现代雕塑艺术

现代雕塑艺术（通用12篇）

现代雕塑艺术 篇1

近年来, 随着人们审美进程的不断推进及经济文化全球化的迅速扩散, 怪诞艺术作为一种审美形态广泛的兴起于各类艺术形态中。由于我国对怪诞艺术还缺乏深入的研究, 以及人们对怪诞艺术概念上的模糊与混乱, 因此, 研究怪诞艺术的由来、发展及其审美性, 就成为一种理论与实践呼之欲出的趋势。

一、怪诞艺术的溯源

怪诞艺术最早出现在古罗马时期的装饰绘画图案中, 其中尤显怪诞的是动物与植物、人与怪兽的共生, 而鉴于这些装饰画是在洞穴中被人们发现的, 所以人们就在“grotto” (洞穴) 的基础上创造了一个新的名词“grottesco”来给这种绘画命名, 于是就出现了“怪诞”一词。随着人们对“怪诞”的深入探讨与研究, 最终由维克多·雨果提出了对怪诞艺术的开创性见解, 认为怪诞是一种新型而又独特的艺术审美形态。而较之国外来说, 中国虽不是怪诞艺术的开创者, 但对于怪诞却很早就有所记载。《山海经》中就曾记载过许多怪诞的人怪鸟兽, 可谓是我国艺术史中较早的怪诞形象。

二、怪诞艺术的语义内涵与审美性

“美”是美学中最重要的语词和概念之一。[1]美学对美有两种分类, 除了按存在领域的不同, 将美分为自然美、社会美和艺术美之外, 就是按照形态特征上的差别, 将美分为优美、崇高、悲剧、滑稽和怪诞。[2]而这五者的出场顺序从艺术史来看, 最先出现的往往是优美、崇高、悲剧、滑稽, 最后出现的才是怪诞。辞海中对“怪诞”的解释为“离奇古怪”, “怪”通常指奇异而非同寻常的事物和现象, “诞”则常常被看做是荒唐和不同常规、不合情理, 前者注重的是形式, 后者则注重内容, 两者结合在一起也就构成了“怪诞”这一艺术风格。怪诞作为一种审美形态, 在一定程度上来说, 是将主体的主观感受与客体的审美对象相结合的产物, 它的生成与存在都离不开美感。说到美感, 大家可能都认为“怪诞”艺术也有美感可言吗?其实不然, 怪诞艺术向人们展现的都是陌生、罕见的反常规事物。[3]但那些怪诞的元素并不是直接呈献给大众的, 它必定是经过艺术家的理性思维对其进行选择、组合、改造时候的一种艺术, 一种凝聚了艺术家思想情感的怪诞美艺术, 这种艺术最突出的审美特征就是震撼、神奇、智慧、有趣。因此, 在一定程度上来说, 怪诞艺术也是具有美感的。

三、现代绘画艺术中的怪诞艺术

现如今, 随着艺术与生活的不断融合以及艺术与艺术之间互通性的不断演变, 怪诞艺术也凭借其独特的审美特质渗透到现代绘画艺术中了。绘画艺术是把由它所再现的事物的外观转化为审美主体的内心反应。[4]这种内心反应需要审美主体对客观事物进行一种打散、重组的建构, 而将绘画艺术中最平常的客观事物进行反向创意思维的意向意象建构, 往往就会形成独具风格的怪诞艺术。说到怪诞的绘画艺术就不得不谈到超现实主义绘画, 超现实主义绘画中怪诞艺术的表现尤为显著, 并且它在一定程度上也促进引导了怪诞艺术的发展。超现实主义的任务是充分展示人的梦幻和无意识, 使艺术品具有惊奇性与神奇性令人震撼的艺术魅力, 而要达到这种艺术魅力的惊奇性与神奇性, 就要求创作者把看起来距离最远、最不相关的意象组合起来, 这种距离最远、最不相关的事物的组合也就等同于对怪诞元素的组合建构, 当这种怪诞元素建构在一起后, 其表现的张力就越大, 美感也越强, 带给人的震撼力也就越大。对这种梦和无意识的怪诞艺术表现最为显著的当属达利的《内战的预告》, 该作品将人体的内脏与身体部位错乱的置构在一起, 形成了一种违背现实逻辑和常规思维的怪诞艺术。这种利用反向思维将现实碎片反逻辑、反理性、反常规的组合在一起, 使此作品具有很浓的怪诞氛围, 其怪诞氛围在一定程度上增加了作品的震撼性与趣味性, 也是对创造怪诞艺术思想与思维的极好运用和尝试。

此外, 怪诞的绘画艺术还会让我们不禁想到对艺术近乎疯狂的梵高, 梵高是后印象的代表人物, 也可以说是表现主义的先驱。他注重主观感情和自我感受, 常采用对客观形态的夸张、变形乃至怪诞处理的表现方式来阐释画面。梵高常常以涂抹大面积高亮度、高纯度的黄色, 把大红大绿及互补色放置在一起, 画面极具冲击力与渲染力。他笔下疯狂的花草、树木、靴子以及少了耳朵的自画像, 让人感受到他对于生命、艺术的炽热与狂烈。他用充满激情、燃烧着的线条来表现画面中极具生命力的天空、星云、田野、树木、房屋、人物、花, 在梵高的笔下, 他们奔腾的翻滚着、熊熊的燃烧着, 充满了一种怪诞之美。

结语

怪诞艺术作为一种非同寻常的艺术表达方式, 在一定程度上来说是艺术家对审美对象进行能动的选择、组合、改造之后的一种艺术, 而怪诞艺术与绘画艺术的融合就拓展了人们的艺术审美视野, 向人们展现了反其道而行之的别样绘画艺术。相信随着时代的不断进步以及人们审美进程的不断推进, 关于怪诞艺术与现代绘画艺术的研究必将更加深入透彻。

参考文献

[1]何新.艺术分析与美学思辨[M].时事出版社, 2001.9.

[2]刘法民.怪诞艺术美学[M].北京:人民出版社, 2005.12, P1.

[3]刘法民.怪诞艺术美学[M].北京:人民出版社, 2005.12, P75.

[4]王德峰.艺术哲学[M].上海:复旦大学出版社, 2002.12.

现代雕塑艺术 篇2

关键词：现代艺术;格罗皮乌斯;康定斯基

19世纪末到20世纪初，欧洲的许多国家和地区都出现了一种所谓的工艺美术运动，而这个运动包括了绘画，雕塑，设计，建筑，首饰，服装，瓷器等各个领域无不涉及，可以说是一次艺术全运动，对于艺术史是空前规模的。就在这次艺术运动中，出现很多知名的艺术家，享誉世界。

一、现代艺术的分类

现代设计包括范围很广，大致可以分为：

(1)工业产品设计。包括交通工具，机床，电器，家具，加工技术，新材料的开发，处理。

(2)视觉设计。像标志设计，商品宣传设计，电视电影设计，印刷美术设计等。

(3)环境设计。如室内设计，建筑设计，庭园设计，都市设计等。以上三点的设计是互有关联，互相综合的。现代设计是应用各种工业原料，应用一切科学手段，材料学，人体工程创造和制作能纳入工业生产轨道的美和用的设计。

二、格罗皮乌斯和康定斯基在艺术领域的成就与贡献

在20世纪的德国，出现了著名的包豪斯艺术设计，在其宣言中提出了让纯艺术的艺术家们和普通工匠们联合起来进行艺术创作，而他们结合的新产物就是建筑。确实如此，建筑其实就是造型艺术的衍生品，许多在绘画史上杰出的大艺术家们，都在建筑方面有很深的造诣，把绘画艺术与建筑结合起来，正如米开朗基罗一样。文艺复兴建筑如此辉煌，得益于当时的社会平和。到了20世纪，包豪斯设计艺术的出现，现代艺术从此又达到了新的平台，使艺术领域更加广泛，不再限制人们的原有思想。格罗皮乌斯对包豪斯的设想当中，他的其中一个思想非常的重要，可以说从本质上讲，美术和工艺不分家，只是两种不同的艺术形式，不同的艺术活动。包豪斯艺术没有明确的局限性，从而出现了像康定斯基，克利，穆希这些艺术家。包豪斯艺术大胆创新，思想前卫，对现代艺术产生了极大的影响。

下面说说大艺术家康定斯基，康定斯基在包豪斯艺术教学中对几何形状的精妙运用，极大的影响了包豪斯的设计语言，但他一生的57件艺术作品被德国纳粹没收。康定斯基一生艺术多变，经历了不同时期，每一个时期都有不同的艺术的特色，印象派，野兽派，抽象绘画他都有所了解并且尝试，后来经过多变，从单纯的点线面的模仿尝试到后来的在二维平面上的几何概括图形，他在绘画上的一句名言是：客观物象损毁了我的绘画。如果要进行写实具象描绘，就必然放弃心灵上的自由描绘，由于他生活在包豪斯艺术之下，所以他放弃了写实手法。而蒙德里安，他主要是进行抽象创作。他在画布等二维平面上进行色块，线条的几何图形的组合，从而达到视觉平衡，逐渐确立自己的抽象画风。蒙德里安是抽象集团的中心人物。他的作品常给人一种神秘主义的超越感。蒙德里安的这种独特的画风，对于后来的艺术设计，特别是运用色彩和线条的组合方面，起到了很重要的作用。

进行现代运动的设计师想通过大规模的生产最终得出反对装饰风格的纯几何形式。最鲜明的代表就是包豪斯设计学校。他们致力于从事最新观念和最先进的设计，他们强调一种单一的现代运动的设计方法，即利用现代材料和工业生产技术，以原色红、蓝、黄和圆形以及方形为基础形成纯几何形式。在后来的发展中，现代设计也被称为国际风格。这是因为这一新方向产生的巨大影响而予以的美称。包豪斯设计中确实有很多值得我们国内设计师学习的地方，尤其是艺术家康定斯基的几何抽象绘画作品，比如色彩的运用，线条的位置摆放，线条的粗细对于设计画面的影响，还有颜色面积的大小对于作品平衡起到了什么具体作用，这些看似不是很重要，其实对于好的设计作品确实起到了决定性的作用，而且这些也是现代艺术和艺术设计之间的桥梁。

三、科学技术对艺术设计的影响

科学和艺术就像是亲兄弟一样，他们不可分割，他们相互影响，在一定条件下可以相互转化。在物质文明高度发达的今天，科学技术的快速发展为人们创造更舒适更便利的生活环境.世界似乎每时每刻都在发生着改变，而这些由科学技术的飞速发展而引起的人们行为，观念上的改变，也对传统意义上的艺术(音乐，诗歌，绘画，雕塑，建筑)造成了巨大的冲击.新的科技使得如今的艺术家能够以交快的速度完成一些前辈们所无法完成，甚至不敢想象的大型艺术品，而这些艺术品渐渐脱离了传统艺术的审美标准，变的越来越快速化，机械化，生活在21世纪的我们，要借助当下的一切有利条件，创作出更美好的艺术作品，那将会是人类在艺术领域的新的高度，期待那一天的到来。

参考文献：

[1]张邦兴.中外美术简史[M].北京：中国文联出版社，.

现代雕塑艺术 篇3

2010年对于西方雕塑艺术市场来说是丰收的一年。在雕塑作品拍卖结果TOP10中，有四件作品都是今年上半年拍出的，这四件作品中又有三件是贾柯梅蒂的作品。有数据表明，在过去的五年里，贾柯梅蒂的作品价格上涨了429％，此外，西方雕塑艺术品的整体价格也在过去一年中增长了14％，而绘画艺术的价格仅增长了8％。由此可见，西方雕塑艺术市场在近几年的发展是非常迅速的。

相形之下，中国雕塑艺术品市场显得冷清多了。首先这是和中西方的文化传统差异有关。在中国，雕塑的艺术性在很长一段时间中都只是实用性的附庸，它们被作为礼、祭祀、宗教造像、装饰品等，却不被视为纯艺术：而在西方，雕塑很早就开始作为一个独立的艺术门类，并在艺术史中占据着重要的地位。另一个重要的原因就是中国对于雕塑艺术推广不足。以前中国的雕塑大多是服务于城市建设的，其收藏主体大都是政府和机构，很少会有个人收藏，这使得画廊、拍卖行、艺术批评家等各方面都不太重视雕塑艺术这一板块：但在西方，大型的雕塑展、独立的雕塑画廊，以及火热的雕塑拍卖专场早已屡见不鲜。

现代刻字艺术与构成艺术分析 篇4

现代刻字艺术是一门中国传统艺术, 周身洋溢着古法、古趣。华夏文明历代传承, “书法”一词可追溯千年, “篆刻”更是远在3700多年前的殷商时代, 便开始盛行。书刻艺术是无以争议的中国传统艺术, 充分的体现出我们的民族文化与醉心自然、陶冶性情、返璞归真的民族情怀。

现代刻字艺术也可以说是一门新兴的艺术门类, 自1991年中国书协刻字研究会成立以来, 迄今只有20年的时间。同为书协三军, 但其艺术影响力却远不如书法、篆刻, 但现代刻字艺术却有其独特的艺术地位, 表现在其对于多种艺术门类的融合与其吸收了现代设计的种种思想。较传统的书刻而言, 现代刻字体现出的是传统和现代文化之间的交流。

现代刻字艺术与传统的书法篆刻既一脉相承又相互区别, 以书法为母体, 却不完全的等同于印章篆刻, 也与石刻、钟鼎、礼器上的刻字不同, 以一种崭新的样式呈现给观者。

现代刻字艺术就是以书法之美, 构成之美, 刀法之美, 色彩之美, 来共同营造从古至今在中国的传统艺术种占有重要地位的“意境”之美, 这种美, 源自无以明说的情怀, 这也是中外艺术界无以争议的艺术的最高境界——给人以精神上的愉悦。

2现代刻字艺术与构成艺术

现代刻字艺术源于古法却包含了诸多现代艺术与设计的思想, 谓其古今中外交合也不为过。其中以与构成思想的融合为重中之重。起源于包豪斯的构成艺术是现代主义设计与教学的基础, 在上世纪七十年代末、八十年代初随改革开放的大潮被引入中国。

之所以说现代刻字艺术较传统艺术更具强大的生命力与吸引力就是因其顺应时代, 吸取了种种现代设计的思想, 更加符合现代人的审美需求。

平面上讲, 现代刻字艺术的创作初期将传统书法文字变形、抽象化, 这就是平面设计中提炼、重构的思想。平面设计中对基本形的研究, 以及对形与形之间编排的美学规律研究也对现代刻字艺术的构思有理论和实践上具体的指导。实际创作中, 现代刻字艺术也广泛的应用了平面构成中类似于差叠、透叠、正负形一类的技法。这也是对“书画同源”一词最完整的表达。

色彩是完成一件现在刻字作品的最后一道工序, 却是人类感知世界、认识一件艺术作品的第一要素, 色彩与人类的心里感觉相连, 最容易激发我们的心理联想与文化联想, 从而引发对某类作品或某种文化的共鸣与感知欲。现代刻字艺术的色彩技法上讲究色调和谐, 与主题风格相统一;讲究色彩适度, 与纹理相呼应;讲究色调协调, 创作出丰富多变而又不突兀的视觉形象。色彩构成的思想是研究两个或两个以上的色彩, 使之按照一定的规律和法则重新搭配, 组合成理想的色彩关系的过程, 这对现代刻字艺术更理性、科学的应用色彩有指导意义。

立体构成是研究立体形态的材料和造型的基础学科, 与平面构成、色彩构成三者相辅相成, 共同指导艺术的综合创作。现代刻字艺术区别于书法、绘画等艺术门类的显著特点之一, 就是它为立体艺术, 将平面的书法立体化, 将单调的书法材质化。讲究平面的书法与色彩和材质肌理之间的配合, 从而共同达到最终的艺术效果。其中对材质的选择和应用是表现刻字艺术自然之美的重中之重。

以构成艺术为基础的现在主义设计思想更系统和理论化的表达出了:无论是艺术创作还是艺术设计都不单单是艺术工作者和设计师的自我表现、自我陶醉, 或者说只停留于个人欣赏阶段, 不被大众所接受的作品是没有生命力、不具备现实意义的。

对我国传统文化的继承和发扬尤其重要的就是保存传统的同时为其注入新鲜的、为现代人接受和服务的血液。现代刻字艺术的兴起很大程度上就是源于这门艺术本身的包容情怀, 创新的将传承几千年的书刻艺术与现代设计的构成基础巧妙的融合了起来, 符合现代社会的审美需要。

3现代刻字艺术的思考

现代刻字艺术在近十年内有了迅猛的发展, 大量带有地域色彩作品的涌现促进了现代刻字艺术若干流派、风格的行程。黑龙江阿城、天津的汉沽与塘沽, 河北的沧州, 福建的厦门以及海南的刻字艺术群体相继成立并持续至今。

理论上的建设也支撑着现代刻字艺术体系的逐步完善, 福建厦门书协、天津书协等地方协会相继出版相关理论专集或文集, 对现代刻字艺术进行了大力的宣传与理论指导。

现代刻字艺术的发展为继承和弘扬为我国的传统艺术文化做出了一个典范, 如何使传统艺术在新的时代不被自然淘汰, 使之焕发新的生命, 继续服务于人类的物质和精神世界, 这是所有艺术工作者应该思考并着重解决的一个问题, 而现代刻字艺术的古今结合无疑给了我们一个很好的思路。

摘要：现代刻字艺术也称书刻艺术, 因其融合了中国传承千年的书法、篆刻艺术与现代主义设计的思想而独放异彩。现代刻字艺术以传统书法为本体, 融入了篆刻、绘画、版画、设计等诸多艺术思想于一体, 创作过程复杂而古今、中西交合, 使之在当代较其他传统艺术门类有更强的生命力和吸引力。

关键词：现代刻字,现代设计,构成艺术,中外艺术

参考文献

现代教学艺术 篇5

现象描述：有一位平时学习成绩很好的学生，小辉，在一次语文考试上因为生病而考砸了，语文成绩不及格，老师课前请他到办公室聊天，了解了情况之后没有批评他，反倒安慰他，关心他，他心里觉得很温暖，觉得老师很懂自己。但是，在课堂上，老师却在发放试卷的时候当着全班同学的面批评了他，这使他感到不解，也觉得委屈，老师明明知道原因，不但没有将他考砸的事隐藏起来，还将他的事告诉了所有同学，也没有说明他这次考砸的原因，这让他自尊心很受挫，也觉得老师欺骗了自己，他内心很难过。

问题：为什么老师课前知道情况后没有当面责备他，反而安慰他，但是在课堂上却当着全班同学的面毫不留情地批评他呢？

剖析：在这件事件的当中，老师课前请小辉到办公室询问他考试成绩落后的原因，没有批评他，这是表达了老师对学生的关心和关怀，让学生感受到老师的宽容和理解，这点是做得很对的。当老师了解到小辉考试不好的原因时，他首先关心的是小辉的身体健康，这让小辉更加感动。可是在课堂上，老师却转变了态度，不但没有过滤掉小辉考试不及格的事，还当着全班人的面直接把小辉考试不及格的事公布出来，还批评和叮嘱了他几句，这种做法虽然树立了老师的威信，虽然让同学们知道老师对待学生一视同仁，有利于管理班级，但是却忽视了小辉的自尊心，这样会导致小辉心里很受伤，会觉得老师表里不一，使得小辉以后不敢相信老师，甚至会厌烦老师。

从现代教育技术到现代教育艺术 篇6

一、科学选择教育技术，激发学生学习兴趣

现代教育技术随着信息技术的不断发展而提升。当代高中生获取信息的渠道众多，而且对这些信息技术充满认知兴趣。为适应信息时代的快速发展，教师需要科学筛选教育技术，利用多媒体声音、图像、视频、动画、文字等信息处理技术，将学习内容立体呈现出来，激发学生学习兴趣。“知之者不如好之者，好之者不如乐之者”，学生学习热情被点燃起来，课堂学习效果自然会大幅度提升。

例如，在学习《赤壁赋》时，为让学生尽快进入教学情境之中，我特别播放了初中时学习过的《核舟记》相关图片。当学生对文字进行梳理之后，我又开始播放由本班学生参与录制的配乐朗诵。由于音乐、画面和教材内容形成和谐统一，又是同学朗读的课文，自然要特别关注。在小组讨论时，我提出几个思考问题：思考作者为何而乐？第二节中作者悲从何来？第三节中客悲的原因是什么呢？最后一段作者和客人是怎么转悲为喜的呢？由于前面有很好铺垫，学生很快就完成了任务。

教师成功运用多媒体技术，为学生展开文本学习创造了良好条件。多媒体画面引发学生回忆，配乐朗读又极大激发了学生学习兴趣，使得课堂学习呈现良性化。使用多媒体课件已经成为课堂教学常态，但要科学设计运用课件还需要教师做出更多努力。

二、优化课堂教育技术，突破教学重点难点

有些教师解决某些重难点问题的方法并不是很丰富，教师往往是自己讲得口干舌燥，但学生依然是听得稀里糊涂。因此，改变教学意识，制定教学重难点突破策略，便显得异常重要了。教师可以借助多媒体技术，用声光电技术将一些抽象的内容转化为具体可感的形象，这样可以充分激活学生思维，促进学生对课文内容的理解。在具体教学过程中，教师需要对现代教育技术进行优化处理，促进师生互动、生生互动，为突破教学重难点做好技术环境铺垫。

优化教育技术，要求教师能够针对教材内容和学生接受实际制定教学措施。例如，在学习《获得教养的途径》一文时，为让学生能够顺利掌握阅读现代文的一般步骤和方法，举行全校局域网语文课堂互动活动。学生们同时登录学校局域网，进入互动平台，对同一篇文章进行网上互问互答。一个班级学生负责提出问题，另一个班学生负责回答问题，然后进行轮换。由于是网上互动，学生参与热情非常高，争先恐后地提问解答，课堂学习研究气氛特别浓烈。

在这个教学案例中，教师利用网络技术展开不同班级教学互动，激发了学生学习热情。由于涉及竞赛性质，学生自然不甘落后，课堂教学进入最佳状态。教师给出一些点拨，学生自然会心领神会的。

三、合理运用教育技术，提升课堂教学效率

新课改要求课堂教学要引入自主合作探究式学习方式，教师要将课堂还给学生。这就要求教师彻底放弃“一言堂”，要少讲多练，特别是要利用现代教育技术，扩展课堂容量，为学生主动探索提供更广阔平台。现代教育技术运用，需要教师进行方法筛选、进程优化、信息整合，为学生呈现针对性更强教育技术，提升课堂教学效率。利用多媒体提供课文背景材料，引导学生理解文本;通过丰富信息传递，调动学生情感体验，促进学生领会文本的思想感情;利用课件还可以渲染课堂气氛，促进文本生本对话。这对培养学生健康审美观价值观都有重要帮助。

例如，教学毛泽东的《沁园春长沙》，我准备了微视频，播放毛泽东影视片断，从影像中感知伟人的风采。学生不仅对毛泽东有了更多认知，也被波澜壮阔的历史画面所吸引。再让学生来读这首词，很明显能够感受到学生认知的提升。原来学生朗读诗词的节奏普遍较快，很容易破坏作品的内质，难以表达作者的情感。可看过电影剪辑之后，学生朗读速度明显降低，语气中自信力量大大增加，这说明电影教育技术的运用是卓有成效的。

教师对现代教育技术进行有效整合，为课堂教学量身定做各种教学辅助手段，特别是现代多媒体技术的科学运用，能够集中体现现代教育技术的艺术化，让课堂教学更直观、更形象、更生动，为学生高效学习创造良好条件。

现代雕塑艺术 篇7

去年11月有两个重要的作品展在景德镇, 一个是朱乐耕教授的陶瓷雕塑作品展《回望故乡之路》;另一个是《大道之行》, 此次展览汇聚景德镇陶瓷学院23名校友、雕塑家的精品力作。这两场展览和座谈会中, 使我深深地感受到当代雕塑艺术家对艺术创作真诚而执着的态度。

让我想到一部电影《道士下山》里一个桥段:山中的道观中, 兄弟们正在比武, 因山中粮食稀缺, 他们的师傅, 决定举办一次比武, 来决定谁的输赢和去留。比武结束, 输赢已定, 赢者很高兴对师傅说“师傅我赢啦”。师傅却说, “赢了的人本事大, 你赢了, 你下山去吧, 去山下的江湖混口饭吃。”师傅送徒弟下山时, 对徒儿说“记住, 不改初衷真英雄”, 徒弟说记住了, 便去山下的江湖了。经历了人世间的是是非非, 最终明白了师傅的用心, 最终得道了。之所以想到这个电影, 是因为, 仿佛这些《大道之行》被邀请回来的艺术家, 他们是在离开母校之后真正在艺术界的江湖拼搏的雕塑人。他们每个人都有经历了很多的故事, 才有了今天的艺术成就。当代雕塑要走好自己的路, 要摸索, 要创新, 要让作品自身发出声音, 与社会时代相连。

二、中国现当代艺术展览形式

在北京的美术馆和798艺术区, 有国际艺术家的作品在展览。艺术家会在今年计划明年要做什么, 并做出安排, 这是艺术家的眼光, 他们把眼光放在了未来, 北京是快节奏的城市, 文化艺术交流频繁。

在佩斯, 看大卫·霍克尼的作品展, 是一幅幅的ipad画的大自然风景画, 在他眼中自然的色彩如此生动富有活力, 艺术家的笔触都那么的真实, 也有视频放映自然的风景和他的作品, 让人们倾听风景的声音, 音乐, 自然而富有活力的色彩让人仿佛置身于了一个幻化出来的大自然中, 这是艺术家的体验, 很投入的进入了一个艺术世界, 感知艺术家的心境。

在尤伦斯, 看了威廉·肯特里奇的作品展, 整个展览以灰色调为主, 大部分是视频影像, 样板札记形式出现的, 也有艺术家本人的绘画作品, 雕塑和装置艺术, 以及对书籍的二次创作。作品《时间的拒绝》艺术家的表现元素、声音、和整个空间的环境, 椅子是过去时代的椅子, 放映环境就是用木板与灰色调相结合, 表现的是南非的人们的一些经历, 表现抽象的时间, 从视频插帧动画的故事人物情节, 去感受表达对时间的拒绝。

年轻的艺术家寇拉·阿让诺度才的展览也在798尤伦斯的美术馆, 作品是以牛仔布为主体, 表现的是一种重生的观念, 烧伤的牛仔布裹着仿真的人体模特, 烧伤的牛仔布上还有各种颜料混杂在一起, 还有他的行为艺术的舞蹈表演视频, 以及衍生出来的牛仔布抱枕, 人们躺在牛仔布抱枕上去观看他的视频, 体会艺术家的所想所感。

这种展览形式让人很容易去了解艺术家的语言, 把视频作为一种媒介, 直接表达艺术家的想法。其实, 中国的展览馆, 当代艺术大部分都已经是这种形式的艺术占据主导地位, 当代艺术中, 不再是单纯的一幅画, 一个雕塑, 而是一种环境, 综合了声音视频作品的空间性的艺术, 它更能让人们参与感受艺术。艺术家艾未未的作品表现形式也是综合的艺术形式。以及美国的MOMA、英国TATE展览, 都十分注重艺术家的观念创作, 艺术家精神层面的表达。艺术在这里不限形式, 不局于技法和材料, 技法材料服务于观念, 艺术家思考的是当代。

当代艺术展览中, 装置艺术是处于主导地位的, 装置艺术带给人们的影响, 有时候会大于雕塑。显然, 当代艺术不是一个作品就能诠释的时代, 它是一个立体的, 庞大的, 多面的感受艺术的领地, 它把自己的语言充满整个空间, 更容易让人们所接受理解欣赏。

三、中国传统雕塑文化艺术的位置

当代艺术是不以雕塑为中心, 中国传统的雕塑也是这样, 在《图说中国雕塑艺术》书中写到““乐舞精神”, 乐舞艺术理论的发达, 事实上无形中遮蔽了雕塑艺术理论的独立自足性发展, 而向绘画方向的靠近又使其呈现出“绘塑不分”的文化传统, 结果是“画论”吞噬了“雕塑论”。“绘塑不分”的传统使绘画与雕塑的表达走向趋于一致, 致使雕塑本身的雕塑艺术语言日趋消退, 更加追求精神性的线条流畅感, 中国雕塑受“书画同源”的影响, 与西方雕塑有别, 呈扁平体面, 具有线条流畅感。中国古代的许多雕塑家同时也是书画家。也可以说中国雕塑精神, 是华夏审美文化。”

“左图右史”的中华文化传统无形中导引着诗、书、画、印的文人系统, 占据中国传统艺术文化主流, 使原本具有物质性材料和工艺制作特征的雕塑更趋下沉, 甚至被社会目为“皇隶”之事, 而得不到应有的重视和礼遇。文人知识分子的关照缺失, 与中国传统文化中“重道轻器”的思想观念等众多的挤压下, 雕塑艺术在传统中遂处于边缘化的状态。”

“这种疏于从理论上将其放置在中国文化史和艺术史中进行系统整理的做法无疑制约了雕塑自身有序性发展和理论上总结和有意识的推进。”

“中国传统文化向来是:乐主舞辅, 画主塑辅。”这是中国传统雕塑的位置, 也是中国传统雕塑的一大特色。

四、中国现当代雕塑之路

中国传统雕塑的位置在整个封建社会我们已经看到, 中国雕塑会继续被边缘化下去吗?

我想这不会的, 在党的领导下, 在国家“一带一路”文化伟大复兴的倡导下, 我看到中国的雕塑正在悄悄地发生着变化。

中国雕塑的理论正在被研究总结, 理论的重要性关系到中国当代雕塑艺术之路的长远问题。中国的雕塑人正在主动地改变这一被动的局面, 形成雕塑的理论体系。我们当代雕塑的责任是唤醒起雕塑自身艺术语言。去发掘创造出中国当代雕塑自身的艺术语言, 这是是责任, 是使命。这样雕塑的精神才不会被轻易被时代所抹平, 所遗忘, 才能在当代雕塑艺术中脱颖而出, 精神焕发。

雕塑艺术作品要有思想精神。中国雕塑要有中国精神。只有这样, 在当代艺术环境下的中国雕塑艺术才能越走越远, 只有这样, 中国雕塑艺术才能在每一个表达艺术语言的空间里有无限的生命和感染力, 感动这存在于世间的每一个生命体。

未来中国雕塑艺术的方向, 需要当代勤劳勇敢的雕塑人去开拓去探索去创新。相信, 在党和国家的领导下, 在“一带一路”文化伟大复兴的倡导下, 中国的雕塑的未来是光明的。

参考文献

传统插画艺术与现代数码插画艺术 篇8

1. 传统的插画

1.1 传统插画的技法和表现

在电脑作图出现以前, 插画同其他艺术表现形式一样, 都是通过较强的手绘能力借助于毛笔、铅笔、碳笔等一系列绘画化工具在一定的纸张上画出来的造型艺术。其造型要素基本是点线面构成, 风格表现不外乎幽默写实、超写实等。在此基础上还有因为地域的缘故而划分的风格, 如美式的漫画风格、日本的传统绘画艺术、曼陀罗手法等。从20世纪50年代开始, 美式漫画始终秉承率真明快的创作风格, 让人感觉画面饱满, 富有很强烈的讽刺趣味性;日本大名时代的广告画常用过于鲜艳又缺乏表现力的颜料进行绘制, 配色方面追求俗气的画面效果, 有意回避笔法的变化, 给人感觉好像电影院里的宣传画, 采用镶边点传统的创作技法, 极力营造作品的复古气氛;而曼陀罗原本是指佛教里大彻大悟的思想境界, 曼陀罗画就是用杂色图的形式将这种境界表现出来的画作。所有的传统插画都有共同的特征, 就是主要凭借手绘的手段, 完成作品设计创作的整个过程。这是由时代的因素决定的, 同时成就了插画传统的风格。

1.2 传统插画的发展及现实意

作为一种发展了上千年的艺术形式, 传统插画有着不可替代的现实意义。无论从现实的情感, 还是个人表现手法, 以及对于艺术精髓的把握, 传统插画的表现似乎比现代艺术更胜一筹, 西方的传统插画艺术从文艺复兴开始, 经历了古典主义、印象主义、现代抽象主义的演变, 中国的绘画也经历了很多流派的洗礼, 所以对于传统插画, 它有着无法替代的素净和单纯的民族文化特色, 具备强烈的人文气息。但传统插画的发展并不能完全依赖于人文和历史。在数码科技迅速发展的当代, 优秀的插画设计师开始寻求现代与古典的统一, 在新的艺术形式中寻找出路, 两种艺术形式的结合成为插画艺术的新追求, 完美地把民族传统文化艺术融合到现代设计中, 同时体现出数字艺术的创作与传统绘画艺术的完美结合, 这是我们探讨传统与数码艺术的新追求。

2. 现代数码插画艺术

现代数码插画的一个非常明显的特征就是电脑作图的广泛应用。数码艺术设计是数字化时代新兴的艺术形式, 它有着制作方便、风格简洁明快的特点, 同于易于修改和传递, 因而受到新一代插画设计者和广大爱好者的青睐, 而数码技术在艺术设计领域的应用也越来越受到人们的重视。

现代插画大致可以划分为儿童插画、商业插画和动画三大类。儿童插画多出现在儿童刊物及相关的环境场合, 形象多可爱且夸张, 富有想象力, 所用的颜色单纯亮丽。商业插画的表现更为广泛, 也是目前国内外设计行业中新兴的设计门类之一。商业插画可分为三部分:广告插画、出版物插画、卡通形象设计。商业插画与其他插画的表现形式相比有其特点:商业插画必须能够反映商品的特性, 要符合大众的审美品味, 手法夸张。

现代数码插画在风格表现上各不相同。数码插画的发展尚处于探索阶段, 插画形式风格追求形式各异, 有制作细腻的欧美风格, 线条柔和、色彩明艳的日韩风格, 在形式上追求洒脱自由的情感。

3. 传统插画与现代数码插画的区别和联系

任何一种艺术形式的出现, 都离不开社会和科技的发展。数码插画是数字化时代新兴的艺术形式之一, 它随着计算机的发展普及和数字化时代的到来而诞生。传统艺术形式和数码艺术创作存在以下差异:

首先, 文化传统渊源不同。传统插画艺术的创作是建立在深厚的文化底蕴和历史长河之上的, 蕴藏着众多的地域风情和民族文化, 传统的艺术精粹形式丰富, 包含着众多深刻的文化积淀、民俗的心理情感、风俗习惯及审美情趣。传统插画所体现的历史传统, 众多的风格流派和博大的地域民族文化, 以及传统文化的笔墨造型和传统艺术的文化渊源, 都使人们的心理情感交流具有亲和力, 产生心灵的共鸣。而新生数码创作的插画是在科学与技术的基础上发展起来的, 在美学情感上缺乏传统的文化基础, 在表现形式与内容上有较大的局限, 使人产生在文化遗产上的陌生和疏远感。

其次, 现代科技的含量导致创作和表现的差异。延续了几个世纪的传统插画除了在技法和材料上的创新之外, 没有受到过像现代数字化所带来的巨大冲击, 而人们对于数码艺术这一高科技的创作方式进入艺术领域尚需要一个认识和接受的过程。传统创作的技巧和绘画笔墨造型导致了人们对传统绘画艺术价值的认可, 但由于对数码技术的创作形式缺乏足够的认识和接纳, 人们对数码艺术造型在情感上存在距离。数字化图形处理技术是数码艺术造型创作的根本基础。作为CG重要组成部分之一, 矢量图形具有数码技术对图形描述的“硬边”表现风格, 也正是这种个性化、机械化的风格的存在, 而使数码插画丧失了视觉亲和力, 成为数码插画矢量图中普遍存在的不足。

最后, 作品的表现风格的差异也是造成情感差异的因素。传统插画经过长时间的发展演变, 形成了众多的表现形式和创作风格。这些传统的艺术语言易于沟通, 便于人们产生共鸣, 而数码创作的机械条理导致缺乏表现语言的生动和表现形式的鲜活。

传统插画艺术的历史传承、民族风情等因素得到广泛的认可, 其艺术和价值也备受尊重。和传统艺术作品的唯一性可相比, 数码作品批量生产的因素直接影响到人们对数码作品价值的认可度降低, 但是我们应该正确认识到数码作品不仅是体现科学技术, 更是体现新兴的艺术现象, 它有着自我魅力的视觉语言和传达方式, 所以数码插画艺术价值不可以用传统插画的价值衡量。除此之外, 数码艺术设计在表现的过程中, 吸收了不同的文化, 各学科领域的相互补充, 借鉴是数码艺术发展的根本。

4. 结语

设计行业是知识型的服务产业和新兴交叉学科。跨越世纪, 插画设计从静态表现转向动态表现;从单一媒体跨越到多媒体;从二维延伸到三维立体;从传统的印刷设计产品更多转化到虚拟信息形象的传播。插画在商业领域的应用越来越多地受到业内人士的肯定。我们必须关注现实, 展望未来。昨天、今天、明天, 插画艺术有着不同的定义和形态。设计师在提高生活品质、促进文明进步方面起着积极的作用。

摘要：本文主要阐述了传统插画与当代插画所代表的时代, 以及两者之间的区别和联系。先从传统插画的技法表现、发展现状及自身特点阐述了其代表的“传统时代”。接着从当代数码插画的线装, 发展趋势及在现代设计之中的影响分析了其代表的“数码时代”;从表现手法、风格、艺术领域等方面阐述了两者之间的区别和联系。最后对现代数码插画将作出不断的研究和探讨, 以期人们对这个领域有更进一步的认识, 从而达到对艺术孜孜的追求, 推动插画艺术的创新和发展。

关键词：传统插画,现代数码插画,区别,联系

参考文献

[1]王受之.世界现代设计史.新世纪出版社.

[2]迪尚.电脑图形设计.浙江人民美术出版社.

西方现代艺术对现代设计影响研究 篇9

20世纪之前, 美术和艺术设计一直被归于艺术领域之中。传统的雕塑、绘画、建筑等视觉艺术形式与传统工艺美术相互紧密结合并互相影响。直至19世纪末期, “工艺美术运动”的代表人物威廉·莫里斯提出了新的艺术理论就是“艺术应当与技术互相结合”原则, 要求艺术家对工业化产品进行设计, 体现出设计与艺术的必然联系, 又显示出了设计师独立的姿态。受莫里斯影响的包豪斯创建人建筑家格罗佩斯邀请了伊顿、马科斯、穆什、费林格、克利、康定斯基等著名的前卫建筑家、现代艺术家任教, 正是这些现代艺术家开创了包豪斯的设计教学并使设计理论研究大放异彩, 从此符合现代机器化大生产的现代设计走上了历史的舞台, 包豪斯的建立也可以看作是现代设计的开端。

二、现代艺术对现代设计的影响

(一) 现代艺术激进的探索推动了现代设计的革命

19世纪后期, 绘画界对现代艺术激进的探索推动了现代设计的革命。在美术界对构成产生明确认识, 是从19世纪的后期印象派塞尚开始的。塞尚的绘画构图及其方法论, 与立体造型的构成是相通的。其后塞尚对构成的认识又影响了特朗、马蒂斯、乌鲁克等, 使他们建立了“野兽派”。继而又建立起了“未来主义”艺术。“未来主义”又发展为革命的“达达主义”。其表现贯穿着 几何的、抽象形态的意识观念。受构成主义、未来主义、立体主义等艺术流派影响, 新时代的设计师开始挑战传统艺术形式, 开拓了符合新的、工业化时代的的现代设计艺术风格。立体主义是最早地把时间 - 空间概念转化为视觉形象的艺术派别。它利用相对性原理和同时性原理, 把不同时刻观察到的对象同时地表现出来, 在画面中表现出更纯粹的几何形态。受此影响, 设计师里特维尔特设计的“红蓝椅子”和“施罗德”住宅, 把蒙德里安的二维构成延伸到三维空间, 成为“风格派”设计的最著名的代表作品之一, 是现代主义设计在形式探索上一个非常重要的里程碑。对工业化生产方式的强化对秩序的重要性, 设计通过简化体现出秩序感, 传统做法被设计师所淘汰。现代设计受到柯布西耶简洁主义所影响, 把抽象的几何构成形式看作设计终极原则, 反对过度的装饰, 注重体现基本形态和强化功能, 使理性主义成为设计风格的先锋。

(二) 新的艺术和设计形式通过现代艺术和现代设 计相互影响而产生

构成主义、超现实主义和表现主义是交替转换并和其他派别相互影响的设计风格和现代艺术。其中体现了形式、语言的开拓精神和丰富多彩, 并赋予时空新的概念。波普艺术以有秩序变化的图像重复、视错觉所形成视觉的动感和错觉的一种表现形式, 波普艺术后来发展成为动感艺术加上光、影、声、形成一种全方位空间的综合艺术表现形式, 波普艺术是依赖于视网膜影像错觉引发心理现象的一种媒体设计。在1960年代, 装置艺术吸收了绘画、设计等因素和语言形式和生活垃圾等, 创建一个新的领域概念, 并对视觉设计产生了很大的影响。同时, 艺术设计与商业文化对于绘画艺术也产生了严重的影响, 如波普艺术的开山之作——汉密尔顿的《是什么使今天的家庭如此不同又如此吸引人》采用招贴印刷材料、照片、画报所组成了一种全新的艺术形式。而发端于70年代的后现代主义, 则是对国际主义风格的反叛, 以寻求更有活力的、多元的文化。通过借助过去的维多利亚、新艺术与装饰艺术风格, 激发了许多设计师的怀旧思潮, 将老的艺术形式进行现代化的运用, 使产品具有浓厚的艺术创造意味, 拓展了设计的理念和语汇。

现代艺术激进的探索推动了现代设计的革命, 拓展了设计的理念和语汇。新的艺术和设计形式通过现代艺术和现代设计相互影响而产生。现代艺术所体现特性与机器大规模生产说要求的的机械化, 标准化所吻合, 成为工业化时代生产的必然选择。从现代艺术与现代设计它们在本质上始终相互关联, 彼此互融。

摘要：“工艺美术运动”的代表人物威廉·莫里斯提出了新的艺术理论就是“艺术应当与技术互相结合”原则;包豪斯的设计教学并使设计理论研究大放异彩, 从此符合现代机器化大生产的现代设计走上了历史的舞台, 包豪斯的建立也可以看作是现代设计的开端;而发端于70年代的后现代主义, 则是对国际主义风格的反叛, 以寻求更有活力的、多元的文化。通过借助过去的维多利亚、新艺术与装饰艺术风格, 激发了许多设计师的怀旧思潮, 将老的艺术形式进行现代化的运用, 使产品具有浓厚的艺术创造意味, 拓展了设计的理念和语汇。

关键词：现代艺术,现代设计,影响

参考文献

[1]何人可.走向综合化的工业设计教育[j].长沙:装饰杂志2002, (1) :1.

[2]何人可.工业设计史[m].长沙:高等教育出版社, 2006, 4.

现代雕塑艺术 篇10

一、因宗教而兴的元代雕塑

元代在统一中原后, 不仅通过一系列的政治、经济措施稳定政局, 还在文化上推行了一些措施。宗教就是元代统治者稳固多民族国家的一项重要举措。元代施行开明的宗教政策, 主张宗教信仰自由, 并将此作为拉拢和团结各民族的一项方针。因此在元代统治版图下, 佛教、道教、伊斯兰教等教派都人丁兴旺, 不乏信众。

比如, 道家一派的全真教即曾获得成吉思汗的提携, 全真教丘处机被敕封为大宗师, 还设立“集贤院”, 统领元代道教。在佛教方面, 来自西藏的喇嘛教在忽必烈统治时期受到礼遇, 喇嘛教萨伽派僧人八思巴被封为国师, 荣誉加身, 统领佛教, 死后还追谥为帝师。

在这种背景下, 以道教、佛教等宗教为主题的雕塑、建筑在元朝各地纷纷兴建, 庙宇、古刹、佛像、神像几乎在元代各地均能看到。一些道教道人、佛教僧人甚至都精通雕塑技艺。雕塑家刘元的启蒙老师就是一位精通塑像艺术的“黄冠道人”。而在刘元成长的年代, 元代还从国外聘请了很多“专家”来指导兴造各种雕塑、建筑, 其中最有名的就属尼泊尔匠人阿尼哥, 他曾为忽必烈修建了大量佛塔, 刘元曾向其拜师学艺。

二、奉旨塑像的刘元

刘元, 又名刘銮, 字秉元, 他是我国元代著名的雕塑家, 一生塑像无数, 甚至被元代统治者延请入宫, 成为御用塑像师, 有雕塑奇人之美称。关于刘元的生卒年虽无详细记录, 但可以从《刘正奉塑记》中推断其生年大概1230年。《刘正奉塑记》是元代文人虞集所做, 在这部著作中, 有“至元七年世祖皇帝始建大护国仁王寺, 求奇工为之, 得刘正奉于黄冠师”的描述, 而刘元因为出色的雕塑技艺, 还被皇上赐婚, “赐宫女为之妻, 又命以官长其属, 迨今四十余年”。从中可以看中此段文字应该写于元七年———1270年, 而四十余年的时间可算出刘元的生年大概在1230年之前。

刘元从小就表现出惊人的动手能力, 且聪颖好学。然而, 刘元的家境并不好, 他迫于生计还做过道士。后来, 刘元在山东青州当道士期间认识了一位姓杞的人, 此人精通各种工艺技能, 可以说是刘元的启蒙老师。刘元从启蒙老师这里学会了雕刻和绘画, 并因此在当地获得不小的名声, 山东多地时有庙宇古刹需要塑像, 都会请他设计和施工。此时, 刘元二十岁左右, 他的作品多以彩绘佛像为最多, 在元朝雕塑领域, 刘元已然成名, 有“奇匠”之美誉。

而刘元在雕塑生涯的另一位“老师”则是一位尼泊尔雕塑家———阿尼哥。此人是忽必烈在建设元大都期间, 从尼泊尔聘请来的“顾问”, 阿尼哥在佛像雕塑方面拥有高超的技艺, 其少年时期就在尼泊尔享有盛名, 而当他被忽必烈请来主持修造佛塔时, 不过才十七岁, 后来阿尼哥就留在了中国, 受忽必烈所封, 居光禄大夫、大司徒等要职, 掌管元朝的建筑、冶金业。刘元师从于阿尼哥, 自然受益匪浅。刘元师从阿尼哥, 不仅仅学习西方造像艺技艺, 还学习西域文化, 因此在塑造佛像时能真正抓住“佛”的意韵。因为如此丰富的学艺经历, 刘元也被后人称为“学贯中西”的雕塑大家。公元1270年, 元世祖下令修建大护国仁王寺, 名声在外的刘元恰逢其时, 被招为宫廷匠师, 为元朝从事雕塑工作数十年。

据虞集的《刘正奉塑记》记载, 在元代“凡两都名刹, 有塑土范金, 博换为佛者, 一出正奉之手, 天下无与比者”, 正奉是元代的一个官衔, 刘元当时任正奉一职, 奉旨雕像, 留下精妙绝伦的雕塑无数。刘元因为技艺精湛, 深受元代皇室赏识, 元仁宗在看过刘元的塑像作品后, 下发敕令, 令刘元成为御用匠人, 不得随意为皇室之外的人塑像。这段史料同样出自虞集的《刘正奉塑记》, “今上皇帝, 尤重象教, 赏勃正奉, 非有旨不许擅为人造它神像者”, 换言之, 如果皇室之外的人要想请刘元塑像, 那必须经过皇上圣谕批准。所以刘元的大量艺术作品基本均属奉旨塑像一类。

随着刘元受宠幸, 其在朝廷中的官职也是节节高升。在公元1317年时, 刘元被任命为昭文馆大学士和总管一职。后来, 刘元还当上了正奉大夫、秘书监卿等要职。秘书监是正三品官职, 负责掌管图书一类, 类似于国家图书馆馆长。而正奉大夫则是二品官衔, 虽然属于分管文化事务的文官, 但对于一个工匠来说, 这无疑是一种至高无上的荣誉。著名历史学家、《中国雕塑艺术纲要》的作者阎文儒先生曾称赞刘元的作品兼容并蓄了印度、西藩和中国民间的塑像艺术, 在元代塑像艺术的繁荣时代, 终成一代“大匠”。

三、令人称奇的雕塑作品

刘元一生从事雕塑创作长达五十余年, 今天考古发现, 在内蒙古、山西、河北等地有许多佛像都是刘元作品, 而在一些名山古刹, 刘元所塑佛像更是数不胜数。比如在北京的白云观、广济寺、香山寺都有刘元佛像留存。不过, 这些佛像因为年深日久大多残缺不全, 唯有山西晋城的玉皇庙里, 刘元所雕塑的二十八星宿完好的保存了下来。刘元的这一系列雕塑作品, 由二十八个神像组成, 神像身上不同位置都有小兽附着, 栩栩如生, 呼之欲出。在山西晋城民间也因此流传着一首《二十八星宿歌》的民歌, 歌词中唱道:“举枚上下一一数, 一一生气嘘云风, 相传刘元负绝技, 此像定是元之功”。据虞集的《刘正奉塑记》记载, 元大都南城的长春宫附近的东岳庙也有刘元塑像。东岳庙是专门用来祭祀泰山山神东岳天齐仁圣帝的, 虞集曾前往拜会观摩, 被刘元的雕塑所深深感染, 赞美之情溢于言表。虞集说“及仰瞻仁圣帝, 巍巍乎帝王之度矣, 余皆称其神之, 所以名者予尤爱其盛服立侍, 侃侃若不胜忧, 深思远之至者”, 而相传东岳庙正殿内还有一尊面目可怖的鬼神塑像, 这座塑像的巧妙之处在于, 在塑像身下设有轮类似毂虞的机关, 当游人踏足进门时即会触及机关, 此时, 该像便突然转身面向游人, 游人若无准备, 自然会受到惊吓, 这种匠心独运的设计堪称妙绝。

此外, 据《刘正奉塑记》记载, 元上都三皇庙的“三圣人”像、宝坻广济寺的“三大士”像、东岳大帝像也都是刘元所塑。1932年, 近现代著名建筑家梁思成来到广济寺, 在观看刘元所塑之像后, 也不禁感叹, “三大士衣褶流严, 雕饰精巧”, 并称自明清以来已鲜见此类精妙的雕塑。三大士雕像应属刘元的代表作, 这三尊塑像虽然大体相同, 但在姿态服饰上却各有不同, 尤其在手势、神态等细节上做到细致入微、性格鲜明。后世有学者称之为类似西方哥特式的庙堂雕塑。在北京香山也曾有两尊菩萨像出自刘元之手, 据《元代画塑记》记载, 香山庙宇中有文殊菩萨像和普贤菩萨两尊塑像都是刘元的作品。前者高九尺, 文质彬彬, 气质超凡。而后者则“高九尺, 火焰二扇, 各高一丈五尺, 阔七尺五寸”。根据换算, 这些塑像应该高达三米左右, 蔚为壮观。如今, 在北京西安门就有一条刘兰塑胡同, 此胡同即为纪念元代雕塑家刘元。刘兰是刘銮的谐音, 是历史口传之误。据考古学家发现, 早先该胡同北口有一处名为元都胜境的寺观。《金鳌退食笔记》中记载:玄 (元) 都胜境……建于元, 相传为刘元塑像。正殿乃玉皇大帝, 右殿塑三清像, 仪容肃穆, 道气深沉。左殿塑三元帝君像, 上元执簿侧首而问, 若有所疑, 一吏跪而答, 甚战栗;一堂之中, 皆若悚听严肃者。神情动止, 恍如闻其謦亥欠, 真称绝艺。

除了以上雕塑外, 元大都青塔寺的四大天王、东岳庙西殿的炳灵公、两侍女、两侍臣, 东殿的司命君、两道士、两仙宫、两武士、两将军也都是刘元的作品。刘元一生雕塑无数, 而件件精品, 世所罕见。相传, 刘元在每次雕塑时必先做好“腹稿”, 精妙构思, 直到“胸有成竹”了, 才开始创作。刘元早年的学艺经历, 让他将印度、西藩的造像技艺学得炉火纯青。在《刘正奉塑记》中有这样一段记载, 说得是“凡两都名刹, 有塑土范金, 博换为佛者, 一出正奉之手”, 从中可以看出刘元使用泥土塑像, 并以“范金”来制作模型。而“博换”则是一种造像方法, 法国汉学家伯希和考证此法是传自中国的“乾漆造像法”, 又名“夹紵”。

刘元雕塑的最大特点就是, 讲究塑像全身匀称, 面部表情生灵活现, 塑像风格偏重西域化, 佛像有“希腊鼻”等明显的西式特征, 腰部颀长。在雕塑过程中, 刘元一般都以数丈长的铁丝截成小段, 绑在架子上, 类似素描一样, 先搭好架构, 再以泥土循序渐进地塑形。最后再细细雕琢, 上色, 修边。

摘要：元代是一个“其兴也勃, 其亡也忽”的朝代, 不过, 在其短暂的统治下, 也诞生了堪比隋唐的雕塑艺术。本文主要介绍了元代雕塑艺术的繁荣盛况, 对刘元的成长经历, 及其大量雕塑作品做了梳理。

关键词：元代,刘元,雕塑家,塑像,艺术

参考文献

[1]甄光俊.刘元:元代雕塑奇人[N].天津政协公报, 2008 (6) .

[2]黎日晃.元代雕塑艺术研究[D].暨南大学硕士论文, 2005 (8) .

[3]齐伟.从元代雕塑的世俗化风格看古代雕塑艺术特征[J].沧桑, 2009 (4) .

[4]唐荀.元代雕塑风格解析[J].艺术评论, 2007 (5) .

[5]魏小杰.山西晋城玉皇庙二十八宿彩塑艺术特色[N].郑州大学学报, 2008 (5) .

现代建筑艺术 篇11

摘要：20世纪初，建筑艺术如同绘画、雕塑艺术一样，也发生了很大的变化。由于建筑科技的发展，使建筑结构和样式迅速走向现代，呈现出许多新的特点：高层建筑的大量发展和新的建筑设计思潮的层出不穷，多元建筑形式风行一时。

关键词：现代 建筑艺术

在20世纪上半期出现了很多流派和不同风格的建筑样式。20世纪初，在德国和奥地利先后产生了表现主义，一切都出自艺术家的主观表现，目的是引起观众情绪上的激动，这一派建筑师往往采用奇特、夸张的建筑形体来象征某种时代精神。德国建筑师门德（1887—1953年）在20年代，设计过一些表现主义建筑，其中最有代表性的作品是1919—1920年建成的波茨坦爱因斯坦天文台。荷兰表现派的住宅甚至把外观处理得使人联想起荷兰人的传统服装和木鞋。

未来派是第一次世界大战之前首先在意大利出现的文艺流派，它对现代生活的运动、变化、速度、节奏表示欣喜，他们否定一切文艺规律和传统，宣称要创造一种全新的未来的艺术。意大利的未来主义者桑·伊利亚（1888-1917年）所设计的图样中都是高大的阶梯形的楼房，电梯放在建筑物外部，林立的楼房下是川流不息的汽车、火车，分别在不同高度上行驶，他说：“应该把现代城市建设改造得象大型造船厂一样，既忙碌又灵敏、到处都是运动，现代房屋应该造得象大型机器一样。”

风格派与构成派的代表是荷兰的建筑师奥德·里特韦尔等。他们认为最好的艺术就是基本几何形体的组合和构成。风格派有时又被称为“新造型派”，他表现在建筑造型装饰，最能代表风格派特征的是里特韦尔设计的椅子，象蒙德里安的绘画，运用水平和垂直线构成红、黄、蓝三色。他还设计了著名的荷兰乌德勒支地方一所住宅，运用简单的立方体，横竖直线，玻璃等组成的建筑。这个派热衷于几何形体空间和色彩的构图效果。

第二次世界大战后，建筑活动与建筑思潮有很大的变化和发展。由于各国政治、经济、文化传统各不相同，建筑活动和思潮也很不一致，因此发展也极不平衡，西欧和美国为建筑现代化继续探索创造作出新贡献，其他地区和国家也相继走入现代化。英国在50年代出现以史密森夫妇为代表的新粗野主义（又译为新野性主义）；60年代，以柯克为代表的称之为阿基格拉姆派所提出的未来乌托邦城市的设想：以钢和钢筋混凝土的巨型结构来综合解决多种与可变要求的设计。

在法国战后的“现代建筑派”取代了学院派成为法国建筑的主要风格。勒·柯布西耶设计的马赛公寓大楼和其后又设计的朗香教堂，轰动了整个建筑学坛。法国在二战后建筑技术上不断创新，1958年兴建国家工业与技术中心的陈列大厅，跨度218米，是迄今跨度最大的空间结构，也是跨度最大的薄壳结构。1973年建的巴黎蒙帕纳斯大厦高229米，是欧洲最高建筑；后来建的国立蓬皮杜艺术中心更引起人们的关注。

德国受到的战争破坏很大，战后着力重建。在希特勒统治时期，只允许折中主义建筑样式，战后则坚持走现代建筑道路，尤以鲍豪斯为代表，后来出现不少具有国际先进水平的现代建筑，如夏隆设计的柏林爱尔音乐厅和斯图加特的罗密欧与朱丽叶公寓等。在设计思想上意大利比其他国家显得多样和善变。古代传统在意大利从未间断，现代思潮又给予强烈影响，战后全面地走上现代建筑道路，在罗马和都灵等地推行新现实主义，提倡紧密结合人们的日常生活，鲁道夫设计的罗马泰波蒂诺区为代表。在意大利具有国际声望的建筑师无疑是奈尔维，他设计的罗马小体育宫和米兰的皮瑞利大厦被公认为国际先进水平的杰作。美国具有强大的物质技术力量，雄厚的技术人员队伍和一大批专门投资房屋建设的大业主，他们共同使美国建筑迅速走向现代化。发展高层建筑是美国建筑的主要方面，1974年的芝加哥西尔斯大厦110层，高443米，是世界迄今最高建筑。在艺术和建筑方面，欧洲不论有什么新思潮都很快影响美国，各种思潮和各种建筑流派，样式在美国都得到反映。现代建筑艺术

20世纪上半期，尤其在二战后，古典复兴建筑仍然流行，政府性建筑和纪念性建筑的发展，将不同时代、不同民族和不同地区的建筑样式结合在一起的折衷主义建筑也不断出现。由于社会生活飞速发展变化，建筑物的功能要求日益复杂，房屋的层数和容积量不断增加，建筑材料和结构已与古代大不相同，因此学院派建筑师不得不对传统建筑加以改造和简化，同时革新的现代派建筑兴起。

第二次世界大战后，建筑活动与建筑思潮有很大的变化和发展。由于各国政治、经济、文化传统各不相同，建筑活动和思潮也很不一致，因此发展也极不平衡，西欧和美国为建筑现代化继续探索创造作出新贡献，其他地区和国家也相继走入现代化。

英国在50年代出现以史密森夫妇为代表的新粗野主义（又译为新野性主义）；60年代，以柯克为代表的称之为阿基格拉姆派 所提出的未来乌托邦城市的设想：以钢和钢筋混凝土的巨型结构来综合解决多种与可变要求的设计。

在法国战后的“现代建筑派”取代了学院派成为法国建筑的主要风格。勒·柯布西耶设计的马赛公寓大楼和其后又设计的朗香教堂，轰动了整个建筑学坛。法国在二战后建筑技术上不断创新，1958年兴建国家工业与技术中心的陈列大厅，跨度218米，是迄今跨度最大的空间结构，也是跨度最大的薄壳结构。1973年建的巴黎蒙帕纳斯大厦高229米，是欧洲最高建筑；后来建的国立蓬皮杜艺术中心更引起人们的关注。

德国受到的战争破坏很大，战后着力重建。战后则坚持走现代建筑道路，尤以鲍豪斯为代表，后来出现不少具有国际先进水平的现代建筑，如夏隆设计的柏林爱尔音乐厅和斯图加特的罗密欧与朱丽叶公寓等。

美国具有强大的物质技术力量，雄厚的技术人员队伍和一大批专门投资房屋建设的大业主，他们共同使美国建筑迅速走向现代化。发展高层建筑是美国建筑的主要方面，1974年的芝加哥西尔斯大厦110层，高443米，是世界迄今最高建筑。在艺术和建筑方面，欧洲不论有什么新思潮都很快影响美国，各种思潮和各种建筑流派，样式在美国都得到反映。

澳大利亚的悉尼歌剧院是本世纪中期建成的一座著名的演出建筑，它的外形与历来的一切剧院都不同。这是较早地突破正统现代主义建筑“形式跟从功能”信条的一座优美的建筑作品，尽管悉尼歌剧院的造价一再突破预算，工期拖延长达十多年，而一旦建成后，立即获得公众广泛的喜爱而成为悉尼市的标志物。

现代雕塑艺术 篇12

1907年的举办了规模盛大的塞尚回顾展，在当时给许多的青年画家极大的启发，野兽派、立体派、巴黎画派等诸多的现代艺术流派的代表人物都直接受塞尚的影响，但他们也没有停留在塞尚的形式之中，而是形成了自己独特鲜明的艺术风格。用沃尔夫林的风格学解释，即每一个形式都将继续存在并产生着新的形式，而且每一种风格都将呼唤着一种新风格的到来。现代派艺术理论家克莱夫·贝尔这样评价塞尚：“随着塞尚的成熟，一个新的运动业已开始……这个运动有可能是一个新的坡道的起点。……人们常说，凭一个人的力量就能够激发整个一时代。而塞尚就正是激发了当代的运动的人”。1

弗莱 (Roger Fry) 在第二届伦敦后印象主义画展的前言中说，艺术家的杰出特色是“作品中的显著的古典精神，”并解释说，他们不是在寻求对自然形体的模仿而是在创作形式。贝尔在一篇关于后印象主义的论文中说：“目前健在的优秀画家，有一半人在某种程度上得益于塞尚，在某种意义上属于后印象主义运动。”2

现代英国著名建筑家D.拉斯顿爵士说：“我这一代尊崇的最伟大的人就是塞尚。他代表了文艺复兴以来最伟大的革命，是现代主义的创始人。对我来说，塞尚有两点非常重要：第一，他能通过自然的表面看到内在的结构;第二，驾乎近代艺术之上，他能理解存在于吸收新事物的愿望和对旧事物的强烈情感之间的矛盾。”3

立体主义在形成初期，毕加索和布拉克是以塞尚用圆柱体、锥体和球体来处理客观物象的观念作为艺术探索的理论基础的，他们按照塞尚的启示，在绘画中把对象加以几何形化;塞尚对传统透视法则的否定，不再把定点透视和空间透视看作是艺术表达的唯一法则，受到他多视点真实观察获取事物本质特征这一观念的影响，向前又迈出了更大的一步，即打破对象再给予重建，完全突破了形的限制，从根本上打破了传统绘画的造型观念，将绘画带进了一个脱离客观世界的全新领域。

马蒂斯的作品受到了塞尚的强烈影响，“如果你能了解他惊人的榜样在我一生中给了我何种道德力量何种鼓舞就好了!在怀疑的时刻，在寻找自我之际被自己的发现惊吓的时刻，我就会想：如果塞尚是对的，我也是对的，因为我明白塞尚从没犯过错误。你知道，在塞尚的作品中存在着结构法则，这对青年画家使有益的。在塞尚的各种伟大品质中，他有一种长处，就是要使色调成为一件油画作品中有力的因素，正是这种情况，赋予了他的油画一种最崇高的使命。”4他这样评价塞尚的作品：在他的画中一切配合的这样巧妙，以致画中无论有多少人物，你在任何距离内都能辨别所有的人体，并理解他们之间的相互关系。既然画中的一切都被调理好了，一切都是很明确的，那么，这就是说，这种秩序与这种明确性一开始就已经存在于画家的心里，或是画家已经意识到它们的必要性了。人体的四肢可以交叉相杂，但其中每一条肢体在观众的感觉中都应该与同一个人体相结合，并表达这个人的思想，在这种情况下一切不明确性都会消失。

“塞尚发现的方法和形式，提示了一连串无人能够窥测其底的可能性。他使用的方法造就了千千万万的艺术家……没有塞尚，那些天资聪颖，才华横溢，现在用他们作品的深刻含义和独具匠心使我们感到欣慰的艺术家，还会永远停留在避风港里，去向不明，还会需要海图、船舵和指南针。塞尚是发现了形体新大陆的哥伦布。”5

塞尚的艺术实践对西方现代艺术产生了深远的影响，推动了绘画形式的发展，使印象主义对于造型和光色问题的新发现和传统画面中的秩序感、坚实的单纯性和完美的平衡达到统一，表现出对自然深刻观察体验之后充满生命力的真实感受。他使绘画从模仿自然转变为带有艺术家主观意志的创造，解放了艺术家的个性，为艺术的发展提供了无限的可能性。他以自然为基础的艺术实践方法，对现代艺术家所面临的亟待解决的问题，具有一定的现实意义。

摘要：塞尚的艺术实践没有停留在一个固定的时期, 同样, 塞尚的作品也没有停留在固定的形式中, 他既没有重复前人也没有重复自己。在塞尚之后, 并没有塞尚派的出现, 但他却影响着一个时代。

关键词：塞尚,现代艺术,风格

注释

11.北京大学文艺美学丛书编辑委员会编《宗白华美学文学译文选》北京大学出版社1982年第135页

22 .英国贡布里希著范景中译《艺术发展史》天津人民出版社1991年出版第467页

33 .英国贡布里希著范景中译《艺术发展史》天津人民出版社1991年出版第454页转引自D.拉斯顿《建筑艺术的延续性和变化》建筑学报1983年.7

44 .美国杰克.德.弗拉姆编欧阳英译《马蒂斯论艺术》山东画报出版社2004年出版第52页