[J].上海大学学报 (社会科学版) , 2010, 20 (9) :56-58.

[4]吕燕茹.中国动画电影社会化媒体营销的创新研究[M].社会科学文献出版社, 2012.

动画电影音乐 篇2

教材分析：

动画片《宝莲灯》讲述的是中国古老的神话故事。天宫中的三圣母爱上了人间书生刘彦昌。为了爱情，三圣母不顾二郎神反对，带着宝莲灯私奔下凡与刘彦昌相会。七年过去了，他们的孩子沉香渐渐长大，和母亲一起过着幸福的生活。突然，有一天，二郎神从宝莲灯的闪光中发现了他们。为了维护天规，他抓走了小沉香，要挟三圣母交出宝莲灯。无奈之中，三圣母只得把灯交出，并被压在华山底下。沉香从土地神口中得知了自己的身世。在同为人质的部落头人之女嘎妹的帮助下，沉香机智地与护灯秦俑周旋，夺回母亲的宝莲灯，逃离天宫，踏上了寻母之路。沉香举起神斧，与二郎神决一死战。他越战越勇，令二郎神难以招架。激战中，二郎神屡施毒计，欲将沉香置于死地，并抢夺宝莲灯。在这千钧一发之际，宝莲灯突发金光泻进沉香体内，与沉香合而为一，终于把二郎神。动画的优势在于创意，而产生亮点的关键则取决于画面能否制作得精美、逼真。动画片《宝莲灯》的成功在于这部影片中化了大量心血，色彩、音响、人物，都精心刻画，简直可以和美国迪斯尼拍摄的动画片相媲美。还请来了葛优、张信哲、刘欢等一些著名演员做配音、唱插曲。《宝莲灯》是中国动画史上的又一里程碑.虽然还存在一些瑕疵(比如故事情节过于简单,不够连贯.好象意境并没有淋漓尽致地表现出来)但动画效果却很好.虽然以我们现在对动画的衡量标准,《宝莲灯》的制作还有粗糙之处,但那毕竟是好几年前的作品了.在那时也应该堪称精品了.并且《宝莲灯》开创了国内明星为动画配音的先河,也可算得上新颖.《宝莲灯》的插曲和片尾曲也采用了几首流行歌曲.可谓赏心悦目.这么优秀的一部中国动画片，值得推荐给中国的孩子们欣赏，尤其是动画片是孩子们的兴趣所在，兴趣是音乐学习的根本动力和终身喜爱音乐的必要前提。在教学中，要根据学生身心发展规律，以丰富多彩的教学内容和生动活泼的教学形式，激发学生对音乐的兴趣，不断提高音乐素养，丰富精神生活。所以我为孩子们带来了这部动画片《宝莲灯》。

设计理念：

音乐课程包含音乐聆听、音乐表演和音乐创作这三个具有很强实践性的教学领域，提出了相对明确而具体的课程内容，并从音乐学习的特点出发，设计生动活泼的教学形式，激发学生的学习兴趣，增进学生对音乐的喜爱，引导学生主动参与各项音乐实践活动，以获得对音乐的亲身体验。在不断实践的过程中，逐步培养和提高有利于学生终身发展的音乐能力。本课我的设计是从动画片《宝莲灯》的音乐作品的聆听出发，采用边聆听边欣赏画面的形式，给孩子们一种视听的感受，既直观，动画的形式又特别能吸引学生的注意力，在兴趣中的学习是最有效的。同时欣赏中来思考，来感受音乐在这部动画片的重要性，了解音乐在动画片中的分类，什么是主题曲？什么是插曲？什么是背景音乐？主题曲、插曲、背景音乐在动画片中分别起到了什么作用？了解了这些知识，对于学生接下来进行音乐表演和音乐创作有了很好的铺垫。本课的第三环节我设计了先播放无声的《望月节》，让孩子们只看画面来感受没有音乐背景的画面显得苍白而缺乏灵动性，然后再播放有声的《望月节》，学生边对此感受大为不同，而让学生亲身参与到望月节中去，他们的兴趣更为浓厚。这是一个多声部的音乐活动，把学生进行分组，并且引导学生在动画的基础上有自己的创新。学生既感受了多声部的练习活动，又能体验自己创编的成就，是学生走进音乐、获得音乐审美体验的基本途径。

一、教学目标：

1、通过欣赏动画片《宝莲灯》中的音乐作品，感受音乐在动画片中的重要性。想象音乐所营造的神奇、美好的意境。

2、在合作和探究的过程中，尝试运用打击乐器进行音响小品的创作，体验创作的快乐。

2、在聆听中了解动画音乐的分类、作用及相关知识，提高在参与性欣赏活动中感受多声部音乐的能力。

二、教学重点、难点：

1、听辨音乐情绪、人声、乐器。

2、感受多声部音乐的色彩。

三、教具准备：多媒体课件、打击乐器

四、教学过程：

（一）激趣导入

1、听歌曲说片名（播放动画音乐《喜羊羊和灰太郎》、《哪吒传奇》、《西游记》、《想你的365天》。）

2、师简介：这几部动画片，除了《喜羊羊和灰太郎》以外都是根据中国的神话故事改编而成的，人们通过想象塑造了动画片中许多富有个性的人物形象和感人的故事情节，而且整个动画片都由音乐贯穿，今天这节课我们就来欣赏动画片《宝莲灯》的音乐。板书课题

（二）听赏主题歌《想你的365天》

1、教师简要介绍动画片宝莲灯。问：你觉得沉香是个什么样的孩子？（勇敢、孝顺、懂事）

2、师：很多年过去了，人们对动画片的情节可能会淡忘，但是我们仍然能够记得动画片的（主题歌）。介绍什么是动画片的主题歌（直接表达动画片主要思想和内容的歌曲）刚才我们听的《想你的365天》就是动画片《宝莲灯》的主题歌。

3、再欣赏一遍《想你的365天》，学生轻声用LA边划拍边哼唱。

（三）听赏插曲《天地在我心》

1、除了主题歌《宝莲灯》中还有一些歌曲。这些歌曲叫动画片的（插曲）。接着了解插曲（为动画片某一场景的人物或情节而作的歌曲）、2、欣赏其中一首插曲《天地在我心》。问：这首插曲的演唱形式是什么样的？（男生独唱）。是谁演唱的？（刘欢）问：这首歌曲表达了沉香什么样的心情？

3、（出示歌词）教师演唱第一段，这段歌词表达了沉香什么样的心情？（痛苦、十分思念自己的母亲、悲伤）教师演唱第二段歌词，这段又表现了沉香什么样的心情？（激励、自信、有必胜的信心）

4、师：刚才在欣赏插曲的时候，除了听到音乐家刘欢的演唱和音乐伴奏以外，你还听到什么声音？（请你用手势表示你听到的次数）

5、再听音乐。问：出现了多多少次？师：歌曲中出现了多达十几次的独特的声音效果，我们把它叫做音效。

6、问：都听到了那些声音？（沉香的叫喊声、笑声、小鸟、小猴子的声音、海浪声）师归纳：沉香的声音——人声；小鸟和鹤的叫声、小猴和海浪的声音这些都属于自然界的声音。有了音效的加入可以丰富动画片的表现力，也给我们一种身临其境的感受。

（四）聆听背景音乐《望月节》

1、接下来我们一起来欣赏动画片《宝莲灯》中的另外一个音乐片段，看看里面的人在干什么？（播放无声《望月节》）

2、师：刚才在欣赏时我看到很多同学都皱起眉头，好像觉得在欣赏的过程中缺少了什么？（音乐）原来动画音乐除了主题曲、插曲和音效以外，还有一个好帮手，那就是背景音乐，背景音乐有什么作用呢？（更好的营造当时的氛围）

3、介绍：《宝莲灯》中有大量的背景音乐，我们刚才欣赏的这段是《望月节》

4、再欣赏一遍又了背景音乐的这段动画片段，给你带来什么样的感受？里面的人在干什么？

5、汇报（震撼、热闹、有气氛）问：你都听到背景音乐里有哪些声音？（鼓、小孩的叫声、猴子的声音）

6、师：背景音乐《望月节》描述的是神话中的二郎神想要一手遮月，所以当地的部落民众感到非常恐惧而举办的这种祈拜仪式。《望月节》是由歌声与乐队两大部分组成的。歌声你都听到哪些声音？（男生女生）乐队都听到哪些乐器的声音？（鼓、木琴）小猴的声音和射箭的声音是谁发出的呢？介绍电子合成器。

7、分组练习个声部（女生挥手；男生挥拳；鼓声永打鼓的动作；木琴用手指敲击的动作；电子合成器模仿弹奏琴键的动作遇到特殊声音时作按按钮的动作）

8、再听音乐《望月节》，学生分组表现这段多声部的音乐。

9、这段音乐给你什么样的感受？（平静还是热烈；随意还是隆重；悠闲还是紧张）

（五）小结

师：动画片《宝莲灯》片长80分钟，音乐的总长就占了70多分钟，课件音乐在动画片中的地位。

教学反思：

动画片它以唯美的画面，轻松活泼的内容，或有趣或生动的人物形象，旋律或简单或动人的音乐为小孩们津津乐道。我设计的这一课就是抓住孩子们的喜爱动画片的契机，来通过动画片了解动画音乐、了解音乐的分类、了解各类音乐在动画片的作用，以及让孩子们通过实践体验音乐多声部，激发学生的创造能力。

1、在欣赏插曲《天地在我心》这个环节，我能感受得到学生体会到的歌曲的情感，感受到了演唱者的情绪变化。因为随音乐的情绪，孩子们的情绪也在发生变化。有安静聆听的，有随音乐在哼唱的，有的孩子们表情时刻随音乐发生变化，有的孩子晃头身体随动的„„这等等都体现了学生有不同的体会，但都是在感受着歌曲的情绪。

动画电影音乐 篇3

《功夫熊猫》电影配乐分析

《功夫熊猫》电影配乐的大放异彩，离不开汉斯·季黙与约翰·鲍威尔两位大师精湛的配乐技艺，本文就经典音乐片段进一步对这部近乎完美的电影配乐进行分析。

一、塑造人物性格

1.Hero

作为整部电影的开篇乐章，《Hero》很好的诠释了这个发生在中国的古老的故事氛围，也明确的指明了整部配乐的曲风。汉斯·季黙精湛的技艺和他对中国民族音乐的理解成就了这曲《Hero》风靡全球。

一声中国传统的的铜锣声伴随着悠扬的竹笛，缓缓将我们带入了古老的中国，鲜明的五声调式和竹笛旋律的进行，渐渐远去的锣声，配合逐渐拉近的山水写意图景，就像一位鹤发童颜的老者即将为我们讲述一个意味深远的中国故事一样。紧接而来的一段旋律交给二胡与琵琶，在透着侠者特有的孤寂意蕴中，锣声的再次敲响悄悄地拉开了这个故事的大幕。婉转的竹笛配以写意的二胡，古老悠远的铜锣形成了典型的中国戏曲开场，作曲家对于中国传统音乐的理解与认知着实让中国观众惊叹不已。（谱例1）

（谱例1）

随着二胡渐渐消失，音乐过度到神龙大侠的主题，快速的场景切换配上一段非常激情的典型爵士音乐 作为背景的弦乐演奏出五声调式的旋律，但最具爵士特征的架子鼓鼓点和铿锵有力的铜管在其间的滑音进行，使这段音乐呈现出新奇的中西合璧的音乐。典型的季黙式动作场景电子乐立刻就把观众的情绪调动起来。伴随着爵士鼓点轻轻摇摆的同时却欣赏着一场侠肝义胆的江湖厮杀，相信这绝对是武侠电影之先河，这种别出心裁的表现形式能够立刻抓住观众的兴趣，并快速的将观众带入到故事的情节当中，这也是整部配乐的精髓所在，让观众陷入其中不能自拔。

激情过后音乐进入到一段欢快跳跃的弦乐拨奏，典型的西方配器加以传统的五声调式，完美的中西合璧让我们无不为作曲家精湛的配乐手法所征服，最终这首《Hero》结束在一段欢快的长笛声中，为这场浩浩荡荡的中西文化交融画上了一个完美的句号。

这些旋律大多以五声调式中的羽调式和宫调式为主，中国传统音乐的进行离不开“起承转合”这个要领，而影片大量音乐的起承转合都围绕这些五声调式旋律衍生和发展，时而高亢，时而婉转，时而意味深长，由中国传统音乐到西方电子音乐的过度及衔接恰到好处。

2.Panda Po

《Panda Po》是熊猫阿宝的主题音乐，而此时的阿宝只是作为一只熊猫而非神龙大侠，这是一段非常抒情的场景音乐，它出现在整部影片的最后，师徒二人在桃树下分享包子的情景中，充满了浓郁的中国风情和农耕社会典型的自给自足式的欢欣愉悦。

跳动的音符，轻巧的弹拨弦乐悄悄把我们带入到那个充满温馨的地方，伴随着扬琴敲击出的跳跃旋律，轻松欢快地引领着低声部的拨弦律动，立刻便把我们又带回到了那个美丽祥和的和平谷：（谱例2）

（谱例2）

（谱例3）

轻快地打板声和扬琴的一系列变奏缓缓推出了第二次出现的主旋律，再现时主旋律其主奏乐器加入了西洋打击乐器——马林巴，马林巴的“叮咚”之声，仿佛潺潺流水，迎合着扬琴的欢快流畅，为我们展现了充满无限生机，一片欣欣向荣的和平谷。同时，在每一个乐句结束时，都会有一段扬琴演奏的副旋律与之呼应，一问一答，具有典型的中国民歌对答式的鲜明特征，这与画面中师徒二人的交流和分享配合得十分默契。（谱例3）

紧跟其后的这一片段里，作曲家运用了中国式的戏曲小打（吊镲、小锣、响板），配以铿锵有力的大鼓使此段配乐在诙谐跳跃的同时又不失恢弘大气，此时的主奏乐器已经由扬琴换成更为灵巧的小梆笛，将这种蓬勃向上、源源不断的生命力渲染得极具韵味。（谱例4）

（谱例4）

过度部分的低音由扬琴代替了贯穿始终的弦乐拨奏，并加入了中国戏曲中极具幽默和调皮特性的小锣，别有一份风味。乐曲进入中后部则是对第一乐段的重复，配器上变化更加丰富多彩，比如优美的弦乐代替了之前的扬琴加入了对答式结构，情绪相比之前抒发得更为饱满和高涨，逐渐的将乐曲推向一个高潮。乐曲最后回归恬静，在最初的拨弦声中停止，好像刚刚听完看似平凡却有无限意蕴的故事一样，意犹未尽的感觉油然而生。

值得特别一提的是，在这段简短的配乐中，作曲家运用了中国传统音乐典型的旋律创作手法——“鱼咬尾”在4乐句主旋律中非常显著。“鱼咬尾”是指前一句旋律的结束音和下一句旋律的第一个音相同的结构，也叫衔尾式、接龙式，是中国传统音乐的一种结构形式。音乐语言（音乐语言包括很多要素：旋律、节奏、节拍、速度、力度、音区、音色、和声、复调、调式、调性等。一首音乐作品的思想内容和艺术美，要通过多种要素才能表现出来）上前后衔接紧密，句式匀称整齐，听来环环相接，明快流畅，情趣横生，像一条条鱼儿头尾咬串在一起一样，所以民间用非常生动的比喻称之为“鱼咬尾”，具有非常典型的中国式创作思维，如《二泉映月》、《春江花月夜》等大量中国名曲都运用了这一手法。（谱例5）

二、刻画唯美场景

1.Sacred Pool of Tears

（谱例5）

（谱例6）

（谱例7）

《Sacred Pool of Tears》圣泪池是乌龟大师领悟武术真谛的地方，为了能够迅速地提高阿宝的学习效率，师傅将他带到了这个神圣的地方。音乐的开头是一段竹笛与二胡交错演绎的欢快跳跃的主题，阿宝背着沉重的行李和师傅来到了传说中的圣泪池，此时音乐急转，一段恢弘大气、振奋人心的音乐一步一步的将观众带入到圣泪池的那种神秘与神圣当中，配上那撼动人心的人声吟唱，让人们对此地更多了一份 敬 意。“Do you want to learn kungfu?”音乐衬托出的这种气氛，试问谁又不被其感染呢？

师傅意识到想要让阿宝投入武术的学习中，常规的办法是行不通的，于是师傅发现了阿宝对于食物的渴望，并利用这一点激发了阿宝的潜能。学习是一个过程，而这段音乐近乎完美展现了这一过程，音乐动机的逐步成熟稳固使这段音乐有种强而有力的行进感。（谱例6）

开头主题初现，紧跟其后的一系列变奏使观众对于主题的再度出现及稳固有种强烈的期待感，也同时盼望着阿宝早日学成功夫。（谱例7）

终于，阿宝完成了师傅的所有训练，即将面对最终的挑战。音乐也达到一个高潮，而这段圣泪池的功夫主题也以不同的表现方式多次出现在整部电影配乐中。（谱例8）

不能不说季黙对于带动观众情绪这一方面很有一套。这段旋律具有非常典型的中国武侠电影风格，其中的侠义情怀也恰恰加深了广大中国观众对于熊猫阿宝这一角色的喜爱。

2.Training Po

在浣熊师傅的精心安排下，师徒二人上演了一段“抢包子”的好戏，虽然简短却精彩至极。

在此段落的音乐作曲家借鉴了中国传统打击乐曲目《龙虎斗》，运用了大量的中国民间打击乐包括鼓、锣、大钹、小钹、手锣等。我们知道《龙虎斗》是一曲在中国传颂百年的器乐名曲，其乐曲酣畅淋漓，激越昂扬，具有强烈的艺术感染力。

（谱例8）

在这曲《Training po》中，作曲家深得其精髓用小型打击乐器丰富多变的清脆音色组合，结合了快速多样的短小节奏串接、高低错落粗细间插的敲打拨撩，配合着雄壮有力的“呼哈”人声特效，惟妙惟肖的展现着师徒二人的你来我往，把整个场面刻画的应接不暇妙趣横生而又动感十足。

在乐段的结束部分，主题音乐再度响起，师徒二人一个心悦诚服一个欣慰无限，抱拳致礼，音乐在这心有灵犀的温馨当中戛然而止，充满了东方式的宁静从容和互敬互惜。

在我们的国家交响乐团(Chinese National Symphony)的全力支持和润色下，影片《功夫熊猫》的音乐比以往同类题材的作品，都更接近中国的本土特色，象《功夫熊猫》的配乐这样在借鉴我国传统与拓展形式方面平衡得非常适度的作品，已经有相当一段时日没有出现过了，因此也显得弥足珍贵。

在3D立体高清影片时代的今天，符合故事情境又同时能吸引观众的音画成分可谓是“大片”时代成功的关键因素之一，而音乐已经成为电影中不可或缺的一部分，有些甚至超越了电影本身的价值。

《功夫熊猫》系列动画电影的配乐由汉斯·季黙和约翰·鲍威尔共同完成，二人在继《夺宝金子城》之后再度携手，成功的完成了这部近乎完美的电影配乐。悠扬的竹笛、婉转的二胡、跳跃的扬琴和诙谐热闹的中国打击乐，每一件中国传统乐器的运用都活灵活现的为我们呈现了一个中国古老的具有传奇色彩的英雄故事。

随着中国国力的逐步强大，越来越多的人开始关注中国传统文化，作为中国年轻的一代我们也将面临着继承与发展中国传统文化这一重任，因此我们在欣赏西方人成功作品的同时亦要学会总结经验教训，从而尽快的融入到国际市场生产出属于我们自己的《功夫熊猫》。

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动画电影音乐 篇4

一、早期真人动画电影中动画角色的形态

真人动画合成电影几乎与动画电影在同一时期诞生。1900年, 美国动画之父布莱克顿创作了第一部真人动画电影《奇幻的图画》。这一时期的真人动画电影的表现形式多以黑白单线平涂为主, 角色形象大多取材于这一时期的西方主流漫画, 与当时二维动画非常接近。但是在剧情方面, 此类电影则大多喜欢表现动画师创造角色的过程, 并且让角色成为动画师的戏耍对象。在 《奇幻的图画》中, 动画师绘制了一个男人的脸, 并为他画了一顶帽子, 最后却将帽子据为己有, 使他露出愤怒的表情。而在 《逃出墨水池》中, 主角更是直接以小丑的形象出现。可以说, 早期的动画角色的表现手法和类型非常单一, 与片中真人角色处于一种创造者与被创造者的不平等关系。因此聂欣如认为, 早期真人动画影片中“杂耍的性质还非常突出, 因此有意混合两种不同造型材质的目的也很明确, 无非是为了吸引人们的眼球。1”

二十世纪四十年代, 一批动画明星诞生了, 而动画明星出现在真人电影更是成为一种潮流。在《幻想曲》中, 米老鼠与指挥家握手;在《翠凤艳曲》中, 老鼠Jerry与歌舞片巨星吉恩·凯利共舞;在《三骑士》中, 唐老鸭与舞蹈演员共同起舞。其中最著名的还是1988年创作的《谁陷害了兔子罗杰》。这部片子中动画角色与真人角色的互动无论在剧情上还是表现上都达到了前所未有的高度, 使动画角色真正来到了电影所塑造的现实世界。

除了动画明星与真人互动以外, 动画也经常作为叙事的辅助手段插入到真人电影中。定格动画与真人交互的影片也有所发展, 出现了《金刚》《失落的世界》等影片。

这些发展不仅应该归功于动画制作技术的进步, 还应该归功于动画制作者们创作观念的扩展。赛璐珞片、动画摄影机、动画转描等技术的发明固然扩展了动画的表现力, 但是创作者对待动画角色不再像对待一件物品, 而是让动画角色与真人演员平等地交流与互动, 才是动画角色类型扩展的主要原因。

但是由于当时的动画角色与现实环境大相径庭, 其依然摆脱不了作为喜剧角色或怪物角色的身份, 适合的电影类型也多为喜剧片或特效片。动画角色在真人电影中的情感表达受到严重限制, 远远不如在纯动画中来的细腻。

二、当前真人动画电影中动画角色的形态

CG技术的应用揭开了真人动画电影中动画角色新变革的帷幕。当今大多数的真人动画电影, 其动画角色都是采用CG技术打造的, 由此可见CG技术对真人动画电影所带来的巨大影响。CG技术使真人动画电影中的动画角色呈现两个特点:角色的高度写实性;与电影特效的深度融合。

1.角色的高度写实性

真人电影中动画角色的高度写实性不仅体现在角色外观上, 也体现在角色身份上。

在20世纪90年代, CG制作技术出现之前, 动画角色与真实世界依然泾渭分明。观众在观看真人动画电影的时候, 能明显感觉到自己观看的是动画角色。CG技术的进步使动画角色在真人电影中呈现出一种超级真实的面貌。肌肉、毛发、次表面散射等CG技术的完善, 使CG动画角色几乎可以模拟任何真实质感。这使得当前真人电影中的CG动画角色演变为三种主要类型:卡通性格+卡通造型+真实质感;卡通性格+真实造型+真实质感;真实性格+真实造型+真实质感。

《加菲猫》《蓝精灵》等真人动画电影便延续了卡通明星来到现实世界的手法, 保留了原作角色的造型和性格, 但是增加了真实的质感, 这使得动画角色能够更好地与真实世界融合在一起。例如在《加菲猫》中, 加菲猫便顶着一副卡通角色的模样, 但是其真实的毛发效果使观众认可它是一只家养宠物, 而非来诞生于某人笔下或居住在某个动画城2。

1999年罗伯特·R·明可夫执导的《精灵鼠小弟》则比加菲猫更为写实。该片是卡通性格+真实造型+真实质感的代表作。其利用CG技术创造了栩栩如生的小白鼠斯图亚特, 它的外表与普通小白鼠没有太大区别, 却穿着人类的衣服, 吃着人类的食物, 与人类逗趣, 令人忍俊不禁。

今天, 真实性格+真实造型+真实质感的动画角色比上述两种类型更为常见。《指环王》《星球大战》《猩球崛起》《变形金刚》等无数电影中均包含这一类型的角色。它让动画角色和和真实世界以一种前所未有的姿态紧密地结合在一起。角色的外表虽然不存在于这个世界中, 却像原本就应该存在于这个世界中一样, 营造了一种真假难分的幻觉。角色的性格也像人类一样复杂多变, 彻底摆脱了卡通化的性格。

2.与电影特效的融合

当今真人电影中的动画已经与电影特效难舍难分。在诞生之初, 真人电影中的动画与特效有着不同的源头:真人动画电影源于《奇幻的图画》;特效电影则源于《月球旅行记》。在CG技术得到广泛应用之前, 这两种艺术形式通过定格动画的方式产生交集。比如1933年拍摄的电影《金刚》中便采用定格动画来塑造金刚这一角色。到了今天, CG技术能够比定格动画更加真实、更加方便地创造奇幻角色, 这就使得CG角色在电影当中占据的比重越来越大。

CG技术的发明扩展了动画的表现形式——过去真人演员所不能演绎的角色, 以动画的方式呈现在观众面前, 营造出了不可思议的视觉奇观。虽然有一种观点认为“动画性”是区分动画与真人电影的标准, 但是动画性实际上是一种因人而异的感觉, 它 “并不存在一个恒定不变的规定性, 不存在一个具有普适效力的 ‘普遍规律’”3, 自然也难以成为令人信服的评判标准。另一方面, 就动画的一般概念而言, 它是一种使原本没有生命的形象获得生命与性格的手段4。采用这种手段制作而成的虚拟角色自然可以被称为动画角色。

电影作为一种综合艺术, 在其发展的过程中便不断地将各个领域的艺术和技术整合在一起, 赋予它们新的涵义, 动画和特效也不例外。电影特效作为一种制造真实幻觉的艺术, 其概念已经与动画角色的高度写实性重叠。在这一分支中, 严格区分动画和特效已经不再有实际意义, 与电影特效的深度融合已经成为动画角色的发展方向之一。就像迪士尼为了适应《白雪公主》的严肃叙事而采用了写实的动画角色一样, 在真人电影中使用高度写实的动画角色更加符合复杂叙事的需要。高度写实的动画角色虽然看似在表面上丢弃了动画感, 但是因为叙事能力的增强, 在电影工业内部, 这种动画角色将以另一种方式蓬勃发展, 成为电影塑造“非人”角色的最重要的手段。

三、真人动画电影中动画角色的发展趋势

回顾动画角色造型在主流真人动画电影中的发展历程, 我们可以发现在真人电影这一范畴中, 角色的造型的真实度受限于质感的真实度;角色性格的复杂程度受限于角色质感和造型的真实度。因此真实质感的表现是角色类型多样化的关键。而真实性格+真实造型+真实质感的角色则是动画角色在质感表现方面取得突破之后自然而然发展出来的类型, 并非来源于特效。

在早期真人动画电影中, 动画角色受限于质感和造型, 不能很好的适应复杂叙事, 总体处于卡通性格+卡通造型+卡通质感的模式。CG技术的加入使得真实质感的表现成为可能, 大大地增加了动画角色的组合类型。其整体表现风格也从一开始的单线平涂的方式, 演变到现在二维、定格、写实等多种风格并存的局面。 并且随着表现手法的丰富, 角色性格的表达也越来越趋向完整。

真人电影本身固有的真实质感使其趋向于选择真实的动画角色, 因此真实性格+真实造型+真实质感成为目前真人电影中动画角色的主要类型。这虽然在一定程度上弱化了其它三种类型在真人动画电影中所占的比例, 但是并不意味着真实的动画角色会完全取代其他类型的动画角色。例如2004年上映的《海绵宝宝历险记》就保留了海绵宝宝和派大星的卡通外观。总体来说, 真人动画电影中动画角色类型还是呈现了越来越多样化的趋势。

动画角色在真人电影中所占的比重也越来越大。因为CG技术的拟真性越来越好, 制作难度越来越低, 在表现力和成本上都便于控制, 目前绝大多数电影中的“非人”角色都几乎采用CG技术来打造。电影作为一种制造幻象的艺术, 对表现超出日常生活的事物有一种强烈追求。在过去, 特殊的场景可以人工搭建, “非人”的角色因为需要表演, 却往往只能由真人扮演, 反而使其真实性大打折扣。现在有了CG技术, 许多过去难以拍成电影的故事都有了表现的平台。甚至用动画角色表现真实生物也将成为最佳选择。李安执导的《少年派的奇幻漂流》便采用了CG技术制作了老虎这一角色, 从而使老虎能够适应各种场景, 表达更为丰富的情感。这样的优势使动画角色在真人电影中的应用范围越来越广阔。

四、结语

目前, 动画角色在真实质感表现方面的问题已经不复存在。 真人电影中的动画角色的类型前所未有的丰富, 与真人电影的联系也前所未有的紧密。电影对制造幻象的追求、对制造“惊奇” 感觉的追求, 推动了动画角色造型的美学嬗变。纵观动画角色的发展历史, 技术变革其实只是动画角色发展的基础。它为动画角色在审美表达方面提供了更多的可能, 进而改变了角色的情感表达方式, 从而使其能适应更多的叙事方式。在《阿凡达》之前, 其实已经有很多立体电影上映了, 但这些电影都未引起像《阿凡达》一样的轰动效应, 可见立体技术并不是《阿凡达》成功的唯一因素, 其成功很大程度上是因为《阿凡达》重新定义了动画角色与真人的关系。由此可见, 在角色造型表现已经不受技术限制的当下, 如何在美学、情感和叙事上更好地把握动画角色, 才是我们应该思考的问题。

注释

11.聂欣如.《阿凡达》是动画片吗?[J].当代电影, 2012, 06:145-147.

22 .在《谁陷害了兔子罗杰》中, 动画角色居住在一座“动画城”里.

33 .孙振涛.动画性:一种历史建构[J].人文杂志, 2009, 06:99-106.

动画电影赏析 篇5

10工管（2）班杨枭潇2010910020 《狮子王》时长89分钟，其类型属于喜剧、冒险、音乐、动画。当太阳从水平线上升起时，非洲大草原苏醒了，万兽群集，共同庆贺狮王穆法沙和王后沙拉碧产下的小王子辛巴的诞生。由此，矛盾在这刻开始上演。辛巴作为主角，天性顽皮，然而在以后的成长历程里却给他带来了身心的巨大变化。儿时受到叔叔刀疤的欺骗与仇恨因单纯而丝毫没有察觉他复杂的野心，背负“杀父”的罪名而流浪漂泊；在身心疲惫的时候友情的来临给他以新生的希望与活力，在与丁满和彭彭的开解下体会了生命的快乐与友情的珍贵；而一次与儿时同伴娜娜的再遇，得知叔叔刀疤的恶行后变得勇敢而成熟；最后与刀疤的决战里更体现出那份王者风范„„这一切的经历中我仿佛也看到了自己，从单纯幼稚向成熟自信转变，所经历的事情都有着相同之处。如果人不受欺骗，根本无法了解被骗的愤怒；如果不经历流浪的艰辛，又何以知道友情所带的温情的珍贵；如果不经历命运的挣扎，谁能够证明自己潜在的能力？我能自然地与他的生命产生共鸣，也许人生需要的就是那么一点成长的挫折与颠簸，只有这样我们才懂得成长的重要性与生命的特别意义。

一开场出现的那高耸而突出的山崖就是影片中的主要场景，大量的镜头和故事情节以及正反两派中主人公的多次交锋都是在这个场景中发生的。场景、音乐、故事情节等因素的完美安排，更多的正是其内容所揭示的深刻的人性问题与生命规律的思考的原因。

《狮子王》以其活泼可爱的卡通形象、震撼人心的壮丽场景、感人至深的优美音乐，及其所描述的爱情与责任的故事内容，赢得了全世界的关注和青睐。它一时间成为了迪斯尼历史上最成功的动画电影。《狮子王》的成功并非偶然，优美的音乐、动人的故事情节、流畅的画面、深刻的主题，都有其深远的意义与价值。从文化的视角而言，在《狮子王》的背后隐藏着多个不同原型的巧妙融合。影片取材于英国著名戏剧家莎士比亚名作《哈姆雷特》，却并不完全依附于它。除王子哈姆雷特以外，在主人公辛巴的身上还同时闪现着多个原型的影子。这种完美的融合,满足了观众的想象空间，又贴近人们现实的生活体验。从文学的视角看《狮子王》，迪士尼工作者们精心雕琢了四年，以幽默的语言，形象的画面，将动物王国的生活进行了精彩的刻画，并赋予其人性化特点生动地展现在观众面前。影片对于权力斗争、生命中应承担起之责任等硬性的主题同样做了完美的诠释。爱、成长、生命、自我救赎这类有深远意义的感性主题，如同金线般散发出亮丽的光彩。以上种种因素将《狮子王》的成功推向了必然。

动画电影实战报告 篇6

‘小包子’太萌了！真想捏一捏！”——这是不少人看到动画电影《神秘世界历险记》宣传海报后的第一反应，“小包子”是该片主角之一——一只外形似狮虎兽的自然灵物“啦啦”，电影还未上映，其圆乎乎的可爱形象就获得不少认可。与这部电影一起进入大众视野的，还有该片的总制片人——北京其欣然影视文化传播有限公司（以下简称其欣然影视）总裁袁梅。

作为资深影视人，用时下网络流行词“淡定”来形容袁梅最恰切不过——无论是接受记者专访时的状态，还是运作一部历时近6年的动画电影项目的心态；而作为动画电影制片人，袁梅更有股子直率劲儿，“动画片是拍给所有有童心的人看的，输得起就做，输不起就不做”。

《神秘世界历险记》总投资（含宣发费）2000多万元，目标受众为6-14岁的少年儿童，由江苏广播电视总台（集团）及旗下优漫卡通卫视、其欣然影视文化传播有限公司、其卡通（即北京其欣然数码科技有限公司，其欣然子公司）、江阴国动文化传媒有限公司联合出品，其卡通承制。影片讲述天生喜欢恶作剧、捉弄小动物的淘气女孩雨果，发现了一只能和自己说话的自然灵物啦啦，机缘巧合下随其进入一个神奇国度——动物们的世外桃源——之后经历的冒险故事。

8月10日，影片将登陆全国大银幕，加入竞争激烈的暑期档。

一部动画电影的诞生

《神秘世界历险记》的筹拍始于2006年，袁梅介绍，当时的项目策划、故事创意、第一版剧本都由她亲自操刀。“操作过不少动画剧集项目后，自然就想要给自己一个提升。”她表示国产动画电影在题材上有较大局限：“价值观要阳光明亮，但打出全年龄段受众的定位往往容易失败，所以大多项目还是以低幼年龄段孩子喜欢的故事。”虽然行业现状如此，袁梅仍希望自己推出的动画电影在吸引孩子的同时，能牵动整个家庭。

《神秘世界历险记》的制作过程并非一帆风顺。

2007年，彼时还叫《奇异家族》的该片推出第一版样片，斩获了东京电影节“东京放送”等国际奖项，主创人员均以为影片可以在2008年夏季完成。但到了2009年，制作团队又调整了创作方向，用袁梅的话来说，“在做第二版片花时，发现了很多问题，就是有很多效果我们技术上还达不到。” 最早的故事受到制作力量的限制，故事本身也欠打磨。2010年，带着调整后的故事，袁梅的团队决定将整部影片的制作技术从二维转为三维，实际制作过程持续了两年左右，直到2012年3月才完成影片的主体制作。

“之所以有这样大的转变，一是考虑到市场情况，二是创作团队本“身的技术实力已经达到三维制作的要求。”袁梅表示，市场调查与测试一直贯穿项目始终，也成为转变创作的决定因素。“例如剧本不停地被颠覆，就是不断参考市场反馈的结果，终版编剧署名是王云飞（本片导演），即现在的故事已非我写的第一版；再如片名的调整，我们拟定了10个片名，在北京、上海、南京、南昌四个城市找了1000个孩子，听取他们的意见，这才敲定了得票数最高的《神秘世界历险记》；几个影片主角的形象，设计了很多版，最终都是由孩子们选出来的。”

与此同时，技术呈现方式的改变也要求更为完善的剧本细节。“我们后来对影片主题做了重新审视，觉得可以把它变成一个更具包容度的故事。原来的主题仅仅集中在环保、人与自然、人和动物和谐相处这样较小的范围，對主角小女孩雨果的性格设定也比较模糊。”今年6月初，影片完成95%的制作后其类型、主题才更加清晰：奇幻、冒险、成长、关爱。

袁梅介绍，作为两大主投资方，江苏广电与其欣然各占影片国内版权的50%（投资与收入分成皆按此比例），一定程度上平摊了市场风险；海外版权则全归属其欣然。截至目前，该片以保底分成的方式在海外市场卖出了近20个国家和地区的发行，包括韩国、印尼、俄罗斯、土耳其等，一定程度上降低了影片对国内市场票房收入的依赖程度。“虽然此前我们公司已经制作过一部动画电影《奥运在我家》，但那是应景产品，《神秘世界历险记》才是其欣然真正意义上推向市场的动画电影。”

营销之路

谈及《神秘世界历险记》的市场推广，袁梅用了两个形容短语：“比较特殊”“非常规”。

“我们想走一条实打实的营销路，注重与目标受众点对点地对接。”在影片的前期宣传阶段，其欣然打通了两条渠道：一是跟文具企业晨光文具合作，开发带有影片主角形象的文具和海报等衍生品，并借助对方全国三万七千家门店的销售渠道，直接与受众对接。“这些门店大都开在中小学门口，在南方地区的城市尤其如是。中小学生正好是影片的核心受众，与我们的市场定位特别吻合。通过这些衍生品可以预先推广影片的卡通形象，让这些产品成为观众和电影之间的衔接纽带。”这项合作主要通过资源互换的形式实现；二是和新东方教育科技集团旗下的少儿英语教育品牌“泡泡（POP）少儿英语”合作，“他们专注于为4-14岁少年儿童提供英语教学服务，在全国拥有几十万学生，与我们的目标受众有重叠部分。”袁梅向记者分析这项合作的精准度：该机构目前在全国38座大中城市设立了学习中心，覆盖区域比较广；一般来说选择课外英语辅导的孩子家境都比较好，他们进电影院看电影的机率更大。

在电影上映前后。其欣然还会在全国一百家重点影院开展阵地宣传，“比如设立体验区和海报展架等，做一些衍生品的促销活动，设立展台与前来观影的小朋友互动等。总之要确保每一个影院都有我们的宣传点。”此外，同为投资方之一的江苏优漫卡通卫视从6月开始高密度地播出《神秘世界历险记》的电视版预告片，一天几十次的频率，一直持续到8月影片上映。“这样能更好地让孩子们熟悉影片主角形象，快速让观众对这些形象有一个认同。”

流程：前期长，中期快，后期准

“急功近利”是袁梅对当前国产动画电影业现状的评价。“话糙理不糙，现在有太多公司短时间就拍板一个项目，也有不少投资人要求制作方一年内就完成一部作品，赶着上院线上映。”在袁梅看来，这根本不是运作一部质量过关的动画电影该有的流程。

她认为一部动画电影最起码应该做五年：用三年时间做前期调查，包括对市场需求的认识、对衍生产品开发的设想、对整个制作流程中涉及技术的考量与配备、对后期与发行商合作的思考等，具体涉及故事架构、人物设定、剧本创作、面向整个发行渠道的样片预售、技术配备与研发等环节；其次，两年的制作时间是对品质的基本保障。

“不能一上来就进入制作，之后发现技术达不到再停下来——做动画主要是‘养人’，而‘养人’的成本很高。”袁梅表示，《神秘世界历险记》前几年并未大规模展开制作，而是不断调整样片，避免资金耗费。那种先做出产品再考虑发行的运作模式，其已经被市场证明是行不通的，匆忙上马项目，加上不专业的宣发甚至会让本身质量不错的动画电影失去市场机会。国产动画电影缺的就是这种等待“火候”的耐性。

国产动画电影在制作过程中也存在各环节资金、人力分配不合理的问题。据袁梅介绍，三维制作前期投资占比较二维制作更高，这部分费用要集中用于剧本创作、人物设计、场景设计、衍生产品的开发等上；中期则是制作费用；后期宣发费用则要视市场定位和营收目标而定。

袁梅以《神秘世界历险记》为例向记者介绍：“项目一确定，我们就开始营销发行了，特别是发行。我觉得国产动画一直存在一个问题——不擅长做片花（样片）。通过片花做预售，若操作得当前期就能收回三分之一的成本。在这个过程中制作方也可以知道发行商的意见，以便调整，发行商也能获知制作方的进度，有利于影片的前期宣传。”简单来说，做动画电影，前期要长，中期要快，后期要准。

“皮克斯动画工作室筹备制作《机器人瓦力》耗时13年，期间推出了11款预告片，这其实也是一个技术推进和累积的过程。相比之下，国内动画人非常不擅长做这一块，经常是预告片做得比正片还烂。为什么？一來不具备这个意识，二来操之过急。”

动画电影制片人怎么当

小说作者、电视台编导、电视剧制片人、电影监制与制片人、动画剧集总策划与总监制??这些或曾是、或正是袁梅身上的“标签”。

1997年，袁梅成立北京其欣然广告艺术有限责任公司，主要从事与中央电视台合作的综艺节目的制作和推广营销工作；2001年起从事影视剧的创作和投资、制作；2002年起开始进行动画投资和创作。

多年涉足影视圈的经历令袁梅十分清楚制片人在一个动画电影项目中扮演的角色——操盘手，还得是一个身居幕后的操盘手。

“我觉得动画电影制片人最大的责任就是控制成本、规范流程。”与做真人影视剧制片人相比，做动画电影的制片人对接的平台相对更大、更复杂。“比如说要与电影发行商、电视发行商、网络发行商、海外发行方甚至相关衍生品企业沟通，而你提供的产品往往打不出明星阵容、少有植入广告的机会，但动画电影又恰恰需要更深力度的宣传手段。”

动画电影音乐 篇7

让我们以《宝莲灯》为例来观察上述因素对国产动画电影的影响和国产动画电影对他们的借鉴。宝莲灯编导运用了外国动画音乐的制作方式, 上海美影厂在《宝莲灯》音乐制作上不惜工本, 为了使影片一炮打响, 厂方力邀两岸三地歌坛的顶级明星加盟。刘欢、李玟、张信哲用富于表现力的声音和扎实的演唱功底演绎了片中三首主题曲《天地在我心》《想你的365天》《爱就一个字》。这三首曲子词曲优美, 极具时空感, 无论哪一首听完都会令人感到荡气回肠, 魅力非凡。加上这三位实力派歌星的激情演绎, 更令人赞叹不已。上海美影厂也先期推出这几首歌的光碟为动画片造势, 取得了一定的影响, 也为动画片创造了丰厚的经济效益和社会效益。

先期录音在美国是制作动画片的常规方式。《宝莲灯》为了获得强烈的动作节奏感及夸张的对白效果, 影片采用了国际上惯用的先期录制音乐和对白的手段以及全数码立体声录音技术, 这在中国尚属首次。新技术的使用使得音质跟动画造型更加和谐, 声音效果也能根据人物个性或剧情需要来做调整, 取得了良好的配音效果。明星为动画形象配音, 可以使动画产生效应。更为重要的是前期录音可以使绘制人员根据配音演员的音调, 口型甚至情绪来绘制画面, 使自己笔下卡通人物的行为、动作与声音更加相配, 表情神态也更为自然逼真。《宝莲灯》的配音选用当红的影视明星, 在片中我们听到了姜文、宁静、陈佩斯、徐帆、崔杰、梁天、朱旭、马精武、马羚等影星的声音。这些明星的加盟不仅为影片人物赋予了不同的音质与个性气质, 也为影片搭建了一个强大的明星阵容, 形成很强的轰动效应。影片还根据国际惯例, 把《宝莲灯》以版权形式授权给三位歌手所属的新力唱片公司, 这样就免去了支付给歌星的酬金, 还可以在赢利时分红。在国外用宣传攻势来包装电影的营销方式十分普遍。影片《宝莲灯》借鉴了国外的营销策略, 加大了推广力度, 影片利用上海美影厂的对外影响力来做宣传, 宣传资料上还印有“耗资大, 明星强, 总投资1200万元……从1995年开始筹备…….创作历时4年…….在中国动画史上是罕见的”等抢眼的字句, 这样的宣传攻势在之前的中国动画电影界是没有过的。影片特别选择了暑期这个档期放映, 细节说明宝莲灯在市场营销策略上所作的努力, 依照国外动画市场开发的惯例, 动画业作为一项产业, 已由单一的影视片生产, 延伸到画册.音像制品以及文具、玩具、服装、工艺品、游览公园、游乐园等衍生产品的生产与销售。一部动画片的收入不仅包括动画片本身的票房收入, 还包括这些衍生产品的收入。《宝莲灯》借鉴这一经验, 为影片策划了一系列附加产品, 如音像制品、连环画、卡通玩具、邮资明信片等。这些衍产品当年为宝莲灯在票房以外创下500元的利润, 《宝莲灯》在国产动画举步维艰的状况下, 以640万元的票房佳绩位居1999年上海电影票房排行榜榜首, 以2400万元的总票房位列全国票房的前列, 无疑是一次成功的市场化尝试。《宝莲灯》首次聘请故事片欧美先进水平, 满足大众逐渐提高的观影需求。

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导演、录音师加盟, 以充实创作人员的力量;首次采用三维、二维电脑制作, 以加强影片的视觉效果;首次聘请专业舞蹈艺术家为该片编舞, 以谋求更为专业的舞蹈效果。由此, 国产动画电影在创作风格、制作方式、对外国动画文化元素的吸纳和融合、外国动画制作和营销的成功经验、外国的动画技术及制法等方面受到国外的影响并借鉴其优点进行了有益的尝试, 其在借鉴过程中所显露出来的问题也为国产动画电影的进一步发展提供了经验。

外来元素为什么能在80年代影响中国动画电影的创作?这有国产动画电影创作的特征和动画电影创作的时代环境的内部原因, 又有欧美日本动画电影具备其自身优势的的外在原因。60年代与90年代的时代背景发生了重大的变化, 观众的审美价值与审美诉求发生了改变, 这些是国产动画电影坚持以前的创作模式和艺术追求式微而受外来因素影响的内在原因。而上述欧美日动画电影除了他们的经济优势之外, 作品本身也有不少吸引观众的地方, 例如日本动画影片中所表现出来的唯美主义情节特别能打动时下青少年的爱美之心, 片中的画面多以手工绘制, 绘画感强, 具有创作者的风格个性, 在叙事中巧妙融入日本民族的民俗之美, 让观众通过靓丽造型画面体会日本民俗的浓浓韵味。日本动画家宫崎骏笔下的作品就始终洋溢着一股浓浓的人性美, 作品所表现的人性美具有极强的艺术感染力, 日本动画电影也有不少反映平凡生活的动画电影, 如《樱桃小丸子》《蜡笔小新》等作品让人能感受到一种日常生活的审美呈现。总之, 日本动画电影善于从不同审美层面、不同审美群体的视角出发进行创作, 作品的艺术效果和感染力极强。美国的动画电影也有其独特之处, 影片中幽默搞笑的喜剧风格、撼人心魄的视听感受、个性鲜明的动画形象都极具艺术魅力。欧、美、日更是成熟成功运用市场运作模式的行家里手, 在新的时代语境中, 时代变了, 人们的审美心理、审美要求改变了, 这些原因共同促成中国动画电影创作受外来因素影响的现实状况。

中国动画电影对外来元素的吸收和借鉴为其发展注入了新鲜的血液和养分, 为中国动画电影的创作注入了新的活力, 使其焕发新的生命力。但是同时, 这些外来元素的加入的高度和和谐程度不够, 艺术手段不完备, 也使得动画电影既有可贵探索的积极一面, 也有不尽如人意的地方。归根结缔, 中国动画电影应该向欧美日动画电影学习, 但同时更不应放弃从中国传统艺术中吸取营养。中国动画电影不乏从传统艺术中吸收营养成功的范例, 例如大闹天宫即是这样的典型, 其从中国传统艺术中吸取养分:采用京剧念白、京剧音乐、中国戏曲动作、古代壁画、传统建筑的艺术效果、中国古典神话小说、京剧脸谱、民间版画等艺术手段, 使《大闹天宫》这部电影取得了巨大的成功。《大闹天宫》的成功, 一个很重要的原因就在于创作者在借鉴民族形式的过程中分寸把握的准确。从而产生出和谐自然地感觉, 并且能产生独特的民族文化韵味, 使观众产生独特的民族审美情绪。当然, 随着时代的变迁, 不能简单地说只是一味的从传统中借鉴有用因素来创作就能创作出好的作品来。还是应该一手伸向传统, 一手伸向外来元素, 而最关键之处则可能在综合恰当整合这些因素的水准的提高上, 从而满足当下不同层次, 不同年龄段观众的审美需求, 而这正可能是中国动画电影未来发展的最终落脚点。

[2]林玉萍.谈影视化妆的基本功能.[J].音乐生活.2011年1期

[3]许乐.浅谈我国电影特效化妆的现状[J].北京电影学院学报.2011年5期.

动画电影中画面与音乐的融合 篇8

1921 年德国影片的《影子戏作品一号》, 该片的导演则是通过画面把对Max Butting展现出来, 因而被誉为“一种全新的艺术形式视觉音乐”。这部作品对音乐视觉化的展现也为以后音乐在影片中的运用奠定了基础。

1928 年11 月, 《汽船威利号》作为动画电影史上的首部有声动画电影获得圆满成功。而后由沃尔特 • 迪斯尼推出的米老鼠系列中滑稽的交响乐, 里面的音乐已趋于模仿现实中的音色, 一种无形的手法表现在了作品里。为了强调听众的想象力动画电影应运而生。

随后以著名的古典音乐为背景的动画长片《幻想曲》诞生, 片中主题音乐的发挥更是达到了完美的地步, 它空前绝后地将古典音乐与画面紧密结合, 从而推出了一部可听可看的优秀动画作品。

二、动画电影中的音画关系的类型

影视动画的艺术表现形式主要是通过音乐与画面来传达。音乐与画面相互独立又相互联系, 它们共同决定了影片所要达到的艺术效果。因为恰当地运用音乐与画面两者之间的组合关系, 对于影片的情感表达起着关键作用。音乐与画面的组合关系主要包括以下几个方面。

(一) 音画同步

影片音乐与画面关系的一种, 是指不论是影片的音乐还是画面它在基调、情感和氛围中都要达到统一。美国美术电影导演沃尔特 • 迪斯尼在他所导演的影片“米老鼠”中充分运用了音画同步的艺术处理, 所以音画同步的音乐, 也称为“米老鼠音乐”。在音画同步关系中又可以分为表层同步和深层同步。例如, 宫崎骏的《天空之城》在表现巴斯慌慌张张、笨手笨脚地接住希达的画面, 此时的配乐则用一阵轻快、幽默的管乐来形容了巴斯的笨拙。

(二) 音画对位

影片音乐与画面关系的一种, 指影片中配乐所表达出的情绪和影视画面所要表达的内容形成反差。音画对位也能起到预示剧情发展的作用或是提供画面以外的环境。例如, 在动画短片《无翼鸟》中, 无翼鸟最终选择以跳下悬崖的方式实现飞翔的梦的时候用了较梦幻的八音盒的音乐, 以这种画面和音乐的反差加深渲染了无翼鸟为梦不惜牺牲的悲壮精神。

(三) 音画平行

也称“音画并行”。音画平行是介于音画同步和音画对位两者中的一种音画关系, 指的是影片中音乐与画面所表现的风格和情绪接近, 但是速度节奏不同步, 通常是音乐伴着画面同步进行但不解释画面内容。动画短片《感觉学》中则是很好的音画关系同步的例子, 画面随着音乐变化但是不表达画面的内容。

三、动画电影中音画融合的作用

音画结合能使动画实现更好的情感表达。音乐以其自身不同的节奏和气氛, 赋予影片更深层次的含义, 从而达到深化影片的主题和立意的作用。其作用主要包括以下几个方面:

(一) 深化影片主题

在影视动画中画面并不能够完美地表达出影片的主题。只有融入音乐的画面才是对影片主题的更深刻的表达。例如, 在《猫和老鼠》的系列动画片中, 急速的钢琴声表现了猫与老鼠的追逐与逃跑, 激烈的节奏与画面的配合, 传达出一种刺激又兴奋的感受, 此时音乐让无对白的角色形象和感情清晰地展现在观众面前。

(二) 推动影片情节发展、参与叙事

电影理论家巴拉兹在《电影美学》中指出:“声音不仅是画面的必然产物, 它也将成为主题, 成为动作的源泉及成因。换句话说, 它将成为一个剧作元素。”在动画短片《蓝雨伞之恋中》, 在雨中从蓝雨伞的出现直到遇见可爱的红雨伞并最终相爱便以一种欢快的女生哼唱来参与影片叙事, 推动了剧情的发展。

(三) 角色形象的塑造

在影片中角色形象除了用画面和剧情来描写外, 音乐对于角色形象、性格和心理活动也起到了很好的塑造作用, 从而使形象更加的立体和鲜活。例如, 在影片《三个和尚》中借用不同乐器的音色来刻画角色。灵活、活泼的小和尚天真跳跃的出场方式, 配上高音板胡则更显得生动幽默。木讷、安静的高和尚出场, 则使用坠胡演奏主题音乐, 热烈、朴实而豪爽, 这正与高和尚自身正经规矩的性格相吻合。而对于憨态可掬的胖和尚则是运用管子吹奏, 加上胖和尚自身夸张憨态可掬的造型与他小心翼翼的动作形成对比。

四、总结

动画电影主题的完美表达音乐与画面是必不可少的组合。所以说在影片创作中, 我们在注重画面效果的同时也要更加重视音乐在动画片中的运用。缺失掉音乐的影视动画作品就如同没有画面一样。而脱离了动画的音乐, 也就没有了任何意义。只有让作品中的音乐和画面配合得天衣无缝, 才能更好地表达出影片的主题。

参考文献

[1]孙立.影视动画视听语言[M].北京:海洋出版社, 2005.

论影视动画作品中的动画音乐 篇9

动画音乐在影视动画作品中的作用主要体现在以下几个方面上:

(一) 音乐是画龙点睛之笔

在电影电视的动画作品中, 动画音乐具有画龙点睛的作用, 它能够使作品中的视觉幻象与听觉幻想互为表里, 从而实现视听之间的完美融合。通常情况下, 在大部分影视动画作品当中, 音乐与动画的结合关系分为同步和对位两种。所谓的音画同步具体是指音乐与画面在情绪、节奏以及主题上保持一致, 在这里音乐主要起着烘托和渲染画面主题的作用;音画对位则是指通过音乐与画面的结合使作品所表现的层面更加丰富, 从而揭示出更为深刻的内涵。通过音乐与画面的完美结合, 能够更好地展现出作品当中人物的内心世界, 以便表达出更为丰富的内涵。

(二) 音乐是情感的展现

相信无声电影大家都不会感到陌生, 如果在现代的影视动画作品中也没有音乐, 那么将会是一个怎样的情景。下面举个例子说明一下, 某学生利用后期编辑, 将《阿凡达》中的音乐全部删除, 然后邀请同学们观看, 结果在20分钟左右时, 大部分学生都纷纷离场。通过这个例子不难看出, 若是大制作中没有了音乐, 其价值势必会大大折扣, 这是因为作品中缺少了能够渲染影片恢弘庞大场面的工具。不仅如此, 音乐还能对影片的节奏和色彩产生一定程度的影响, 从而决定了影片情节的情绪起伏。例如经典动画片《猫和老鼠》, 音乐赋予了该作品喜剧色彩。在片中, 有很大一部分情节都是用音乐进行贯穿的, 几乎很少有直接配音。影片中, 急速的钢琴声展现的是猫鼠追逐的场景, 当汤姆猫蹑手蹑脚跟踪杰瑞时, 采用的是钢琴上的高音部分进行跳跃弹奏, 而在表现杰瑞战胜汤姆洋洋得意地跳舞时, 采用的是小提琴演奏, 这些音乐的运用, 不仅充分调动起了观众的情绪, 将观众带入到了真实的场景当中, 而且音乐与动画的完美结合, 给影片增添了更加强烈的视听效果。

(三) 音乐有助于形成动画风格

这里所指的动画风格是整体剧情的连贯性, 也包含对影片整体基调的渲染。换言之, 就是在动画作品中, 运用一段合适的音乐, 在前一段镜头将要结束时响起, 并在下一个镜头出现后结束, 这样便可以两个片段衔接到一起, 从而使影片的情节更加流畅。同时, 音乐还能通过听觉形象的创造来替代直观形象, 进而推动整个故事情节的发展。在影视动画作品当中, 音乐并不会解释画面, 它是以一种非常独特的方式将影片当中的画面贯穿起来, 从而构成一幅完整的形象。在有的影视动画作品当中, 用音乐将故事情节的发展表现出来, 其艺术效果会更加完美。例如《天空之城》, 该片中的配乐是整个影片的灵魂之所在, 其贯穿于影片的始终。看过这部作品的人, 都能从影片的音乐中感受到一丝伤感。音乐在开始阶段是用钢琴弹奏的, 带给观众一种清脆和空灵的感觉, 此时的画面则是希塔从飞行船上不小心掉下, 随后是轻快、幽默的管乐演奏, 画面中则是帕苏笨手笨脚地接住了正要掉到矿井中的希塔, 通过配乐推动了了影片故事情节的发展, 也使影片本身更加连贯流畅。

(四) 音乐塑造动画人物形象

可以用音乐的虚虚实实来表现动画人物的内心变化。音乐在经过创作者的精心创作后, 可以使一些原本客观存在的真实当中融入某一种或是几种主观意愿。虽然所有的音乐创作取材都源自于现实, 但是通过艺术加工处理之后, 演奏出来的旋律便可以将观众带入到一种真实的场景当中, 也能激发出观众无尽的想象, 尤其是音乐中的虚无缥缈, 更能烘托出动画人物的内心世界, 这样可以使观众对人物有更深层次的理解。

二、影视动画作品中动画音乐的未来发展思考

(一) 继承并弘扬民族音乐文化

从文化的本质上讲, 民族是其的共同体, 在民族个性的形成过程中, 民族文化起着至关重要的作用。音乐当中的民族风格一直以来都是音乐文化发展中的重要课题之一, 在影视动画作品的各种表现手段中, 音乐也是塑造民族特征的关键元素。中国有着传承五千年的文化历史, 中国影视动画音乐的民族风格是在这一历史当中不断积累的成果。在动画音乐中充分体现出了我国的文化传统、自然环境、社会结构、经济生活以及审美观念等等, 中华民族独具的民族精神和风俗习惯为影视作品中的动画音乐创作提供了取之不尽的源泉。为此, 我国影视动画音乐应当突显出音乐的民族性, 并在遵循动画音乐艺术特性这一原则的基础上, 以动画本身作为载体, 按照作品的题材, 运用民族音乐的创作形式进行创作, 以此来彰显出民族个性在影视动画作品中作用。例如2015年刚上映的影片《大圣归来》与《捉妖记》, 在动画画风等技巧的运用上体现了中国特色, 也运动很多中国传统音乐及西洋乐的合作形式出现。

(二) 加快实现多元文化的包容

可以将音乐看作是社会文化环境中民族精神的一种体现, 由于各个民族的社会文化背景均不相同, 使得音乐活动的形式也都各具特色。为了进一步推动动画音乐的发展, 应当加快实现多元文化的包容, 大量的实践也充分证明了中西方文化交流与互补是能够实现的, 通过借鉴并吸收西方音乐文化的精髓, 对中国传统音乐进行研究和创新, 打造出具有中国特色的动画音乐品牌, 这将是动画音乐未来发展的主流趋势。

(三) 注重音乐创新

社会想要发展、时代想要进步都离不开创新, 由此可见动画音乐想要发展也需要进行创新。就影视动画中的音乐而言, 对其进行创新是一个复杂且艰难的过程, 这是因为动画中的音乐已经定型, 若是非要加入一些其它的东西, 不但未必会达到理想中的效果, 而且观众也不见得能够接受。但是创新又是音乐发展的必经之路, 所以笔者认为, 动画音乐的创新既要符合影视作品的需要, 又能满足观众的要求。由于动画作品的观众多为儿童和青少年, 为此动画音乐在创新的过程中, 可以引入动漫游戏中的音乐效果, 并将之与作品进行完美融合, 这样既能达到创新的目的, 又容易使观众接受。

参考文献

[1]赵竞.郭磊.曾艳.从动画音乐的作用出发谈视听语言方案处理的技巧[J].电子科技大学中山学院学报.2010 (14) .

[2]王秀丹.音乐的情感表达在动画影片中的影像呈现[J].电影文学.2012 (24) .

[3]魏辉.浅析音乐在影视动画中的艺术功能—以久石让的动画配乐为例[J].音乐探索.2010 (10) .

[4]陈阳生.王泓慧论影视动画中音乐的作用及优秀作品赏析[J].科技信息.2009 (8) .

动画电影带“热”玩具市场 篇10

日前, 记者在不少店里看到玩具麦兜猪早已经上市了。“卖得非常火, 都断货了。”店主表示。记者了解到, 不仅仅是《麦兜响当当》, 一部动画电影只要好看, 仿动画角色的玩具保准都能卖火。孩子要, 家长也舍得花钱, 小店也赚疯了, 不过现在还有个问题挺愁人, 新玩具不断来, 旧玩具该怎么办呢?

“麦兜猪上市啦。”随着电影《麦兜响当当》在全国各大影院热映, 装扮各异的麦兜猪玩具随即摆上了玩具店的货架。记者在一个地下通道的玩具店里看到, 麦兜猪摆在店里最显眼的位置。“麦兜猪, 刚来的, 十二星座都有, 25元一个。”电影过后火玩具, 《变形金刚2》首映之后第2天, 玩具版变形金刚就上市了, 卖得还非常火。喜羊羊从去年元旦开播以来, 喜羊羊娃娃等玩具的销售就一直火爆。

跟着电影“沾光”的玩具标价也会或多或少高出一部分。记者看到标价25元的麦兜猪大约有25厘米高, 两手拿着正合适。而同样大小的其他玩具几十块钱不等。在家乐福东部店, 记者看到, 《变形金刚2》加强级大黄蜂、猛虎、微声波等售价149元, 同样大小的车类玩具大约在80元。

“生意还行吧, 电影热映的时候卖得最好。”孙女士的店只有十几平方米, 而从她的账本上, 记者看到28日孙女士就卖出了27个玩具, 营业额将近1000元。这么可观的利润点, 精明的商人们肯定不会放过。

正在公交车站牌前等车的肖女士无奈地说, 《冰河世纪》上映之后没两天, 孩子就开始吵着要大象。“我只好给她买了这个大象。”而她3岁的小女儿则在旁边抱着“大象”和“长江七号”高兴地说着“宝贝别哭, 宝贝别哭”。

电影过后, 很多孩子就会要求父母把电影里自己的“最爱”给买回来。采访中, 家长们纷纷表示现在那些动画片可把他们“坑苦”了, 每年光给孩子买玩具就是一笔不小的开支。“经常买, 不管是不是节日, 出来买东西时, 只要带着孩子就得到玩具区来转转。有时候我干脆去即墨路批发市场批发, 那儿的便宜, 不过质量不是很好。孩子玩几天就玩够了。所以一般还是来超市买。”王女士说, 她的女儿8岁了, “现在家里光给她放玩具就得专门用一个房间, 里面堆满了新的旧的玩具。”王女士说, 这一年下来光用在给孩子买玩具上的钱就得6000多元, 算是家里一笔不小的开支。

玩具更新这么快, 价格又都比较贵, 家长为什么还要“纵容”孩子, 一再给他们买呢?记者在采访中发现, 家长大都认为现在玩具设计很科学, 小孩子玩玩反而有助于开发智力。

一年光给孩子买玩具就得花几千块钱, 但这还不是家长们最头疼的问题。那些孩子玩够的旧玩具该怎么处理, 倒成了一个更令家长们烦心的事。新玩具天天买, 那以前的旧玩具要怎么处理呢?记者采访中发现, 很多家长都不知道怎么处理家里的旧玩具, 有人放到坏, 有人设专间, 就是送人有点难。

西镇的王女士 (女儿8岁) :家里专门设了个房间, 用来放玩具, 一打开门, 里面全是玩具, 旧的新的都在, 孩子就随便拿着玩。

李沧的王女士 (儿子12岁) :不知道, 还真不知道。难道现在有回收玩具的地方?

市南的肖女士:最后都送人了。好朋友还行, 要不是很熟, 白送人家都不要。

李沧北村的卢女士 (女儿高一) :都是放坏了再扔。没坏又舍不得扔, 又没有人送, 只好放在地下室, 等坏了比如说生锈了就扔掉。

动画电影中画面与音乐的融合 篇11

关键词：动画电影 音乐 音画关系

一、动画电影中音乐的发展

1921年德国影片的《影子戏作品一号》，该片的导演则是通过画面把对Max Butting展现出来，因而被誉为“一种全新的艺术形式视觉音乐”。这部作品对音乐视觉化的展现也为以后音乐在影片中的运用奠定了基础。

1928年11月，《汽船威利号》作为动画电影史上的首部有声动画电影获得圆满成功。而后由沃尔特？迪斯尼推出的米老鼠系列中滑稽的交响乐，里面的音乐已趋于模仿现实中的音色，一种无形的手法表现在了作品里。为了强调听众的想象力动画电影应运而生。

随后以著名的古典音乐为背景的动画长片《幻想曲》诞生，片中主题音乐的发挥更是达到了完美的地步，它空前绝后地将古典音乐与画面紧密结合，从而推出了一部可听可看的优秀动画作品。

二、动画电影中的音画关系的类型

影视动画的艺术表现形式主要是通过音乐与画面来传达。音乐与画面相互独立又相互联系，它们共同决定了影片所要达到的艺术效果。因为恰当地运用音乐与画面两者之间的组合关系，对于影片的情感表达起着关键作用。音乐与画面的组合关系主要包括以下几个方面。

（一）音画同步

影片音乐与画面关系的一种，是指不论是影片的音乐还是画面它在基调、情感和氛围中都要达到统一。美国美术电影导演沃尔特？迪斯尼在他所导演的影片“米老鼠”中充分运用了音画同步的艺术处理，所以音画同步的音乐，也称为“米老鼠音乐”。在音画同步关系中又可以分为表层同步和深层同步。例如，宫崎骏的《天空之城》在表现巴斯慌慌张张、笨手笨脚地接住希达的画面，此时的配乐则用一阵轻快、幽默的管乐来形容了巴斯的笨拙。

（二）音画对位

影片音乐与画面关系的一种，指影片中配乐所表达出的情绪和影视画面所要表达的内容形成反差。音画对位也能起到预示剧情发展的作用或是提供画面以外的环境。例如，在动画短片《无翼鸟》中，无翼鸟最终选择以跳下悬崖的方式实现飞翔的梦的时候用了较梦幻的八音盒的音乐，以这种画面和音乐的反差加深渲染了无翼鸟为梦不惜牺牲的悲壮精神。

（三）音画平行

也称“音画并行”。音画平行是介于音画同步和音画对位两者中的一种音画关系，指的是影片中音乐与画面所表现的风格和情绪接近，但是速度节奏不同步，通常是音乐伴着画面同步进行但不解释画面内容。动画短片《感觉学》中则是很好的音画关系同步的例子，画面随着音乐变化但是不表达画面的内容。

三、动画电影中音画融合的作用

音画结合能使动画实现更好的情感表达。音乐以其自身不同的节奏和气氛，赋予影片更深层次的含义，从而达到深化影片的主题和立意的作用。其作用主要包括以下几个方面：

（一）深化影片主题

在影视动画中画面并不能够完美地表达出影片的主题。只有融入音乐的画面才是对影片主题的更深刻的表达。例如，在《猫和老鼠》的系列动画片中，急速的钢琴声表现了猫与老鼠的追逐与逃跑，激烈的节奏与画面的配合，传达出一种刺激又兴奋的感受，此时音乐让无对白的角色形象和感情清晰地展现在观众面前。

（二）推动影片情节发展、参与叙事

电影理论家巴拉兹在《电影美学》中指出：“声音不仅是画面的必然产物，它也将成为主题，成为动作的源泉及成因。换句话说，它将成为一个剧作元素。”在动画短片《蓝雨伞之恋中》，在雨中从蓝雨伞的出现直到遇见可爱的红雨伞并最终相爱便以一种欢快的女生哼唱来参与影片叙事，推动了剧情的发展。

（三）角色形象的塑造

在影片中角色形象除了用画面和剧情来描写外，音乐对于角色形象、性格和心理活动也起到了很好的塑造作用，从而使形象更加的立体和鲜活。例如，在影片《三个和尚》中借用不同乐器的音色来刻画角色。灵活、活泼的小和尚天真跳跃的出场方式，配上高音板胡则更显得生动幽默。木讷、安静的高和尚出场，则使用坠胡演奏主题音乐，热烈、朴实而豪爽，这正与高和尚自身正经规矩的性格相吻合。而对于憨态可掬的胖和尚则是运用管子吹奏，加上胖和尚自身夸张憨态可掬的造型与他小心翼翼的动作形成对比。

四、总结

动画电影主题的完美表达音乐与画面是必不可少的组合。所以说在影片创作中，我们在注重画面效果的同时也要更加重视音乐在动画片中的运用。缺失掉音乐的影视动画作品就如同没有画面一样。而脱离了动画的音乐，也就没有了任何意义。只有让作品中的音乐和画面配合得天衣无缝，才能更好地表达出影片的主题。

参考文献：

[1]孙立.影视动画视听语言[M].北京：海洋出版社，2005.

[2]段佳.世界动画电影史[M].湖北：湖北美术出版社，2008.

中国动画电影商业模式探析 篇12

1 甲动画公司其动画电影的探索阶段

首先, 搜集中国动画电影市场5年内的数据, 了解电影票房、观众客层、上映时间点和上映周数等市场数据, 掌握目标观众喜好与需求, 进行动画的故事开发, 这个阶段必须确定故事开发和故事脚本, 在探索阶段不断测试、修改的过程中, 商业模式图会随着这个探索阶段修改, 直到探索阶段通过测试后, 才会确定商业模式。

要想让商业模式图的全貌更为精准, 甲动画公司可先掌握关键活动、关键资源和关键伙伴等因素, 包括符合中国民情、有趣的故事剧本, 有动画电影的制作及管理能力;同时, 有够足的资金注入, 这三项为成本的主要来源, 甲公司能掌握至少80%以上就能够更确定商业模式图。而这三项成本来源要符合价值主张所示的满足目标观众的娱乐需求, 取得成本与价值主张的平衡, 既不会偏于市场数据而让成本大幅超支, 也不会求降低成本让质量太低而失去电影观众。对于甲动画公司而言, 是要确认商业模式和产品市场组合, 动画电影产业价值链及发展式模型。甲公司在第一阶段中的故事开发阶段结束, 会有商业模式图作为探索阶段的假设, 当进入脚本阶段即为探索阶段的验证, 如果在脚本阶段发现需要退回上阶段修改故事, 商业模式图也会有对应的修改。

2 甲动画公司其动画电影的执行阶段

动画电影一旦进入制作阶段, 就是实现项目进度快速增长的时期, 也是验证探索阶段的商业模式图。随着制作物的完成, 能够带部分毛片参加影片或市场展, 以商业模式图作为动画电影的计分卡, 进一步了解市场反应, 并增加通路、关键伙伴等相关资源。在市场展和影展能多方面接触国际买家谈国外授权、播映权;同时, 在影展中与策展人谈在国际影展首映的机会。从影展、市场展所得到的意见回馈, 可以成为营销策略参考, 为即将完成的电影做上映宣传、曝光做准备。这个阶段的商业模式, 是未来销售动画电影做准备, 可以将商业模式图发展成多边平台的样式, 也能为新需求成立新的商业模式图。

3 媒介之间相互融合

甲公司与玩具公司合作, 能拉拢玩具本身的顾客市场, 让顾客关系先建立, 带动电影票房的部份收入。对于玩具公司而言, 电影的上映是最好的广告营销, 能加强儿童与家长对于玩具品牌的印象, 玩具公司可以生产电影的玩具商品, 创造更多的收益。如果动画公司跟玩具公司有电影商品授权开发协议, 授权玩具商制作电影版新角色的玩具, 拥有电影版权的动画公司可以获得电影新角色玩具商品其贩卖所得获利的抽成。对于动画电影公司而言, 除了电影票房收入外, 动画电影建立多种品牌的收益来源, 是窗口效应开启后要经营的重要目标。在中国动画电影市场会选择在戏院首映, 电影上映后除了票房收入外, 后续收入还包括网络平台、电视平台的播映收入, 而其他衍生商品收入则依电影受观迎的程度进行推广, 若票房成绩超过政府设定的奖励门坎, 还可以获得奖金收入。

4 结语

本文从故事剧本、动画制作、市场行销及周边商品的开发等面向, 全面性地研究中国动画电影发展。目前, 中国动画电影的票房收入还远远不及其他电影类型, 显示中国动画电影还需要让更多的目标观众肯定, 想要从现在以学龄前儿童为主的客层, 拓展至青少年客层, 就必须要有更成熟的制作技术和更复杂的故事内容, 这是未来中国电影消费群想往更高层次迈进的关键, 是中国动画电影拓展新市场的良好机会。

参考文献

[1]赵永新.动漫衍生产品营销[M].北京:机械工业出版社, 2010

[2]夏卫国.电影票房营销[M].北京:中国电影出版社, 2009