动画专业教学动画电影（精选12篇）
动画专业教学动画电影 篇1
2015年, 《捉妖记》一经上映, 马上席卷了超过20亿人民币的票房, 这时候关于《捉妖记》究竟是真人电影还是动画电影的争议声又一次响起。实际上, 这种争议早已有之。2009年, 詹姆斯·卡梅隆执导的电影《阿凡达》在席卷世界电影市场的时候就引发了旷日持久的讨论。这其中的“动画电影”, 实际上指的是“真人动画合成电影” (Films with live action and animation) 。真人动画合成电影在广义上是一类将动画角色与真人演员相结合的电影形式。从这一概念出发, 目前大多数含有CG动画角色的电影大片都可以被称为真人动画电影。动画角色在真人动画电影中将如何发展会成为一个值得研究的议题。
一、早期真人动画电影中动画角色的形态
真人动画合成电影几乎与动画电影在同一时期诞生。1900年, 美国动画之父布莱克顿创作了第一部真人动画电影《奇幻的图画》。这一时期的真人动画电影的表现形式多以黑白单线平涂为主, 角色形象大多取材于这一时期的西方主流漫画, 与当时二维动画非常接近。但是在剧情方面, 此类电影则大多喜欢表现动画师创造角色的过程, 并且让角色成为动画师的戏耍对象。在 《奇幻的图画》中, 动画师绘制了一个男人的脸, 并为他画了一顶帽子, 最后却将帽子据为己有, 使他露出愤怒的表情。而在 《逃出墨水池》中, 主角更是直接以小丑的形象出现。可以说, 早期的动画角色的表现手法和类型非常单一, 与片中真人角色处于一种创造者与被创造者的不平等关系。因此聂欣如认为, 早期真人动画影片中“杂耍的性质还非常突出, 因此有意混合两种不同造型材质的目的也很明确, 无非是为了吸引人们的眼球。1”
二十世纪四十年代, 一批动画明星诞生了, 而动画明星出现在真人电影更是成为一种潮流。在《幻想曲》中, 米老鼠与指挥家握手;在《翠凤艳曲》中, 老鼠Jerry与歌舞片巨星吉恩·凯利共舞;在《三骑士》中, 唐老鸭与舞蹈演员共同起舞。其中最著名的还是1988年创作的《谁陷害了兔子罗杰》。这部片子中动画角色与真人角色的互动无论在剧情上还是表现上都达到了前所未有的高度, 使动画角色真正来到了电影所塑造的现实世界。
除了动画明星与真人互动以外, 动画也经常作为叙事的辅助手段插入到真人电影中。定格动画与真人交互的影片也有所发展, 出现了《金刚》《失落的世界》等影片。
这些发展不仅应该归功于动画制作技术的进步, 还应该归功于动画制作者们创作观念的扩展。赛璐珞片、动画摄影机、动画转描等技术的发明固然扩展了动画的表现力, 但是创作者对待动画角色不再像对待一件物品, 而是让动画角色与真人演员平等地交流与互动, 才是动画角色类型扩展的主要原因。
但是由于当时的动画角色与现实环境大相径庭, 其依然摆脱不了作为喜剧角色或怪物角色的身份, 适合的电影类型也多为喜剧片或特效片。动画角色在真人电影中的情感表达受到严重限制, 远远不如在纯动画中来的细腻。
二、当前真人动画电影中动画角色的形态
CG技术的应用揭开了真人动画电影中动画角色新变革的帷幕。当今大多数的真人动画电影, 其动画角色都是采用CG技术打造的, 由此可见CG技术对真人动画电影所带来的巨大影响。CG技术使真人动画电影中的动画角色呈现两个特点:角色的高度写实性;与电影特效的深度融合。
1.角色的高度写实性
真人电影中动画角色的高度写实性不仅体现在角色外观上, 也体现在角色身份上。
在20世纪90年代, CG制作技术出现之前, 动画角色与真实世界依然泾渭分明。观众在观看真人动画电影的时候, 能明显感觉到自己观看的是动画角色。CG技术的进步使动画角色在真人电影中呈现出一种超级真实的面貌。肌肉、毛发、次表面散射等CG技术的完善, 使CG动画角色几乎可以模拟任何真实质感。这使得当前真人电影中的CG动画角色演变为三种主要类型:卡通性格+卡通造型+真实质感;卡通性格+真实造型+真实质感;真实性格+真实造型+真实质感。
《加菲猫》《蓝精灵》等真人动画电影便延续了卡通明星来到现实世界的手法, 保留了原作角色的造型和性格, 但是增加了真实的质感, 这使得动画角色能够更好地与真实世界融合在一起。例如在《加菲猫》中, 加菲猫便顶着一副卡通角色的模样, 但是其真实的毛发效果使观众认可它是一只家养宠物, 而非来诞生于某人笔下或居住在某个动画城2。
1999年罗伯特·R·明可夫执导的《精灵鼠小弟》则比加菲猫更为写实。该片是卡通性格+真实造型+真实质感的代表作。其利用CG技术创造了栩栩如生的小白鼠斯图亚特, 它的外表与普通小白鼠没有太大区别, 却穿着人类的衣服, 吃着人类的食物, 与人类逗趣, 令人忍俊不禁。
今天, 真实性格+真实造型+真实质感的动画角色比上述两种类型更为常见。《指环王》《星球大战》《猩球崛起》《变形金刚》等无数电影中均包含这一类型的角色。它让动画角色和和真实世界以一种前所未有的姿态紧密地结合在一起。角色的外表虽然不存在于这个世界中, 却像原本就应该存在于这个世界中一样, 营造了一种真假难分的幻觉。角色的性格也像人类一样复杂多变, 彻底摆脱了卡通化的性格。
2.与电影特效的融合
当今真人电影中的动画已经与电影特效难舍难分。在诞生之初, 真人电影中的动画与特效有着不同的源头:真人动画电影源于《奇幻的图画》;特效电影则源于《月球旅行记》。在CG技术得到广泛应用之前, 这两种艺术形式通过定格动画的方式产生交集。比如1933年拍摄的电影《金刚》中便采用定格动画来塑造金刚这一角色。到了今天, CG技术能够比定格动画更加真实、更加方便地创造奇幻角色, 这就使得CG角色在电影当中占据的比重越来越大。
CG技术的发明扩展了动画的表现形式——过去真人演员所不能演绎的角色, 以动画的方式呈现在观众面前, 营造出了不可思议的视觉奇观。虽然有一种观点认为“动画性”是区分动画与真人电影的标准, 但是动画性实际上是一种因人而异的感觉, 它 “并不存在一个恒定不变的规定性, 不存在一个具有普适效力的 ‘普遍规律’”3, 自然也难以成为令人信服的评判标准。另一方面, 就动画的一般概念而言, 它是一种使原本没有生命的形象获得生命与性格的手段4。采用这种手段制作而成的虚拟角色自然可以被称为动画角色。
电影作为一种综合艺术, 在其发展的过程中便不断地将各个领域的艺术和技术整合在一起, 赋予它们新的涵义, 动画和特效也不例外。电影特效作为一种制造真实幻觉的艺术, 其概念已经与动画角色的高度写实性重叠。在这一分支中, 严格区分动画和特效已经不再有实际意义, 与电影特效的深度融合已经成为动画角色的发展方向之一。就像迪士尼为了适应《白雪公主》的严肃叙事而采用了写实的动画角色一样, 在真人电影中使用高度写实的动画角色更加符合复杂叙事的需要。高度写实的动画角色虽然看似在表面上丢弃了动画感, 但是因为叙事能力的增强, 在电影工业内部, 这种动画角色将以另一种方式蓬勃发展, 成为电影塑造“非人”角色的最重要的手段。
三、真人动画电影中动画角色的发展趋势
回顾动画角色造型在主流真人动画电影中的发展历程, 我们可以发现在真人电影这一范畴中, 角色的造型的真实度受限于质感的真实度;角色性格的复杂程度受限于角色质感和造型的真实度。因此真实质感的表现是角色类型多样化的关键。而真实性格+真实造型+真实质感的角色则是动画角色在质感表现方面取得突破之后自然而然发展出来的类型, 并非来源于特效。
在早期真人动画电影中, 动画角色受限于质感和造型, 不能很好的适应复杂叙事, 总体处于卡通性格+卡通造型+卡通质感的模式。CG技术的加入使得真实质感的表现成为可能, 大大地增加了动画角色的组合类型。其整体表现风格也从一开始的单线平涂的方式, 演变到现在二维、定格、写实等多种风格并存的局面。 并且随着表现手法的丰富, 角色性格的表达也越来越趋向完整。
真人电影本身固有的真实质感使其趋向于选择真实的动画角色, 因此真实性格+真实造型+真实质感成为目前真人电影中动画角色的主要类型。这虽然在一定程度上弱化了其它三种类型在真人动画电影中所占的比例, 但是并不意味着真实的动画角色会完全取代其他类型的动画角色。例如2004年上映的《海绵宝宝历险记》就保留了海绵宝宝和派大星的卡通外观。总体来说, 真人动画电影中动画角色类型还是呈现了越来越多样化的趋势。
动画角色在真人电影中所占的比重也越来越大。因为CG技术的拟真性越来越好, 制作难度越来越低, 在表现力和成本上都便于控制, 目前绝大多数电影中的“非人”角色都几乎采用CG技术来打造。电影作为一种制造幻象的艺术, 对表现超出日常生活的事物有一种强烈追求。在过去, 特殊的场景可以人工搭建, “非人”的角色因为需要表演, 却往往只能由真人扮演, 反而使其真实性大打折扣。现在有了CG技术, 许多过去难以拍成电影的故事都有了表现的平台。甚至用动画角色表现真实生物也将成为最佳选择。李安执导的《少年派的奇幻漂流》便采用了CG技术制作了老虎这一角色, 从而使老虎能够适应各种场景, 表达更为丰富的情感。这样的优势使动画角色在真人电影中的应用范围越来越广阔。
四、结语
目前, 动画角色在真实质感表现方面的问题已经不复存在。 真人电影中的动画角色的类型前所未有的丰富, 与真人电影的联系也前所未有的紧密。电影对制造幻象的追求、对制造“惊奇” 感觉的追求, 推动了动画角色造型的美学嬗变。纵观动画角色的发展历史, 技术变革其实只是动画角色发展的基础。它为动画角色在审美表达方面提供了更多的可能, 进而改变了角色的情感表达方式, 从而使其能适应更多的叙事方式。在《阿凡达》之前, 其实已经有很多立体电影上映了, 但这些电影都未引起像《阿凡达》一样的轰动效应, 可见立体技术并不是《阿凡达》成功的唯一因素, 其成功很大程度上是因为《阿凡达》重新定义了动画角色与真人的关系。由此可见, 在角色造型表现已经不受技术限制的当下, 如何在美学、情感和叙事上更好地把握动画角色, 才是我们应该思考的问题。
注释
11.聂欣如.《阿凡达》是动画片吗?[J].当代电影, 2012, 06:145-147.
22 .在《谁陷害了兔子罗杰》中, 动画角色居住在一座“动画城”里.
33 .孙振涛.动画性:一种历史建构[J].人文杂志, 2009, 06:99-106.
44 .路盛章, 贾否.动画概论[M].中国传媒大学出版社, 2005:1.
动画专业教学动画电影 篇2
一：初期动画 ：《白雪公主》 睡美人小美人鱼1 2海底总动画 风中奇缘《狮子王》二：中期电影《查理和巧克力工厂》（Charlie and the Chocolate Factory）剧情介绍
有一个小男孩叫查理·巴克特，他和父母、爷爷奶奶、外公外婆住在一起。查理一家居住在一栋摇摇欲坠的小木房里，相互之间和睦融洽，是一个幸福的家庭。虽然每个夜晚，一家七口吃的晚餐都是卷心菜汤（就快吃不饱肚子了），可是小查理却乐意与自己最心爱的人在一起，非常的爱自己的家人。
从查理家的一个窗子望去，可以看到全世界最大的巧克力工厂―旺卡巧克力工厂。工厂
精彩剧照
由一位天才巧克力制作者兼生产商威利·旺卡所拥有。那是座神秘的工厂，大门紧锁，15年来，从来没有看见有工人从大门进去或出来过，可是却能闻到浓郁的巧克力香味。工厂出产的旺卡牌巧克力销往世界各地，深受孩子们的喜爱。小查理也不例外，在每个夜晚的梦乡中，他都幻想自己可以亲身进入那座工厂。（小查理每年只能在生日那天吃一块巧克力，所以他家的墙上贴满了他吃过的每一块旺卡巧克力的包装纸）。
有一天，威利·旺卡先生宣布了一个告示，他将向五位幸运的孩子开放充满“奥秘和魔力”巧克力工厂。除了得到参观工厂外，他们还能得到足够吃一辈子的巧克力糖和其他糖果。全世界购买旺卡牌巧克力的孩子都有机会，只要发现藏在包装纸里的金券，谁获得金券谁就是幸运儿。不过，旺卡先生一共只准备了五张金券，小查理得到金券的机会微乎其微，他也很想得到金券，去参观那神秘的巧克力工厂。
全世界一下子掀起了购买旺卡牌巧克力的热潮，幸运儿一个又一个地出现了，媒体们也都在播报孩子们发现金券的新闻。首先是喜欢暴饮暴食的奥古斯塔斯，一个不爱思考只喜欢每天往嘴里塞甜食的胖男孩。接下来的一位是被家人宠坏的小女孩维鲁卡·索尔特，要是她爸爸不给买她想要的东西，她就会耍赖，撒娇，又踢又闹吵个没完。第三位幸运儿是嚼口香糖冠军维奥莉特，她只在意往自己背包里不断地装战利品。最后一位是迈克，一个喜欢打电玩，谁都瞧不起，总是喜欢炫耀自己比别人聪明的小男孩。
前四张金券都有主人了，最后的机会会降临在小查理身上吗？奇迹终于发生了，小查理不经意间在雪地上发现了一张纸币，于是他欣喜地奔向最近的商店，迫不及待地买下了一块旺卡牌巧克力。很久没有尝到巧克力的小查理正想着这块巧克力会是什么味道时，拆开包装纸，发现下面露出了金色。没错，这是最后一张金券，一些其他顾客看到了金券，都要去问查理买，但是查理却听了店老板的话，将金券带回了家。查理就要去巧克力工厂了，他的心理充满着欢乐和喜悦，他的爷爷、年迈的乔·巴克特听到这个好消息高兴地从床上跳下来，他回忆起旺卡先生在关闭塔楼之前自己在巧克力工厂工作时的美好时光。全家决定让爷爷陪伴小查理去，一块去度过即将到来的精彩纷呈的冒险时光。
参观巧克力工厂的过程是一次奇特的经历。小查理、爷爷和每个参观者都被眼前的景象和扑鼻而来的香味惊叹不已，他们的体验充满了无限的着迷、狂喜、好奇、惊讶和迷惑不解。说得夸张一点，即便是做最荒诞的梦你也想象不出这样的事情。飞流直下的巧克力瀑布，龙头船航行在棕色巧克力糖浆的河流，郁郁葱葱的口香糖草地，还有满山遍野的牛奶糖，到处都是巧克力。巧克力工厂里的工人全是来自蛮荒丛林、酷爱巧克力（可可豆）的矮人国的小
矮人。
精彩剧照——获得金券的小孩
巨大的“糖衣炮弹”让其他四个孩子都失去了自制。奥古斯塔斯掉进了巧克力河里，维奥莉特变成了蓝莓糖果，维鲁卡·索尔特被送进了废品炉，迈克钻进了电视，变成了信号微粒。对于这一切，小查理不为所动，他并没有因为一时的激动而失去理智。最不可思议的事发生了，查理成了最后的赢家。威利·旺卡打算把整个巧克力工厂送给查理，让查理和自己回工厂，当自己的继承人。但是，有一个条件，那就是从此不许和家人们生活在一起。查里感到很莫名其妙，为了家人们，查理放弃了机会，他认为家是最好的，那什么都不能换，就是拿全世界的巧克力都不换。
之后查里发现了旺卡童年时不为人知的秘密，旺卡从小就离开家人去外创业，才有了今天的成功，所以他认为家人只有唠叨和管教，没有真正的亲情，后来查理陪同威利·旺卡去拜访了他的父亲，最后旺卡终于懂得了亲情的可贵，明白了父亲的良苦用心。
最后，查理同意接管工厂，当旺卡的继承人，并且旺卡把查理全家人都原封不动的搬进了工厂，与他们成为了一家人。
5功夫熊猫
灰姑娘
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动画专业教学动画电影 篇3
关 键 词：视听言语 动画 电影语言
一、关于电影语言
动画是画出来的电影，就其样式而言，它虽然是画出来的，但却属于电影的范畴，所以它必然含有电影艺术所具有的一切要素和特征。作为绘画和电影艺术相结合的对“动”的独特营造，它是在娴熟掌握造型艺术规律基础上，灵活运用和调动电影艺术的一切表现技巧、表现手段的一种具有鲜明风格特征的电影样式。如果说绘画是动画所赖以存在的基础，那么电影语言则赋予动画以时空上的组织结构和艺术表现的内在动力[1]。
每一种艺术都有适合它的表达方式，这种表达方式我们称之为艺术语言。比如：文学、绘画、摄影、音乐、舞蹈等，都有它们自己的表述工具，而电影就是通过镜头、景别、角度、色彩、影调、灯光、运动等形式将其画面内容表达出来，而这些就是电影的语言。如何将这些元素合理、高效地运用起来为电影服务，就是电影语言的语法了。前面我们提到电影语言赋予动画以时空上的组织结构和艺术表现的内在动力，也就是说，如果没有电影语言，我们的动画就是一张张图片，就不能称之为动画。我们都知道，一部电影它的最小的元素就是镜头，换句话说，我们的电影是由一个一个镜头组接而成的。那么，镜头与镜头之间必然会有某种关联才能使之结合舒适，让观众看起来十分自然。而每个镜头又有很大的区别，景别的大小决定了画面的容量，决定了画面所包含的内容的多少，同时也包含将能传递给观众的信息量的多少。景别不一样构图肯定也不一样，构图决定了我们的画面的美感，我们在拍摄的时候，通常会考虑到被摄物体的外在形像、内在品质，被摄物体之间的关联，而构图让人有一种强烈的感受能力，受众体主要是通过构图来完成他的审美情趣。一个漂亮的画面除了有好的构图外，还需要光线、角度以及运动方式，光线是影响镜头画面信息和被摄体造型的核心元素；而角度能告诉观众主创人员的思想，每个人看待同样的事物都会有不一样的感受，所以在对待同样一个场景，每个人都有自己的世界观去构思他的角度，从而通过这个镜头来表达他的思想感情。
电影语言包含视觉语言和听觉语言。视觉语言包含了镜头、蒙太奇、场面调度、剪辑；听觉语言包含了音响、对白、独白、旁白、背景音乐、环境声等。通过前面的分析，我们了解到这些元素都是构成一部动画电影的核心元素，没有这些动画就不能成为动画。而我们今天在这里谈的就是电影语言在动漫专业教学中的应用，通过我们的调查发现，高职院校中很少有重视电影语言的。过多的去强调计算机的作用，片面的追求计算机的功能，固而造成了动漫专业毕业生只会软件的操作，而不懂动画的制作，导致大量的动漫毕业生只能从事最简单的最低端的动画制作工作，社会上才会出现动漫工作人员过剩，大量动漫毕业生找不到工作，社会企业招不到人才的怪现象。这也是我国动漫高速发展的这十年鲜有出现好的动画作品的根本原因。动漫专业的学院不去重视美术基础，不去重视电影视听语言，才会造成学生毕业后笔拿不起，电脑做不出，DV不会用，做出来的东西干巴巴的，没有意境，没有审美价值。电影视听语言不只是满足文字语言描述的简单性和抽象性，还能以它特有的艺术形式，独特的视听语言媒介，传达和加强观众的对画面内容的理解和感受。同时，也帮助创作者理解和表达自己对文字语言的诠释，通过动画表现出来。
二、电影语言对动画人才培养的作用
通过电影语言的理论学习，然后通过实践来现实电影语言的知识点，学生在实践和运用电影语言的过程中能提高综合素质，在动漫人才培养中能发挥以下作用：
（1）学会设计前做前期策划准备工作
俗话说：“磨刀不误砍柴工”讲的就是这个道理。在做片前或是拍片前，我们都需要做前期的策划、实现的可能性的论证和步骤安排、人员安排、时间估算、可能会遇见的困难等。这个策划工作指的是整个项目的策划和各分项阶段的策划，包括制作团队的组建、构成和管理；动画的题材、定位、方式和风格以及成本预算；整体制作流程的设计、管理，设备的租借、管理和技术情况、制作能力的考虑；各分阶段所需人员的安排，时间安排等。那么通过微电影的拍摄，学生将逐渐养成前期策划的习惯，这样就能在制作过程中尽可能的少走弯路，合理的运用各项专业知识，将动画制作技术和流程牢记于心，同时大大提高效率。
（2）学会如何讲故事
我们主要是通过拍摄微电影来实践电影语言的知识，在这个过程中，会逐渐让学生掌握制作的节奏，影片的节奏，解决故事的艺术感和镜头语言，能自然而成功的根据编剧的意图将文字转化为画面，并且具有极佳的画面表现力，视觉冲击力和故事连贯性。现在很多学生在制作动画片时，只是简单而幼稚的将编剧的文字按字面上的意思照搬到画面上来，而没有进行再创作的构思和设想，没有艺术处理。我们都知道，拍摄一部微电影的时间、技术和难度都要比做一部动画片低很多，但它们之间的整个流程都是一样的，只是中期制作过程的形式不同而已，所以，通过拍摄微电影的形式来训练掌握电影语言的知识以及动画的知识比做动画片的形式要直接和容易实现些。拍摄微电影可以很容易实现让影片有很多种不同的结果。那么同样一个故事，我们可以通过各种不同的镜头运用来实现我们的想法，从而达到训练学生如何讲好故事的能力。
（3）学会团队合作精神
动画，是一个需要团队合作才能顺利完成的项目，同样，微电影涉及到的人员安排也是各色各样。那么这样一个需要多人组合在一起才能完成的东西，就需要这些志同道合的人具有一定的大局意识、协作精神和服务精神。现在的大学生都是90后，家庭生活基本上都很富裕，至少不会像80后的多少还吃过一些苦。 另一个就是90后的人基本都是独生子女，这让他们从小就习惯凡事从自己出发考虑问题，缺乏群体生活经历，不会换位思考与包容，缺少沟通。那么要想实现自己的想法，要想通过电影语言去实践自己对剧本的理解就必须要拍微电影或制作动画，而拍摄微电影和制作动画都是需要很多人的，这样就会逼着同学们之间相互合作，形成我只有好好地为别人服务，别人才能为我服务的意识。合作多了，相互之间慢慢就培养了默契，同时也学会了谦让和包容，对于他们今后的学习和工作都会带来实惠。
nlc202309020109
三、电影语言在教学中的应用实施
通过学习和考察，我们认识到电影语言在动漫专业的教学过程中的重要性，同时也重新对电影语言有了新的认识和理解，电影语言不仅仅只是一门课程，它的具体内容在影视动画视听语言、DV短片制作、电影语言的语法等课程中都有体现。经过分析，我们认为必须大力改革先前的动漫专业的课程体系，加强电影语言在动漫课程体系中的分量，具体实施方案如下：
在大一的第二个学期，我们在开设的动画概论课程中，就融入少许的电影语言的知识点，让学生有一个初步的感性认识，然后布置一个三分钟DV短片的作业。这个作业从课程一开始就布置下去，对学生的剧本、制作手法、技术等都不做任何要求。学生刚经历了大一第一个学期的好奇大学生活，这个时候对大学生活还是充满一片新奇感，他们在拍摄过程中会将他们的直接感受表现出来。而这个时候他们没有任何的技术，包括摄影技术、场面调度能力，编剧能力、讲故事的能力、后期制作能力等，他们在拍摄制作过程会遇到前所未有的困难，这就需要他们通过自学去掌握。在我们的实践过程中，曾经出现过一部分三分钟的短片只有一个镜头，机位从未动过。通过作业讲解，学生初步明白原来拍摄DV需要很多镜头，不同的机位，不同的角度，最后通过剪辑合成而来。通过修改，学生重新拍摄了一些镜头；通过自学掌握了后期剪辑合成软件PR；通过拍摄，学生初步了解的拍摄的制作过程。
在大二的第一个学期，我们安排了影视动漫视听语言这门课程。在这门课程中，学生将系统的学习电影视听语言的基础理论，了解导演的基本技巧，掌握分析电影视听语言的基本方法，通过镜头理论的学习，使学生在对镜头的职能、镜头景别的分类、镜头的拍摄及焦距的处理上的认识更加深刻、全面；通过对镜头的构成的学习，使学生了解画面造型的语言，对景别、角度、运动、光学镜头、特技等形成一定的深度的认识；通过教授蒙太奇的原理及其理论和长镜头的理论，并通过比较分析，使学生对镜头语言的理论知识更加完善，同时掌握剪辑的方法和技巧；通过学习了解声音的分类，它包括音效、环境声、背景声、对白、独白、旁白等，使学生对声音的功能与运用、声画之间的关系有一个更直观的更深入的认识。除了平时的课程作业来巩固理论知识外，我们还加强了一个课后作业，拍摄一部5-10分钟的DV短片，相比上个学期的DV短片作业，我们这次有了更多的要求。要求剧本要合理，镜头不能出错等，同时在未学习过分镜头课程的前提下，要求学生先写文字分镜头剧本，再绘制分镜头文本，分析画面构图，绘制机位图等，这对学生进行了更高的要求，同时将未来的课程融入进来，让学生提前学习，使之在后面的课程学习中对该课程认识更加深刻，理解更加透彻，认识到更多的错误，增强解决问题的能力，加深印象，引起其重视程度。通过初步了解导演的基本技巧，通过DV短片的实践，为学生在今后的动画创作中建立理论基础和实践经验。
在大二的第二个学期，我们为学生安排了影视制作课程。到了大二的第二个学期，我们已经学习过了动画的大部分专业课程，但是对于动画制作的整体流程还不是很熟悉，因为某些核心专业没有上，在动画片的制作上还有些许麻烦。前面我们提到过，动画片的制作流程跟微电影的制作流程是一样的，只是中期制作的形式不同而已，为了更好地熟悉制作流程，我们安排了影视制作这门课程。通过拍摄一部10-15分钟的DV短片，使学生进一步掌握视听语言的运用。严格按照制作流程来设计，从剧本到文字分镜头剧本再到分镜头文本，人物造型设计，场景设计；人员的分工安排，拍摄时间的计算，制作效果的预判，困难的设想等等都将逐一实施。
在大三的第一个学期中期，我们安排了电影语言的语法课程给学生。我们将这门课程同编导课程相结合来上。通过电影语言的语法这门课程，我们将使学生将教材上的案例逐一重新拍摄一遍，按照教材的剪辑合成方法逐一实现，从而加深学生对镜头和剪辑的理解。临摹是学习技巧和技法的最直接的方法，是吸取前人的精华的最便捷的过程。只有在临摹中掌握了技法才能自创；通过临摹，我们才能对工具更好的更快的掌握；通过临摹，我们才会少走弯路。无数的大师，像昆丁-塔伦迪诺、张艺谋、姜文等都是从临摹开始学习、研究、借鉴前人的作品，从中吸取营养为我所用。借鉴既能使学生循序渐进地掌握技能又能使学生视野开阔、思维敏捷活跃。通过这么几个短片的拍摄，学生已经熟练掌握视听语言的运用，非常熟悉制作流程的工序，所以接下来，我们开设了动画创作课。通过前面的短片拍摄和专业知识的学习，学生在动画创作过程中所犯的错误变少了，考虑、分析问题更加全面了， 同时也调动了学生学习的积极性、主观能动性。
注释
[1] 马建中，索晓玲.动画教学结构探讨[J].北京电影学院学报.2001.（5）
参考文献
[1] 马建中，索晓玲.动画教学结构探讨[J].北京电影学院学报.2001.（5）
[2] 聂欣如.动漫概论[M].上海：复旦大学出版社，2006，（12）
[3] 陈旭媛.浅析影视动画视听语言的独特性[J].当代艺术，2010，（2）
动画专业教学动画电影 篇4
1 技术——以突破之姿呈现中国元素酝酿中国味道
电影的发明与变革和技术息息相关。与真人实拍电影相比, 动画电影对技术更强烈的依赖和更严格的要求不言自明。作为国内首部3D动画电影, 《兔侠传奇》将1.2亿投资的百分之八十用于设备采购、技术开发和制作。相比较以往的国产动画电影, 《兔侠传奇》力图在画面的细腻, 动作的到位等方面为观众呈现出独特的视觉感受, 更期望以高品质视听效果呈现中国元素、中国文化。
《兔侠传奇》三大技术突破:第一, 时长90min全部采用3D制作。通过“双机渲染”的制作机制, 模拟出真实的空间感, 让观众产生如临其境、角色触手可及的感觉。第二, 三维毛发技术。动物为主角的动画电影中, 毛发的表现对于画面效果和真实度而言至关重要, 毛发特效已经日趋成熟并成为动画电影的一个流行趋势, 受到市场、制片、观众等多方面的关注。在《兔侠传奇》中, 毛发的制作倍受重视, 影片中主要人物的毛发制作效果逼真、富于变化、具有通透感和空气感。第三, 《兔侠传奇》首次在国内使用了好莱坞盛行的人脸捕捉技术和动作捕捉技术, 使动作和表情能够保留真实感, 去掉生硬与刻板的部分, 看上去流畅、圆滑、幽默。
以往国产动画或以传统艺术形式如水墨、玩偶等为媒介, 或以古代神话传说为故事素材, 《兔侠传奇》对于传统文化的承传借鉴主要立足点是通过技术的突破创新, 生动真实地呈现中国元素。为了地道的中国味, 《兔侠传奇》力图做到影片的中国元素有源可依, 兔二形象、风筝、空竹、戏曲、街市、美食的设计以旧时京津民间生活为原型;而竹林绿野、城墙门楼等众多场景, 甚至屏风漆柱、飞檐彩绘等细节取材于中国古代建筑园林;老虎椅的木质漆彩、擂台的图腾彩绘等道具的细微处均有资料可考。通过动画设计制作, 中国符号的复现强化了生活实感, 而细节化的创新和改造又营造了正义/侠义之威武的氛围。《兔侠传奇》中光与影、自然景物与人工建筑之间的和谐之势, 也是依据和遵循中国古代“天人合一”思想。《兔侠传奇》是中国动画电影首次在制作中聘请武术指导的影片, 专门特聘太极大师景建军指导影片的武打动作, 力图运用动作捕捉技术将虚拟世界和现实功夫结合在一起。据说为了走向国际, 还将李小龙、成龙、李连杰的武功风格和动作特点融会贯通在一起, 虽然这种努力并未在最后完全满足观众的期待。或许这样一个憨态可掬的兔侠, 在动作表现和喜剧性上还可以有更多惊喜。
《兔侠传奇》的投入相对于好莱坞动画还很难达到制造视觉奇观和视觉盛宴的要求。但是, 在动画电影日趋国际化的发展环境下, 以国际流行的动画语言、创作方式和先进技术呈现中国元素, 酝酿中国味道的确是重塑国产动画形象, 并走向国际市场的有利依托。影片的海外推广即是最好证明。
2 艺术——需想象之力彰显中国文化中国气派
奇特丰富的想象力毫无疑问是动画电影最大的艺术魅力。而这种艺术魅力不仅在于设计出奇特的动画形象和夸张幽默的动作, 更重要的是剧作结构和故事叙事中想象力的充分发挥。在实现动画制作技术突破的同时, 《兔侠传奇》在剧本和故事上试图以好莱坞成熟的叙事模式述说中国文化、传播中国精神。
《兔侠传奇》讲述了热爱劳动、擅作炸糕、憨厚知足、乐于助人的兔二偶然遇到因徒弟熊天霸谋反篡位而身负重伤、生命危在旦夕的武林老盟主, 于危急时刻接受了老盟主传授的功夫, 受老盟主之托, 找到其女儿牡丹将象征盟主地位的令牌交与牡丹, 并最终帮助牡丹打败熊天霸的故事。在老盟主弥留之际将百分之八十的功力传给兔二, 为了不使这样一个没有任何功夫基础的兔二变身武林高手显得太过牵强。在影片的叙事中, 兔二借助梦中老盟主的点拨和挑水、擦地等日常活动, 逐渐体会领悟到了中国功夫的精神和技艺, 从未习武而且看起来体型笨拙的兔二最终变身功夫之王, 打败熊天霸。这与中国功夫的习得重视悟性并与日常生活活动紧密相关的特性分不开。可信性的叙事进程使一个“纯属虚构”的叙事起点获得最终“真实感”的叙事效果, 是好莱坞电影惯用的叙事技巧之一, 它的使用使《兔侠传奇》的叙事富于传奇色彩和喜剧气氛。而中国文化大音希声、大象无形的特征也在此自然彰显。
叙事模式可以借鉴, 想象力却无法复制, 在借鉴与自我探索中, 《兔侠传奇》也有着作为一部国产大片在故事剧本和叙事上的普遍不足。
如何富于想象地讲述兔侠的故事?剧本采用了线性叙事结构, 线索明晰、易于理解, 却因此更需要想象力的发挥, 因为线性叙事并不意味着故事的简单、结局的无悬念和主题的单一。比如结尾兔二找到牡丹, 打败熊天霸, 属“情理之中”的圆满而无“意料之外”的惊喜。作为一部功夫动画的主角, 兔二从一个炸糕厨师成长为功夫之王, 原本是一个充满想象力和戏剧性的故事, 但是剧本中兔二的功夫获得地似乎过于简单, 人物及性格缺乏成长性, 这恰恰是动画艺术的叙事核心和应着力之处。兔二成长性的缺失不可避免致使故事简单, 缺乏戏剧性的情节高潮和激动人心的情感高潮。
在《兔侠传奇》中, 兔二信守承诺寻找牡丹交付令牌, 诚信是故事的主题和情节推动力。但是既然被称之为“侠”, 兔二从厨师到侠客的性格成长, 以及由此生发的英雄侠义/正义也无疑该成为叙事线索、主题, 并酝酿出故事的高潮。不过, 在影片中我们看到的兔二本分知足, 热爱做炸糕, 从没做过英雄梦, 接受老盟主委托的兔二心中的使命也只是将令牌交给牡丹, 并不是成为一个武林英雄, 即便后来在日常生活中展露身手, 也不觉得这是功夫, 还因此造成了与牡丹的误会, 甚至在最后的武林大会上, 兔二神奇般地降临, 也是因为要完成将令牌交给牡丹的承诺。诚信成了故事的不二主题。虽然兔二、牡丹与熊天霸, 正义与邪恶对立较量, 在故事结尾处, 兔二还出手打败熊天霸, 匡扶正义, 成为众人眼中的英雄。但是正义与英雄梦只是诚信这一强大主题下被淡化的线索, “兔侠”之“侠义”因此大打折扣, 功夫拳脚因此失去了理想的精神依托成为视觉满足。诚信, 作为中国传统的身份伦理和现代社会的契约伦理, 的确是中国文化的重要元素, 但是对于想象力天马行空的动画电影而言, 成长中冒险的乐趣、千奇百怪的遭遇、战胜困境的欢乐、理想达成的激情等等, 更能制造悬念、酝酿高潮、增加欢乐趣味、激发打动人心的情感力量。当然这并不是说英雄梦是动画电影的题中应有之义。只是就《兔侠传奇》这部电影本身而言, 诚信话题的突显使得故事主题显得过于单薄。这既是中国动画电影的观众过去长期定位为低幼年龄儿童, 着重说教意义的观念和模式的影响, 也与当下意识形态尤其是社会主义核心价值体系倡导的公正、包容、责任、诚信的价值取向相关, 国产动画电影功利化的主题难免导致故事叙述的简单。有叙事简单、主题说教之嫌的“兔侠”似乎还不能满足和说服过足进口动画大片瘾的中国观众走进影院, 骨架尚显稚弱的故事似乎也不足以支撑博大深厚的中国文化和中国气派。
技术固然重要且不可或缺, 但它并不是动画电影创作的唯一核心, 不是决定一部动画电影成败的唯一要素。对于动画电影来说, 艺术创作的本质问题是想象力, 以及将这种想象力通过影像方式呈现出来的叙事能力, 还有不可或缺的童心和童趣。国产动画如何在借鉴中形成自己的风格和模式, 如何在技术探索中提升艺术水准, 这些中国动画面临的问题和挑战非一日之功可以解决, 因为美日动画今朝的繁荣局面也是历经几十载才形成的。据了解, 《兔侠传奇》海外发行持续推进, 成绩显著, 制片方也正在投入电影《兔侠传奇2》和电视剧的制片工作。《兔侠传奇》等国产动画是在实践中改变, 在摸索中提高, 相信也能在坚持中继续突破。热闹的2011国产动画市场带给观众更多的期待, 也给业界更多的信心。
3 国产动画电影市场现状
3.1 国内市场营销
营销决定影片在市场的成败, 这一观念越来越深入人心。动画电影有独特的产业盈利模式, 从市场调研开始到内容策划、制作、播出, 再到衍生品的设计、开发和营销, 接着将资金投入下一个制作项目中, 形成一个连绵不绝的良性循环。从国内外成功的例证也可以证实, 动画在健全的产业生产循环下, 收益十分可观。所以, 一个整合营销的系统工程对动画电影的市场表现十分关键。没有全面的、连续的、互动的、整合的跨媒介传播, 就不会有品牌, 难以提升价值。如何综合分析电影的全部商业元素, 打造有力有效的媒体传播是国产动画电影进入市场之前就应该考虑的。
这样说来, 如果实施更为有效的整合营销, 《兔侠传奇》等国产动画应该有更佳的市场表现。其国内票房不尽如人意的原因, 具有某些国产动画片市场运作的普遍问题。
第一, 缺乏一个全程整合营销系统。研究表明, 一部动画片经过播映, 只能收回制作成本的20%～30%, 而其他成本则是通过相关产品的销售才能回收。《兔侠传奇》的宣传在影片上映前10个月展开, 但是在市场调研、目标市场定位等前期铺垫和后期营销的衍生品开发、动画形象的经营等很多环节有所欠缺。这与产业链的不健全也有关, 很多国产动画精力基本集中在“动画制作”的环节上, 顾不上发行推广, 极大削弱了盈利能力。
第二, 观众定位不够精细准。目标观众定位不准确就无法制定一系列行之有效的市场宣传、发行计划。2011年上映的国产动画除了四部以网游爱好者为基础的影片之外, 其他大都面临这个问题。
第三, 国产动画长期以来的低质量和低口碑所透支掉的信誉度, 使得院线经理心中有偏见, 观众在心理上排斥, 造成影院排片时段、上映周期、银幕数量上的不公和歧视。观众数量决定院线的态度, 院线对《兔侠传奇》的排片变化可见这一点。所以在国产动画市场还不成熟的现阶段, 政府可以通过政策鼓励电影院开辟上映国产动画片的黄金时间。无论从投入、里程碑价值、引发的讨论热情, 还是从国家这些年对动漫产业的重视度来讲, 2011年暑期的几部动画都理应获得更高的关注。
第四, 宣传营销媒介的选择。对于迅速更新的营销手段和观念, 动画电影的认识和应用表现滞后。例如, 从中国目前动画电影观影群体分析来看, 70后和80后以及他们的子女群体是最重要的目标受众。这个群体除了受传统媒体影响之外, 对当下的社会化媒体网站更为亲睐, 尤其是微博和SNS虚拟社交网站。因此, 社会化媒体平台与传统营销活动的资源整合是当下动画电影营销获得成功的关键途径之一。如果缺乏对这类新媒体特性的关注和使用, 必然影响营销的有效性。
3.2 海外市场推广
中国电影“走出去”的时间并不长, 海外发行经验不足。《兔侠传奇》是近30年来中国电影出口成绩最好的影片。这也给国产动画“走出去”很多启示。
华语电影的海外淘金之路并不平坦, 对于《兔侠传奇》海外营销已取得的成绩, 唐铭基分析认为, 《兔侠传奇》最大卖点是影片的市场独特性, 制片方北方电影集团坚持的决心和整体营销策略正在努力将中国“兔侠”推向世界。他提到, 影片及宣传工具高水准的视觉效果对海外片商很有吸引力。一切非美国动画片要想让全球观众在商业层面接受是非常困难的, 国产动画要想成功介入海外市场, 惟有尽力提高和接近主流的动画创作水准, 并恰当加入本国本民族的文化元素。
参考文献
[1]谭政, 殷娜.<兔侠传奇>做中国的动画大片——孙立军访谈[J].电影艺术, 2011, 21 (6) :36-38.
[2]孙立军.用一份坚持来传承中国人自己的文化[J].北京电影学院学报, 2012, 20 (1) :68-70.
[3]陈晓云.动画电影:叙事与意识形态[J].上海大学学报 (社会科学版) , 2010, 20 (9) :56-58.
动画电影赏析 篇5
10工管（2）班杨枭潇2010910020 《狮子王》时长89分钟，其类型属于喜剧、冒险、音乐、动画。当太阳从水平线上升起时，非洲大草原苏醒了，万兽群集，共同庆贺狮王穆法沙和王后沙拉碧产下的小王子辛巴的诞生。由此，矛盾在这刻开始上演。辛巴作为主角，天性顽皮，然而在以后的成长历程里却给他带来了身心的巨大变化。儿时受到叔叔刀疤的欺骗与仇恨因单纯而丝毫没有察觉他复杂的野心，背负“杀父”的罪名而流浪漂泊；在身心疲惫的时候友情的来临给他以新生的希望与活力，在与丁满和彭彭的开解下体会了生命的快乐与友情的珍贵；而一次与儿时同伴娜娜的再遇，得知叔叔刀疤的恶行后变得勇敢而成熟；最后与刀疤的决战里更体现出那份王者风范„„这一切的经历中我仿佛也看到了自己，从单纯幼稚向成熟自信转变，所经历的事情都有着相同之处。如果人不受欺骗，根本无法了解被骗的愤怒；如果不经历流浪的艰辛，又何以知道友情所带的温情的珍贵；如果不经历命运的挣扎，谁能够证明自己潜在的能力？我能自然地与他的生命产生共鸣，也许人生需要的就是那么一点成长的挫折与颠簸，只有这样我们才懂得成长的重要性与生命的特别意义。
一开场出现的那高耸而突出的山崖就是影片中的主要场景，大量的镜头和故事情节以及正反两派中主人公的多次交锋都是在这个场景中发生的。场景、音乐、故事情节等因素的完美安排，更多的正是其内容所揭示的深刻的人性问题与生命规律的思考的原因。
《狮子王》以其活泼可爱的卡通形象、震撼人心的壮丽场景、感人至深的优美音乐，及其所描述的爱情与责任的故事内容，赢得了全世界的关注和青睐。它一时间成为了迪斯尼历史上最成功的动画电影。《狮子王》的成功并非偶然，优美的音乐、动人的故事情节、流畅的画面、深刻的主题，都有其深远的意义与价值。从文化的视角而言，在《狮子王》的背后隐藏着多个不同原型的巧妙融合。影片取材于英国著名戏剧家莎士比亚名作《哈姆雷特》，却并不完全依附于它。除王子哈姆雷特以外，在主人公辛巴的身上还同时闪现着多个原型的影子。这种完美的融合,满足了观众的想象空间，又贴近人们现实的生活体验。从文学的视角看《狮子王》，迪士尼工作者们精心雕琢了四年，以幽默的语言，形象的画面，将动物王国的生活进行了精彩的刻画，并赋予其人性化特点生动地展现在观众面前。影片对于权力斗争、生命中应承担起之责任等硬性的主题同样做了完美的诠释。爱、成长、生命、自我救赎这类有深远意义的感性主题，如同金线般散发出亮丽的光彩。以上种种因素将《狮子王》的成功推向了必然。
三维动画特效在动画电影中的应用 篇6
【關键词】三维动画；动画特效；动画电影
引言
随着《冰河世纪》系类、《汽车总动员》、《潜艇总动员》等优秀动画电影的推出，动画电影受到许多人的追捧，动画电影也日趋成熟。但是，随着人们对电影动画的质量要求的提高，动画电影特效拍摄的要求也必须相应的提高，才能满足人们对动画电影高质量要求。如果一直沿用传统动画电影拍摄方式，某一些镜头无法通过手绘达到应有的画面效果，而且会大大增加电影拍摄成本。因此，三维动画特效凭借其强大的特点，在动画电影中具有极大的应用前景。正如三维动画特效技术游戏、广告、建筑和医学等方面的应用，三维动画特显技术也必将给电影动画的制作带来巨大的便利。
一、三维动画特效的定义
三维动画特效分为三维动画和特效两个部分，三维动画和被成为3D动画，它不仅仅是用电脑设计而成的、具有立体效果的动画。它是指设计是根据已有的对象，在虚拟的三维世界中为对象建模，其建模过程包括人物、动植物以及建筑物建模三个组成部分[1]。随着计算机技术的发展，三维动画技术也在不断的提升。设计是可以利用三维动画软件为设计的虚拟世界设置运动轨迹，再利用虚拟摄像机记录虚拟世界的运动轨迹，再为虚拟模型加入材质和灯光，使虚拟世界及其运动更加真实。最后，渲染输出成帧，并对其它后期软件进行修饰、剪辑，形成完整的画面。特效则是指特殊的效果，三维动画特效是指以3D软件为基础制作而成的立体的、虚拟的特殊效果，特殊效果通常指视觉效果，提升动画的视觉冲击力。
二、三维动画特效在动画电影中的应用
（一）提升实物真实度中的应用
提升实物真实度是应用三维特效动画的主要目的之一，其中实物包括动植物、人体及其面部、建筑等多个类型。三维动画特效制作及其应用需要以相应的软件为基础，当前制作三维动画特效的软件也有许多，如Softimage、MAYA、MAX等等。以MAYA为例，要构建以上实务模型，需要应用MAYA软件中的SUBDIVISION、NURBS、POLYGON三种建模方式。其中POLYGON在电影和游戏模型的主要应用部分，它属于多边形建模，与SUBDIVISION、NURBS有很大的区别[2]。POLYGON建模的优势是可以进行UV的拆分，可以预防贴图过程中出现过度拉伸贴图问题。将UV拆分后，材质师在PHOTOSHOP等软件中就可以为模型打造一副真实度较高且没有拉伸或错位的皮肤或其它材质效果，极大的提高模型的真实感。材质师打造皮肤后，灯光师以及动画师再对模型进行亮度等调节操作，就可以设计出一个富有生命的动植物。
（二）制作特异模型的应用
对于许多动画电影而言，其中许多建筑、人、动物、植物都是人们前所未见的实物，尤其是在各种科幻类动画电影中，更是如此。例如动画特效技术的融入可以帮助动画师轻松解决云、雾、雨、水等自然元素的塑造。为影片的场景效果增添生机。得到逼真绚丽的场景画面，对场景的塑造、气氛渲染等作用重大[3]。
三、应用三维动画特效的关键技术
电脑技术的发展和革新推动了三维动画技术的发展，不仅推动了三维动画质量的提升，还提升了三维动画的数量。但是，要将三维动画技术真正应用于动画电影，关键取决于以下两个技术。
（一）渲染技术
渲染技术也被称为着色技术，它是CG的最后一道工序 （除后期制作为），也是最终使图像符合你的3D场景的阶段。它将所设计内容利用软件本身或者辅助软件（lightscape、vray等）制作成最终效果图或动画的过程，是提升人或动物生动形象的主要技术。例如动画电影《汽车总动员》，影片中的汽车极具质感，汽车金属喷漆表面的反光效果和动态感惟妙惟肖；再如麦昆与萨丽吟唱乡村音乐，在戈壁公路兜风，从溪水、石头、飘落的树叶到光线穿过薄薄的雾气，每一个细节的质感都是逼真到极点[4]。而这些视觉效果的体现完全体现出高超的渲染器，否则凭借普通的渲染器很难达到如此惟妙惟肖的效果。也正是Pixar凭借其研发的渲染器Renderman才达到这一效果，这种渲染技术也是梦工厂和蓝天工作室不能达到的。
（二）肌肉系统
动作捕捉技术的应用极为普遍，在解决大场景的动作中可以发挥巨大的作用。但是，动作捕捉技术在肌肉特写中的应用存在许多缺陷，它无法表现肌肉细节变化。因而要实现三维动画特效在动画电影中应用，需要解决肌肉系统存在的问题。例如影片《超人总动员》，影片中的角色有很多的动作都涉及肌肉细节的变化，例如单手举火车。但是该影片中的肌肉细节变化的真实感较强，它不仅是影片人物造型和动作涉及的完善，更是肌肉系统带来的效果。皮克斯公司开发的肌肉系统很好的弥补了动作捕捉技术的曲线，使人物的动作更加真实。而且皮克斯公司尤其擅长调节角色面部和眼部肌肉的细节变化，以展示角色内心情感和心理的变化，使角色更具思想、情感，与人也更加特定，而不是独具真实外形的玩偶。
四、结语
三维动画特效的应用即给传统动画电影带来了机遇，也为动画电影指明了发展方向。但是它也给传统动画电影带来了一定的冲击，它促使动画电影必须不断的创新，以弥补自身存在的缺点，不断的完善自己。总而言之，三维动画特效在动画电影中具有广阔的应用前景和发展前景，在不久的将来，一定会出现更多优秀的三维动画特效制作的动画电影。
参考文献：
[1]张湘梓.三维动画技术的动画艺术表现力探析[J].青春岁月，2013，（09）.
[2]卢汀.浅析特效在三维动画中的应用[J].文艺生活（艺术中国），2013，（08）.
[3]许洺铭.三维动画在中国的发展与前景分析[J]. 艺术科技，2013，（04）.
动画专业教学动画电影 篇7
让我们以《宝莲灯》为例来观察上述因素对国产动画电影的影响和国产动画电影对他们的借鉴。宝莲灯编导运用了外国动画音乐的制作方式, 上海美影厂在《宝莲灯》音乐制作上不惜工本, 为了使影片一炮打响, 厂方力邀两岸三地歌坛的顶级明星加盟。刘欢、李玟、张信哲用富于表现力的声音和扎实的演唱功底演绎了片中三首主题曲《天地在我心》《想你的365天》《爱就一个字》。这三首曲子词曲优美, 极具时空感, 无论哪一首听完都会令人感到荡气回肠, 魅力非凡。加上这三位实力派歌星的激情演绎, 更令人赞叹不已。上海美影厂也先期推出这几首歌的光碟为动画片造势, 取得了一定的影响, 也为动画片创造了丰厚的经济效益和社会效益。
先期录音在美国是制作动画片的常规方式。《宝莲灯》为了获得强烈的动作节奏感及夸张的对白效果, 影片采用了国际上惯用的先期录制音乐和对白的手段以及全数码立体声录音技术, 这在中国尚属首次。新技术的使用使得音质跟动画造型更加和谐, 声音效果也能根据人物个性或剧情需要来做调整, 取得了良好的配音效果。明星为动画形象配音, 可以使动画产生效应。更为重要的是前期录音可以使绘制人员根据配音演员的音调, 口型甚至情绪来绘制画面, 使自己笔下卡通人物的行为、动作与声音更加相配, 表情神态也更为自然逼真。《宝莲灯》的配音选用当红的影视明星, 在片中我们听到了姜文、宁静、陈佩斯、徐帆、崔杰、梁天、朱旭、马精武、马羚等影星的声音。这些明星的加盟不仅为影片人物赋予了不同的音质与个性气质, 也为影片搭建了一个强大的明星阵容, 形成很强的轰动效应。影片还根据国际惯例, 把《宝莲灯》以版权形式授权给三位歌手所属的新力唱片公司, 这样就免去了支付给歌星的酬金, 还可以在赢利时分红。在国外用宣传攻势来包装电影的营销方式十分普遍。影片《宝莲灯》借鉴了国外的营销策略, 加大了推广力度, 影片利用上海美影厂的对外影响力来做宣传, 宣传资料上还印有“耗资大, 明星强, 总投资1200万元……从1995年开始筹备…….创作历时4年…….在中国动画史上是罕见的”等抢眼的字句, 这样的宣传攻势在之前的中国动画电影界是没有过的。影片特别选择了暑期这个档期放映, 细节说明宝莲灯在市场营销策略上所作的努力, 依照国外动画市场开发的惯例, 动画业作为一项产业, 已由单一的影视片生产, 延伸到画册.音像制品以及文具、玩具、服装、工艺品、游览公园、游乐园等衍生产品的生产与销售。一部动画片的收入不仅包括动画片本身的票房收入, 还包括这些衍生产品的收入。《宝莲灯》借鉴这一经验, 为影片策划了一系列附加产品, 如音像制品、连环画、卡通玩具、邮资明信片等。这些衍产品当年为宝莲灯在票房以外创下500元的利润, 《宝莲灯》在国产动画举步维艰的状况下, 以640万元的票房佳绩位居1999年上海电影票房排行榜榜首, 以2400万元的总票房位列全国票房的前列, 无疑是一次成功的市场化尝试。《宝莲灯》首次聘请故事片欧美先进水平, 满足大众逐渐提高的观影需求。
参考文献:
[1]魏俊宏、冯妍.华语魔幻片的新视觉——与许安、肖进谈《画皮Ⅱ》的数字特效和特效化妆.[J].电影艺术, 2012年5期.
导演、录音师加盟, 以充实创作人员的力量;首次采用三维、二维电脑制作, 以加强影片的视觉效果;首次聘请专业舞蹈艺术家为该片编舞, 以谋求更为专业的舞蹈效果。由此, 国产动画电影在创作风格、制作方式、对外国动画文化元素的吸纳和融合、外国动画制作和营销的成功经验、外国的动画技术及制法等方面受到国外的影响并借鉴其优点进行了有益的尝试, 其在借鉴过程中所显露出来的问题也为国产动画电影的进一步发展提供了经验。
外来元素为什么能在80年代影响中国动画电影的创作?这有国产动画电影创作的特征和动画电影创作的时代环境的内部原因, 又有欧美日本动画电影具备其自身优势的的外在原因。60年代与90年代的时代背景发生了重大的变化, 观众的审美价值与审美诉求发生了改变, 这些是国产动画电影坚持以前的创作模式和艺术追求式微而受外来因素影响的内在原因。而上述欧美日动画电影除了他们的经济优势之外, 作品本身也有不少吸引观众的地方, 例如日本动画影片中所表现出来的唯美主义情节特别能打动时下青少年的爱美之心, 片中的画面多以手工绘制, 绘画感强, 具有创作者的风格个性, 在叙事中巧妙融入日本民族的民俗之美, 让观众通过靓丽造型画面体会日本民俗的浓浓韵味。日本动画家宫崎骏笔下的作品就始终洋溢着一股浓浓的人性美, 作品所表现的人性美具有极强的艺术感染力, 日本动画电影也有不少反映平凡生活的动画电影, 如《樱桃小丸子》《蜡笔小新》等作品让人能感受到一种日常生活的审美呈现。总之, 日本动画电影善于从不同审美层面、不同审美群体的视角出发进行创作, 作品的艺术效果和感染力极强。美国的动画电影也有其独特之处, 影片中幽默搞笑的喜剧风格、撼人心魄的视听感受、个性鲜明的动画形象都极具艺术魅力。欧、美、日更是成熟成功运用市场运作模式的行家里手, 在新的时代语境中, 时代变了, 人们的审美心理、审美要求改变了, 这些原因共同促成中国动画电影创作受外来因素影响的现实状况。
中国动画电影对外来元素的吸收和借鉴为其发展注入了新鲜的血液和养分, 为中国动画电影的创作注入了新的活力, 使其焕发新的生命力。但是同时, 这些外来元素的加入的高度和和谐程度不够, 艺术手段不完备, 也使得动画电影既有可贵探索的积极一面, 也有不尽如人意的地方。归根结缔, 中国动画电影应该向欧美日动画电影学习, 但同时更不应放弃从中国传统艺术中吸取营养。中国动画电影不乏从传统艺术中吸收营养成功的范例, 例如大闹天宫即是这样的典型, 其从中国传统艺术中吸取养分:采用京剧念白、京剧音乐、中国戏曲动作、古代壁画、传统建筑的艺术效果、中国古典神话小说、京剧脸谱、民间版画等艺术手段, 使《大闹天宫》这部电影取得了巨大的成功。《大闹天宫》的成功, 一个很重要的原因就在于创作者在借鉴民族形式的过程中分寸把握的准确。从而产生出和谐自然地感觉, 并且能产生独特的民族文化韵味, 使观众产生独特的民族审美情绪。当然, 随着时代的变迁, 不能简单地说只是一味的从传统中借鉴有用因素来创作就能创作出好的作品来。还是应该一手伸向传统, 一手伸向外来元素, 而最关键之处则可能在综合恰当整合这些因素的水准的提高上, 从而满足当下不同层次, 不同年龄段观众的审美需求, 而这正可能是中国动画电影未来发展的最终落脚点。
[2]林玉萍.谈影视化妆的基本功能.[J].音乐生活.2011年1期
[3]许乐.浅谈我国电影特效化妆的现状[J].北京电影学院学报.2011年5期.
动画专业教学动画电影 篇8
1984年, 制作《风之谷》的团队在日本最大的书店德间书店的总裁德间康快, 成立了二马力会社, 即吉卜力工作室的前身。从1984年成立至今, 吉卜力工作室共计制作长篇动画作品23部, 短片作品16部, 代表性作品:《风之谷》、《千与千寻》、《侧耳倾听》、《幽灵公主》等等几乎部部经典, 宫崎骏的代表作《千与千寻》更是以304亿日元 (约合人民币19.85亿元) 的票房成为日本影史上的总冠军, 并获得了柏林电影节最高奖项金熊奖, 奥斯卡金像奖最佳动画片奖。随后《哈尔的移动城堡》、《地海传说》、《悬崖上的金鱼姬》、《借物的小人阿莉埃蒂》、《虞美人盛开的山坡》、《起风了》等相继登上日本票房冠军宝座, 一系列经典的优质动画电影开启了吉卜力工作室的辉煌时代。
二、企业的发展理念与经营方针
1、蓝海战略
吉卜力以制作电影动画为主, 几部不涉及电视动画领域, 这在电视动画普遍发展的日本可以算一个异类。究其根本原因在于, 吉卜力领军人物宫崎骏与高畑勋发现电视动画领域由于投入经费和制作时间的限制, 作品的质量难以保证。另外, 电视动画由于播放媒介和播放时间的限制, 日益如肥皂剧泡沫化, 题材的接近性使得观众流失, 这片领域已如红海般日益失去养分。由此他们制定了“蓝海战略”:开辟电影动画领域的巨大潜力, 凭借大成本投资以优质的原创内容和精良的画风取胜。
2、以制作优质动画为己任
“内容至上”是对吉卜力制作理念的最好概括, 它始终把制作优质动画放在首位, 对故事内容的执着使得吉卜力经常会花费数年对作品进行策划和构思, 《悬崖上的金鱼姬》企划耗时4年, 《起风了》从构思到面世经历了5年时间, 这种执着的工匠精神备受世人推崇。当问及最喜欢自己哪部作品时, 宫崎骏回答到:“我的作品都是自己尽心力创作的, 就像自己的孩子一样, 所以我不想给它们排列顺序。如果说秘诀, 就是一句话, 得正直, 得忠实于自己来创作。”[1]
3、独裁式管理
吉卜力工作室坐落于日本东京近郊的一座别墅式工作楼里, 共计有300多名员工, 核心员工大概150人, 采用聘用制。在工作室创建之初, 总裁铃木敏夫就为吉卜力作出了准确的定位:“纯粹建立一个为高畑勋、宫崎骏两人专用的创作平台。”, “原则上当高畑勋与宫崎骏引退时便是吉卜力结束的时候”。[2]天才大师宫崎骏作为管理决策者和动画制片人, 身兼数职, 为了达到自身的艺术追求, 要求其他人绝对的服从, 事必躬亲。这种独裁式的管理方法保证了作品质量的同时有着巨大的漏洞, 员工年龄两级分化严重, 除却宫崎骏的吉卜力作品票房走低, 口碑不保, 这样尴尬的境遇使得宫崎骏在2013年第7次宣布退休后, 于2015年再次复出, 他本人宣称是无法割舍对动画的热爱, 但是没有了宫崎骏的吉卜力工作室确实是处于一种青黄不接的状态。
三、动画作品制作
1、取材本土文化的原创剧本
吉卜力动画多为原创, 即使是改编剧本也大量融合日本的本土文化, 多发人深省, 极具教育意义。以巅峰之作《千与千寻》为例, 日本的名字叫做《千与千寻的神隐》又名《神隐少女》, “神隐”一词在日语中指失踪的孩子, 因为他们是被神仙藏起来了, 东哈中喻指少女千寻误入了神秘之城;灵异世界中的“油屋”原型是日本的浴室, 象征着“净化”。
2、深切的责任感与高度的人文情怀
反战、和平、环保是吉卜力作品永恒的主题。1997年上映的《幽灵公主》是宫崎骏制作的一部描写人与自然关系的电影, 人类为了发展技术力量不断破坏自然, 会受到自然的报复, 为之付出代价的。将对现实的思考与魔幻的故事情节相融合从孩子的视角呈现出对世界的关怀与启示正是吉卜力动画所呈现出的特点。
3、手绘式动画
在互联网时代, 宫崎骏拒绝用电脑绘制漫画, 一直坚持用普通铅笔作画。宫崎骏表示:“的确, 一切都可以靠科技来轻松完成, 可我就是个不喜欢搭顺风船的人。始终不明白为什么很简单的地方也要取巧, 画面的明暗, 还是由人来控制的好。”宫崎骏向后辈们发出了“最好不要碰电脑”的忠告:“看起来电脑技术使人自由, 其实很容易使独具匠心的制作变成流水式的生产。然后便不由自主地向迪士尼的风格投降了, 这就是大家想要的结果吗?基本的绘画技术是动画制作者永远不能抛弃的。”[3]
四、动画电影推广模式
1、上映前后宣传攻势
由于动画电影的特殊性, 配音极为重要。依托于日本发达的动漫产业, “声优 (配音演员) ”是日本独有的重要行业, 著名声优的受追捧程度不亚于著名影星。而吉卜力动画中, 反而较少的用到专业声优, 因为宫崎骏认为专业声优由于过多的关注配音技巧而忽视了动画人物本身的情感。因而采用了很多非专业的演员为其配音, 其中不乏大势演员:木村拓哉, 神木隆之介等均为日本炙手可热的明星, 这些知名演员在大型影展, 点映会上不遗余力的为其站台起到极大的宣传造势作用。
2、衍生品开发
日本的动画产业发展至今, 已经形成了非常成熟的生产链, 从前期的动画制作到后期的衍生品开发, 每一个环节都具有极大的商业价值。
衍生品包括音像制品、服饰、模型、还有手机形象, 广告形象等。建于2001年的鹰之森吉卜力美术馆, 还设有吉卜力主题电影放映室、动画制作展示室、主题乐园等。作为日本动画产业的缩影, 吉卜力的动画产业开发是非常成功。动画作为一项创意产业涉及到各个方面的利益, 成熟的产业链开发可以获取巨大的经济效益, 这也是中国电影需要学习和借鉴的地方。
五、结论
综上所述, 我们可以看出动画电影制作成功的关键在于动画大师极具思想的创意、制作团队的巧妙制作制作、营销机构积极而有效的宣传推广、产业链支撑下的衍生品开发制作等四个主要方面, 缺一不可。中国的动画电影还处于起步阶段, 想要在动画电影领域一展拳脚, 需要整个电影领域的资源支持, 敏锐地市场意识和协调配合的市场化运作模式是新时期中国动画电影的新出路。
注释
1[1]李红平.专访宫崎骏:电视是一个怪物.南方周末[J], 2009, 02, 26
2[2]李伟, 阿润.吉卜力的动画哲学 (上) , 三联生活周刊[J], 2014, 08, 05
动画电影带“热”玩具市场 篇9
日前, 记者在不少店里看到玩具麦兜猪早已经上市了。“卖得非常火, 都断货了。”店主表示。记者了解到, 不仅仅是《麦兜响当当》, 一部动画电影只要好看, 仿动画角色的玩具保准都能卖火。孩子要, 家长也舍得花钱, 小店也赚疯了, 不过现在还有个问题挺愁人, 新玩具不断来, 旧玩具该怎么办呢?
“麦兜猪上市啦。”随着电影《麦兜响当当》在全国各大影院热映, 装扮各异的麦兜猪玩具随即摆上了玩具店的货架。记者在一个地下通道的玩具店里看到, 麦兜猪摆在店里最显眼的位置。“麦兜猪, 刚来的, 十二星座都有, 25元一个。”电影过后火玩具, 《变形金刚2》首映之后第2天, 玩具版变形金刚就上市了, 卖得还非常火。喜羊羊从去年元旦开播以来, 喜羊羊娃娃等玩具的销售就一直火爆。
跟着电影“沾光”的玩具标价也会或多或少高出一部分。记者看到标价25元的麦兜猪大约有25厘米高, 两手拿着正合适。而同样大小的其他玩具几十块钱不等。在家乐福东部店, 记者看到, 《变形金刚2》加强级大黄蜂、猛虎、微声波等售价149元, 同样大小的车类玩具大约在80元。
“生意还行吧, 电影热映的时候卖得最好。”孙女士的店只有十几平方米, 而从她的账本上, 记者看到28日孙女士就卖出了27个玩具, 营业额将近1000元。这么可观的利润点, 精明的商人们肯定不会放过。
正在公交车站牌前等车的肖女士无奈地说, 《冰河世纪》上映之后没两天, 孩子就开始吵着要大象。“我只好给她买了这个大象。”而她3岁的小女儿则在旁边抱着“大象”和“长江七号”高兴地说着“宝贝别哭, 宝贝别哭”。
电影过后, 很多孩子就会要求父母把电影里自己的“最爱”给买回来。采访中, 家长们纷纷表示现在那些动画片可把他们“坑苦”了, 每年光给孩子买玩具就是一笔不小的开支。“经常买, 不管是不是节日, 出来买东西时, 只要带着孩子就得到玩具区来转转。有时候我干脆去即墨路批发市场批发, 那儿的便宜, 不过质量不是很好。孩子玩几天就玩够了。所以一般还是来超市买。”王女士说, 她的女儿8岁了, “现在家里光给她放玩具就得专门用一个房间, 里面堆满了新的旧的玩具。”王女士说, 这一年下来光用在给孩子买玩具上的钱就得6000多元, 算是家里一笔不小的开支。
玩具更新这么快, 价格又都比较贵, 家长为什么还要“纵容”孩子, 一再给他们买呢?记者在采访中发现, 家长大都认为现在玩具设计很科学, 小孩子玩玩反而有助于开发智力。
一年光给孩子买玩具就得花几千块钱, 但这还不是家长们最头疼的问题。那些孩子玩够的旧玩具该怎么处理, 倒成了一个更令家长们烦心的事。新玩具天天买, 那以前的旧玩具要怎么处理呢?记者采访中发现, 很多家长都不知道怎么处理家里的旧玩具, 有人放到坏, 有人设专间, 就是送人有点难。
西镇的王女士 (女儿8岁) :家里专门设了个房间, 用来放玩具, 一打开门, 里面全是玩具, 旧的新的都在, 孩子就随便拿着玩。
李沧的王女士 (儿子12岁) :不知道, 还真不知道。难道现在有回收玩具的地方?
市南的肖女士:最后都送人了。好朋友还行, 要不是很熟, 白送人家都不要。
李沧北村的卢女士 (女儿高一) :都是放坏了再扔。没坏又舍不得扔, 又没有人送, 只好放在地下室, 等坏了比如说生锈了就扔掉。
宫崎骏动画电影浅析 篇10
一、角色设定
角色设定是动画电影制作的灵魂。宫崎骏动画电影的角色设定有其独特性,从宫崎骏的众多作品中我们可以显而易见的看出其动画电影的主人公大多数是女性。如《风之谷》中娜乌西卡,《龙猫》里的小月,小梅两姐妹等都是以少女作为主角。也正因为如此,让其作品更具有温和的特性。
少女和儿童在宫崎骏心中似乎是近乎神圣不可侵犯的存在,他们看似是最柔弱的,但最后往往会以强者的姿态屹立。像《风之谷》中的娜乌西卡结局在无数只大王虫的簇拥下慢慢苏醒,仿佛看到了一大片金色的草原,看到了人与自然和谐终于能和谐相处的美好未来,她用她最善良的心和最坚强的意志成为了那个拯救人类的预言者——穿着蓝色的长袍,踩着金色的云从天而降,那应该是我见过最美的画面,看到泪流满面。或许在宫崎骏心中纯真质朴才是超越成人最强大的存在。
宫崎骏动画电影人物设定还有一大特点就是其动画中的“坏人”往往不是真正意义上坏的存在。如《太阳王子霍尔斯的大冒险》中的恶魔之妹希达尔,开始是为了获得永生而协助恶魔,以一个间谍的身份接近霍尔斯,最后却甚至为了救别人,为了帮助霍尔斯而放弃了自己一直苦苦守候的可以得到永生希望的宝石。
二、场景设定
宫崎骏的动画的场景大多是他去欧洲旅行所画,他对欧洲的喜爱是从小建立的。宫崎骏小时候看到自己国家的战争,于是他对远方的欧洲充满了向往,以为那里是没有战争的美好国度,于是这种执拗的偏爱延续至今。漂亮的欧式建筑,哥特式庭院,浪漫的草原都是宫崎骏喜爱表现的。
另外还有一个经常在宫崎骏动画电影中出现的场景就是水。日本人是水和沐浴的崇拜者,所以在宫崎骏的大多数作品中有对水和沐浴的描述。水和沐浴在他的作品中不只是洗涤人的身体,还有着净化心灵和灵魂的作用。像《幽灵公主》麒麟所饮生命之水,伤口不仅可以在里面复原,诅咒快要爆发的阿席达尔躺在湖中也恢复了平静,还有《千与千寻》里负责帮各路人物洗涤的油屋,肮脏不堪被大家恐惧嫌弃的河神洗后也恢复本来面貌。
三、音乐
久石让和宫崎骏可以说是天作之合了,就像是磨合了多年的好友,不用说的,只用看到,心就能体会对方在想什么,需要什么。可以说没有久石让,也就没有宫崎骏,是久石让让宫崎骏的电影变得有血有肉。久石让巧妙的将音乐融合到动画的每一个角落里,或欢快,或忧伤,或寂寞,或激情,让观众身临其境的融入动画的氛围之中。
像是《天空之城》的配乐,算的上是流传最广的吧,身边的人们即使不看宫崎骏的动画,一般也都听过这首曲子。旋律悠扬婉转,只是浅浅的哼唱,就使人仿佛身临其境。二十多年的合作,精神都以互通了,所以音乐和动画也变得完美。干净,清新,幽美,耐人寻味,宫崎骏的动画是,久石让的音乐亦是。
四、思想内涵
宫崎骏动画电影的内涵更是其广受好评的主要原因。宫崎骏的作品总是给人很美好的感觉,但实际上他是个极度悲观的人。他热爱自然,所以在他的作品中总是可以看到人与自然,生存与死亡等深刻的问题,在及时已经美好到不行的作品中也总要安插那么些孤独的元素。像《龙猫》这部作品就一直在美好的氛围中,但由于母亲生病而一直缺乏父爱的两姐妹也总有那么淡淡的寂寞。《侧耳倾听》也是,纯纯的爱,好听的插曲,挂满吉他的木房子,还有猫爵士的故事,看似美好到不行,可爷爷忧伤的爱情故事,还有月岛雫蹲在走廊上的哭泣,都是很真实的寂寞感。《岁月的童话》里我最喜欢的一个画面是在开着的火车上,妙子看着小时候的自己和伙伴们跑来,大家玩闹着,在由于火车开动而不断变化的橙色光影中又渐渐消失了,伴随着那些纯净的笑声。童年就真的那么离去的。这些都没有什么大悲大喜,生死徘徊,但总能挑动观众内心最深处的心弦。
而像是《森林公主》和《风之谷》则是以人与自然的巨大矛盾为基础而展开的故事,或者说成是生存与自然更为恰当。人类为了自己能够生存下去而不断的破坏自然,最后遭到自然的报复,怎样去寻找生存与保护自然间的平衡点,这将是整个人类一直需要解决的问题。《风之谷》是所有宫崎骏动画中个人最喜欢的一部。当看到一直以来人们想要烧毁的腐海其实只是为了净化被人类污染的水资源,觉得那是多么的讽刺。而像是《红猪》和《哈尔的移动城堡》则是以反战为题材。
所有宫崎骏的动画都是建立在深刻的思想内涵上的,所以不至于空洞无味。他的动画外在漂亮的人物和优美的场景为少年儿童所喜爱,但内在深刻思想又只有阅世颇丰的成年人才能领会,因此他的动画才可以深受不同年龄层的人们所喜爱。这些都是宫崎骏能称之为宫崎骏的原因。
摘要：宫崎骏动画电影角色一般以少女为主,没有绝对意义上的坏人;场景设定偏欧式;音乐主要是和久石让的完美搭配;所有作品均包含深刻的思想内涵。
关键词：宫崎骏,动画电影,思想
注释
1[1]田瑞平.宫崎骏动画电影研究[D]南京:南京师范大学,2005.
2[2]钟俏.解读动画大师宫崎骏[D]湖南:湖南师范大学,2011.
动画电影实战报告 篇11
‘小包子’太萌了！真想捏一捏！”——这是不少人看到动画电影《神秘世界历险记》宣传海报后的第一反应，“小包子”是该片主角之一——一只外形似狮虎兽的自然灵物“啦啦”，电影还未上映，其圆乎乎的可爱形象就获得不少认可。与这部电影一起进入大众视野的，还有该片的总制片人——北京其欣然影视文化传播有限公司（以下简称其欣然影视）总裁袁梅。
作为资深影视人，用时下网络流行词“淡定”来形容袁梅最恰切不过——无论是接受记者专访时的状态，还是运作一部历时近6年的动画电影项目的心态；而作为动画电影制片人，袁梅更有股子直率劲儿，“动画片是拍给所有有童心的人看的，输得起就做，输不起就不做”。
《神秘世界历险记》总投资（含宣发费）2000多万元，目标受众为6-14岁的少年儿童，由江苏广播电视总台（集团）及旗下优漫卡通卫视、其欣然影视文化传播有限公司、其卡通（即北京其欣然数码科技有限公司，其欣然子公司）、江阴国动文化传媒有限公司联合出品，其卡通承制。影片讲述天生喜欢恶作剧、捉弄小动物的淘气女孩雨果，发现了一只能和自己说话的自然灵物啦啦，机缘巧合下随其进入一个神奇国度——动物们的世外桃源——之后经历的冒险故事。
8月10日，影片将登陆全国大银幕，加入竞争激烈的暑期档。
一部动画电影的诞生
《神秘世界历险记》的筹拍始于2006年，袁梅介绍，当时的项目策划、故事创意、第一版剧本都由她亲自操刀。“操作过不少动画剧集项目后，自然就想要给自己一个提升。”她表示国产动画电影在题材上有较大局限：“价值观要阳光明亮，但打出全年龄段受众的定位往往容易失败，所以大多项目还是以低幼年龄段孩子喜欢的故事。”虽然行业现状如此，袁梅仍希望自己推出的动画电影在吸引孩子的同时，能牵动整个家庭。
《神秘世界历险记》的制作过程并非一帆风顺。
2007年，彼时还叫《奇异家族》的该片推出第一版样片，斩获了东京电影节“东京放送”等国际奖项，主创人员均以为影片可以在2008年夏季完成。但到了2009年，制作团队又调整了创作方向，用袁梅的话来说，“在做第二版片花时，发现了很多问题，就是有很多效果我们技术上还达不到。” 最早的故事受到制作力量的限制，故事本身也欠打磨。2010年，带着调整后的故事，袁梅的团队决定将整部影片的制作技术从二维转为三维，实际制作过程持续了两年左右，直到2012年3月才完成影片的主体制作。
“之所以有这样大的转变，一是考虑到市场情况，二是创作团队本“身的技术实力已经达到三维制作的要求。”袁梅表示，市场调查与测试一直贯穿项目始终，也成为转变创作的决定因素。“例如剧本不停地被颠覆，就是不断参考市场反馈的结果，终版编剧署名是王云飞（本片导演），即现在的故事已非我写的第一版；再如片名的调整，我们拟定了10个片名，在北京、上海、南京、南昌四个城市找了1000个孩子，听取他们的意见，这才敲定了得票数最高的《神秘世界历险记》；几个影片主角的形象，设计了很多版，最终都是由孩子们选出来的。”
与此同时，技术呈现方式的改变也要求更为完善的剧本细节。“我们后来对影片主题做了重新审视，觉得可以把它变成一个更具包容度的故事。原来的主题仅仅集中在环保、人与自然、人和动物和谐相处这样较小的范围，對主角小女孩雨果的性格设定也比较模糊。”今年6月初，影片完成95%的制作后其类型、主题才更加清晰：奇幻、冒险、成长、关爱。
袁梅介绍，作为两大主投资方，江苏广电与其欣然各占影片国内版权的50%（投资与收入分成皆按此比例），一定程度上平摊了市场风险；海外版权则全归属其欣然。截至目前，该片以保底分成的方式在海外市场卖出了近20个国家和地区的发行，包括韩国、印尼、俄罗斯、土耳其等，一定程度上降低了影片对国内市场票房收入的依赖程度。“虽然此前我们公司已经制作过一部动画电影《奥运在我家》，但那是应景产品，《神秘世界历险记》才是其欣然真正意义上推向市场的动画电影。”
营销之路
谈及《神秘世界历险记》的市场推广，袁梅用了两个形容短语：“比较特殊”“非常规”。
“我们想走一条实打实的营销路，注重与目标受众点对点地对接。”在影片的前期宣传阶段，其欣然打通了两条渠道：一是跟文具企业晨光文具合作，开发带有影片主角形象的文具和海报等衍生品，并借助对方全国三万七千家门店的销售渠道，直接与受众对接。“这些门店大都开在中小学门口，在南方地区的城市尤其如是。中小学生正好是影片的核心受众，与我们的市场定位特别吻合。通过这些衍生品可以预先推广影片的卡通形象，让这些产品成为观众和电影之间的衔接纽带。”这项合作主要通过资源互换的形式实现；二是和新东方教育科技集团旗下的少儿英语教育品牌“泡泡（POP）少儿英语”合作，“他们专注于为4-14岁少年儿童提供英语教学服务，在全国拥有几十万学生，与我们的目标受众有重叠部分。”袁梅向记者分析这项合作的精准度：该机构目前在全国38座大中城市设立了学习中心，覆盖区域比较广；一般来说选择课外英语辅导的孩子家境都比较好，他们进电影院看电影的机率更大。
在电影上映前后。其欣然还会在全国一百家重点影院开展阵地宣传，“比如设立体验区和海报展架等，做一些衍生品的促销活动，设立展台与前来观影的小朋友互动等。总之要确保每一个影院都有我们的宣传点。”此外，同为投资方之一的江苏优漫卡通卫视从6月开始高密度地播出《神秘世界历险记》的电视版预告片，一天几十次的频率，一直持续到8月影片上映。“这样能更好地让孩子们熟悉影片主角形象，快速让观众对这些形象有一个认同。”
流程：前期长，中期快，后期准
“急功近利”是袁梅对当前国产动画电影业现状的评价。“话糙理不糙，现在有太多公司短时间就拍板一个项目，也有不少投资人要求制作方一年内就完成一部作品，赶着上院线上映。”在袁梅看来，这根本不是运作一部质量过关的动画电影该有的流程。
她认为一部动画电影最起码应该做五年：用三年时间做前期调查，包括对市场需求的认识、对衍生产品开发的设想、对整个制作流程中涉及技术的考量与配备、对后期与发行商合作的思考等，具体涉及故事架构、人物设定、剧本创作、面向整个发行渠道的样片预售、技术配备与研发等环节；其次，两年的制作时间是对品质的基本保障。
“不能一上来就进入制作，之后发现技术达不到再停下来——做动画主要是‘养人’，而‘养人’的成本很高。”袁梅表示，《神秘世界历险记》前几年并未大规模展开制作，而是不断调整样片，避免资金耗费。那种先做出产品再考虑发行的运作模式，其已经被市场证明是行不通的，匆忙上马项目，加上不专业的宣发甚至会让本身质量不错的动画电影失去市场机会。国产动画电影缺的就是这种等待“火候”的耐性。
国产动画电影在制作过程中也存在各环节资金、人力分配不合理的问题。据袁梅介绍，三维制作前期投资占比较二维制作更高，这部分费用要集中用于剧本创作、人物设计、场景设计、衍生产品的开发等上；中期则是制作费用；后期宣发费用则要视市场定位和营收目标而定。
袁梅以《神秘世界历险记》为例向记者介绍：“项目一确定，我们就开始营销发行了，特别是发行。我觉得国产动画一直存在一个问题——不擅长做片花（样片）。通过片花做预售，若操作得当前期就能收回三分之一的成本。在这个过程中制作方也可以知道发行商的意见，以便调整，发行商也能获知制作方的进度，有利于影片的前期宣传。”简单来说，做动画电影，前期要长，中期要快，后期要准。
“皮克斯动画工作室筹备制作《机器人瓦力》耗时13年，期间推出了11款预告片，这其实也是一个技术推进和累积的过程。相比之下，国内动画人非常不擅长做这一块，经常是预告片做得比正片还烂。为什么？一來不具备这个意识，二来操之过急。”
动画电影制片人怎么当
小说作者、电视台编导、电视剧制片人、电影监制与制片人、动画剧集总策划与总监制??这些或曾是、或正是袁梅身上的“标签”。
1997年，袁梅成立北京其欣然广告艺术有限责任公司，主要从事与中央电视台合作的综艺节目的制作和推广营销工作；2001年起从事影视剧的创作和投资、制作；2002年起开始进行动画投资和创作。
多年涉足影视圈的经历令袁梅十分清楚制片人在一个动画电影项目中扮演的角色——操盘手，还得是一个身居幕后的操盘手。
“我觉得动画电影制片人最大的责任就是控制成本、规范流程。”与做真人影视剧制片人相比，做动画电影的制片人对接的平台相对更大、更复杂。“比如说要与电影发行商、电视发行商、网络发行商、海外发行方甚至相关衍生品企业沟通，而你提供的产品往往打不出明星阵容、少有植入广告的机会，但动画电影又恰恰需要更深力度的宣传手段。”
中美动画电影文化差异 篇12
1.二者比较
1.1 主题
美国的动画电影往往都是以孩子成长、环保健康、乐观向上为主题, 成长是一个很大的方面, 既可以指人心灵的成长, 还可以理解为个人的成熟, 每一部动画电影中都伴随着一个个动画人物的成长历程, 这种成长往往是缓慢的、隐秘的, 使观众跟随着角色一起成长, 这就是很多美国动画电影中做得非常成功的一点。《冰川时代》系列中的松鼠其实就是一个乐观的象征, 它令人捧腹大笑, 让人们收获开心, 对生活乐观。
相比较而言, 中国的动画电影似乎缺少了明确的主题, 虽然在很多影片中也有着和美国类似的主题表达, 但是这些主题的融入都不够自然流畅, 而且具有模糊性, 说教意味太浓, 这些都是很大的弊端。《喜洋洋与灰太狼》系列是中国动画电影市场近年来比较成功的作品, 但是通过与美国电影进行对比, 就会发现其过于概念化、模式化, 台词过于苍白, 剧情也显出幼稚。模糊的主题会使得一部影片失去了其灵魂, 同时也失去了其针对性。
1.2 人物和语言
再从塑造的艺术形象来看, 美国动画电影的人物造型显然更为新颖, 而且个性更加鲜明, 使观众印象深刻, 而且取名也别有一番心意, 一般选择简单易记的单词作为主人公的名字, 再借助一些有代表性的肢体语言以及表情来丰富人物形象, 让人物具有唯一独特性。而在台词上美国动画电影做得也相当成熟, 影片在令人欢乐和感动的同时适当地在台词中加入了一些至理名言, 使不同年龄段的观众都能进行思考。
中国动画电影的人物在比较之下就显得简单、片面而且模式化, 很多人物形象的造型基本一致, 在个性、体型以及着装等方面没有太大的差异, 这种统一化很容易使观众因为难以区分而产生视觉疲劳。从语言上看, 中国动画电影却仍局限在很低幼的层面, 从台词的设计就能感受到, 幼稚的语调以及幼稚的剧情, 使得不少成年人对于动画电影不屑一顾。另外, 台词的说教意味十分浓烈, 让懵懂的小孩往往一头雾水。可喜的是, 近年来我国动画电影在这方面已有所改善, 业界内外也都认为只有拓宽受众面, 提高各年龄层次人群的关注, 才能更好的促进国产动画电影的发展。
2.造成差异的原因
经过比较, 可以发现中美动画电影之间存在着很大的差异, 中国的动画电影相比之下暴露出种种的缺陷, 造成这种差异的原因有很多, 需要逐一分析, 然后才能找到提高的方法。
美国动画电影之所以受到全世界观众的喜爱。是因为在制作之前就已将影片的受众对象设置于全球, 面向所有全世界的各国观众。那么美国动画电影是如何让全球人接受和喜欢的呢?为了实现这种理念, 动画公司往往在动画电影的策划, 进行了很多针对性的努力, 把各民族的风味融合在一起, 强化角色动作的表演性, 做到了商业性与娱乐性的高度统一, 使观众得到娱乐和享受的同时, 实现商业利益。美国的这种全球化的定位策略, 正是美国动画电影获得成功的重要因素。
反观中国动画电影历史, 从中国第一部有声动画《骆驼献舞》以来, 例如《铁扇公主》、《大闹天宫》等具有很大世界影响力的好动画片的成功拍摄, 中国动画也显然已经取得了丰硕得成果。然而在今天全球化的浪潮中, 我国的动画创作者却对自己的传统文化丧失了信心, 迷失在西方看似先进文化与科技的黑洞之中, 迷恋高科技动画制作, 过度崇洋媚外而导致舍本逐末, 丧失了应有的文化气息, 导致中国动画的日渐衰败。而且就制作动画水平来看, 经调查发现, 近年来国产动画电影的制作手法还普遍以2D为主, 与3D表现手法相比, 缺少真实、立体与生动性。虽然有政府大力扶持, 但制作公司众多, 布局分散、实力不均, 使得作品难以保持一贯的风格水准, 生产系列作品更是不易。
3.从差异中展望中国动画电影
2012 年 《 动漫蓝皮书:中国动漫产业发展报告 (2012) 》 指出, “十二五”期间是我国动漫产业的重要战略转型期, 动漫产业的发展不仅需要政策扶持, 更需要突破发展中的障碍;从动漫大国向动漫强国跨越的攻坚时期, 产品不仅要实现量的增长, 更要实现质的飞跃。中国动画电影, 可以借鉴美国动画电影的一些制作模式, 在制作一部作品之时, 先做好市场评估调查, 对剧本不要急于求成, 只看眼前利益, 还要摆脱“低幼”的标签, 这样才能把市场做大, 获得更多更长远的利益。
尽管中国的动画电影在近几年已有很大进步, 但通过多方面的比较不难看出我国在动画电影创作上与世界优秀国家仍存在一定的差距。首先我们必须确定好想拍的动画影片的主题, 选择较为新颖的题材, 精心设计每个动画人物的艺术形象用来以加深观众的印象, 增添角色知名度, 在台词设计上也要考虑到观众受体的范围, 并虚心向国外前辈学习优秀的创作技巧, 只有这样才能真正促进中国动画电影的发展。
结语
近年来, 国产动画产量不断增加、动画人才不断涌现出来、从业者队伍也在不断壮大, 一条集制作、发行、推广的完整的动画产业链正在以飞快的速度形成。虽然就目前在世界的影响力方面不敌美国动画电影, 但是我们坚信, 在所有动画电影人的不懈奋斗以及政府的政策扶持下, 我国原创动画电影的技术水平定会更上一层楼!
摘要：本文分析了中美动画电影不平衡的现状及其原因, 并从文化的角度着手进行深入的探讨, 反思国产制作的不足之处, 吸取经验, 希望在这场动画电影的全球潮流中中国可以冷静面对, 积极创新, 促进动画电影文化的高度发展。
关键词：动画电影,比较差异,文化
参考文献
[1]徐丕文.中美动画电影创作比较研[J].电影文学.2013. (18)