艺术教育民间艺术（精选12篇）
艺术教育民间艺术 篇1
摘要：中国皮影历史悠久, 长期以来传流极广, 为老百姓尤其是农民群众所喜闻乐见。是民间流传的宝贵的文化遗产, 里面有许多东西都是值得我们继承和发展的。它的造型有着自己独特的形式, 本文从造型平面化、造型艺术化、造型卡通化、造型戏曲化这四部分简述的皮影的造型特点。
关键词：皮影艺术,发展,造型特点
中国的皮影艺术, 是我国民间工艺美术于与戏曲艺术巧妙结合而成的一种艺术。具有独特的艺术风格, 是我们中华民族艺术殿堂里面不可多得的一颗璀璨的明珠。近代以来, 随着工业文明的发展和西方文化的冲击, 包括皮影在内的传统民间艺术受到极大的影响。在民国后期, 影戏明显呈衰颓之势。如何使皮影艺术得到保存和发展, 让皮影艺术在现在社会里精彩的存在——把皮影艺术的精髓运用到现代设计中, 使其得到发展和流传。
一、皮影艺术概述
皮影戏是让观众通过白色布幕, 观看一种平面偶人表演的灯影来达到艺术效果的戏剧形式;而皮影戏中的平面偶人以及场面道具景物, 通常是民间艺人用手工、刀雕彩绘而成的皮制品, 故称之为皮影戏。皮影戏是我国出现最早的戏曲剧种之一。演出时由5人组成, 表演者包括主唱的“前声”, 兼打大鼓弹月琴;负责敲锣、打碗碗、打梆子的“坐槽”;负责操纵皮影的“签手”;负责拉板胡、长号和配合签手的“下档”以及负责拉二弦琴和吹唢呐的“上档”。演出设备比较轻便、唱腔丰富多变、表演精彩激烈。一班5人一组, 推车一推, 背篓一背就可以外出演出。
从地域上说, 根据史记和近代民间皮影艺术流传的状况, 可以推断和证实皮影艺术起源于我过的陕西 (华县皮影是中国一切戏曲艺术的总源头, 中国皮影的国际正式名称叫“华剧”, 即华县皮影戏曲之意) , 而成熟于秦豫, 繁盛于河北。从时间上说, 根据已故文学家孙楷第先生考据, 皮影戏始于唐代中晚期的五代时期 (公元七世纪——八世纪) 。当时是为佛教宣示轮回报应的复发报应的佛法服务的。在寺院中俗讲僧在超度亡灵时, 用影人作为死者的灵魂。到宋代时与当时流行的说唱艺术结合, 称为当时兴盛的市井文艺中的一种。到元代统治者把皮影戏作为宫廷和军中的娱乐, 成吉思汗大军远征亚欧大陆的广大地区, 中国皮影戏爷被传入波斯等阿拉伯国家, 后有传入土耳其。明代皮影戏在都市和市井继续流行, 到清代末期, 20世纪初期, 皮影戏在我国广大地区传播开来, 并形成不同的地域风格。
解放后, 全国保留下来的皮影艺人, 在国家的支持下曾得到发展, 但到来文化大革命时期, “破四旧”时使得噩运再次降临到皮影艺术的世界, 对皮影艺术的打击至极。在此期间, 大量的藏于民间的皮影玉树珍品被焚烧, 甚至使皮影艺术流传断代。国家非常重视非物质文化遗产的保护, 2006年5月20日, 经国务院批准列入第一批国家级非物质文化遗产名录。2007年6月8日, 湖北省云梦皮影艺术团和山东省泰安市范正安皮影工作室获得国家文化部颁布的首届文化遗产日奖。2011年, 申请世界人类非物质文化遗产成功。
在现代新的娱乐形式的冲击下, 皮影戏的生存环境日益恶劣, 要走出这一现象扭转困境, 唯一的出路就是在继承传统的基础上, 大胆改革创新, 使其适应新时代发展的要求, 给人耳目一新的视觉享受, 才可以使其走出低谷, 重现往日风采, 成为人民喜闻乐见的享受艺术。现在中国皮影被世界各国的博物馆争相收藏, 同时也是中国政府与其他国家领导人相互往来时的馈赠佳品。
二、皮影艺术的特征分析
皮影造型质朴单纯, 富于装饰性, 同时又具有精致工巧的艺术特色。皮影人物造型的轮廓整体概括, 线条优美生动有力度, 有势有韵, 在轮廓内部以镂空为主, 又适当留实, 做到繁简得宜、虚实相生。皮影人物、道具、配景的各个部位, 常常饰有不同的图案花纹, 整体效果繁丽而不拖沓, 简练而不空洞。每一个形象不仅局部耐看, 而且整体配合也美, 既充实又生动, 构成完美的艺术整体。在中国, 不少的地方戏曲剧种都是从皮影戏中派生出来的, 而皮影戏所用的幕影演出道理, 艺术手段, 对电影的发明和美术片的发展也起到先导作用。
皮影造型独特, 它巧用点、线、面的完美结合呈现给我们的是一个生动形象, 夸张幽默的人物造型。
1、造型平面化
皮影的制作方式和表演方式已经决定了其在造型平面化的特征, 对于人物的设计, 一般都采用侧身五分脸或者七分脸的平面形象, 而没有正面。如桌椅板凳等物, 为追求立体感, 而显示三大面的俯视处理。皮影戏是让观众通过白色布幕, 观看一种平面偶人表演的灯影来达到艺术效果的戏剧形式, 是利用影子的转动来进行, 平面化的影子使得在制作时不需要做立体的造型。
2、造型艺术化
采取抽象与写实相结合的手法进行人物的造型设计, 通过线条的镂空发进行镂空雕刻, 将人物的装束与面容神韵都表现的生动形象、夸张幽默、诙谐浪漫。鬼怪之类的造型, 民间艺人通过丰富的艺术想象, 是其创造出来的艺术形象神奇多变。如孙悟空、猪八戒等形象, 采取拟人的手法, 制作为兽面人身。
3、造型卡通化
皮影艺术被称之为“世界上最早的电影艺术”, 是现代卡通艺术的“鼻祖”。皮影艺术一般由头、上身、下身、两上臂、两脚和两手十一件连缀组成, 经人幕后操作就能够做动态的表演。人体的比例通常是上身与双臂偏长, 这样有利于表演效果。与现代人们观看的卡通人物有着很大的相似之处。
4、造型戏曲化
皮影人物的造型, 是根据戏曲中生、旦、净、末、丑的形象设计而成的。人物的刚柔美丑与善恶忠奸, 都是通过人物造型的脸谱和行头表现的淋漓尽致。例如:皮影人物的嘴巴有开合之别。生旦皮影人物均为抿口形象, 凸额尖鼻下朱唇一点, 若有若无, 颇为生动靓丽。皮影戏人物做戏时小口似动非动, 以实为虚。在视觉上给人一种微妙的说唱联想。
皮影除了人物造型以外, 还有龙凤禽兽、花树虫鱼、山石门景、亭台殿阁、军帐兵器、陈设用具, 车船马轿、城桥塔寺等等, 其造型都与皮影人物相谐调, 无不透着鲜明的皮影艺术特色。皮影艺术是我国传统的民间艺术珍宝, 它在造型的设计上面有着独到的艺术魅力, 更有着无限的艺术潜力。
参考文献
[1]沈眠.中国传统皮影[M].北京:人民美术出版社, 2004:35-41.[1]沈眠.中国传统皮影[M].北京:人民美术出版社, 2004:35-41.
[2]卢强, 杜静.清代民间皮影的制作工艺与艺术价值初探[J].今日南国, 2008:136-137.[2]卢强, 杜静.清代民间皮影的制作工艺与艺术价值初探[J].今日南国, 2008:136-137.
[3]王英, 宋伟.浅析传统皮影艺术的美学特征[J].陶瓷研究与职业教育, 2007, 19 (3) :25-29.[3]王英, 宋伟.浅析传统皮影艺术的美学特征[J].陶瓷研究与职业教育, 2007, 19 (3) :25-29.
艺术教育民间艺术 篇2
081班 30号
陈洁
社会实践报告表
第一次参加大学的暑假社会实践活动，以前都是寒假，这次感觉时间充足了很多。我明白了大学生社会实践是引导我们学生走出校门，走向社会，接触社会，了解社会，投身社会的良好形式；是培养锻炼才干的好渠道；是提升思想，修身养性，树立服务社会的思想的有效途径。通过参加社会实践活动，有助于我们在校大学生更新观念，吸收新的思想与知识。近十天的社会实践，一晃而过，却让我从中领悟到了很多的东西，而这些东西也使我终生受用。
社会实践加深了我对社会的了解，拉近了我与社会的距离，也让自己在社会实践中开拓了视野，增长了才干，进一步明确了我们青年学生的成材之路与肩负的历史使命。社会才是学习和受教育的大课堂，在那片广阔的天地里，我们的人生价值得到了体现，为将来更加激烈的竞争打下了更为坚实的基础。我在实践中得到许多的感悟!
这次自己来到村委办公室工作，主要负责打印文件，整理资料，管理文件等。在这一过程中，我认真的观察和认真的学习，初步了解了办公室文员工作中的具体业务知识，拓展了在自己所学专业以外的知识。这次主要负责收齐文件“要求进行农村饮水不安全人口调查，针对饮水不安全的村民进行补助改造。现需各村民户主，提供有效的户口薄户主页和户主本人含有18位身份证号码的身份证复印件(无身份证的，请提供户口薄本人页含有18位身份证号码的复印件)各一份。其己缴纳办理农村新型养老保险的村民，未提供身份证、户口薄本人页复印件或己提供身份证、户口薄本人页复印件的，但无18位身份证号码的村民，也请将相关材料一并交上补办理。”对这些文件进行整理收齐后，打印在表格里，存档。
在工作的这几天中，既有收获的喜悦，也有一些遗憾。喜悦是自己学到了很多东西，发现自己的不足，积累了经验。遗憾是在这一过程中，由于自己对这些事情的不熟悉，存在着手忙脚乱的情况，过程中由于身份证号码过多，出现多记漏记的错误等。还有自己打字速度也要有所提高。以及明白了小组合作的重要性。
我也认识到也许是实习日子短和我并非文员专业的关系，对文员有些工作的认识仅仅停留在表面，只是在看人做，听人讲如何做，未能够亲身感受、具体处理一些文件，所以未能领会其精髓。但通过实习，加深了我对文员基本知识的理解，使我对日常文员管理工作有了一定的感性和理性认识。认识到要做好日常企业文员管理工作，既要注重管理理论知识的学习，更重要的是要把实践与理论两者紧密相结合。
这次从个人发展方面说，对我影响最大的应该是作为一个社会人，工作作风以及在工作过程中专业知识对工作的重要作用，因为这些都是我在校学习中不曾接触过的方面，所以我将在报告中首先讲述我在实习期间积累的这方面的认识和经验。
艺术教育民间艺术 篇3
【摘要】河北省作为中华民族重要的发祥地之一，拥有丰厚的文化底蕴，其每一个地方或多或少都有自己特色的有形的、无形的文化，作为具有特色明显的地域文化及文化底蕴厚重的传统文化资源大省。传承发展好传统民间艺术成为河北文化建设的重要课题。而现在的高校艺术教育无疑是民间艺术得以传播的重要体系，所以研究传统民间艺术对高校艺术教育的影响，将传统民间艺术在高校的艺术教育当中得到传承发展具有重要的现实意义。
【关键词】传统民间艺术 高校艺术教育 传承 发展
从世界范围来看，成千上万的传统艺术每天都在面临着同中国传统民间艺术一样的问题和现代化社会的挑战，能源的浪费、资源的枯竭、全球经济的一体化、市场经济的影响、传统艺术的衰落，这一系列问题无时无刻不在影响着民间艺术的进一步发展以及不同种族、国家、地区、信仰、文化背景下的艺术形式。2 0世纪后期以来，发展与保护民族民间的文化已成为各个国家文化发展的重要课题。20世纪80年代法国文化部称美国文化渗透为“文化帝国主义”；在90年代的“乌拉圭回合”谈判中，法国提出“文化例外”的原则；澳洲地区重视文化人类学的研究，反对外来文化的侵略；美国著名学者享廷顿发表连续讲话，大谈文明忧患论；新加坡开展“华语运动”已维护东方文化；与我们临近的日本、韩国对传统文化的重视更是时有耳闻，他们把传统民间艺人视作国宝，称为“文化财”；台湾地区的传统民间艺人被法国高新聘请，令台湾人咂舌，台湾的传统艺术研究所是以传统艺术为研究对象，并实施“民间艺术保存传习计划”，将民间艺术教育纳入中小学教学课程。这一切说明了对传统艺术和地方文化的传承重视。
一、现今国内传统文化的发展现状：
国内对于传统民间艺术的传承在近几年逐渐重视起来，但不免有后知后觉之感，通过查阅资料，以及了解时事报道，资料报告显示，中国传统文化民间艺术在大学校园中的传承呈现缺失状态，但大多数大学生对民间艺术存在浓厚的兴趣。针对中国传统文化民间艺术严重流失的现状，在大学校园这一块需要做到的就是使大学生认识到这个问题，并且从意识上提高对这个问题的关注并自觉自愿的加入到传承中国民间传统艺术的队伍中来，尽自己的努力，使曾经熠熠闪光的传统艺术重新绽放出光彩。
河北省传统文化民间艺术在中华大地是具有代表性的，在国内同一种类的民间艺术中，地方风格特点也十分鲜明。在经济建设大力发展的形势下，河北民间艺术中颇具有代表性的曲阳石雕、唐山皮影、武强年画、定窑陶瓷、磁州窑造型艺术、蔚县剪纸、白沟河泥玩具等等均缺乏应有的传承发展。而在本省的高校艺术教育中也没有对这些传统民间艺术有所研究呈现缺失状态，例如河北师范大学美术学院、河北经贸大学艺术学院、河北科技大学艺术学院等等均都没有这些民间艺术的专业研究。据调查大多数大学生对民间艺术存在浓厚的兴趣，而要使这一现象得以改观，就必须深入发掘民间艺术资源，在高校艺术教育课程体系中融入传统民间艺术，使河北传统民间艺术传承发展下去，并在此基础上推动河北地方文化建设。
二、河北传统民间艺术传承发展现状：
1、河北传统民间艺术资源种类繁多、资源丰富，如年画、石雕、剪纸等等都流传着中国传统文化血脉。但是随着经济建设的发展河北传统民间艺术受到现代科技文明多方面影响。由于我省相关部门对民间艺术没有做到很好的保护和继承，很多传统民间艺术的传承和发展受到了巨大的挑战，再有传承的东西由于不能接近生活和满足现代社会的需要被人们逐渐的淡忘，有些传统民间艺术正在逐渐的消失。通过分析河北传统民间艺术现状，传承发展受到以下几个方面的影响。 （1）城市化的快速发展是传统文化生存的根基发生很大的破坏。（2）高科技现代化文明的发展吸引了现代人的眼球，改变了人民的审美观念。相比之下，民间艺术没有得到很好地创新，不能够引起现代人的共鸣。（3）社会文化部门对民间艺术的重视不够，很多民间艺术没有继承人，这些文化都面临失传危险。
2、改革开放以后河北高校艺术教育得到广泛的发展，但是也体现了很多弊端。表现在以下几个方面。（1）以西方艺术设计模式为主，缺乏创新。（2）对自身的民族艺术资源漠视不用，使我国艺术设计与民间艺术脱节，而对这些问题，我们需深入分析民间艺术对高校艺术教育的影响，合理传承民间艺术。
三、传统民间艺术对高校艺术教育的意义：
（1）传统民间艺术是艺术教育的源泉：对民间艺术创造目的来说他是实用性和审美性相结合，如剪纸、年画等等，这些审美和使用的目的创造与艺术教育如出一辙。无论从审美角度还是创作角度来说，传统民间艺术与现代艺术教育都是一种必然的内在联系，可以说民间艺术是艺术教育的基石，传统民间艺术与现代艺术教育是一脉相承。
（2）民间艺术的审美形式和造型手法是现代艺术设计的沿袭：传统民间艺术并不是一门孤立的艺术形式，它与人们的生活环境、生活习惯、道德水平、宗教信仰等有着紧密的联系。对民间艺术的深入研究可以使艺术设计者对民间艺术有深入的了解。民间生活习惯和审美观念、传统道德思想可以使艺术创作得到启示。如春节每家门口都贴红色的对联和倒贴福字，这就象征着喜庆和福到，对美好生活的憧憬和向往，这种憧憬和向往在艺术设计中也常常用到。
（3）传统民间艺术可以扩展艺术设计的空间：在一般人对传统民间艺术的看法就是比较过时的、落后的、怀旧的东西，其实这些看法是不全面的，因为传统民间艺术并不是固有的传统形式一成不变，他可以与现代艺术设计更好的融合，因为他是现代艺术设计精神和创造力的源泉。我们只有发挥传统民间艺术的精髓，加以创造将他与现代艺术设计完美的融合，进一步的挖掘传统民间艺术对现代艺术设计有用的一方面，全面扩展现代艺术设计的空间领域，才能达到传统民间艺术传承发展。
四、在目前这个大环境下，如何在高校艺术教育中开展传统文化，让传统民间艺术走进高校？中华传统文化是中华民族在五千年历史长河中形成的物质文明和精神文明的总和。对于中国本土艺术设计者来，如果没有传统文化的储备和底蕴，其创作就会缺乏民族神韵。高校艺术设计专业培养的是未来的艺术设计人才，必须具有深厚的传统文化底蕴。在教学中，合理设置传统文化课程的教学内容，科学安排教学实践手段，能够有效提升受教育者的传统文化内涵。
（1）首先在高校的艺术展厅定期开办具有河北传统文化特色的艺术展，例如蔚县的剪纸、无极的剪纸以及丰宁满族剪纸，不同剪纸的风格、形式展现给学生，让学生通过所见所分析对河北的民间艺术有深入认知。再有就是在高校成立传统民间艺术学生社团，结合民间艺术的特色及相应民间艺术手工制作，体现传统文化的民族心理，增强学生对民间艺术的兴趣，使得更多的人喜欢民间艺术，传承河北民间艺术。
（2）在我省高校艺术教育的人才培养课程体系中加入河北民间艺术课程，例如：唐山皮影艺术被称为“通俗的人文历史讲义”，具有塑造人生观及安身立命之意义；武强年画传承着历史人文的理念，营建着人们的道德信仰，在情感的抒发和传播中构建和美的社会；曲阳石雕艺术的人文理念涵纳与石雕艺术的文化阐释中，如此等等把这些人文理念添加到艺术教育的教学第二学期课程体系中，也就是大一的第二学期开设。
（3）邀请非物质文化遗产的传承人进校园举办讲座或技艺展演，有组织的举办相关的传统文化知识讲座，专题设计沙龙，扩展学生的知识面，激发学生学习传统文化的积极性，正确认识传统文化民间艺术形式。使学生在设计作品中可以借鉴或吸收传统文化的精华进行再创造，创作出既体现东方特色又符合现代审美的设计作品。再有就是在高校设置介绍传统文化艺术的网页网站，开阔学生获取传统文化的渠道，使学生从多方面接触和感受民间艺术的存在。
综合起来看，河北传统民间艺术如何在裂变中传承下去是最大的问题，而“民间艺术回民间”是重点。将传统文化融入到高校艺术设计教学中，完善教育教学体系，树立起传统文化在高校艺术设计教育中的地位，大学生作为祖国的高级文化分子，具有良好的素质和爱国挚情，在传承中国传统民间艺术的过程中肩负重任，让学生更多的接触中国本民族的文化，提高和强化学生的民族意识，建立民族的自信心，创造出富有东方韵味的设计作品，真正实现高校艺术设计教育的最终目标。而河北的高校艺术教育就是为建设这个民间艺术传承发展平台提供可能。
【参考文献】
[1] 马春香.河北人文精神的内涵及其在文化大省建设中的价值与作用[J].河北学刊，2006.
艺术教育民间艺术 篇4
一、我国民间艺术的现状表现
众所周知,民间艺术是艺术文化的一个重要组成部分, 民间艺术的兴衰很大程度上影响着艺术文化的活力,而与 “韩剧”热潮、“韩流”文化形成强烈反差的是我国的民间艺术出现了不容忽视的衰落现象:首先,艺术团队经营管理乏术,年复累积让维系运作变得举步维艰。其次,部分民间艺术门类的市场潜在价值一定程度上影响着民间艺术的发展不平衡,部分已显绝迹。再次,民间艺术队伍整体素质不高:1. 民间艺术从事者大多为老年艺人,而老一辈艺人由于年龄、精力和认知水平等多方面的局限缺乏剔旧创新的动力;2. 民间艺术队伍在市场不景气的环境下有的建设混乱、 管理疏漏,部分艺术表演内容浅显,更有甚者语言粗陋、演绎水平低下。
二、我国民间艺术衰落的原因
(一)民间艺术的流失
我国在数千年的历史进程中形成了许多叹为观止的民间艺术,如民间美术的“剪纸王”“泥人张”“毛猴孙”“面人汤”等。然而诸如此类的许多民间艺术都由于保护不力或传承乏术而流失严重,且民间艺术的艺人大多是老一辈,随着老一辈艺人的逐渐减少就会出现人亡艺绝的现象。
(二)认识的不明确性
1. 管理者的不重视。相关管理部门对于民间艺术的保护和传承都只停留在“纸上谈兵”的状态,缺乏管理的大力投入和研究的持续关注。
2. 年轻人的认识模糊。现如今的年轻人可接触的文化和艺术门类越来越多,而对我国的民间艺术却只停留在打耍卖艺上面,没有正视民间艺术的地位、作用,这种认识上的模糊与片面客观上导致了民间艺术人才流失和断层,也加速了我国民间艺术的衰落。
(三)大众媒体的导向
大众媒体是以最大的目标受众群体为追求的,这个“法则”多少会使文学艺术家感到悲哀,也必然使传统民间艺术的部分种类因无法适应观众市场而失去吸引力。大众传媒接受并迎合市场的引导,鼓动和宣传受众面最广的文化来源和表现形式,韩剧的渗入便是这种舆论导向的典型反映,而传播滞后的部分民间艺术门类因缺乏此种市场号召力而逐渐走向衰落。
三、从艺术教育途径对民间艺术保护的思考
艺术教育是以艺术为媒介、以教育为手段,旨在培养人的艺术能力和艺术境界的教育活动,其根本目标是培养全面发展的人。艺术教育不仅可以丰富人的想象力、提高人的艺术修养,同时还发展了人的感知力和理解力,更可以对我国民间艺术的发展产生深远影响。
(一)加强管理者的重视程度
艺术教育在民间艺术传承发展和人才培养方面起着重要的作用。艺术教育可以开发受教者的智力及创造力,陶冶其审美情操,因此加强对艺术教育的重视程度尤为重要。 譬如提升艺术教育在教学活动中的比重、增加艺术教学课时量、扩大艺术教学科目的门类等,利用民间艺术丰富的种类扩充艺术教育教学活动中的审美鉴赏,将艺术教育与民间艺术结合起来。
(二)培养青年人的正确认识
艺术教育作为美育的重要手段,不仅能培养青年人的审美情感和审美创造力,更能在纷繁复杂的多元文化中理性判断自己的审美选择。通过学习和实践民间艺术活动,深入其中认识与了解民间艺术对我国艺术文化发展的推动作用,转变青年人对民间艺术“过时、落后”的错误观念,以教育促认识,让民间艺术的魅力深入其心。
(三)努力促进对民艺艺人的塑造
对民间艺术传承者的塑造任重道远,艺术教育的特殊性决定了它既有规范有序的一面,又有自由灵活的一面。规范有序就是在艺术教学中有计划、有目的地传授知识文化,增强受教者的艺术修养。自由灵活则是指在相对轻松活泼的教学氛围中学习参与民间艺术,感受民间艺术的无穷魅力。总而言之,艺术教育对民艺艺人的塑造需要规范与自由、有序与灵活的培养机制。
摘要：近年随着韩剧不断充斥我国影视文坛,出现不少青年的追韩热。针对这种思想现象,本文从艺术教育的角度出发,对我国艺术文化的发展,特别是对我国民间艺术的保护方面作出了一些思考。
汉化艺术浅析艺术论文 篇5
“汉画”指什么?
汉画是中国两汉时期的艺术，其所含盖的内容主要是两部分：绘画(壁画、帛画、漆画、色油画、各种器绘等);画像石、画像砖、画像镜、瓦当等浮雕及其拓片。两汉四百多年，留下了数量极丰的文物。今天存世的(不包括待发现、待发掘的)汉画数量有几百万件，其中画像石有上万块，画像砖有几百万块，壁画墓有几十座，画像镜、瓦当数以万计……。丰富的遗存给今天留下了数量巨大的图像材料，这一宝库是一切研究的坚实基础。
“汉画”在文化上有何意义?
两汉文化有两个与众不同的地方：一是中国本土文化的复苏。这种复苏是经历了秦始皇焚书毁掉了民间的先秦文化，又经历了项羽火烧秦咸阳宫毁掉了皇家收藏的先秦文化后，汉代人集残拾遗，重建了一个先秦文化体系;二是纯洁性。两汉文化是佛教刚传入但还未全面影响中国前的文化，可视为中华固有文化。因此，两汉文化是比较纯净的中国本土文化;是中国本土文化的集之大成者。即是说，两汉文化中所记载的，不仅是汉代的，还有大量的先秦和中华远古的文化。汉画反映的正是中国前期的这段历史;它们的时间跨度从史前至两汉;地域复盖从华夏故土放射到周边四夷、域外各国。
汉画内容庞杂，记录丰富，其中那些神话传说、历史故事、生产活动、仕宦家居、社风民俗等，形象繁多而生动，被今天许多学者视为一部形象的先秦文化和汉代社会的百科全书。作为对中华固有文化的寻根，汉画研究是一种直捷的方式和可靠的形式。正因为如此，汉画不仅吸引了文物考古界、艺术界，也吸引了包括历史、哲学、宗教、民俗、民族、天文、冶金、建筑、酿造、纺织等学科和专业的注意。
“汉画”在艺术创作上有何意义?
汉画的艺术表现，是汉代社会那种开拓性、进取心在艺术上的一种反映，是强盛的汉帝国的丰富文化财产的一部分。汉画艺术不是纤弱的艺术，而是一种深沉雄强，粗犷豪放，充满了力量感和运动感的艺术，其特有的古拙而质朴的美感是其他艺术形式中从未有过的。汉画的神韵和文化内涵，来源于中国传统的艺术文化观念、中华民族特有的哲学观念和审美追求，而最终以充满力度的形式表现出来。在各地汉画中普遍出现的，无论车马出行、动物灵异，或是历史人物、仙人神祗等，体态和运动中形成的动势都表现得淋漓尽致，体现出当时人们高超的艺术表现力和丰富的想象力，至今看来仍有强烈的艺术魅力和生活气息。
在经历了漫长的时间的淘洗之后，汉画的艺术形式仍然呈现出一种强悍的生命活力，感动着我们现代人。汉画中大胆的夸张变形、线面快节奏的转换所形成的强烈视觉冲击力，又充满了现代感。二千年前的汉画与现当代艺术心有灵犀一点通。
什么叫汉画拓片?
拓片是我国特有的艺术工艺“传拓”的作品。“汉画”拓片，是指汉代画像石、画像砖的拓片。这些拓片不是原石刻、原砖塑的机械、刻板的复制品，而是一种艺术的再创作。好的拓片不仅能将雕镌塑作的三维作品忠实地转换成二维图形，而且还能通过传拓中特殊的方法在纸面上形成的某些特殊的肌理或凹凸，使这种二维图形有浓浓的金石韵味。拓片实质上是一种特殊的艺术品。正如所有的艺术品种中有高低优劣之分，拓片也有工拙精粗之分。好的拓片历来被学者和艺术家所看重，并往往成为他们做出一些重要判断的依据或提高艺术表现的借鉴。如鲁迅自1935年开始大量收集南阳汉画像石刻拓片。其中善本甚多。鲁迅通过研究、鉴赏这批拓片得出结论：汉人石刻气魄深沉雄大。国内国外许多著名的学者和艺术家通过研究、鉴赏汉画的拓片善本，也得出与鲁迅同样的结论。 什么叫做汉画像石
当今美术创作中一大流弊，就是空泛化。形式化、程式化、追求小情趣乃至脂粉气。中国当前这些虚张声势和柔弱的创作风气，面对气势逼人、有强烈冲击力的外来艺术形式，很快败下阵来是势所必然。中国的美术事业要发展，要体现中国这个文明大国的.风范，必须克除这些流弊，必须找到一种强有力的艺术表现形式。这使许多人想到了汉画。看汉画，能使人有一种精神的振奋作用和一种对博大精深的中华文化的自豪感。若论什么是具有中国泱泱大国气派的美术作品，汉画可以给出确切的答复。汉画精神对今天画坛上因袭之风有冲击作用;汉画技法对今天画技中的纤弱气有振奋作用。汉画，既古老又现代，即含蓄又张扬。正因为如此，在今天的美术创作或美术设计中，汉画像石的形象，汉画的手法随处可见。
画像石是雕刻着不同画面，用于构筑墓室、石棺、享祠或石阙的建筑石材。根据现有的资料，画像石萌发于西汉昭、宣时期;新莽时期有所发展。东汉时期，画像像石分布地区扩大。形成四个中心区;1山东、苏北、皖北区。2豫南、鄂北区;3陕北、晋西北区;4四川地区。此外，北京、河北、浙江海宁等地亦有零星发现。
南阳地区有东汉早期画像石，以南阳扬官寺和唐河针织厂发现的两座画像石墓为代表。唐河针织厂汉画像石墓，平面呈“回”字形，画像内容颇为丰富，有范睢受袍，晏子见齐景公、二桃杀三士等历史故事，还有伏羲女娲，虎吃女、四神、天象、击剑等画面。雕刻技法主要采用物象外留有粗犷凿纹的浅浮雕，布局简洁疏朗，物象鲜明醒目，具有古朴豪放，深沉雄大的风格特点。
高校民间艺术教育的思考 篇6
关键词：高校；民间艺术；教育
一、民间艺术的教育现状
民间艺术是反映一个地区甚至一个民族的文化特征，是一个民族精神载体的重要体现。长期以来，民间艺术却一直处于自生自灭的状态。在一些人的眼中，民间艺术是“古老”的艺术，是与当前快速发展的社会不相称的，且当代的艺术家们大都喜欢模仿西方艺术，将我们民族的艺术放置一边。在这样的社会发展下，民间艺术的生存空间开始变窄，有的已面临消亡的危机。近几年来，国家开始意识到民间艺术消亡的危机，国务院也开始出台相应的政策来改变目前的现状。随着人们对民间艺术的保护意识的加强，越来越多的人意识到，要想使民间艺术得以长久的发展下去，高校教育的力量是不容忽视的。但是，由于现代教育属于批量生产的类型，而民间艺术的传承采用的是师傅带徒弟或家族延续，传播类型的不同使得发展受到了很大程度的限制。另外，高校教育运用的是西方教育的模式，课程设置方面没有对民间艺术教育给予足够的重视。因此，民间艺术的传承问题，已成为当今教育所面临的一个重大问题。
目前来看，民间艺术的教育开始在小学教育中得到一定程度的重视，并作为特色课程纳入到培养范围中，但大部分的家长都把民间艺术的教育作为一种兴趣的培养，不会将其作为长久的教育方向。而中学阶段，在高考的压力之下，对艺术教育的重视也只是高考的内容。大学作为传承民间艺术的最佳摇篮，教育情况依旧不容乐观。首先，高校教育不论是教学体系还是课程内容方面，都属于规范性的教学，即使是不同层次、不同地区，教学模块都是基本相同的。而民间艺术的地域性特征非常明显，无法适应现有的单一的教学模式。其次，高校艺术教育的主要形式是课堂教学，学生获得知识的渠道主要是以教师授课，而民间艺术这种从生活中获得艺术创造的形式是与当前的教育无法匹配的。第三，民间艺术作品是艺术家灵感的结晶，是艺术家对生活的体验，而高校学生普遍的作业模仿与抄袭现象，如何能够掌握民间艺术的精髓。
二、高校民间艺术教育的途径
我国的民间艺术门类众多，要想使民间艺术彻底融入到高校教育当中去，就不能只在表面作文章，不能觉得学生学到一两样技巧就算是得到了艺术的精髓，而是要在艺术的修养上让学生懂的如何运用民间艺术来进行创新。这才是高校开展民间艺术教育的真谛，课程设置与教学策略也要始终围绕它来展开。
第一，当今的大学生普遍存在着对传统文化知识的缺乏，对民间艺术的起源、发展沿革和门类等知识的补充是学生了解民间艺术的第一步，也是关键的一步。民间艺术往往再现了地方传统文化的精神内涵，只有先对民间艺术有一个大致的了解，才能透过艺术表象了解到文化的本质。从而激发学生对传统艺术的认同，承担起保护民间艺术的责任。
第二，在传授民间艺术基础知识的过程中，会有一些同学在长时间的知识了解过程中产生乏味感，严重的情况会导致失去学习兴趣。为了避免此种情况的出现，这就要求我们的老师在教授时把知识转化成案例出现在课堂上，让学生在听故事的过程中掌握民间艺术知识，并鼓励学生亲自动手制作，诱发学生学习的主动性。
第三，针对民间艺术持续性的特点，高校应在公共课程的基础上设立选修课程，或成立民间艺术展览馆，招聘一批专修民间艺术的师资，为高校民间艺术教育提供相应的学习氛围。同时，还要开展多种多样的校园民间艺术活动，吸引社会各界民间艺术的研究者、爱好者来交流学习。高校还可以邀请不同地区的民间艺人来进行授课，使学生可以直面交流，亲身感受传统艺术，从而提高学习兴趣。
第四，注重民间艺术的创作课程，定期举办校园民间艺术作品展，在丰富校园文化的同时又给学生提供了很好的创作交流平台，使学生能够深刻体会到民间艺术的魅力。同时，学生在创作的过程中，会主动搜集与翻阅大量的关于民间艺术的资料，这种主动的对于知识的探索，不但能够提升对于知识的积累，而且有利于学生熟记艺术的发展脉络。另外，高校可以自行组织学生参加本地区的民族传统节日，这是学习民间艺术的最佳时机，写生可将学到的知识运用到自己的创作当中，为艺术创作贡献自己的力量。
三、高校民间艺术教育的意义
（一）丰富高校教学领域
我国的高校教育存在着一个普遍的规律，即艺术教学缺乏个性，因此，民间艺术的融入就显得尤其重要。但对于种类众多的民间艺术，全部加入到教学内容当中去也是不现实的，学生在四年的时间中是无法承担如此重的学习任务的。这就要求高校可以根据民间艺术的地域性或高校自身特点有目的地选择艺术形式，取民间艺术之精华，实现与高校课程的对接，从而达到丰富教学内容，实现高校特色化课程，增强学生在社会中的竞争力。
（二）实现高校文化传承的作用
文化的传承主要依靠高校教育的力量，将民间艺术融合到高校教育中去，可以加强学生对于民间艺术的保护以及民族文化的传承意识。且学生在自身的创作中加入民间艺术的元素，能为传统民间艺术的交流与发展提供平台，起到培养民间艺术的创造者以及传播者。
高校是培养社会人才的重要途径，年轻的一代在经济快速发展的今天，早已丢弃传承“古老”民族艺术的使命，而民族艺术也在被遗弃的过程中正在慢慢消亡。将民族艺术融入到高校教育中，既有利于引起高层次社会人才的重视，又能实现高校对于文化的传承，并能为民族文化的复兴和发展民间文化产业带来新的力量。
（三）促进中国当代艺术的发展
民间艺术体现了一个地区和民族的文化特色，是传统文化的一个积淀的过程，与现代艺术的碰撞中需要不断的创新。将民间艺术与现代教育相融合，可以丰富现代艺术的创作思维模式，扩展艺术情感在创作中的深度。另外，通过对民间艺术造型特征、色彩表现、创作思维的了解，可以在自己的创作中加入这些元素，以达到新的创作形式的出现，从而起到促进中国当代艺术往更合理、更广阔的方向发展。
四、结语
高校是保护和传承民间艺术的重要渠道，将民族艺术的精华列入教学内容中，既能成为高校教育的特色，又能实现学生的全面发展，为培养社会急需人才做贡献。同时，厚重的文化积淀是支撑现代艺术发展的前提，只有在高校教育中融入民间艺术，才能使学生真正领悟到我国文化的精髓，进而使民间艺术得以长久发展。
【参考文献】
[1]高颖编.中国民间文化艺术元素融入当代高校艺术设计教育的思考[J].装饰，2010（11）.
[2]唐家路.民间艺术与素质教育随想[J].设计艺术，2000（3）.
艺术教育民间艺术 篇7
1 巩义地区地方文化艺术发展现状分析
巩义地方文化资源深厚丰富,如:河洛文化、唐三彩文化、豫商文化、红色文化、民俗文化、节庆文化等都散发着浓厚的地方文化气息。这些丰富的文化资源不仅是巩义现代艺术的母体,对于河南财经政法大学成功学院这所巩义唯一的一个地方高校来说,更是宝贵的艺术教育资源。但是随着巩义经济的发展和现代文明的带来,巩义地方文化艺术资源正在逐步消失、减退,很多优秀的地方民间文化艺术作品如今只能作为一种艺术形式存在于巩义博物和旅游景点中去了,已经失去了当初为民间所用的实际意义。目前,将巩义在地方文化艺术发展中存在的问题分析如下:
首先,随着城市规模的扩大,很多优秀文化遗产都被进行了新的开发,传统的地方也都被新科技、新材料、新工艺所替代。然而这些被再次开发的新的文化艺术作品由于创新程度不够,大众审美观与价值观却在不断的更新提高,这样就难以引起现代人的共鸣。这就导致了大量的优秀传统文化遗产失去了赖以生存和发展的根基,正逐步走向消亡。
其次,古都文明对巩义文化有较大的辐射和传递,而巩义却没有及时的利用好这个资源。巩义周边古都较多,东有古都开封,西有古都洛阳,北有安阳,加之河南省会郑州的崛起,都为巩义带来了较强的文化传递和辐射,文化交流日益活跃。而巩义自身文化艺术产品市场化程度低,品牌意识淡薄而导致竞争力低,并没有把自己的文化艺术产品通过这些古都辐射和传递出去。
2 巩义地方高校艺术教育现状分析
进入新世纪,我国高等教育得到了跨越式发展,国内各院校大都开设有艺术设计专业。而作为巩义地区唯一一所地方院校的成功学院来说,但由于成功学院刚建校不久,艺术设计专业更是一个比较年轻的院系,在进行艺术教育过程中还存在一些问题:课程体系中艺术门类的布局不合理和师资队伍太过年轻化、掌握民间艺术项目的师资力量薄弱。
3 对巩义地方文化艺术纳入巩义地方高校艺术教育采取的具体措施
首先可以在课程体系设置布局不合理的基础上,重新构建具有时代精神与地方特色的课程体系。
另外还应及时的更新我们现在单一陈旧的教学方法,教学上采取一些新的教学方法:比如说多购买一些民间艺术的教材;可以请一些巩义当地的一些民间艺人进课堂,充实师资力量;多引进一些民间艺术作品。另外也可以让多给我们学生一写外出考察的机会,比如说环境艺术专业的同学可以到巩义当地的康百万庄园进行考察,同学们也可以在这里感受到与之紧密相连的河洛文化、家族文化与豫(下转第139页)(上接第128页)商文化;也可以让装潢和动画的同学到巩义当地的石窟寺进行考察,巩义石窟寺至今已有1500多年的历史,具有极高的科研、历史、艺术价值,对中原、西北甚至日本的雕刻艺术都产生了深远影响。
4 结束语
高等艺术院校是为未来培养艺术人才的基地,也是传承和发展我国宝贵文化艺术资源的重要渠道。而成功学院又处在地方文化资源深厚的巩义地区,应充分重视巩义地方艺术文化资源的开发和利用,也充分发挥艺术设计专业的力量,来促进当地艺术产业发展,为地方经济建设服务;进一步的促进当地市民艺术素质的提升,为建设河南文化强省,构建和谐社会服务。
摘要：中华民族优秀文化是由资源丰富的民间艺术构建而成,然而现在一些宝贵的民间艺术资源由于没有得到很好的保护和传承,正在逐步流失消亡。本文试探讨如何把本土地方文化资源纳入地方高等院校艺术设计专业课程教学体系为论点,并以巩义本土民间美术资源、根祖文化资源为研究对象、作为巩义地方性院校的成功学院为实例,提出了应积极发挥地方高等院校在保护和传承地方文化特色方面的作用。
关键词：地方民间艺术,当地高校艺术设计教育,资源融合
参考文献
[1]邹建利.地方高校艺术人才培养和当地民间艺术资源整合的研究与实践.教学改革项目,2009.
[2]关金国.民间艺术的创新与发展——人才培养模式探讨.大舞台,2010(10).
浅谈艺术与艺术教育 篇8
关键词：艺术,美,情感,艺术教育
当我们在欣赏一件作品特别是欣赏到好的艺术作品的时候, 总会听到有人感慨地说, “这才叫艺术”。当问起什么是艺术时, 很多人都会如数家珍般的例数断臂维纳斯、《蒙娜丽莎》、敦煌壁画等等众多大家熟知的艺术作品。但是, 我们继续追问它们为什么称之为艺术, 如何来界定艺术的标准时我们似乎又变得茫然起来。艺术究竟是什么?“模仿说”、“载道说”、“再现说”、“表现说”、“创造有意味的形式说”前人已经给出了各种各样的回答, 沿着他们的思路, 我们仍可以继续回答下去。在前人已经提出的所有解释中, 任何一种解释都有道理, 但又似乎都不够完整, 我们即使将所有的解释加在一起也还无法准确说明什么是艺术。可有一点是可以肯定地就是艺术产生的目的是什么, 那就是美, “艺术是审美活动展开的领域”。一切的艺术活动都应该是围绕着美产生的。
“艺术不是对生活和自然的简单摹写, 不是对生活的再现, 不是艺术家的主体性所为, 也不是人的想象力所为, 而是人的存在性境域的显现。”从这里我们可以看出艺术并不能简单的概括为一种行为, 它应有着更深层次的内容蕴含其中。
首先, 艺术是一种人的行为, 是人类有意识地根据美的规律创造出来的。任何事物, 它必须能使人感到美才可能成为艺术。这是最基本的出发点, 但光有这一点还是不够的, 因为并不是所有美的都是艺术。像傍晚天边出现的火烧云、春季绚烂的花海、海滩上色彩斑斓的贝壳……都是美的, 为什么我们不把它们都称之为艺术呢?当“山顶洞人”把各种贝壳钻出小孔用绳子穿起来挂在脖子上时我们把它称之为艺术, 当艺术家把美丽的火烧云完美的表现在画布上时我们称之为艺术。都是同一事物, 同样都是美, 可两者却有着本质的区别。前者只是自然现象而后者是人类的再创造。断臂维纳斯、《蒙娜丽莎》、敦煌壁画等等这些艺术作品都是人类通过一定有意识的劳动实践, 对现实材料进行一定有意识的提炼和加工, 使之成为自己情感和生命力的一个表现。
其次, 艺术是人类创造的表达一定情感的精神产品。人类的生命现象之所以是一切生命现象中最复杂、最高级的现象, 是因为他们创造了语言并借助语言发展了抽象推理的能力。人类的生命活动包括了思想的过程, 而艺术的任务恰恰就在于捕捉和表现人类的思想。我们也可以把它称之为情感的表现, 所谓“情感”, 往往指喜、怒、哀、乐等少数比较集中和突出, 可以用语言符号纳入固定概念的心理过程。而艺术中所要表现的情感概念, 内涵要丰富得多、外延要广阔得多。它包括一切确实存在而又无法通过语言符号来表现的, 包括一切我们直接感受到的“只可意会, 不可言传”的东西;包括那些骚动不安、时隐时显、时快时慢、似乎留下什么却又使我们惘然若失的东西。如此种种就构成了人类丰富的内心世界。而艺术的表现和传达也为语言做了一个很好的补充。当我们听到一段欢快的音乐时, 我们顿时会觉得心情舒畅, 而当我们看了一部悲剧电影时也会不禁落泪。这就是艺术所表现的情感和欣赏者的情感产生共鸣的表现。
最后, 艺术还是人类真实情感的表现性形式。艺术是情感的表现, 但并非所有情感的表现都是艺术。情感的表现可以是嚎啕大哭, 可以是开怀大笑, 可以是双眉紧锁, 也可以是手舞足蹈, 但这些都不是艺术。艺术作为表达一定情感的精神产品除了是情感的表现以外还应是一种有意识的创造活动。这种有意识的创造活动就在于创造出能表达个人情感并与别人在情感上能产生共鸣表现性形式, 这是艺术创作的目的也是人类一种本能的精神需求。要创造这样的形式并引起别人同样的情感, 艺术家必须经过有意识的和艰苦的努力才能完成。也就是说只有是自己深切体验到的真实情感通过有意识的创造把它表现出来才有可能引起别人的“同感”, “没有实践就没有发言权”。就好比是让一个从未接触过藏族文化的外国画家和一个藏族的本土画家同时创作一幅以藏民生活为题材的画一样, 刨除他们之间绘画技巧的差异他们创作的“艺术”的最大的差异就在于其中所蕴含的情感的不同。所以说艺术必须是人类真实情感的表现性形式。
当对艺术有了充分的了解之后, 我们应如何进行艺术教育呢?
艺术教育是艺术学和教育学相结合的一门学科, 教育的媒介是艺术, 因此在进行艺术教育的过程中, 应抓住艺术的特点, 从以下几个方面来进行教育。
首先, 由于“艺术品是艺术的承载者”, 艺术品就成为了我们在艺术教育过程中最好、最直接的媒介。我们可以从众多优秀的艺术品入手, 通过对艺术品细致的分析, 例如从艺术品所选择的材料、表现的手法、表现的对象、运用的技法等等方面来进行分析, 帮助学生了解艺术品中所蕴含的艺术内容。以在河北景县出土的北齐时期的青瓷仰覆莲花尊为例, 整个器物高达60厘米, 用了堆塑、贴塑、雕刻等多种手法, 整个器物以器腹为中心, 下部装饰以向上的莲花瓣三层, 上部装饰以向下的莲花瓣三层, 层层相接, 尊底也有莲花瓣形, 共7层, 每层的莲花瓣造型都各不相同。由此我们可以通过上述分析让学生了解到在陶瓷工艺中丰富的艺术表现手法, 并通过上述艺术表现形式展现出器物的典雅、秀美、高贵的气质。
其次, 由于艺术是人类创造的表达一定情感的精神产品, 要进一步了解这种情感的存在, 除了要对艺术品进行分析以外, 还要对创造这一精神产品的人———艺术家进行了解和分析。虽然艺术家不是艺术创作的主体, 但他却是艺术与艺术品之间联系的纽带, 要对艺术品进行更深入的分析就不得不考虑艺术家的思想, 以及他所处的时代背景等等。只有这样才更容易使我们理解艺术品所要传达的信息并与之产生共鸣。以北魏时期的山西大同云冈石窟为例, 石窟佛像都是形体高大、面相方园丰满、隆鼻薄唇、眼大眉长, 与我们熟知的隋唐时期的佛像有所不同, 我们在对这些艺术品进行分析时就应结合北魏时期的时代背景, 让学生了解当时佛教盛行, 与国外的交往不断增多, 印度僧人和西域工匠来到中国, 艺术风格上也受到了希腊、波斯艺术风格的影响这一背景, 从而对这一时期的佛雕艺术品有更深刻、清晰的认识。
最后, 在艺术教育过程中还有一个环节是不可忽视的, 那就是艺术创造的过程。这是一个情感积累、艺术积淀的过程。古今中外的艺术家在从事艺术创作的过程中, 都不乏其例, 他们虽然自以为对创作对象已十分熟悉了, 对其也倾注了大量的情感, 似乎艺术作品已成竹在胸、唾手可得了, 可当他们在进行创作时, 却似乎感到创作对象离自己愈来愈远了, 形象更陌生了, 他们越来越不满意于自己的艺术创作了。艺术家并不缺乏娴熟的技巧, 问题在于艺术创作者其实一开始对艺术创作对象的了解是肤浅的、表面的, 情感是缺乏纯粹的、不够深刻的。艺术创作者往往在这一创作过程中, 还需沉入生活, 进入到创作对象的情感世界中去, 这一创作过程是一个艰难磨砺的过程。只有当他们对艺术创作对象从表面到内质有了越来越深刻的了解, 他们对艺术品越来越能融注真挚、深刻的情感, 并使自己完全投入其中, 乃至融为一体时, 真正优秀的艺术品也就越来越走近他们了。我们在对优秀的艺术品进行解读或从事艺术品鉴赏教育时, 就应将这一艺术创作的情感积累升华, 艺术厚积薄发的过程向他们清楚地表述和传达, 让他们懂得一个道理:任何一件成功的艺术品, 绝非艺术创作者心血来潮、灵感一动的结果。这里我们要十分重视体验艺术创作者的艰辛的艺术创作过程。只有通过对这一过程的了解才有助于我们对优秀艺术品的深刻理解, 并激发我们的情感、想象力和创造力。例如法国浪漫主义绘画最杰出的代表之一欧仁·德拉柯罗瓦屈从于1830年法国七月革命事件的《自由引导着人民》的创作过程, 就始于画家在七月革命事件发生的时日, 曾目击巴黎市民为推翻查理十世这个第二次复辟的波旁王朝, 与保皇军队展开白刃战的悲壮激烈的战斗景象, 而画中所展示的这幕硝烟弥漫的巷战场面, 竟是他在自己上百幅“七月革命”街垒战的草图的基础上定稿的。画家最终选择了一个优美的自由女神形象作为全画的主人公, 将她置于全画的中心和观众注目的焦点的位置, 从而将画家个人追求个性解放与社会革命向往的自由、平等融为一体。这一主题的完美体现是画家情感积累、艺术积淀过程的生动证明。
艺术教育与我们对于艺术的理解是密不可分的, 对于艺术的内涵认识越全面, 那么对于进行艺术教育的思路也就越清晰;同样, 在不断的艺术教育实践中也在不断丰富和完善对艺术的认识和理解。
艺术教育民间艺术 篇9
我特别感动的是冯真同志到全国各地调查学习民间美术, 搜集了这么多的民间艺术品, 精心保存, 向大家展示。这表现了一种非常可贵的精神——向民众学习、热爱人民、热爱民间艺术的精神和情感。这是在努力追求人类最先进的艺术——大众的、民族的、科学的、社会主义的艺术, 这也是人类最美好的、理想化的艺术。
这里存在着一些不同的、甚至对立的认识。
有些人认为西方先锋艺术才是最先进的, 而民间艺术则是非常落后的了。所以他们眼睛向西、向上, 而不是向东、向下。他们看不起中国的民间艺术, 看不起革命艺术。这是一个大方向的问题。
其实, 民间艺术才是人类艺术的根基。它几千年来, 传承了民族的精神, 最有民族特色, 是最广大的人民大众欣赏的艺术, 可以说是最伟大的艺术。
比如, 龙的形象已经有了8000年的历史, 这是一种特别的图腾——集合图腾, 它的产生表现了和合、团结、多元一体的伟大思想。别的图腾大都是单一的, 在兼并的过程中, 一个氏族或部族, 消灭了另一个氏族, 连它的图腾也一起消灭了, 所以剩下的还是一个图腾;可是我们龙的传人、炎黄子孙, 却不是这样, 我们祖先在兼并了一个氏族之后, 把它的图腾的一部分加在了自己的图腾上面, 原来是蛇图腾, 兼并了牛图腾, 就把牛角加在蛇头上。蛇的头上长了角, 这就是甲骨文的“龙”字。后来, 又加上了其他许多图腾的形象, 最后成为现在这样龙的形象。这是团结、和合的象征, 是一种极其伟大的思想和精神。它是我们几千年来之所以能够保持一个统一的伟大国家的主要精神支柱。
冯真教授在开幕式上致辞
英国最著名的历史学家汤因比说, 未来的世界一体化, 靠西方文化是不行的。西方的进化论——弱肉强食、斗争哲学, 靠战争是不能统一世界的。只有靠东方文化, 特别是中国文化为主导才行。他说, 几千年来, 中国人成功地把几亿人团结在一个共同体之中, 他们有团结统一的无与伦比的经验。——这就是我们中国文化的优越性——和合精神、龙的精神, 在民间文化中有许多表现。
此外, 民间文化还表现了天人合一的思想, 对各种动物、植物的热爱, 对老天爷——大自然的信仰, 对风调雨顺、人财两旺的向往和祈求, 这些都是天人合一的表现。
民间艺术从内容到形式的朴素美、感情的纯真与深厚, 都说明这是最民族化、大众化的艺术。托尔斯泰的《艺术论》认为“民间艺术是人类最高级的艺术”。民间艺术是人类艺术的根基, 所以一切伟大的艺术家都是虚心地、认真地向民间艺术学习的。也可以说, 学习民间艺术是成就伟大艺术的基础和必要条件。这是一个客观的、永恒的艺术规律——雅俗结合律。其内涵主要表现在:
1.民间艺术是一切艺术最古老的祖先, 人类的文艺起源于民间。
2.一切主要的艺术形式都是首先由民间艺术中创造出来的。
3.民间文艺的优秀作品是作家学习的典范, 如荷马史诗、《诗经·国风》、敦煌等石窟艺术等等, 都是如此。
4.一切伟大的、卓有成就的艺术家, 都是虚心向民间艺术学习的。屈原、李白、杜甫、关汉卿、施耐庵、曹雪芹、鲁迅、莎士比亚、但丁、歌德、普希金、托尔斯泰、高尔基、马尔克斯等等大作家, 古希腊的雕刻家菲迪阿斯、意大利的许多最杰出的艺术大师如米开朗基罗、中国古代的画圣吴道子等等, 他们都出身下层, 往往自己就是民间的艺人。毕加索说他的艺术创新, 受影响最大的就是非洲木雕和中国剪纸。而先锋艺术家马蒂斯, 自己就创作过剪纸。徐悲鸿、齐白石、黄胄、李琦等等最有特色的杰出的伟大艺术家, 都是热爱人民、热爱民间艺术的 (参见光明日报1987年12月15日《文艺上的雅俗结合律》, 又见于段宝林主编《中国民间文艺学·导论》, 北京:文化艺术出版社1987、2007) 。
所以, 我以为, 民间艺术是一切文艺学徒——一切文艺院校的学生、研究生, 都应该学习的必修课、基础课。为此, 我主编了一本《中国民间文艺学》, 作为“民间文艺学”课的教材, 由文化部的文化艺术出版社出版, 包括民间文艺的基本理论、历史、民俗和代表作品的分析。“民间美术”一章是中国艺术研究院王树村教授在到澳大利亚访问之前, 紧急赶写出来的。可见他是多么的重视!吴晓邦先生指导胡克、谭美莲、侯晓枫等同志写了“民间舞蹈”一章, 中国音乐集成总编辑部的耿生廉教授负责“民间音乐”一章的编写。他们都是权威人士, 非常认真地用许多具体的典型例证来说明理论问题, 深入浅出, 引人入胜。美国俄亥俄州立大学中文系的马克·本德尔教授在日本的英文学术刊物上曾著文推荐《中国民间文艺学》, 可是, 这样一部古今中外少有的民间文艺教材, 似乎许多人还不知道。这是匪夷所思的。
20世纪80年代中央美术学院创办了年画和连环画系, 后来改为民间美术系, 这也是一个伟大的创举。当时, 江丰、张仃、古元、彦涵、李琦、冯真、杨先让、靳之麟等同志也是非常重视民间文艺的。中央美术学院院长吴作人教授当时还特别强调说:“每个民族都有它自己的特点, 我不同意中国文化西来说的论点。中国的民间艺术大有研究学习的必要!”
说得多好!“中国的民间艺术大有研究学习的必要!”可是, “莫名其妙的蒙昧力量”在美术学院, 仍然有着非常巨大的影响。他们是看不起民间艺术的!
北大有一句名言:“轻视民间文艺是由于无知!”由于我们的民间艺术教学不能普及, 许多人没有学过民间艺术, 不懂民间艺术, 从而就看不起民间艺术, 看不到民间艺术的极端重要性。于是, 就在教学安排上随意贬低民间艺术, 排斥民间艺术。
结果, 后来民间美术系就改成研究室了。许多民间文艺的课程被取消。民间文艺的教学大大削弱了。
其实, 民间美术的研究学习, 不但不应该削弱, 反而是应该大大加强的!每一个美术家都应该好好学习民间艺术, 这是人类的文化根基, 也是一个伟大的艺术宝库, 是一切文艺创作的基础。为什么常书鸿、张大千在非常艰苦、困难的条件下, 千里迢迢, 跑到敦煌去学习, 坚持了相当长的时间?为什么越是在国外学习过的人, 像蔡元培、徐悲鸿、常书鸿 (留法多年) 、季羡林 (德国学习10年) 、冯真 (苏联学习6年) 等人, 越是重视民间文艺?这是非常值得我们深思的。
黄永玉先生曾说:“民间美术至今给 (莫名其妙的蒙昧力量) 毁蚀得差不多了。”现在, 虽然在进行非物质文化遗产的保护工作, 但是, 在许多地方, 往往表面上轰轰烈烈, 实际上空空洞洞。例如, 人们重视民间艺术常常停留在口头, 民间艺术在大学的课堂上, 在报刊的宣传上, 仍然没有什么地位。轻视是由于无知!这主要是因为各级文化部门、报刊出版部门的干部 (包括领导干部、专业干部) 都缺少民间文艺的基本知识, 他们在学校中没有上过民间文艺学的课程, 以致许多人在非物质文化遗产保护工作中, 好心办了坏事。实在非常无奈。这是需要我们在艺术教育和理论宣传等等方面好好进行实实在在的工作来解决的紧迫问题。
空谈误国, 实干兴邦!我们要真正地落实对非遗——民间文艺的保护, 最重要的事, 就是提高人们对民间文艺的认识。我们一定要用大量的事实和科学的研究, 把那些“蒙昧的力量”——包括小众化、贵族化、全盘西化、反传统、反艺术化等等许多偏见, 从人们的头脑中彻底清除, 这是一个非常必要的, 又是非常艰巨的、神圣的任务。
为此, 我再一次为这次的展览叫好, 这真是天大的好事!为人类的非遗保护做了实实在在的工作!感谢炎黄艺术馆的同志们在这个大热天的辛劳!
我相信, 雅俗结合律是一个永恒的、客观的艺术规律, 人们看清并重视学习民间艺术的春天, 一定会来到。我们新中国的艺术家, 一定能毫无偏见地、全面地继承古今中外的一切优秀艺术成果, 在民族民间文艺的基础上, 创造出人类历史上最伟大的、最美好的艺术作品来!谢谢大家!
艺术教育民间艺术 篇10
一、民间美术的概述
民间美术是由劳动人民创造的纯朴艺术, 是劳动人民自我创造, 自我欣赏、自我使用的实用美术, 它丰富了民间风俗活动, 并且在劳动人民的日常生活中应用、流行, 是劳动人民生活的一种艺术。民间美术反映出了广大劳动人民的实际生活需求, 并且成为了劳动人民表达思想情绪, 美化生活的主要手段。
二、现代艺术设计
现代艺术设计是一个模糊的概念, 涉及到很多方面, 现代艺术设计与艺术创作是不一样的, 艺术创作是艺术家对作品审美理想的实体化, 它可以不去追求物质与功利性, 是艺术和个人审美的表现。而艺术设计则不一样, 艺术设计体现的是艺术性与实用性两者之间共同的, 并且实用性重要于艺术性。现代艺术设计产生于工业生产的背景下, 所以现代艺术设计更加侧重于经济性与科技性, 主要以追求产品的商业价值和利润为目地的, 现代艺术设计可以说是社会历史积淀到一定阶段的产物, 艺术设计与文化两者之间相互影响, 使艺术设计对人类文化做出新的贡献, 并构成文化的一部分。
三、现代艺术设计与民间美术的融合
1. 民间美术是现代艺术设计的根源
民间美术的实质是原始美术的延续与发展, 在这长期的发展中民间美术始终保持着质朴性, 无论社会怎样变迁发展, 民间美术的实用性依然是第一特性, 民间美术的发展与劳动人民的生活作息息息相关、相互追随, 放人们的审美观付诸于民间美术的设计时, 民间美术便和现代艺术设计相融合了。作为劳动人民创造的民间美术来说, 它是一切文学艺术的源头, 所以说人民创造的民间美术是现代艺术设计的源泉, 从艺术形式上民间美术即是流又是源, 所以现代艺术设计要想长远发展只有不断的以民间美术为给养, 发展具有民族化的现代艺术设计。
2. 现代艺术设计与民间美术的共通文化
民间美术的产生与发展中始终贯彻着以人文信仰、人生理想等为主的人文观念, 始终表现出人们对自然、生命和生活的热爱, 对美好生活愿望的祈祷, 均以各种各样的形式反映在民间美术里。而在现实的生活中, 随着科技网络信息技术的发展与普及, 艺术设计在为人们创造丰富的物质产品的同时, 正逐渐背离人文精神的道路, 因此, 现如今的艺术设计应注重艺术和技术的结合, 民间美术的人文价值正是现代艺术设计所缺少的, 所以现代艺术设计应将民族传统性与现代性、精神和物质融合在一起, 发展具有民族与时代性的现代艺术设计。
3. 民间美术拓展了现代艺术设计
民间美术在很多方面对现代艺术设计有所启发, 其中最主要的就是使现代艺术设计更具创造力, 民间美术是广大劳动人民所创造的属于劳动人民自己的美术, 并且作为现代艺术设计的源泉, 比现代艺术设计更具创造力, 例如:民间艺术剪纸, 民间剪纸艺人所剪出的动物, 他们往往都没有真正的见过动物本身, 但他们却能凭借自己的想象力, 结合精巧的裁剪手法精妙的构图方式裁剪出栩栩如生的动物剪纸来, 因此, 民间美术能够通过想象力和创造力, 巧妙的运用艺术言语表达出作者的创造力, 通过对民间美术的学习, 能够培养发现力, 能够以不同于常人的眼光来看待同一件事物, 锻炼人们的领导组织能力。民间美术的这种创造力有助于在现代艺术设计中拓展思维, 使艺术设计能够更深入、广泛、合理。
4. 现代艺术设计借鉴民间美术
现代艺术设计的发展离不开民间美术, 所以, 现代艺术设计在借鉴民间美术的时候应坚持取其精华、弃其糟粕的理念, 不能只是一味的照搬照抄。中国民间美术在现代艺术设计的使用应选择符合现代人审美观的因素, 吸取其中的精华和文化底蕴, 以比来为现代艺术设计所应用。现代艺术设计在借鉴民间美术时不能只注重民间美术的外形与色彩, 应该着重借鉴学习民间美术所透露的中华民族文化。现代艺术设计在创作中也不应只着重于物体的外形特征, 应结合物体所属的时间、年代、地点等外部环境来确定其物体的形态, 将创作对象放在整体的气氛中进行全面深入的考虑, 从而把握整体设计的整体美感。
总结
现如今随着信息科技的发展, 现代艺术设计正在逐渐背离人文主义的道路, 更多的去追求物质经济, 而作为现代艺术设计源头的民间美术, 它是中华民族文化中的一部分, 代表了广大劳动人民智慧的结晶, 民间美术中蕴含者巨大价值的中华文化底蕴, 所以现代艺术设计的发展离不开民间美术, 两者之间应相互融合。现代艺术设计的发展并不意味着是对民间美术的否定, 而民间美术其中蕴含的中华民族文化底蕴也不会随着现代艺术设计的出现发展而消失, 而是两者之间在差异的基础之上相互融合, 产生出具有各民族民间美术和艺术风格的现代艺术设计风格, 从而使民间美术与现代艺术设计共同发展。
参考文献
[1]李立芳.现代艺术设计与民间美术内涵的融合[J].装饰, 2002 (10) .
[2]马小爱.民间美术的构成元素在现代艺术设计中的应用[J].中华少年, 2016 (8) .
[3]秦厚威.传统民间美术与当代设计艺术的融合[J].遵义师范学院学报, 2015 (1) .
比艺术更艺术 篇11
接下来，川保久玲也与LV一起打造了纪念三十周年限量版。2012年，Marc Jacobs再次如星探一样发现了“怪婆婆”草间弥生，波点在一夜之间轰动时尚界。
其实早在1975年，宝马就邀请了亚历山大·考尔德在BMW 3.0CSL起程上绘制作品，爱马仕更是独具慧眼，邀请中国著名艺术家丁乙为其设计了“中国韵律”系列丝巾，作品一经问世，便卷起了收藏热潮……
艺术渐渐开始无处不在，更多人认为，艺术是高端品牌的核心价值更直接的表达方式，关注艺术成为一种时尚的精神生活，每一个奢侈品都在寻找与艺术更为接近的机会，品牌与艺术的关系瞬息间渴求紧密贴近。而比品牌结合艺术更为艺术的方式已经被发现，非凡艺术人物正在搜索……
“2013马爹利非凡艺术人物”年度评选揭晓
2004年夏日，梁家辉低调抵达上海某酒店，似乎在等待一场隆重的盛宴；2005年，同样的夏天，贾樟柯出现在上海新落成的东方艺术中心，目光若有似无地扫在周遭那些与他毫无关系的人们身上；2006年张晓刚出现在中国美术馆，随后几年刘野、曾梵志、周春芽、向京出现在今日美术馆，好像都是无可厚非的事情。然而这都发生在每年的夏初，他们带来的气息让一切变得神秘、高雅，他们在向艺术致敬。
他们是自2004年起，马爹利所评选的非凡艺术人物年度获奖者。
2013年6月15日，一位神秘来宾在今日美术馆驻足。身边陪同的是带着东方面孔的助手，台湾著名时尚专栏作家CK此刻成为这位神秘来宾的翻译。他就是带有传奇色彩的法国摄影师帕特里克·德马舍利耶，妮可·基德曼、麦当娜、张曼玉和杜鹃都是他作品中最美的模特，1989年，帕特里克·德马舍利耶应邀成为英国戴安娜王妃的个人纪录的摄影师。这是具有历史意义的邀请，他成为第一个非英国籍的英国王室的官方摄影师。这一关系直到1997年戴安娜王妃去世才结束。
一位站在帕特里克作品前观展的观众问：“先生，您是为您的展览专门赶来中国的吗？”帕特里克的回答是：“I will come on stage（我会登上舞台）”。
他没有开玩笑，与他一起登上舞台的还有观念艺术家汪建伟、油画家毛焰、摄影家洪浩，他们凭借对艺术的独特领悟与杰出成就摘得本年度“马爹利非凡艺术人物”奖项桂冠。当晚，京城众多艺术界人士齐聚颁奖现场，共同庆贺这一奖项迈入第十个年头。获奖艺术家作品展将于6月16日至6月30日在今日美术馆向公众开放，令广大艺术爱好者近距离感受其佳作的魅力。
独辟蹊径，十年坚守。秉承对艺术世界的长期关注，“马爹利非凡艺术人物”奖项以开放的态度和多元的艺术理念，致力于褒奖中外在视觉艺术领域的杰出艺术家，在艺术界获得了广泛的推崇与认可，成为与当代艺术共同成长的记录者和参与者。2013年马爹利再度甄选出四位具有独立思维与非凡才情的艺术家，他们在各自的艺术领域声望斐然，完美地诠释了马爹利“灵感凝练，独立自创”的品牌精髓。
以少数派视角跨越边界的观念艺术家汪建伟，试图剖析隐藏在当代社会模糊与暧昧不清的现实，以呈现其本质，成为表现生命政治之外的少数派；用技巧承载灵魂之美的油画家毛焰，其肖像作品善于勾勒人的灵魂，加上他对于古典主义的思考，使其美学特性代表了中国写实绘画的新高度；以形式美学独辟蹊径的摄影家洪浩，以冷静地观察透视当下社会的消费欲望和权威意识，成为使用历史文化符号进行反思和警示的潜伏者。以光影捕捉美与优雅之神韵的摄影家帕特里克·德马舍利耶（Patrick Demarchelier），则被称为“女性之美的崇拜者”，他常常捕捉到女性自然流畅的活力美，并善于利用光影变幻将她们独有的优雅特质与美感淋漓展现。四位艺术家的作品包罗万象，创作丰富多元，恰如马爹利精妙而独特的干邑酿制艺术，在技艺传承的同时寻求独具一格。
颁奖盛典当晚，获奖艺术家们不仅与到场来宾分享了他们独具慧眼的创作理念，更阐述了他们对艺术的理解与坚持。马爹利特别将极品干邑尚·马爹利至尊（L’Or de Jean Martell）赠予每位获奖艺术家，以表达对其所取得的杰出艺术成就的推崇与褒奖。
十年磨砺，“马爹利非凡艺术人物”年度奖项褒奖了众多具有非凡才情的中外艺术家，记录了艺术创作对于这个时代的深刻影响。 未来，马爹利将继续践行其对于艺术世界的长久承诺，通过具有持久力的公众艺术项目，为当代艺术的发展不断助力，向世人传递“传世续非凡”的精神。
Art马爹利
年度“马爹利非凡艺术人物”颁奖盛典中，马爹利全球品牌传承总监从来不会缺席现场。从法国飞往中国的途中，他似乎与获奖者同样兴奋，不仅因为他酷爱艺术，也同他认知多年的马爹利艺术文化影响密不可分。当坐下来谈论艺术，他会倒上一杯马爹利蓝带，一边倾听，一边交谈。
nlc202309020439
今年是马爹利非凡艺术人物奖项的第十年，艺术与品牌自身的因子有哪些契合的地方？
对于马爹利来说我们主张在干邑世界里讲求艺术，干邑本身的蒸馏、酝酿和调配是一门艺术，需要耗费大量的人工和精力，以及非常强的技艺才能达成，所以干邑本身也有很多艺术的成分在其中，这就是为什么我们一直强调：其实马爹利的DNA就是艺术。其实以我的身份作为马爹利品牌的全球传承总监，我的主要工作就是来帮助受众更好地了解干邑文化，特别是干邑酿制调配的过程，以及品尝一杯醇美的干邑的要点，如何更好地领会它的花香、果香和余味，总之要引领我们的受众更为艺术地去生活，而与艺术界、艺术家的合作则是一个很好的平台，能够与我们的受众找到很好的契合点。
从非凡艺术人物十年来的评选来看，似乎马爹利都是在支持当代艺术，那么对经典和传统该如何平衡？
首先从我们马爹利的产品线来说，其实我们兼顾了经典和现代，例如，名士贴近年轻的干邑爱好者，更为主张的是轻松、年轻、活泼这样的心态。而蓝带则是更为经典的一款干邑，它主要面向那些更加成熟和成功的商务人士，所以就产品线来说，我们兼顾了经典和现代。从艺术的角度来说，虽然我们的马爹利非凡艺术人物奖主要还是面向当代艺术，但是如果你看看我们得奖的非凡艺术人物的话，很多都是功成名就的艺术家，而且他们的成名和最早的耕耘可能离现在有一个较大的跨度，所以当代艺术的背后也是有较长的制作耕耘和辛劳在背后。
你如何放松自己？
我是一个高球爱好者，过去25年一直拿着高尔夫球杆，但是玩得不精，主要是因为训练的时间不够。读书是我最好的放松方式，我个人以为读书就相当于在美术馆观展一样，因为当你读书或者看着一件艺术品的时候，你自己脑海里也是浮想联翩。
他们与世界
对话艺术家
我关注的是细节
汪建伟：以少数派视角跨越边界的观念艺术家。他试图剖析隐藏在当代社会模糊与暧昧不清的现实，以呈现其本质，成为表现生命政治之外的少数派。汪建伟用大量的时间来思考结构，寻找和制造世界的“不稳定”性，先锋是他的本性，这来自于他对确定世界的警惕，从装置及影像作品《人质》到《凝视》都体现了这种警惕，一脉相承。
哲学是你创作作品时思考的主要内容吗？
一个艺术家把一件作品放在你眼前的时候你会去审视，这会使你脱离你本该对眼前的事物去关注的问题，当这个问号产生的时候你就动用了哲学，这个时候你就会去思考。
你会关注观众的思考与你的思考是否会不谋而合吗？
我前一段时间谈到共同体，有人说共同体有没有门槛，我说有，这个门槛就是共同体所有的人坚持认为每个人都是充满差异的。我们对共同体好像有一个错觉，我们都喜欢白色那不叫共同点，那叫VIP俱乐部，大家有100万就加入VIP了，大家都经过七十年代，你是八十年代，我觉得任何一个年龄相同经历相同地区确定的不叫共同体，这叫利益价值，共同体是必须承认这个世界是充满差异的，所以从这个意义来讲谁可以代表别人说话？所以你热衷于思考创作中的细节？
是的。比如我在伦敦会议上就产生一个缝，一开始我就想把这个缝缩小，结果我用了一个月把它拆了做、拆了做，但是突然有一天我发觉为什么我要填平这个缝呢，我就开始想如果我不拒绝这个缝它会产生什么，我就又重新把我拆过的东西装回来，最后就用缝变成了我的一个出发点。这个东西我搞不清楚，然后我就开始画草图，像搭房子一样，，比如这个地方是块木头，它有多厚，然后你们注意那条白线，那个白线是用三个月画了一条，因为我突然发觉上面缺一个东西，缺什么我不知道，突然用三个月的时间发现缺这个东西。
你思考过艺术与商业的关系吗？比如这次的马爹利和今日美术馆。
我注意到的其实恰恰是“十年”这个概念，大家都知道它的主要功能是对价值的肯定，但是我觉得在文化上面有一个更重要的概念，就是你要坚持你对这种价值的肯定，我觉得这个坚持应该体现在一个持续性上。这种诉求持续性，有一个词现在很好提，就是“忠诚”，其实坚持的意义，在某种情况下就是你的态度，这个态度代表在工作中保持对自己的足够信任。
欲望支配消费
洪浩：以形式美学独辟蹊径的摄影家洪浩，以冷静的观察透视当下社会的消费欲望和权威意识，成为使用历史文化符号进行反思和警示的潜伏者。《我的东西》通过对日常生活用品进行平面并置罗列后进行的实物扫描，呈现了个人生活中的消费物质及自身的生活状态，在对象排列的装置、转换、重复之间找到了一个直接呈现的共有空间，繁复地组合混杂一起。
你为什么选择用扫描仪这种工具来展示自己的作品？
扫描仪跟照相机、绘画包括雕塑的区别，在于媒介本身与物品的距离，绘画是隔空观察，照相机如果没有距离就没法拍。但是扫描仪必须是绝对接触影像才能生成。在我拿着物品放置在扫描仪上时，手与物品的接触也成为一种认知。
这个认知过程你认为是在记录生活还是创造生活？
这肯定不是创造，如实地把生活，通过一种如实的呈现，像这个按说都是这么大的，这个有点缩小了，所有的作品是原大的。它相对来说是一种把物质的颜色、大小、客观这些基本状态，如实地反映出来。需要体现一种观察、客观性。
你的作品侧重于关注消费品，你关注消费的哪一方面？
实际上我的作品中每一个元素都是我们生活中一个内容，这种内容实际上是消除这个区别。哪些东西和哪些不重要，在社会里，我们形成了社会的价值认定。这种认定本身具有可变性，有很多因素。当我们追求它们的时候，发现很多会引起我们的关注，有很多的问题发生。
你如何看待消费？
nlc202309020439
消费的起因很大一部分是由于欲望，包括使用欲，占有欲，它的欲望是出发点，是消费的出发点。包括这种制造商，刺激你的这种欲望，你没有这种欲望，给你营造出来，这样才是一套社会生活和社会消费的统一。
像马爹利非凡艺术人物这样的颁奖盛典，你认为对品牌及艺术有什么影响？
马爹利这样的活动所针对的社会人群很广泛，通过这种运作方式，跟艺术结合起来传播的优势是更大的。“奖”，更多的是一种对某种价值的认定。把这种价值的体现放大，我觉得这个是很有意义的。这样才会把一些有意义的价值放大，实际上对整体社会的精神，人们追求生活品质，生活品质的提高是一种帮助。
细腻和缓慢是我的生活方式
毛焰：用技巧承载灵魂之美的油画家。其肖像作品善于勾勒人的灵魂，加上他对于古典主义的思考，使其美学特性代表了中国写实绘画的新高度。毛焰本身排斥个性，这种刻意的排斥变成了一种“没有个性的个性”，正如他独特的灰色调和一口气画了12年的托马斯，即使他技术的源头是西方古典主义，他不断接近没有尽头的尽头的行为也渗透着中国哲学之美。
成为明星艺术家，会不会觉得压力很大？
没有，我现在毕竟不是一个年轻人，我今年45岁。所以我觉得不要把这些东西看得这么重，它很重要，它很好，所有的东西都很好，但是没有必要把它看得很重。有些东西不是外界给的，有些东西是自己给的，把自己搞得累那就很麻烦了。外界的东西可以承认、可以接受，但是自己也可以保持不变。
你已经画了12年的托马斯，还会继续画下去吗？
可以一直画下去，当然它也可以随时停止，尤其是那一张，过一段时间你会发现他有什么不对，你想清楚，想透了就会有改变。画到这种程度，就是说画一层好一层，画多少好多少。画到这种程度，就真的是越画越好了，但是你要投入进去。这种感觉是我最喜欢的画，就是完全没有停止。
你的大画创作速度快得惊人，小画却需要好几年，为什么？
这个确实很有意思，小要精致，因为小的这个东西你很容易找，很容易控制它，在你视觉范围内。但是实际上你要深入进去的话它是不被控制的，它是非常细腻、非常缓慢的。所以我觉得简单的来说小的作品是越深入越好。大的作品是往外的，简单来说就是这个意思。所以我喜欢这种感觉，我喜欢这种方式。至少我年轻的时候，喜欢这种反其道而行之的东西。
你认为艺术与商业是交叉的还是平行的？
马爹利非凡艺术人物已经举办了很多届，每年都有很多艺术家获得这个殊荣，这些也都是我喜欢的艺术家。我觉得与品牌合作是一个趋势，而且我觉得通过和这些时尚品牌的合作会让艺术范围可以更广阔一点，不仅限于在艺术的圈子里，对艺术的推广，我觉得还是很必要的。
最美的女人是黛安娜
帕特里克·德马舍利耶：以光影捕捉美与优雅之神韵的摄影家。他被称为“女性之美的崇拜者”，他常常捕捉到女性自然流畅的活力美，并善于利用光影变幻将她们独有的优雅特质与美感淋漓展现。
你发现美的秘诀是什么？
不用去发现的，因为每个人都有这样的美，就是把它捕捉到就好了。
明星与非明星拍摄对象在拍摄过程中有哪些区别？
除了明星更容易在镜头前放松以外，对于我来说是明星也好，不是明星也好，都是普通人，没有什么区别，都是平等的。在你的概念里，美是什么？
如果自己当时做的事情很好就觉得很自信，这时候就表现得很好，特别好看，特别美。如果对自己有各种担心和担心各种事情的时候，那么看的时候就不是那么好看。
到目前为止，你的所有模特中，你觉得最美的女性是谁？
当然是戴安娜王妃。她的个性、美丽，真是让人赞叹。她的突然离世让我感到非常难过，很惋惜。你如何看待艺术与品牌的结合？
大家都知道我与太多品牌合作过，比如LV、Dior、Chanel、Prada、Gucci、娇兰、Ferragamo……用艺术来展现品牌的魅力，这是最有效的营销，无论对品牌还是对艺术。
从生活到艺术的桥——艺术教育 篇12
艺术教育包含音乐教育、美术教育 (也可称作造型艺术教育、视觉艺术教育) 、戏剧教育、舞蹈教育这四大类。艺术教育从属于美育, 在美育中包含着艺术教育, 艺术教育是美育的核心, 是实施美育的重要途径。随着艺术的发展, 艺术门类不断的分化与融合, 影视艺术、媒体艺术等新兴的艺术门类的产生使艺术教育的外延和内涵不断的变化, 但艺术教育中美育的本质不会改变。
从原始社会的岩画、图案、雕刻到今天的多媒体艺术。艺术如同生活本身一样在不断的发展和更新, 它经历了人类发展的每一个时期, 并和生活一样永恒, 审美情感和审美体验是人类自觉的情感需要。但审美情感和审美体验不会自发形成和完善, 这就必须去创设情境, 有目的的培养和引导激发审美情感的产生, 并形成正确、健康的审美观, 这正是我们艺术教育中最重要的目标之一。那么, 审美情感是怎样发生的呢?它们的形成将带给我们什么?
日本著名美学家今道友信称审美情感是日常意识的“垂直切断”。当我们在日常生活中, 突然“一下子注意到那个平常不十分注目的景色时, 在那一瞬间, 我们的意识一下子脱离了日常行动体系, 而集中那一景色……, 这时我们的日常意识被垂直切断了。”
日常意识在哪里中断, 审美情感也就在哪里产生。审美情感, 就是人们欣赏着美的自然、艺术品和其它人类产品时, 所产生出一种愉悦的心理体验。这种心理体验是人的内在心理生活和审美对象之间交流或相互作用后的结果。在艺术教育中审美情感应当贯穿于整个教学活动中, 以课堂教学为例则是应当有目的的建立一种有利于形成“垂直切断”的课堂教学行为和课堂情境, 引发审美情感, 使日常意识在物象或情境的激发下转变和切断, 把“旧知”变为“新视”, “旧知”来自我们日常的意识和经验, “新视”则是我们未曾体验过的。对艺术而言这一转变带来的就是在经验范畴内了解到:“杰出的艺术不等同于照相式的精确”。
在这里取样造型艺术教育 (即美术教育) 来解读。现实状态下的学生审美经验, 一方面:在欣赏作品时主要在“像”与“不像”之间停留。如在比较欣赏荷兰画家卡培尔的写实主义作品《有帆船的海景》和莫奈的印象主义作品《日出·印象》时, 大部分学生偏向于卡培尔的《有帆船的海景》, 原因是因为作品画的“像”、很“逼真”;另一幅“不好看”、“画面太模糊, 没有把物体画清晰”、“线条太乱”, 所以不喜欢。这种现象说明了学生的生活经验占据了大部分思维, 是一种生活化的实际浏览。学生只停留在表面的东西上, 没有深入地去了解画作的本身, 需要教师在欣赏时加以引导。通过教师的引导和讲解, 促使学生从生活经验中的实际浏览向审美经验中的美学浏览转变。
另一方面, 主要表现在对艺术表现的自信度上:美国哈佛大学加德纳则提出了艺术表现“U”型曲线的发展模式。他认为儿童早期的艺术表现在5岁左右处于“U”型的左高峰, 大约在8~11岁之间跌到了“U”型的谷底, 这时如持续于艺术表现方面的努力, 则有可能达到“U”型的右高峰, 成就完整的“U”型发展。但在普适性教育阶段, 往往大部分学生在这一段时期因学业带来的压力等诸多因素, 在这一段时期停止了这些艺术表现的活动或只有少量的时间来进行艺术表现活动, 使他们冲出“U”型的低谷达到右高峰受到阻碍, 停止不前。冲淡了对艺术学习的兴趣以及对艺术表现的自信心, 并影响到自身对审美经验的提升。因此艺术教育的另一作用就在于通过艺术常识、艺术文化、艺术技能的学习, 建立和维护艺术表现的自信心, 完成儿童艺术表现“U”型谷低谷达到右高峰转变。
艺术教育的本质是培养一种自觉的“垂直切断”的意识, 艺术教育的目标从某种意义上说有别于其他学科, 它具有唯一的和不可替代的特性。对艺术教育来说, 应当从学生的生活出发, 寻找学生感兴趣的角度, 让教学行为成为一个从生活到艺术之间的转变渠道。