艺术家美术设计

艺术家美术设计（精选12篇）

艺术家美术设计 篇1

艺术设计与传统美术两者有着非常紧密的内在联系, 艺术设计起源于传统美术, 同属于视觉艺术, 但也有很多的区别。艺术设计与传统美术在创作的目的、表现手法、审美的标准等很多方面都有很大区别, 属于完全不同的社会属性的两种艺术形式。

随着社会科技的进步, 制造业和传媒技术的高速发展, 艺术设计也得到了蓬勃发展。今天人们的生活与美学实现了高度的统一, 生活中充满了美, 充满了设计, 艺术设计已经渗透到我们生活的方方面面。大到城市的规划、景观、建筑设计, 小到生活中的衣着、包装、装饰品, 艺术设计无处不在, 它将艺术的形式美感应用于日常生活用品和环境之中, 使之不但具有审美功能, 还具有传播等实用功能。日常生活用品和环境变成了艺术设计的形式美和信息传播的载体。我们的生活也随之进入了直观感性的读图时代。

美术与艺术设计都属于视觉文化, 但二者之间却又有很多差异, 不能简单地把美术与艺术设计混为一谈。艺术设计在产生的初期是与美术有非常紧密的联系, 可以说, 传统美术就是艺术设计的母体, 艺术设计是由美术衍生出来的另一种视觉形式。纵观艺术设计史便会很容易发现这种关系。英国早期的工业革命带来了生产力的提升, 大量的工业产品被生产出来, 走进了人们的生活。但早期工业革命所制造的产品只注重了产品的功能, 对产品美的形式并不注重, 因此产生了大量粗制滥造的产品。工业产品成了低端、廉价、丑陋的代名词, 没有得到消费者的认可。很多人开始反对工业产品, 甚至出现了要不要回到手工艺生产时代的设计方式中去的争论。从水晶宫万国博览会到莫里斯工业美术运动, 人们呼吁艺术家加入工业产品的设计之中, 用美的形式创作美的产品, 于是, 艺术设计应运而生。艺术设计的产生完全是科技进步和人们对美的追求的必然产物, 也使生产与设计开始分离, 使设计开始从美术行业分离。因此, 最初的艺术设计师也等同于美术大师。从我国现代的户外广告也可以清楚地看出传统美术与艺术设计的分离。例如20世纪八九十年代, 几乎所有的户外广告都是具有美术绘画能力的美术师绘画出来的, 美术也就等同于艺术设计。时至今日社会上仍有很多人认为艺术设计与美术是同一门类, 更无法具体分辨这两者之间的差异。好多从事艺术创作的人也无法完全分辨, 简单认为艺术设计属于美术的范畴, 只是把这种另类的美术形式换了一个名称叫工艺美术或者应用美术。但随着科技的发展, 电脑技术在设计领域的广泛应用, 艺术设计与美术之间的差异也越来越明显了。传统美术与艺术设计虽然都是视觉形式出现的文化现象, 但在研究的内容、创作目的和手段、审美的高度和服务人群等诸多方面都有本质的区别, 具体的差异如下:

一、艺术设计与传统美术研究的内容不同

传统美术属于纯艺术, 更加注重精神层面。传统美术主要是研究美学, 包括绘画和雕塑, 绘画又包括国画、油画、版画、漆画、壁画等;雕塑包括木雕、石雕、玉雕、泥雕等。艺术设计研究的是实用的艺术, 更加注重物质层面。艺术设计需要和现代工业技术相结合, 创造出适合现代人类生产、生活的物质, 主要包括视觉传达设计、环境艺术设计、产品设计、工业设计, 动画设计等。

二、传统美术与艺术设计的创作来源和创作目的不同

传统美术与艺术设计都来源于生活, 是社会意识形态, 是生活的真实反映。美术创作源于生活但高于生活, 它以真实生活场景为蓝本, 艺术化的加工、提炼从而产生更具典型性的画面或场景。从西方文艺复兴时期“模仿自然”到近代的“再现现实”;从中国唐代张讲的“外师造化, 中得心源”到清代石涛“搜尽奇峰打草稿”等主张都承认美术来源于现实, 是现实生活的真实反映, 但美术创作又高于现实生活。艺术设计也是源于生活, 但它的设计目的就是服务和美化生活环境, 与日常生活息息相关, 属于生活的一个组成部分。

从创作的目的和消费的人群来看, 两者也有很大差异。传统美术作品主要是为精神层面服务的, 创作中体现了艺术家的个人意识、艺术思想及艺术修养, 它所接受的人群大多具有较好的经济基础与较高的审美能力。从我国古代文人画可以看出, 文人画的创作收藏都是宫廷或有钱有权的文人雅士, 普通百姓无关, 更非日常生活的必需品。艺术设计创作主要是为日常生活服务的, 工业革命引起的大量工业产品进入我们的生活领域。人们对美的追求促使艺术家进入设计的领域, 进一步优化美化我们的日常用品和生活环境。因此从创作的目的和服务的人群来看美术与艺术设计有着本质的区别。

三、传统美术与艺术设计创作的内容与表现的手段不同

美术作品的内容同艺术家的创作个性密切相关, 艺术家在他特有的思想感情、个人气质、生活经验和审美理想规定的范围内, 表现能够引起他们创作冲动的东西。艺术家在表现这些东西的同时, 也在作品中表现他自己的精神面貌、审美意识、艺术修养和艺术才能。因此, 美术作品的创作与作者个人的文化底蕴艺术修养以及绘画的表现技法是融为一体的, 属于一种个体的独立创作, 必须要由艺术家手工独立创作完成, 作品具有独创性和唯一性。传统美术的创作工具主要是继承了传统的笔墨纸砚等, 科技的发展对美术作品的表现手段没有太多的影响。艺术设计作品的创作形式较传统美术创作形式更加丰富, 特别是当代电脑技术的突飞猛进, 进入艺术设计领域后带来了革命性的变化。电脑设计精度高、速度快, 而且容易复制、修改便于印刷, 同时还极大地丰富了艺术设计的表现形式。从传统美术和艺术设计的创作人员来讲, 艺术设计项目经常是由一个团队分工、协作共同来完成, 从业人员与传统美术行业相比年龄结构要年轻, 培训的周期要短, 从业的人数规模也比较庞大。另外, 艺术设计创作出来的作品也不注重创作出来的原稿, 作品要通过数字媒体传播或印刷来大量复制, 达到宣传的目的, 从而产生经济效益或塑造品牌形象。因此, 艺术设计作品是一种复数艺术, 美术作品的创作与作者血脉相连, 受众更加注重作品的原创性和唯一性, 真品与赝品之间的价值有着天壤之别。

四、传统美术作品与设计作品的载体和展示场所的不同

美术作品有其自身独特的魅力与价值, 作品创作的纸墨材料并不具有独立的价值。美术作品本身价值, 并不需要依附于其他物品。艺术设计是为生活服务, 作品的表现也与生活用品和环境共生共存。生活用品是艺术设计创作的载体, 艺术设计创作形式也美化了商品, 增加了它的附加值。同时艺术设计还承担着促进产品的销售、传递企业信息和文化等功能。艺术设计必须依附于它所服务的产品, 失去这个载体, 也就没有存在的价值和意义, 就如无人演奏的乐曲, 无法展出的画作。

美术作品与艺术设计在展示空间和场所也有所不同。美术作品因接受的人群较为高端, 服务于上层建筑, 除了个人收藏以外, 往往会在艺术馆、博物馆等较为高档的场所展出。艺术设计则属于公共艺术行为, 具有很强的实用性。艺术设计作品更多地呈现在公共场所, 如街道、超市、广场等, 起到美化环境装饰空间等功能。

五、美术作品与艺术设计的生命周期和审美高度有所不同

优秀的美术作品具有时代烙印, 能够代表一个时代发展的方向, 是历史某一时期艺术发展的里程碑, 它的生命周期是永恒的。艺术设计作品的生命周期往往是比较短暂的。以商品包装设计为例, 包装设计是为了更好的保护商品、便于陈列携带, 促进商品的销售。因此包装设计要始终保持新颖独特的视觉形象, 吸引消费者的关注。当这种关注度下降, 消费者对已有包装失去新鲜感, 达不到刺激销售目的时, 新的包装设计形象就会产生代替旧的包装设计, 旧的包装设计的生命也就结束了。

另外, 美术作品创作的审美高度也会高于艺术设计作品。美术作品创作的审美高度引领着时代审美的高度和发展的方向。艺术家创作的美术作品必须要有自己的风格。艺术设计作品的审美往往也会受到时代审美的影响。艺术设计的创作永远不可能像美术创作那样随心所欲。艺术设计创作如同戴着枷锁跳舞, 它必须服务于服务的产品, 依据受众的审美高度, 服务人群的特点进行设计。设计作品也要符合生活习惯, 易于大众接受和理解, 最终的成败也要受众来检验。

最后, 传统美术作品的创作具有深厚的文化沉淀、悠久的历史传统和经验积累, 在发展过程中形成了严密的体系。因此, 美术作品大多都带有强烈的民族性和地域性, 具有时代的特征。艺术设计则是工业革命后才出现的新的艺术形式, 并无深厚的积淀和严密的体系。艺术设计追求普遍的审美价值观, 具有国际化视野。美术作品因为有严密的体系和传统, 作品在评价标准上也有公认艺术准则, 作品的价值也要得到美术行业内部的认可。艺术设计的作品依附于产品、服务于生活, 它的评价主要由市场决定, 由普通的公众和消费者来评价。作品的价位除了行业的评定主要在于依靠媒体的炒作。

艺术设计与传统美术有着密切的联系, 它们在融合中分离, 在分离中又互相影响。艺术设计在西方发展了一百多年, 已经趋于成熟, 但在中国艺术设计只发展了三四十年, 很多人对美术与艺术设计的认识还有些模糊。随着科技的兴起和人们审美意识的提高, 艺术设计在社会的认知度及重要性也不断的发生变化。现在艺术设计已经成为了一个很大的学科, 主要分为了视觉传达设计、环境艺术设计、产品设计三个大的领域。艺术设计的概念从最初的美术到工艺美术, 再到应用美术 (商业美术) 、再到工业设计, 最后到现在的艺术设计。概念的不断转换也反映了人们对对何为艺术设计的认知过程。只有更好地区分艺术设计与传统美术的差异, 才能更深刻地理解这两类艺术形式, 为我们的艺术创作和生活服务。

摘要：艺术设计与传统美术有着紧密的联系, 艺术设计起源于传统美术, 同属于视觉艺术, 但也有很多区别。当今生活中仍有很多人简单地把艺术设计等同于传统美术, 并相互替代, 无法分清二者之间具体的差异。艺术设计与传统美术在创作目的、表现手法、审美的标准等很多方面都有本质的区别, 属于完全不同的社会属性的两种艺术形式。只有更好地区分艺术设计与传统美术的差异, 才能更深刻地理解这两类艺术形式, 为我们的艺术创作和生活服务。

关键词：艺术设计,传统美术,审美,创作,视觉

参考文献

[1]王洪义.艺术批评原理与写作[M].北京:北京大学出版社, 2014.

[2]朱和平.世界现代设计史[M].合肥:合肥工业大学出版社, 2000.

艺术家美术设计 篇2

一、教学目标：

知识目标：通过教学让学生初步掌握书籍封面设计的要素和方法； 能力目标：通过欣赏和探索，提高学生的审美能力；

通过封面设计和制作，培养学生的参与意识和彼此之间的协作能力；

情感目标：为学生创造大胆表现的空间，让他们体验设计的成功和快乐，激发他们学习美术的兴趣。

二、教学重点难点：

重 点：封面设计的设计要素和封面设计的方法。难 点：书籍的内容与封面设计的形式的统一。教具准备：多媒体课件 书籍 学具准备：纸、笔、颜料等。

三、教具与学具：.教具：封面设计作品、各种书籍.学具：铅笔、蜡笔、水彩颜料和笔、四、教学过程

(一)导入新课

1、师：同学们，你们喜欢看书吗？平时都看过那些书籍？你能讲讲令你影响最深刻的书吗？学生站起来回答。

2、师：那么你们了解书籍从古到今的装帧吗？想。导入：放幻灯片，战国时期的竹简书籍，让学生讨论，竹简在古代的用处（是造纸术没发明前主要的书写材料和装订方法）。放幻灯片汉代书简装《永元兵器册》、金代卷轴装《金藏》、清代线装《康熙字典》等古代的书。引出，现代的书写材料和装订形式以及开本的大小。开本比较大的书适用了画册之类，开本比较小的适合文字比较多的小册子。

3、出示几本书籍(古籍书、儿童读物、杂志、画集)，并在实物投影上展示。

提问：除了这些书的大小开本不同外，这些书的封面各有什么特点?你喜欢哪本书?为什么?

由此引出：一本书不仅仅有好看的内容，还要有好看的封面设计，这样才能给读者有较深的印象，那么怎样来设计一本好的封面呢?这就是今天我们要学习的内容。出示课题《书籍的封面设计》

(二)讲授新课

1、结合课本图例提问：你觉得书籍封面有哪些功能？影响销售、美观、体现这本书的内容等。出示书籍封面的画面并全面让学生了解封面的结构：由封底、封面和书脊组成。

2出示几组的优秀封面作品，请学生分析其基本要素。有自己的封面，犹如人的脸面各不相同，究竟封面上有些什么呢?(文字和图画色彩)(书名、作者、出版社、书的性质和内容相符的图像)

教师总结：文字、色彩和图形构成封面设计三大要素。下面我们就和大家来分别研究一下这三大要素：

A、文字。书籍的封面要有明确的表意功能，而且还有审美功能，1、印刷字体:常见的有黑体、宋体

2、书法字体:这是一种有个性，充满动感，活泼美感的字体，具有浓厚的民族文化内涵的沉积

2、装饰字体 : 这类字体最为活泼多样，应用极为广泛。

B、图像。让学生观察欣赏封面的图像，分析是用什么技法绘制的。手绘方式 摄影方式 具象和抽象方式等

教师总结：图像要与书籍内容有关，使封面更加生动、美观。

C、颜色。任何封面总有一种颜色占主导地位，要能反映出书的某些性质和特点。不同类型的书籍会采用不同的色彩。

1、儿童书籍色彩上采用鲜艳的色调，突出活泼、稚气等特征。

2、文艺书籍：色彩就要求具有丰富的内涵，要有深度，切忌轻浮、媚俗

3、专业书籍：端庄

严肃

高雅 专业性学术杂志的色彩要端庄、严肃、高雅，体现权威感，不宜强调高纯度的色相对比。

4、时装杂志

色彩要新潮，富有个性。

5、封面设计步骤：

(1)构思立意

(2)确定封面的规格、定位图形及文字的位置

(3)图形的设色或制作，可以用笔直接画和设色，也可以运用学过的镂刻版画的技法上色，甚至可用有色纸剪贴

(4)上颜色

5、、学生创作练习

以暑假生活记录册为题设计一个封面。

作业要求：(1)用你学过的知识设计一本你们共同喜爱的书的封面。

(2)图形装饰、文字突出、颜色鲜明。

五、评价展示：学生自评、互评，教师总结 总结语：

民间美术对现代艺术设计的启示 篇3

关键词：民间美术；现代艺术；设计

一、民间美术和现代艺术之间的关系

民间美术是一个民族的劳动群众几千年来所创造的民间文化艺术，是一种群体性文化。它是人民大众内心情感的寄托和无声的宣泄，是一切艺术的源头。在题材和内容方面，它不仅反映事物本身，而且把创作者自己的情感与意念融入到作品中。大自然中的山水草木，鸟兽鱼虫这些简练概括的主观形象通过组合，通过再创作，不仅能给人们以美的艺术的享受，也传递了创作者独特的生活体验和深厚的情感。

几千年后的今天，工业社会的到来也催生了一门新型的学科，即艺术设计。从历史上看，艺术设计最初是由传统手工艺发展演化而来的，而传统手工艺生存发展的基础就是民间美术。无论从审美心态或从创作形式上来看，民间美术与设计艺术都有一种内在的必然联系。可以说，民间美术是设计艺术的基础，民间美术与设计艺术一脉相承，同宗同源。

民进美术和现代艺术都有审美性，实用性，文化性这几个共性，当然二者还有着很多不同的特点。民间美术具有民俗性，原发性，而现代艺术具有经济性，高科技性。

二、民间美术对现代艺术设计的启示

目前，随着时代的发展，人们的生活方式，社会习俗发生了很大改变。人们在享受现代艺术带来的美感时正在不断地挖掘传统的文化艺术。几千年造就的民间美术是现代艺术设计取之不尽，用之不竭的源泉，对现代艺术设计有很大的启迪作用。

（一）传统文化的因素

中国民间美术包括剪纸、刺绣、编织、蜡染、扎染、木版、年画、泥塑以及农民画等艺术样式，具有纯朴的风格、独具个性的形式、深厚的文化深蕴和真挚的审美追求。这种艺术造型细致精微，散发出浓浓的原生态气息。

（二）象征意义

中华民族是一个不屈不挠，奋发向上的民族，从那当耕火种的原始社会到现在，我们的民族从来没有停止过对幸福美好生活的追求，他们把这种情感都融入到了民间美术的创作中。他们用抽象的艺术语言来抒发对客观世界的感受，产生了强烈的装饰美感和象征性。

这种象征意义主要包括谐音和喻意两个方面，具体来说就是在各地节日风俗，风土人情的基础上，对人们熟悉的事情进行提炼概括，使人们产生丰富的联想，表达着人们对美好生活的无限憧憬和向往。比如百合，核桃象征着百年好合；窗帘上绣着的蝙蝠象征着福禄等等。现代艺术创作也吸收了这种象征的表现手法，比如北京奥运会所设计的福娃形象就是融入了藏羚羊、大熊猫、燕子以及奥林匹克圣火，它象征着人与自然和谐相处的美好愿望。福娃原型中和头饰设计中都应用了中国传统民间艺术图形，展现了中国的灿烂。

（三）对称的美

民间美术在艺术创作中，注重把不规则的事物组织得整整齐齐，把不匀称的形象组织得匀称起来，使自然现象在美术这个殿堂中有一种自然和谐匀称整齐的美。其实这种创作迎合了中国人追求对称的心里特点。这也可以在诗歌、散文、对联甚至中国的语言中找到影子。

现代艺术设计要有市场，受到普通大众的认可，最重要的就是要符合中华民族的文化背景和审美心理。社会在发展，人们的思想观念也在改变，但不变的是几千年积淀下来的深入一个民族骨髓，成为其不可改变的一部分的文化的根——文化心理。

（四）现代艺术设计的民族化之路

现在科技的发达，及全球化经济的大趋势使得人类的视野迅速扩大，国际之间的交流与合作成为大势所趋。在这种背景下，艺术设计的国际化成为一种潮流。但我们应该清楚的认识到，现代艺术设计必须走民族化之路。首先占世界人口近4分之1的中国人是现代艺术的最大的人群，要受到他们的认可和接受一定要迎合他们的文化心理。而这种心理早已蕴藏在民间美术中。其次只有民族的才是世界的，我们跟在西方国家之后亦步亦趋，只能是他们文化的简单拷贝，永远无法超越他们，更无法吸引他们的目光，只有我们有了自己独特的带有自身民族文化的东西，才能受到他们的尊重，同时推广中国文化，因为只有民族的才是世界的。

三、结语

民间美术中实用的科学性、结构设计的合理性、材料运用的工巧性、技巧的高明性、装饰的趣味性、题材的丰富性、形式的多样性等都将给现代设计以美感和生机，极大地丰富设计的艺术语言和思想内涵。而且民间美术仍将持续不断地为现代设计提供养份和动力。所以我们既不能完全弃民间美术于不顾，厚今薄古，也不能限于传统的民间美术中无法自拔，缺少现代眼光，不考虑现代人的追求。正确的做法是从民间美术中吸取有用的养分，去其糟粕，取其精华，实现传统和现代的完美结合。

参考文献：

[1]陈艺方.略论民间美术对现代艺术设计的启示[J].黔东南民族师范高等专科学校学报，2004（5）.

[2]李澍.中国传统民间美术对现代设计的启示[J].绵阳师学院学报，2008（7）.

[3]周鸣勇.浅析民间美术对现代艺术设计的作用[J].作家杂志，2012（7）.

工艺美术与艺术设计探讨 篇4

1 概念和表现形式

1.1 工艺美术

在艺术的分类中, 工艺美术又称造型艺术、视觉艺术和空间艺术, 其概念是指艺术从事者通过一定的物质材料 (石头、木料, 金属、画布、颜料等) , 塑造以反映自然现象与社会生活, 表达艺术从事者的思想观念和感情的一种平面或立体的视觉形象或生产形态, 表现形式主要有绘画和雕塑等类型。

1.2 艺术设计

艺术设计是人类为了实现某种特定目标而进行的以生存与发展为基本的一项创造性活动, 其目的在于通过具体实物对人的视觉冲击来传达艺术设计品所蕴含的思想与内涵, 使其有计划、有规划的进行人造物品的加工。作为物质产品, 它反映着一个时代的物质文明和文化发展的水平;作为精神产品, 它以其造型、色彩和装饰等外观形象来塑造一个时代的发展观和审美观, 其表现形式主要有日用工艺品设计和陈设工艺品设计两种形式。

2 发展

2.1 工艺美术

“工艺美术”一词最早出现在我国封建社会时期, 当时, 为了丰富市场交易内容, 工匠们通过生活与美学结合的方式制造的手工制品在市场竞争中占据了极大的优势, 这不仅对工匠的手工技艺起到了促进作用, 也使得工艺美术自身的发展技术得到不断的提高, 促使设计者设计出色彩更加华丽、应用更加广泛, 并与人们日常生活联系紧密的艺术作品。

2.2 艺术设计

通过19世纪初欧洲爆发的“工艺美术”运动, 人们提出了“工艺设计”这一概念, 直到20世纪初, 包豪斯学院的成立才使得这个概念得以确立。十九世纪欧洲工业化的发展, 给市场带来的负面效应促使造价低廉且质量粗糙的工业产品繁多, 一些对产品要求严格的艺术家看到这一现象反映出设计方面的严重缺陷, 开始寻找解决这一问题的办法。随后, “工艺美术”由英国转向欧洲, 在欧洲其发展的形式为“新艺术”运动, 接着又发展成为“装饰艺术”运动。直到20世纪初期, “现代设计”出现在人们的眼里, “艺术设计”这一观点才逐渐得以确立。包豪斯设计学院成立于1919年, 该学院利用先进的科学技术钻研新的艺术形式与艺术手段, 适应工业化时期市场的需求, 加强产品与实际应用之间的联系, 使其产品的设计更加满足大众的需求。

3 区别

3.1 服务对象不同

物质文化的发展是一个漫长的过程, 需通过历史的发展与时间的筛选而确定其价值与意义所在。需求决定市场, 市场决定价值, 不同时代的人们有着不同的需要。有些器物的设计与制作并不是很快被人们认可与应用, 而需相当一段的时间通过试用来验证其价值与意义。各种器物的制造与应用有其自身的发展形式, 相比而言, 在我国封建自然经济与社会计划经济时期, 由于商业活动与市场发展水平低下, 信息传播速度缓慢, 因此而造成工艺美术展示空间狭窄, 面向社会不广泛, 生产出来的手工艺术品多以宫廷及达官富贵所用。作为工业革命与商品经济共同的产物, 艺术设计随着社会发展进程的加快和功能不断的提升, 其产品设计与生产能够更好的面向市场与大众, 满足人们的物质与精神需求。由此可见, 工艺美术与工艺设计在其各自的服务对象上存在根本上的差别。

3.2 美学价值不同

工艺美术作为艺术与技术的结合产物, 是通过传统农业与手工业的发展及其价值模式的结合而产生, 是集科学与艺术的精华所在;而艺术设计是现代工业化与信息化的时代产物, 是结合人性与时代特征综合而来, 并且学科之间交流频繁。也正是由于我国工业化起步较晚, 因此我国的艺术设计还处于初级发展阶段, 与西方国家存在较大的差距。宗白华先生曾经说过:“懂艺术美学的不懂技术, 懂技术的不懂艺术美学”, 这也是对我国目前工艺美术的发展状态仍以画室作业为主的具体阐明。

3.3 研究范围不同

田自秉的《中国工艺美术史》告诉我们工艺美术的发展由器、织、雕、染、塑、绘六方面组成;尹定邦的《设计学概论》告诉我们艺术设计参与的范围远广于工艺美术, 其主要包括环境艺术设计、视觉传达设计和产品设计三大类型。纵观我国工艺美术的发展史, 从时代的角度反映出艺术设计的发展是随着社会经济的提高而不断深入, 具备鲜明的时代特征。

3.4 教育模式和专业设置不同

受文化特征与思维方式的影响, 我国传统手工业制造技术的发展与传教方式比较单一封闭, 其关系往往仅限于师徒与家族之间, 对于技术的传教几乎是靠老辈中熟练的手工业者凭经验而进行教学, 无法对知识进行系统的归纳和总结, 进而容易造成技术与知识的流失。随着现代科技的发展与信息传播速度的加快, 受西方国家思辨哲学思想的影响, 我国现代艺术设计逐渐形成一种系统的、理论化的知识结构, 相比于传统的言传身教教学模式, 其主要是以书刊、录像等方式进行传播, 甚至是以高校招生的方式进行专业教育。以科学系统论来作为指导方法, 是人类思维模式和研究方式变革与突破的表现。

4 结束语

总而言之, 工艺美术与艺术设计同源异流, 工艺美术所蕴含的思想和文化是对艺术设计教学的指导, 使得艺术设计教学在一种意识形态指导中开展, 在学习先进设计理念的同时, 掌握渊博的工艺美术知识和文化。从历史的发展历程来看, 满足社会的需要, 响应时代的呼唤, 工艺美术转向艺术设计已成为艺术拓展的必然选择。

参考文献

[1]李静.现代室内装饰设计中传统工艺美术的运用探讨[J].太原城市职业技术学院学报, 2013, (2) .

[2]郝琴琴.浅谈工艺美术在现代艺术设计教学中的应用[J].文艺生活·文海艺苑, 2012, (10) .

艺术家美术设计 篇5

教学目标：

1。了解校园艺术节标志、海报、请柬、节目单设计，以及画展展厅、文艺晚会舞台设计和布置的相关知识，并初步掌握设计方法。

2。学生通过分组合作完成，提高学生提出问题，讨论、分析问题，搜集信息、利用信息资源，解决问题的能力。

3。通过学习培养学生的学习兴趣、明确学习责任以及乐观的生活态度、求实的科学态度、宽容的人生态度。

教学重、难点：

教学重点：制作宣传海报。

教学难点：如何运用各种设计手法、制作出精美的海报。课前准备：

教师：海报多媒体视频、海报制作材料； 学生：绘画工具。教学过程：

（一）、创设情境，导入新课

教师活动：课件出示问题：如何策划校园艺术节？从美术角度讲要做几个方面的准备工作？重点是海报设计制作应体现哪些内容？海报设计的方法有哪些？海报设计要遵循哪几点设计原则？海报制作要准备的工具材料等。

学生活动：学生各团队学习小组根据预习学案的内容在课前展开研究讨论和准备，上课时组长用口头语言或书面语言向老师汇报。

教师活动：检阅各小组上交的预习材料，查看学生合作交流情况，对学生的问题点评讲解。

（二）、互动探究，合作掌握

1、教师用多媒体展示本节课学习的重要内容和学习目标。学生朗读学习目标。

2、教师利用多媒体图片展示校园艺术节准备工作中需要的“请柬、海报、标志、节目单”等以及艺术节图片等等。重点展示校园艺术节海报的图片。

海报设计包含：主题内容、图案运用、色彩搭配等。让学生认真的观看分析，并指出设计制作海报要注意的要点。

1/2 A、海报设计要体现的内容与信息？（多媒体展示）主题、举办单位、时间与地点等。

B、海报设计有几种方法？（多媒体展示）手绘、电脑制作、剪贴等。C、海报设计要注意哪些原则？（多媒体展示）原则之一：构思巧妙、主题突出。原则之二：版面简洁明了。

原则之三：色彩饱满和谐、引人注意。

3、教师利用多媒体展示不同类型、效果的优秀艺术节海报作品，鼓励学生尝试从这些作品做重新设计，看看能产生怎样的艺术效果？重新设计时要注意主题内容的明确，图案运用的恰当、巧妙，色彩搭配要合理等等。用实例海报图片对比来加深学生对知识点的认识，及对设计技巧的掌握。

（三）、动手制作

1、课件出示作业要求：结合教师给的学校艺术节图片资料，团队学习小组分组完成海报设计制作。教师巡视指导，解决设计难点，并及时记录学生的学习态度及完成情况。

2、提出要求：在规定的时间内，各小组分工、合作讨论，尽量在策划当中发挥成员的优势，使策划具有丰富性、新颖性、组织工作既严密又科学。

3、教师小结：根据学生的策划方案引导学生质疑，引发争论与思考。

（四）、作业展示，互相评价

1、学生完成作业后，进行作业展评。

2、对本堂课进行小结，分析学生的参与情况、收获及不足。

3、布置下节课的预习及学具准备。板书设计：

艺术节策划与美术设计

策划书包括：艺术节名称、主题、标志、色彩和吉祥物等。黑板报宣传设计 艺术节整体策划图标 艺术节舞台设计

关于工艺美术与艺术设计的探讨 篇6

从工艺美术到艺术设计，在时间的催化下，工艺美术最终向着艺术设计方面进行着转变，可以说，这是社会发展的必然。就当前的发展状况来看，工艺美术与艺术设计两者之间存在着很多相同点，但是他们又有不同的侧重点。所以，为了进一步掌握工艺美术与艺术设计未来的发展状况和趋势，笔者对两者进行进一步探讨。

1.工艺美术与艺术设计的内涵

（1）工艺美术的内涵。关于工艺美术的历史，可谓在我国源远流长。早在封建王朝时期，陶器就在人们的生活中无时无刻体现着工艺美术的魅力。工匠将美学与我们生活实际相结合，制造出了具有美感并且十分实用的器具。和现在的市场经济一样，封建时期的交易市场也存在竞争关系，这就促进着手工艺者不断突破色彩限制、器形限制等等，所以工艺美术也借此契机进行着飞速的发展。工艺美术的技术性进步，其本质还是顺应了人们生产生活要求，在生活中孕育。

（2）艺术设计的内涵。艺术设计的出现要比工艺美术晚上十几个世纪。关于艺术设计概念的提出，其要追溯到十九世纪初，在当时的一段时期，欧洲展开了轰轰烈烈的“工艺美术”运动。受这场运动的影响，包豪斯学院成立。这所院校的成立正式确立了艺术设计的概念。十九世纪，欧洲出于工业化迅速发展的阶段，也出现了质量低劣的工业产品。正是这种对产品的不认真导致一些艺术家开始为解决这一问题寻找方法，从而成为欧洲“工艺美术”运动爆发的成因。这场运动为工艺美术灌输了新的理念：反对大量制造工艺品，反对工艺品设计过于浮华；在艺术品的设计上，注重欧洲的古典风格和东方美学风范。包豪斯学院的成立正式沿袭这种艺术设计而正式建立，充分适应当时工业化市场，满足人们的生活需求。

2.工艺美术与艺术设计的区别

（1）不同的美学价值。工艺美术是设计者将人们日常生活与美学相结合的产物，是技术与艺术的结晶，而艺术设计产于工业化信息化，其中掺杂着科学技术与艺术中的精髓，更加具有时代性与人文主义。但是关于艺术设计在我国的发展，目前仍在初级阶段，这与我国起步晚有很大的关系。

（2）不同的研究范围。我们用田自秉的《中国工艺美术史》为例子，从这本书中我们可以从各个角度研究我国工艺美术的相关特性。追溯我国工艺美术的发展史，我们不难看出工艺美术的发展范围，紧紧围绕在器、雕、织、塑、绘、染几个方面。而通过《设计学概论》，从视觉传达、环境艺术设计、产品设计三个类型可以发现，艺术设计所要参与的范围要比工艺美术大得多。在漫长的时代发展历程中，艺术设计随着我国伴随着我国的经济同步发展，所以艺术设计在我国具有一定的时代特征。

（3）不同的服务对象。追溯到旧石器时代，新事物的产生需要很长的时间才能被人们所认可。所以，各种事物的发展遵循着自身的发展形势。工艺美术产生时期相对较早，受到当时封建自然经济的影响，只有特别的、要求高的贵族、宫廷才会使用具有这些工艺美术的艺术作品。艺术设计产生于工业革命与商品经济快速发展的新时期。时代的进步让艺术设计作品更加具有功能性，更多的添加人性元素，更符合人们的生活需求。相对于工艺美术的受众狭窄，艺术设计作品的受众则面向全体大众。

（4）不同的教育模式。工艺美术诞生于传统手工业技术发展的时期，在当时的情况下，这种技术的传播途径狭小，传播方式十分单一。一般来说，一项技能的传播往往集中在一个家庭的传承，或者说是师徒之间的传授。在很多情况下，一个熟练的手工艺者，其往往按照自身经验来作为传授技能的工具，经验传授在封建时期占有主体地位。这种方式有一个缺陷，就是没有归纳与总结。另外，在封建时期，一项技能很可能被拥有者所重视，对技能有保护心理，成为独家技能。而与工艺美术相比，艺术设计的教育就显得现代了许多，它可以借助现代的方式进行普及教学，比如书刊、录像等等，大大不同于工艺美术的言传身教。科学的发展也为艺术设计的传播发挥了积极作用，科学的系统理论让艺术设计更加知识化，理论化，帮助人们的思维方式产生更大的变革。传统的工艺美术涵盖了很多方面，当然随着现代艺术的发展，艺术设计进一步被填充了更多的层面，可以说，在我们的生活中，无时无刻不在和艺术设计作品打着交道：室内装修、包装设计、平面广告等等。造成两者不同的原因，是因为产生的背景有很大的差异，但是都是顺应时代需求而形成的产物。从中我们不难发现，艺术产品在一定程度上是社会生活与社会需要的反映，是社会发展与进步的标志。不同的时代孕育了不同的艺术风格，在艺术理念与传承上也发生着变化，总之，无论是工艺美术还是艺术设计，都是为我们生活添加色彩的财富。

总结

本文简要从含义、特征等方面简要分析了工艺美术与艺术设计之间的联系与区别，尽管在近几年工艺美术与艺术设计受到西方近代设计思想的影响，但我国自身文化与艺术发展对两者的影响是根源性的，并不会因为外来文化的影响而被抛弃。工艺美术与艺术设计都是在当时的社会环境下产生的结果，可以说是继承与发展的关系。他们影响人们的生产生活，为我们文明的进步而做着积极的贡献。

舞台美术设计是行动的艺术随想 篇7

随着历史变迁, 艺术不断更新, 舞台美术设计在新的时代中重放异彩。融合现代科学运用多方位的艺术表现手法, 以特殊灯光对舞台画面进行扫描, 配以节奏旋律的独特音响, 把观众处置在特定的空间和时间中去欣赏和感受, 融汇创造综合性的艺术氛围, 从而产生强烈的艺术感染力, 使观众“如闻其声, 如临其境”。在欣赏中情绪为之激荡, 心魂为之振动。艺术不像真理那样希望人们信仰, 它只希望人们激动, 同样, 舞台美术设计不一定要像科学论文那样需要充足的参考资料, 艺术作品可以凝练和夸张, 灵感是最可贵的, 创作是自由的, 东方有东方的意境, 西方有西方的色调, 大千世界有形形色色的艺术作品。但是人们对艺术美的欲望和追求是没有止境的, 总是向往未来, 向往那更美丽更辉煌的艺术佳作。过去很多的革新, 那种平面的更换色泽的变移, 旧格局、旧观念内的改革, 已让人觉得跟不上现代科学和思维的飞速发展。随着科学新技术向各个领域的渗透, 音乐出现了电子激光音响, 文苑出现了有声有色读物, 绘画同样也出现了电脑五彩滨纷的喷绘, 所以说舞台美术设计领域在形式上进行新的开拓, 可谓势在必然。

舞台模型是舞台美术设计的方法和手段, 舞台空间的复杂化, 要求舞美设计必须借助模型, 单纯的平面草图不能达到目的。可以认为, 舞台模型的“立体”雕塑式, 包含两种意思:一是模型本身实际上存在的三维实体, 在造型思维的深度与广度上比二维的绘画更难把握;二是舞台模型作为视觉艺术, 是被人的视觉和知觉所感知的各个视觉面的总和。舞台绘画只是平面上表现出立体形象, 而舞台模型则要通过造型的所有可视面将模型的实体展现观众眼前。在掌握造型实体与舞台空间上, 设计师本身有其自身的难度。舞台场景空间是立体的雕塑式的方式来表达接近于现实, 是真材实料各种金属木料创造出雕塑形体式为主的布景, 以质感取代舞台气氛, 以形体与空间取代颜色装饰性, 运用舞台设计语言, 创造出诗意写实主义。所以只有在舞台空间中认识实体才是做舞台模型的正确的立体观念更新, 是设计师用这些具有三维特性的材料作为构成元素进行重新创造的结果。旧的画图设计方法, 不可能创造出新的艺术形象, 也表达不出整个舞台实际的空间效果。舞台美术设计方法是多种多样的, 根据剧目及性质可以是草图、正式图、模型。当然舞台模型的性质, 主要是设计过程的推敲之用, 是给导演各位参考评估, 也可以说是从舞台模型开始, 结束时才画正式效果图和最后表达模型, 舞台模型是一种高效率的设计手段之一。创作能力和表达能力的提高, 不能只靠演讲和讨论的方法, 而是靠实际的实践过程中, 这是真正行之有效的方法。通过尝试大胆创新从舞台模型艺术中得到启迪, 使舞台模型局部, 明白坦露, 开门见山, 空间透视, 虚实明暗, 使观众欣赏舞台时在另一层面更集中, 更直接, 极大地增强了“横看成岭侧成峰”, 充分发挥材料的可塑性。总而言之, 首先要专门培养丰富的感觉, 具备感觉能力敏锐, 及可视形象的感知能力和思维能力.对空间形体光线明暗和色彩变化的感觉, 还有时画面的更重要的感觉能力, 如将各种感觉上升到审美和诗意的境界, 使画面的感觉能力产生新的情感和立体意义, 这样才能使舞台美术创作具有别于审美特征。客观世界存在着各种各样的节奏韵律和结构, 生命万象以其充活力的感情形式打动我们的生理感官, 通过用心感悟和毕生实践, 从中寻找出具有视觉价值和审美价值的东西, 既有深刻的思想内涵, 又有强烈的艺术感染力, 达到认识、审美、观赏的有机统一, 也是舞台美术设计孜孜以求的。使舞台模型通过音乐、灯光、舞美的大胆创新及机械舞台的点缀, 大胆地将现代化的科技手段运用于传统的剧种创新, 将成为改造镜框式舞台并使之立体化提供了较为理想的舞台装置。舞台技术发展的今天, 也使种种的艺术设想有体现的可能。新材料、新光源、器材改革、激光电脑等技术在舞台上引进, 给舞台增添千姿百态的缤纷色彩, 与创造的空间, 综合、张扬、强化舞台艺术的整体魅力。新世纪的舞台美术事业已硕果累累, 并在不断发展与创新, 已经形成了自己的艺术风格。

《追寻美术家的视线》教学设计 篇8

《追寻美术家的视线》这节课的教学设计是以新课程倡导的人本主义和建构主义的教学思想为理论指导。传统的美术欣赏课教学中教师习惯满堂灌的教学方式, 突出的是教师的“教”, 学生始终处于被动灌输的地位, 学生对知识学习是一种被动的接受, 教学中没有体现出学生学习的主体地位。新课改下的美术教育已不再是一种单纯的技能技巧训练, 而是一种文化学习, 更注重培养人文素养与美术素养, 以学生发展为本, 注重培养发展学生的审美能力、感知力、想象力、表现力等方面的综合能力, 注重培养创新精神, 注重学生的个性发展和全面发展。新一轮的课改重点之一是促进学生学习方式的变革, 提倡自主学习、探究学习、合作学习为主要学习方式。新课标明确指出:科学探究既是学生的学习目标, 又是一种重要的学习模式, 通过学生的亲身经历, 培养学生积极主动地参与学习。因此本节课就是体现新课程改革强调教学中教师的主导作用和学生的主体地位, 注重对学生学习兴趣、自主探究学习和合作互动学习能力的培养, 强调情感体验, 注重学习的过程, 注重跨学科学习, 通过美术活动提高学生的整体素质。

教学目标

1.知识技能:了解美术家观看、认识世界的不同方式及其在作品中的反映, 学会从形式入手深入领会美术作品的意义。

2.过程与方法:过程:创设情景———引导分析———分配研究主题———小组合作探究学习———展示学习成果———总结、评价。

方法:情景教学法、情感体验法、启发式教学法、探究式学习法、比较式鉴赏法。

3.情感态度与价值观:培养学生的审美眼光和探索、创新精神;培养学生以审美之心来感受社会生活, 树立正确的审美价值观。

教学重点

理解美术家对相同题材作品的不同处理、表现形式, 以及这种差异的文化含义。

教学难点如何引导学生理解“美术家独特的视线”。教具准备

课本、多媒体课件、平面镜、凹镜、凸镜、学生探究学习的资料

学具准备

课本、画纸、画笔、课前收集的学习资料

教学探究过程

一、创设情景, 引起学生的学习兴趣

1. 视频欣赏:朱自清散文《荷塘月色》 (节选片段) 学生听、看, 感悟其中的美。

引导学生思考:我们经历了无数个夜晚, 特别是在月夜下, 月亮带给我们每一个人的感受都不一样, 为什么?

2. 播放背景音乐、欣赏月夜图片。

(1) 让学生闭上眼睛回忆自己印象最深刻的一个月夜的场景;

(2) 让学生用绘画形式表现印象最深刻的一个月夜, 并讲述自己作品所含的情感内涵。学生闭上眼睛回忆, 把场景用语言描绘出来, 部分学生上台作画, 并讲述画面的含义;

(3) 引导学生分析同一主题“月夜”为什么同学们谈到的、画出来的都各不相同, 并且进一步让学生分析, 造成这些差异原因是什么?

学生讨论, 谈各自不同的感受, 总结出因为观察的“视线”不同, 所以主观感受与处理方式也不同。

3. 欣赏生活中四组不同主题的图片:“月夜”、“婚礼”、“母子”、“聚会”。

让学生思考, 面对同一主题、内容, 美术家是如何表现的呢?

引出课题:追寻美术家的视线 (时间:8分钟)

设计意图

创设三个教学情景层层推进, 增加学生的情感体验。通过“听、观、谈、画”等形式去调动学生的不同感官, 去感悟同一主题内容的不同表现形式。促使学生主动思考, 积极发表自己的观点看法, 引导学生畅谈月夜下的情感体验, 唤起自己内心深处的情感共鸣。用语言形式和绘画形式进行体验, 激发学生学习兴趣, 加强感受, 调动学生的形象思维, 从学生自身经验出发, 从感受过程中找到问题的答案。

二、自主学习, 小组合作, 主动探究

1. 根据教材提供的四组作品, 学生分为四个小组, 教师明确各组探究学习课题, 分发学习资料。

第一组主题:月夜

研究作品《星空》《月华图》

问题: (1) 两幅作品各自表达了什么样的情感? (2) 你喜欢凡高的《星空》吗?为什么?

第二组主题:婚姻生活

研究作品《阿诺芬尼夫妇像》《高士图》

问题: (1) 两幅作品各自体现了什么样的文化背景? (2) 《阿诺芬尼夫妇像》《高士图》构图体现了什么?

第三组主题:圣母子

研究作品《圣母子》《小考佩尔圣母》

问题: (1) 你比较喜欢哪一幅?为什么?

(2) 请用其它艺术形式表现母子情这个主题。

第四组主题:聚会

研究作品《乡间音乐会》和《草地上的午餐》

问题: (1) 画中人物的视线方向一样吗?对作品表现会产生什么影响? (2) 以平时“聚会”相比较, 谈谈对《乡间音乐会》和《草地上的午餐》作品的理解?教师参与小组讨论, 观察学生的学习情况、就学生讨论过程中的遇到的疑难问题及时给于帮助、引导。 (活动时间10分钟)

2. 小组交流各小组学生代表走上讲台, 发言交流。学生就画面内容和艺术家的表现手段大胆发表自己独特的见解, 交流学习心得。教师对学生的讲述进行引导、补充修正、表扬。 (小组交流时间12分钟)

设计意图

1.通过学生自主学习, 小组合作, 主动探究的学习方式, 改变学生单纯地接受教师传授知识为主的学习方法, 让自主学习成为一种乐趣。利用比较式鉴赏方法有助于学生更好、更清晰地理解同一主题的美术作品的不同表现, 在小组的探究学习活动中以问题为中心展开探究学习, 在活动中拓宽学生的知识面, 培养学生主动参与意识, 同时关注学生的个性特长, 尊重学生的人格主体地位, 培养学生正确的审美价值观和审美情趣。

2.学生的交流发言, 培养了学生的综合分析能力、表达能力, 体现了学习探究的成果。同时也是师生共同实现本课教学目标, 即理解美术家独特的审美眼光和表达方式, 认识文化背景艺术个性等因素在美术创作中的作用以及对美术家创作的影响。

3. 充足的活动时间保证了探究学习的有效性, 教学中体现了学生学习的主体性, 从而不让探究活动流于形式。

三、拓展思考与实践

观赏艾舍尔《手与球面镜》找出艺术家的视线在哪里?

提问:同学们平时会用什么观察自己, 请学生用平面镜、凹镜、凸镜来照一照自己。

学生实践:学生自己分别在平面镜、凹镜、凸镜里观察自己。

启发学生思考:我们看到的都是一样的自己吗?

学生体验、思考、讨论、回答看到的现象。 (时间:6分钟)

课堂小结美术家面对的是和我们一样的环境和生活, 但他们跟我们不一样的地方, 正是能够以一种不同于一般人的眼光来看待这个世界, 并且用自己的语言和表达手法表现出来, 成为有一定寓意的, 既源于生活又高于生活的美术作品。 (时间2分钟)

设计意图通过实践活动调动了学生学习的兴趣, 它注重了直接经验和个人实践知识的获取, 而不是间接经验或书本理论知识的获取, 是学生亲身参与活动中“悟”出, 当我们面对世界和日常事物时, 通过用特殊的视点来观看, 会获得意想不到的效果。由此巩固所学内容, 概括美术家独特的视点和表现世界独特方式, 以突破本课的难点。

课后反思

艺术家美术设计 篇9

Original Indentity Gallery

“归去来兮, 田园将芜, 胡不归。”

归去来兮辞将诗人对现实无奈和返璞归真的渴望表达得淋漓尽致。

泡沫经济的沉疴让空间缺乏内容, 行为缺乏优雅, 情绪缺乏控制。

机器、物料、互联网, 走马观花般匆匆抹去了思考-体验-创造能带给人的愉悦, 与充斥满眼的图像相违的是精神和文化的缺失。

生活的艺术

创立原境界的初衷, 是为了寻找最真实的生活元素。

依托原境界美术馆实体空间, 希望在这一方自在的天地建立起城市、乡村与文化、人的联系, 最终成为一个未来文化生活实验场。

设计的艺术

通过论坛、竞赛、活动, 原境界美术馆参与并介入到多类型设计与跨界文化的推广, 通过收藏、展览等活动形成了一个艺术聚集地。

环境的艺术

“原”——意味回归本源。

它是一个社交平台。

是设计、思想、生活交流的会客厅。

它是一种尝试。

试图创造新空间, 探讨城市复兴、乡村建设的各种可能性。

它是一抹初心。通过实践、运营充实社会生活, 为城市、乡村、居住、环境营造丰富的艺术精神元素。

·石上纯也与原境界·

Junya Ishigami and Original Indentity Gallery

缘起——结识石上纯也

2014年5月31日, 石上纯也来原境界美术馆做客, 也以“极度自然”为题演说。

从2014到2016, 从“极度自然”到“自由建筑”, 美好的东西值得被不断诉说。

对谈——宋照青·石上纯也

关于设计转型

宋照青:国内经济发展速度放缓, 中国建筑师面临了很大的困惑:一是生存空间, 二是发展方向。在这个放缓的过程中, 可能需要建筑师更多反思和探讨, 如何更好地去设计创作。

石上纯也:现在经济发展速度放缓, 转型或许会让他们开始关注一些比较小的作品。

宋照青:我的一个朋友曾我说过一句话, 世界上百分之零点一的建筑是经过大师或者明星设计师设计的, 绝大部分建筑都不是这样产生的。小建筑也许更能体现设计师的创意和意图, 但大房子或许能在群众的使用和功能上, 创造出一些更具有积极性的价值。

关于柯布西耶

宋照青:柯布西耶在一本书里写道“要么进行建筑, 要么进行革命”, 大学时候看到的, 我至今认为这句话是对的。建筑不是建造, 它是基于对整体环境关爱的建筑行为。

石上纯也:联想到自己的一些东西。柯布西耶不仅仅是自己的艺术性和自己的感性, 他是把整个城市, 整个环境与自己的艺术性和自己的感性完全融合到了一起。

关于城市未来

石上纯也:大家对中国现在的整体城市规划, 是不是都有各自的理解?

宋照青:最近的30年里, 中国的建设量占了整个历史上几千年来的百分之七八十的建设量, 这改变了整体国土面貌。尤其是在以经济为导向, 开发为导向下的规划, 是非常滞后的。谈不上城市规划, 何谈城市设计?

石上纯也:那么那些除了大城市之外的小城镇或是所谓的二三线城市, 他们是怎样发展的?他们是在衰退还是在发展呢?

宋照青:二三线城市原本就产业单一、文化单一, 照搬大城市的开发模式, 又让他们完全丧失了原来的特色。

CCTV楼的出现, 让很多中国年轻的建筑学生认为, 真正的优秀建筑师应该是这个样子。您下面要在原境界美术馆进行的讲座——“极度自然”。我很喜欢这个主题, 我觉得中国目前最重要的问题, 不是大规模开发建筑, 是重要的是要保护环境。

石上纯也:在过去的20世纪, 大家都是用一个很大的一个尺度, 考虑城市, 考虑社会问题。现在的问题是, 除了城市之外, 宏观到整个地域环境, 整个自然界, 整个地球, 微观到组成这个城市的建筑和一个细部, 都是建筑师需要考虑的问题。

城市的时代接近完成了。城市之后建筑师能做什么事?尤其像在日本, 建筑项目机会没有那么多, 不可能像中国一样有这么大的力量来推动一个城市的发展。所以建筑师在思想和深度方面可能要多想一点, 建筑、生态环境这种方面去考虑。

创立原境界的初衷, 是为了寻找最真实的生活元素。

依托原境界美术馆实体空间, 希望在这一方自在的天地建立起城市、乡村与文化、人的联系。最终成为一个未来文化生活实验场。

讲座——极度自然

建筑、设计不是一成不变、固步自封的艺术。

建筑、设计是踩着一块浮冰去另一块浮冰的探索, 却不知岸在何处。

·桌子·

这是从桌子的底下往上看的角度, 对我来说这个桌子应该很像一个建筑, 桌角像柱子, 桌面板像一个很大的天花板。这个桌子很像一个纯粹的建筑, 做的时候就把这个桌子当做一个建筑来做。通过这个作品, 我们觉得设计都可以像做建筑一样的思考方法去尝试。

大家看上去这个像是外观的照片, 实际上它是室内的照片, 这是用餐的地方, 虽然是在城市, 但是又有一种像在森林里的感觉。所有设计的那些桌子像植物一样作为景观来呈现, 让人感觉到非常暧昧的空间体验, 不知道是在室内还是室外。

我做这个项目的时候想的是不仅仅希望为了满足住宅、居住的功能而做的设计, 我想做的是在城市的环境中怎么能够做出让自己舒适的居住环境, 并不是单纯的用空间的方法做室内环境。

柱子的截面是长形的, 看一下它的长和高宽, 而且所有的长宽方向都不一样。整个建筑里, 仿佛不存在我们以前的有走廊, 没有明确的朝向。每个柱子的方向位置都是根据他所处的空间的形态设定的。

通过室内的功能流线来设计建筑的方法是完全不同, 这个完全是景观的设计方法。

我通过这个建筑在大学里面创造了一个新的风景。这是学生食堂, 与其说学生去食堂吃饭, 不如说更像是去草原旅行。

值得一提的是, 建筑内部都是土, 可以长草, 内部温差会对屋顶铁板产生较明显的影响。一天之内屋顶的高度会有1米高的变化。

首先在基地里面挖了几个洞, 往这些洞里面浇入混凝土, 当混凝土干了之后, 我们把突出的部分挖掉。这是非常抽象的形态, 而且上面是有洞, 在里面走的时候就像在迷宫里一样, 同时又能感受到外部的环境。

通过这个项目, 我们是想做中间的一个空间, 也就是所谓的人工与自然之间, 建筑与自然环境之间, 精确和不精确之间, 计划好的平面和没有计划的平面之间。在刚才说的这几组反义词之间存在的空间设计, 这个建筑既是建筑又是自然景观, 在这样的空间里形成了像洞窟一样的自然景观。

在整个大厅里面, 这样一个5层高的金属在里面飘, 可以看到虽然大, 但是里面充满了氦气, 所以它的浮力和重力是正好抵消的。它跟哪儿都没有连接, 所以它是自由地飘来飘去, 有时候撞一下墙。

设计就像破冰之旅。从“极度自然”到“自由建筑”, 是踩着一块浮冰去另一块浮冰的探索。

梦想不是挂在嘴边炫耀的风, 而是需要像石上纯也, 也像许多人, 不断重复不断努力的认真实践。等到对的风, 展翅翱翔。

·西泽立卫与原境界·

Ryue Nishizawa and Original Indentity Gallery

走向真实的建筑创作

Walking Towards Real Architecture Creation

总的来说环境与建筑和人与建筑的关系的一些讲话的内容。首先说一下丰岛美术馆, 这个美术馆的特点是它本身是展示一个艺术品, 而且没有特殊地要展示一些作品。这个美术馆只有一件作品, 基本上是不要考虑换作品的。所以作品跟环境和建筑这三者永远成为一体感, 我们想创造这样的意思。自己都是曲线的, 没有直线的, 这个是很自然的以曲线为主的这么一个建筑。没有直线的情况下考虑到了采用曲线形成了环绕的这样的形状。因为一般的直线的建筑在自然的环境要做建筑的话要破坏自然, 尤其是山坡的地方要做一些改造, 如果是曲线的话就可以沿着自然做。所以它是完全是自然的, 最后看上去是像水滴一样的建筑。水滴改变了以后还是一个水滴, 水滴不是一个形状, 是一个概念。做完了以后从下面的东南角有一个小的入口, 进去了以后就是一个小的曲线的自然的空间。

从剖面上看也是曲线的, 三维的也是曲线的感觉, 这个是设计的过程中的透视图, 不是真实的。实际上是一个壳形的, 是完全没有梁和柱的, 整个的屋面是一个混凝土的板。最大的困难是做这个板。因为是三维的曲线的, 以前的是木板做的, 这次曲线非常复杂, 所以我考虑先堆一个土坡, 做好了再拆下来。刚才我说的基本上是这个原理, 先挖基础, 基础挖出来了用土堆坡, 堆好了坡以后做屋顶, 做好了屋顶以后再把土挖出去。这是土做好了打钢筋的过程。这个壳体一般是拱起来, 要高一点, 这次我希望是自然的坡, 拱得是非常大的, 所以也是很有难度的。因为作品是泉字, 是在地板上表示的作品, 所以这个建筑做得很高的话, 建筑的空间会喧宾夺主, 所以为了体现作品的感觉, 把屋顶压得非常低。

对于著名的英国海德公园边上的夏天的临时展示设施。伦敦比较多雨, 所以要有顶。感觉如果下雨了这里可以躲一躲, 还可以有采光, 可以避直接阳光, 也可以作为一个休息的空间。这个屋顶的想法是在这面有很多树, 这个屋顶要躲开这个屋顶, 有树的地方要绕开, 所以有形成了像云一样的屋顶。这个张照片比较典型感觉到有树的地方形成了一个天然中庭的感觉, 曲线是这个建筑的一个个性的形象。这个其实屋顶还是有起伏的, 刚才说的以窗的上沿, 但是这个是一个基准, 有的地方会下来, 有的地方会下去, 最远的地方有车走所以要上去, 最低的地方有60公分, 所以只有小孩子在里面走来走去。这个就是做出来以后希望达到的不是像建筑的建筑, 而是像一个家具, 在一个公园里面的这么一个设施的感觉。

另外一个是因为雨特别多, 每天都要下, 所以希望这个楼不做落水管, 完全是天然的雨滴往下淌, 形成一个帘子的感觉。屋顶的材料是铝合金, 还是有一些坡度的, 所以外面的风景能反射, 这个屋顶像一个镜子一样地反射。这个照片体现了由于屋顶的斜面的关系造成了地面的反射的绿, 整体的下面的绿和上面的反射的绿让人感觉在绿的环境里面的感觉。这个是学习的小空间。这个是上面是人的反射, 越发感觉人很多了。从下面看屋顶是有反射的, 上面看也是有反射的。这个楼它的感觉整个的公园里面有这么一个东西反映了那里是一个美术馆了, 那里在举办一个什么事情了, 可以把信息传到比较远的感觉。

这个是在日本的一个美术馆, 整个地形原来是一个斜面, 整个的楼随着这个斜面做了一个美术馆。这张是平面图, 里面很细的线是等高线, 楼是随着等高线有高低差的。另外一面有几个很短的黑线是支撑的构造体, 相当于扁柱的东西。这个也是屋顶的造型。刚才说的扁柱的空间, 扁柱本身是一个展示的墙板。这个表现了外面的玻璃, 玻璃上面有一层纱布, 实际上是表现了朦胧的感觉。这个里面的空间是看到地板是有斜面的。另外一个当中还是开了很多的孔, 里面的孔是不一样的, 这个是用玻璃围起来的, 有采光的作用。在这个展览的空间里面, 像在树林里面走动看展览的感觉。

对于法国的卢浮宫的别馆, 我想说的是楼是随着微地形爬动的, 有点像万里长城, 是随着微地形的走向而建的, 这个楼也是一样的, 也是随着微地形的走向去建的。这个展品是历史非常悠久的, 从纪元前到近代, 所以这个空间随着时间一点一点走过去进行展示的。

另外一个采光体系全部是用天光的。这个展示的空间是无次序的, 但是入口是最古老的纪元前到19世纪为止的, 是通过时间展示的形式。还有另外里面有一些整个欧洲地理的关系的表现。这个空间的展示是历史的空间完了以后转弯的地方有一个小小的地方, 这个地方可以展示这个城市曾经是一个采矿的城市的历史。事实上这些作品是表现了我开始说的我的建筑是强调环境和建筑的关系, 另外一个是人和建筑的关系, 一个是人怎么使用这个建筑。另外一个是人怎么跟建筑融合。

Q:您的每一个项目都做了很多的模型, 有的时候就是一个项目做了很多的模型, 是不是把它们分组, A组研究结构, B组研究空间, 具体的技术是怎么样做的, 而且是怎么进行这个研究过程的?

西泽立卫:没这么复杂, 在日本还是传统用模型检讨自己的方案是比较普遍的做法, 虽然也有计算机3D做, 但是实际的感觉是自己用手做, 刚才说了很大堆的模型开始是结构搞得不太合理, 所以着了佐佐木, 搞了一大堆的模型, 研究空间和结构的过程, 做了很多的模型, 我们做的模型是完成的模型, 设计好了, 做出来这样的一个模型。

宋照青:走向真实的建筑, 可见的建筑叫真实的建筑, 停在概念的建筑是不叫真实的建筑, 但是我发现在西泽立卫他们的心目中不存在这个问题。他们是用一种方式对对待一个建筑的态度, 不管它能不能建成, 就是纯粹的建筑学的方式, 这是我的理解。

Q:您的建筑中空间都是飘浮的, 中间的部分都消失掉了, 这个过程是您的感觉是如何生成的, 想听听您的想法。

西泽立卫:这是从日本的文化中来的, 应该不只我一个人, 日本很多的建筑师的作品感觉到非常轻, 传统来说日本的自然里面有两个比较重要的, 一个是湿气比较大, 楼要开放, 要通风, 所以窗的感觉整个楼面就是轻。另外一个是跟地震有关的, 轻的东西是比较安全的, 所以基本上用木结构, 这个也是造成了日本的建筑师对日本的建筑有这么一个感受。

Q:我的问题问题是关于人与建筑的关系, 我们人在同一个水平面里面是比较舒服的, 就像我们的卧室、客厅和厕所处于同一个水平面是比较舒服的, 但是由于地块的限制我们把人的行动给水平化了, 这个是不是会使人感觉不太舒服?

西泽立卫:因为这个地是这样的, 在东京昂贵的土地的地方做一个平层有100平米, 很贵的, 所以对我来说是没办法的课题, 但是我不会做很不舒服的一个东西, 希望在条件恶劣的情况下创造出人的好的感受。我强调的室内的室外的不同也是希望在立体的状态下让人有很好的感受, 虽然不能说一定会比平的好, 但是至少有一个从来没有过的作品的感受, 这是我的作品的一个对基本的意思。

Q:在您刚才讲的案例里面看到了几个博物馆是以曲线和起伏的空间应对建筑跟空间跟人的关系, 但是我想更细地问一下, 你怎么处理那些建筑与人的关系, 建筑与人的身体的关系。

另外一个问题我们在这几个博物馆中都看到了比较轻盈的状态, 比如说你有没有尝试另外一些新的让我们很惊艳的建筑方式表达一下, 您有没有用风动的建筑方式展现给我们?

西泽立卫:我的回答是有两个部分的, 一个部分是回答你第一个问题, 空间是起伏的, 人身体的感受, 首先做的东西都不是惯常的建筑的空间, 大家在一般的建筑空间里面很习惯了, 所以看到他的空间会觉得很奇怪, 不太好用, 感受很怪的, 有的也很兴奋, 有不同的感受。我认为人是从开始不习惯到习惯的, 开始是没有飞机的, 人到陌生的环境是不习惯的, 到后来是没有地图也可以习惯的。人到新的建筑里面也是有这么一个习惯的过程的。第二个是手法的问题, 肯定不会是一个固定的模式, 以后如果碰到不同的情况个会有各种各样的模式的。

走向真实的建筑创作, 这是西泽立卫对于建筑设计实践的态度。在原境界美术馆, 发生最真实的思想之碰撞。

·原境界对谈之记忆与期望间的徘徊·

Wandering Between Memory and Expectation In Original Indentity Gallery

地价飙升, 设计费停滞不前。对于年轻人来说, 是挑战?还是最好的时代。好的设计需要有时间的积累, 也需要物质的支持。面对行业下滑的现状, 留给设计的周期和费用“天花板”能不能做到不降?能不能给设计的未来留足空间?

宋照青:几年前来到这个地方, 院子里有几只猫, 于是我就想把这里改造成一个轻松的可以会客的地方, 也会定期举办一些与生活艺术、新空间相关的展览。

房地产行业不断发展, 建筑设计师们的生存状态似乎没有那么乐观, 设计费仍然停留在90年代的标准。都说设计不止眼前的苟且。没有生活, 何谈设计?

胡劲松 (JWDA创始合伙人&总裁) :整体经济增速持续下滑, 去年至今, 建筑设计行业面临不少困难和压力, 项目大幅减少, 收入减缓。不少设计企业被迫调整, 减薪裁员, 尤其是减少施工图人员, 保留的设计师则参加大量项目投标工作, 而投标补偿费则下降较快, 有的甚至无补偿费。

我觉得在整个国家进入转型期, 各个行业的调整和阵痛都是不可避免的。作为设计企业要即时调整发展战略和工作模式, 作为设计师要即时调整心态, 要明白建筑设计职业的特征。相比其他实业, 建筑设计业目前还受惠于目前的货币巨幅增量的外部环境, 但这样的环境还能持续多久?我相信是不会太长的, 所以, 我们要抓紧这段时间做好转型和内功提升。

郑可 (PADL磐都兰 (上海) 建筑设计公司总裁) :现在国内的设计公司正向两级分化:一类是很大的机构比如现代设计、天华、中建等以及少数跨国设计机构, 它们具备市场不可或缺的综合能力;另一类是小型设计公司和工作室, 它们适应能力很强、对每个项目可以投入更多精力、管理模式相对无为而治。

而一些专项的小型设计咨询公司 (如策划、环境评估+绿色建筑、室内设计等等) 的项目越来越独立、越来越专业化, 也有更多的机会参与到旧城更新和乡村改造中。可见的未来设计市场前景的变化也有趣, 很具有多样性。设计行业的将来一定是社会化的协作, 横向的协作一定越来越多。这种趋势也许对项目和协作的各方更有利更健康, 也正是房地产和设计市场从粗放走向精细化的必然结果。

平刚 (DC国际建筑事务所总裁) :既然是讨论, 我觉还是需要来提点不同的声音。

一、我觉得需要市场决定的还是要还给市场。

二、这十几年开发商的水平在提升, 我们设计师的水平是不是也能跟上开发商的水平?我记得好多年前我问薄熙, 我说我公司不敢扩大因为我怕失控, 你是怎么解决的?薄熙想了想回答说, 他也解决不了大公司设计质量稀释的问题。

三、每个公司的成功经验都无法复制, 我们只能从别人失败的经历获取经验。在多年的建筑实践之后, 我现在可以很自豪地说, DC一直坚持的多样性是个方向, 我们是一个正走在成功道路上的公司。

宋照青:我一直鼓励自己做一个彻头彻尾的商业建筑师。这个世界上99.9%的房子是大众的房子。我又想起很多年以前, 我的好朋友何永屹打造了柏涛。下面请他的大弟子邵鑫来谈谈。

邵鑫 (澳大利亚柏涛 (墨尔本) 建筑设计有限公司董事) :我觉得建筑师有一点不用担心, 因为建筑师什么都能干。开发商让建筑师搞微信、搞策划、搞规划, 年轻建筑师都能弄得很好。我认为30%的人是热爱的, 70%的是找份工作的, 未来不喜欢这个行业的可以考虑转行。现在大家感到行业收缩, 是房地产板块在收缩。设计的版块并没有收缩。房地产的萎缩是必然, 但是设计的黄金时代已经来临。

郑士寿 (JWDA资深合伙人&副总裁) :作为粗放发展时期的受益者, 我们创业成功的案例虽会给后辈们信心, 但今天我们自己问题仍然蛮大的, 行业的未来问题同样也很大。不管我们和未来的设计师小朋友们能力多大、体力多好, 在负的市场空间下做的尝试能有多大的意义呢?

如只把竞争点放在设计价格上对当下和未来, 对甲乙双方都不是好事, 会慢慢走向彻底的劣胜优汰。中国在商业环境里的这个现象是很多的。

宋照青:我不希望看到年轻人都离开, 上海变成一个老年人、金融化城市。我们还是要坚持、努力做到不妥协。记忆里一直印象深刻的是, 我去参观户田芳树事务所, 头发花白的建筑师还伏案画图的场景。

刘佳 ( (株) 户田芳树风景计画中国代表) :我一直认为做市场的责任就是保护好设计师, 让他们可以安心做设计, 尽可能地做他们想做的设计。不过, 一旦业务承接下来, 就应该尽量满足客户的要求, 因为设计毕竟属于服务行业。我是比较同意郑老师刚刚说到未来的细分化的市场, 但我认为如果想在细分化的市场占一席之地, 首先设计师也要自己很执着、有很擅长的地方, 有自己的符号、思想和理念。

记得枡野俊明对我说, 他去年只休息了一天。所以, 年轻的设计师, 执着还是很重要的。

刘纲 (GOA大象设计副总经理) :在GOA的几年, 我体会到设计真正的内核“价值”是如何实现的。有利于价值挖掘的好的创意和想法能否再精到一些?设计过程的把控如何有效和实现设计价值的再次升华?如何通过精细化设计确保细节的完美呈现?如何结合国内现有技术材料成本体系研究和确保品质的落地?抛开对市场的简单迎合, 如何用设计为业主创造真正的价值, 这是我们要思考的。市场的冬天也许正是创作春天的开始。

曹嘉明 (上海市建筑学会理事长) :“粗放模式下的反思和批判”现在建筑圈体制内外都在谈论。设计费收不到是一个非常直接的问题。但是沉重之下, 我还是很有信心。为什么我有信心呢?

一、两周前我在北京, 住建部副部长易军召开会议, 建国后60年中央第一次发文提出要提高建筑师的地位。在这个会议的探讨过程中, 大家认识到招投标有不合理之处, 比如商务标是否要在投标阶段取消;比如今后, 知名的、有业绩支撑的建筑师可以不用通过招投标流程承接项目;比如建筑师负责制要跟国际接轨。这都说明, 政府已经开始意识到问题。

二、不仅仅是房地产开发模式的粗放, 过去的二十年城市的开发模式也是粗放的。既有城市空间有许多亟待更新和改造的机会, 城市建设未来的重点转移。就城市微环境改善这以课题, 设计师能做的就有很多。

三、设计师自己也要反思自己存在的问题。现在很多设计落地工艺、材料的配合都不到位, 我们的设计还要精细化。

四、国外的行业协会制度很清晰。所以我也非常希望今后, 能有一个倡议或者总结, 呼吁更多的人加入我们。我们自己先努力行动起来, 能有一些影响或者行动后我们可以再去引起政府的关注。我相信, 有理想的人一定也愿意加入我们, 慢慢形成一个氛围。

设计费向来是个敏感的话题。藉由此次在原境界美术馆的对谈, 希望发动设计圈内部的力量。不坐以待毙, 不咎由自取。留一片空间给更多人。建筑设计未来细分化是共识, 以建筑师的触角和视野触碰商业、文化, 让更多人意识到设计的价值也是必须的。

建筑设计正经由由传统地产为导向向以生活为导向的转型。只有更热爱我们的生活, 才能更好地设计。

·原境界设计创意对谈·

Design Ideas for Discussion In Original Indentity Gallery

渐别粗放地产时代, 设计逐步深入生活。它突破沉闷、跳出窠臼。设计来源于生活也回馈于生活。4月2日, 在原境界美术馆7位创意人分享服装设计、民宿、传统设计、肉夹馍、私募基金、3D打印创业的经验。

连环创业客王雨豪总结过一个创新模型:成本结构破坏论。所有创新都是对现有产品成本结构进行破坏——交易成本、组织成本、物理成本。凡是对某个部分或者多个部分成本结构进行破坏的, 一定是够酷的项目。

跨界最大的设计师是谁?

若荪:最终是什么原因促使你完成了从建筑师向服装设计师的转变

梁海涛:我跳出建筑圈在尖叫做了一年的家具和其他设计。我发现尝试踏出以后心思就越来越放开, 甚至有点上瘾, 自己的独立意识也从内心越来越浮现。我自己负责设计, 剩下的工艺流程交给更完整、专业的团队来完成。好的打版师就如训练精良的施工图设计师, 它们与设计一样重要, 也影响着最终设计的完成度。

借国家地理杂志一张山顶放羊人的照片, 来诠释我最近的状态, 寻寻觅觅寻找那个最适合的合作伙伴。

未来莫干山最美的民宿在哪里?

若荪:说说最初在莫干山做一个民宿的想法吧。

杨敏:2015年经过七个月的考察, 最后在海拔588米的地方敲定了我们的项目位置。从规划建筑设计到环境布局再到项目的策划运营, 均可按自己对美好生活的愿景来执行。在莫干山盖几个建筑师的房子, 是个很理想主义的行为。我们的几个投资人也正在筹划积极参与到乡建活动中, 所以我们几个的想法一拍即合。

印象最深的一次, 是去大乐之野。大乐之野老板小吉在阳光明媚的下午在属于自家的咖啡屋前安静地看书那幅画面一直定格在脑海里。

samoon:但是据我说知, 过程中崩溃的事还是很多的。

赵飞:最近施工的立面, 青砖烧制的厂家很难找到, 好不容易找到预留给他们的时间需要一个多月, 远远超过我们想象。不过即使有困难, 我还是会想象自己是“盗梦空间”里的造梦师, 这种感觉, 比单纯在设计院机械的劳动要棒很多。

未来我们的见山民宿开业, 顶楼的客房都会有天窗, 2.4m的大窗子。在阳光下看书, 在星空下睡觉。

最小的办公空间在哪里?

若荪:自己做和在华东院最不同的感受是在哪里?

乐康:从华东院离开后, 自己做东西更自由也更多元化。我可以尝试一些不一样的材料。我在一个设计中, 用曲面波纹板做了一个拱形设计, 可以组合成无柱空间。这样的方式建造成本低、建成速度快。我也希望能有合适的机会把更多这样的概念设计和想法落地。

但是, 在上海寸土寸金这样的地方, 办公空间也一直是个大问题。我们最早办公的地点, 是在一家咖啡馆。只有0.8平米供我们使用。0.8平米空间能做什么呀?我去宜家买了一些现有家具, 然后进行重构改装, 成为了我们最早的办公空间。

samoon:这个装置花费多少?

乐康:宜家的桌子200多一张。上半部分用了角钢这个最简单的构造, 所以更便宜。

最好吃的馍哪里买?

若荪:我知道你和你的合伙人还有自己的公司, 其实蛮好奇你在两者之间的权衡。

李乾:我现在经常半天事务所半天店。但好在我们事务所也比较小, 也不需要太多项目满负荷运转来生存下去, 还是比较灵活的, 一年可能接两三个项目加上店里的运营, 就够了, 工作节奏也跟随项目情况灵活调整。即便如此, 我感觉自己的精力已经投入九成, 接近极限了。就像云端行走中那样在走钢丝, 时刻要注意平衡。餐饮还是建筑?最终还是要做出选择, 让自己的精力集中在一个方向。

samoon:一个馍多少钱?销售量如何?

李乾:15元一个。Let's Mo的突破口在于它是新餐饮。第一家店开了半年多时间, 第二家分店也计划开启中。虽然四个合伙人都是建筑背景, 其中一人还是同济的规划博士, 但各自负责不同方向, 有人主做资源经营, 有人主做活动策划…我们是一个互补型的团队。

最早玩众筹的人是他

若荪:聊聊你之前的众筹, 还有你在商学院的体会吧?

庄小祥:15年决定去中欧念书, 当时想能不能用众筹的方式搞点学费, 每个参与者的上限是2万, 结果筹到了十几万, 有点喜出望外。比较有意思的是, 有许多之前不太认识的人也投了钱。他们可能觉得我太可怜了、还蛮好玩儿的, 手上也不是很缺钱, 就支持了一下。真的非常感谢这些小伙伴们!当然这些资金借给我肯定是有回报的, 每年会给大家一定的利息, 哈哈。

去商学院读书一来增加金融投资方面的知识, 二来交到一些志同道合的朋友、一点一点进入这个圈子。另外, 商学院的经历让我越来越觉得network非常重要, 尤其是在这个重人脉的行业——圈子一定程度上决定了视野。network是个双向需求的东西, 想别人带自己飞, 自己先帮别人干点啥, 这个故事才成立。我觉得这倒不是功利, 而是大家都在切实做些事情, 互相欣赏, 然后找到合适的人match起来, 一起来创造点价值。因此, 倾听别人和定位自己就非常重要, 知道大家需要什么, 清楚自己的长处在哪里, 怎么融到群体里头去, 为大家正儿八经做点事情就比较靠谱了。

第一个开放式3D打印创意社区

samoon:方物分布式3D打印平台和一般的3D打印平台有什么区别?

赵静涛:未来10到20年, 大家会有更多高品质低品牌的需求, 而设计师又有很多想法, 但并没有合适渠道来实现。我们希望我们的3D打印社区能够帮助设计师低成本地实现想法, 同时让消费者能够顺利买到这些丰富的产品。建筑师其实是一个创造力极其强大的群体, 想想地球上这么多城市都是我们一笔一划创造出来的, 我们其实可以拓展一下领域, 把创造力释放, 做出很多高质量的东西。我们做这个之前其实对3D打印做过很多调研, 有些公司产品线拖得太长, 从材料到打印到销售都做, 结果导致运营成本剧增做不下去。我们就吸取教训只抓住这个社区项目的核心, 就是只负责完善打印, 其它像售卖这些部分全部外包合作。

观察员报告

刘雯昕:作为观察员, 总结一点自己的心得体会。各位创业的诱惑:一个是自由。能从连轴转的工作节奏中脱离出来, 有更多时间放在自己感兴趣的事情上;二是金钱, 比如进军餐饮、互联网, 是看准了时机, 转向更能获得收益回报的行业;三是梦想, 把浪漫和情怀写入现实。今天In Formal讨论的氛围轻松又自信, 期待以后听到更多有趣的故事。

黄磊:借用《从0到1》的一句话:去尝试永远比保守陈规好, 一个不完美的计划要比没有任何计划好。所以每个在摸索和尝试的人都值得鼓掌。但是另一方面, 创业的口号让很多人都都很沸腾, 越是在这种时候, 越是要去发现自己的热爱是什么, 不要为了创业、融资而去做。做一件自己擅长的、真正喜欢并有价值的事情, 远比忽悠一份投资、得到一个估值来的更有意义。

热点、风口和趋势永远是不断变化的, “互联网+”也只是投资者自己造出来的一个概念, 互联网只是加速和改变了一部分信息的传播和接触方式, 但是最底层的依然是人们的衣食住行、吃喝玩乐的基本需求。自己能做什么, 为什么要做, 这个是每个创业者在开始以前都要问自己的。

柴静在书里有这样几句话:“快速变化的时代, 传统的家族、集体断了, 新的又没有建立, 空虚只会导致消费和破坏, 只有当人们能感到创建自己世界的满足, 不会与别人去比较, 不会因为钱, 因为外界的压力感到抛弃, 这才是真正的归属。”

2016年4月2日原境界美术馆这天的下午, 就有这样的归属。

艺术家美术设计 篇10

一、高校艺术设计教学的现状

我国现有艺术设计教学多以西方文化体系为中心, “国际化”视觉符号的泛滥不仅忽视了我国本元设计文化的发展, 还造成高校艺术设计教学对民间美术重要价值认识不到位以及艺术设计教学缺乏对民间美术匹配的重视度和价值认知。[2]同时, 我国多数高校照搬西方艺术教学框架, 在课程内容设置上侧重对西方设计理论和实践的学习, 缺乏对民族设计元素的重视, 长此以往不仅导致学生对西方艺术设计理论的狂热追捧, 而且还影响了学生的设计思维, 民间美术成为教学空白点, 在这种状况下, 学生对民间美术缺乏兴趣和认同, 更无从谈在设计中创作利用。民间美术属于民间艺术的分支, 但由于民间美术种类繁多、地域性较强, 加之缺乏系统的收集和整理, 致使民间美术中富有实用和审美价值的技艺因得不到传承而处于自生自灭的状态, 更别说融入到高校艺术设计教学中。

世界文化的融合在促进民族文化传播的同时, 也给民族文化带来了严重的冲击。当前, 国内部分院校常邀请国外相关教授和学者讲学, 其中不乏国际知名学者和设计师, 他们为我们带来了新的设计理念、设计手段和全新的设计技能, 但也有一些学者将我国的“风水”、“太极”等传统文化成果作为增加其教育的砝码, 在国内遭受冷落的民间美术, 在国外却被视为珍宝。同时, 由于受崇洋媚外思潮和民族虚无主义的影响, 加之部分艺术教育者缺乏振兴民族艺术的责任感和使命感, 致使民族文化出现了断层现象, 影响民间美术在高校艺术设计教学中的运用。

二、民间美术引入高校艺术设计教学中的重要性

( 一) 民间美术是艺术设计的源泉。艺术是从艺术中产生的。形式纷繁复杂、内涵深远丰厚、题材丰富多样的中国民间美术是直接来源于人民群众的美术形式, 不仅具有稚拙、自然和质朴的原发性, 还具有浓郁的地域乡土气息, 蕴含着中华民族审美的原始精神, 是实用性和审美价值的统一体。现代艺术设计从民间美术中汲取造型、色彩、内涵等养分, 不仅极大地丰富了现代艺术设计的艺术语言和思想内涵, 而且还使作品极富现代艺术意味、民族精神和气质。

( 二) 民间美术是对高校艺术设计教学的有益补充。民间美术具有独特的审美特性, 其最大的特点就是以视觉感强和富有时代特征的视觉元素强调主观精神的表现。[3]当前, 国内各艺术设计院校学生接触和了解的多是西方设计理论和实践知识, 对民间美术缺乏必要的了解和深入系统的学习, 这不仅导致民间美术在高校课程资源设施方面普遍落后, 而且还造成学生设计作品风格的单一和西化。民间美术在高校艺术设计教学中的运用不仅为学生打开了一座资源宝库, 而且还启发了学生艺术设计的创新性思维和表现形式, 对高校艺术设计教学形成有益的补充。[4]

( 三) 民间美术有助于构建具有地域特征的高校艺术设计教育体系。地方高校艺术设计院校只有形成自身特色才能培养出适应社会多样化需求的人才, 才能培养出适应市场需要的合格人才。随着高校艺术教育竞争的日趋激烈, 各高校在设计艺术理论研究、人才培养模式以及教学体系改革方面做了许多研究, 但由于缺乏对独特区域文化背景的研究, 导致各高校培养出来的人才千篇一律, 设计作品中地域性视觉元素严重匮乏。[2]民间美术作为富有民族特色的地方性文化资源有着独特的表现题材和审美形态。在全球化时代的今天, 将地域个性鲜明的民间美术引入高校艺术设计教学中打破了现代教学的趋同性, 有利于构建具有地域特征的高校艺术设计教育体系, 进而形成各高校自身的办学特色。

三、民间美术引入高校艺术设计教学的对策

( 一) 在艺术设计专业开设民间美术课程。学校不同、专业不同, 课程设置计划也各异, 在高校艺术设计专业应开设民间美术采风考察、美术作品临摹、民间美术作品赏析等民间美术课程, 采用“讲授和欣赏为辅, 实践创作设计为主”的教学方式, 合理安排课时。以必修课程为例, 学时可安排在36 ~ 108 学时之间, 学习内容以民间造型、民间传统的设色勾线等为主; 对于课时较为充裕的学校在教学过程中可以增加主题创作或设计, 采用民间美术造型、民间视觉符号和民间美术观念自主选题进行设计创作, 激发学生学习兴趣, 拓宽学生视野, 增加实践经验。同时, 专业课程设置还必须与市场实习、学生学科竞赛紧密结合, 通过专业学习培养学生兴趣, 通过市场接轨找出传统民间美术与现代社会审美之间的契合点。[5]

( 二) 邀请民间艺人走进课堂。邀请实践经验丰富的民间艺人、知名的民俗研究者以及民艺专家走进课堂为学生授课, 让学生更深入地了解民间美术的艺术特征和艺术魅力, 使他们对民间美术产生向往和追求, 通过目睹民间艺人的创作激发学生向民间艺人学习精湛技能的兴趣, 为创作积累素材与激发创作灵感。同时, 学校还可以安排专业老师指导学生收集民间美术相关资料、开展以民间美术为主题的创作活动、定期组织专题讨论会。有条件的学校还可以聘请民间工艺大师到校进行教学, 提高学生的学习兴趣。[6]

( 三) 实践考察。民间美术多出现在风俗礼仪中, 这就要求学生走出校门参加实践考察, 借助手机、相机等设备对具有代表性、启发性的民间美术作品与工艺流程整体记录, 了解民间美术的创作思想、传承背景、制作流程、工艺造型、色彩运用等。同时, 学校还应最大限度地运用各种资源和渠道拓宽学生的视野, 如与一些民间美术机构联合建立实训基地、组织学生参观当地特色民俗博物馆、聘请民间优秀艺人讲授技巧、在校外建立民间美术采风实习基地等, 加强学生对民间美术的认识, 有意识地汲取民间美术营养, 促进民间美术的传承和发展。

民间美术是民族文化的灵魂, 将民间美术引入高校艺术设计教学, 不仅能培养学生多元的审美能力, 提高学生的综合素质和专业创造力, 而且还能将民间美术的优点化为现代艺术设计的血液, 赋予设计作品新的活力, 强化设计作品的张力, 填补高校艺术设计教育中民间艺术的空白。

参考文献

[1]皇甫娟.中原民间美术与高校艺术设计教学融合的宏观思考[J].学术论坛, 2015, 2

[2]袁浩鑫, 肖宇窗.传承与超越——民间美术对现代艺术设计教育的几点启示[J].重庆文理学院学报 (社会科学版) , 2007, 4

[3]明兰.民间美术融入艺术设计专业教学体系价值研究[J].中国科教创新导刊, 2011, 13

[4]李长福, 郭艳.将民间美术融入高校艺术设计教育的探讨——构建具有地域性特征的高校艺术设计教育体系[J].赤峰学院学报 (自然科学版) , 2012, 1

[5]宋志春.论地方民间美术资源在艺术设计教学中的作用[J].艺术教育, 2011, 7

艺术家美术设计 篇11

一、民间美术的基本特性

1、民间美术的生活实用性

民间美术的基本特性之一就是生活实用性，这种民间艺术品更多的是为了更好地运用于生活。因为在我国古代长期小农经济的经济背景下，人民多追求自给自足的生活理念，在这种观念引领下衍生出的民间艺术，也多是和经济适用性具有相关性的生活用品，只是这些生活用品经过长期的发展，与当代社会流行趋势不相吻合而逐渐没落，但是其中蕴含的是古代人们的艺术精神的结晶，其中的很多元素已经成为当今中华民族的标志性元素。比如，古代的小孩子穿的鞋子样式就有很多种，虎头鞋、无毒花鞋等，都是具备了很多美好的寓意，但其主要目的还是讲究实用性，是实用性与少许观赏性的有机结合，这种民间美术源于生活，最终又服务于生活，是民间美术生活实用性的典型体现。

2、民间美术的审美性

民间美术体现的另一显著特性就是审美性，但是这种审美性并不是贯穿我国古代社会发展的始终，只是在特定时代发展下衍生的产物，其体现的是当时社会中人们生活中的一种闲适状态，是在经济发展较为迅速的阶段才产生出来的，其艺术作品的审美性也是对当时社会生活状态的一种影射。只有经济发展能够满足人们的物质需要，人们才有可能在生活中有超越物质性的精神方面的追求。以清代的青花瓷为例，当时的经济政策为重农抑商，农业实现了较快发展，农民丰衣足食，也就有了闲暇在一些器皿上作出精美的图案以满足自己的审美需要。这种艺术品主要是为了满足精神上的需求而不是为了生活实用性，是为了给生活增添一种美感而实行的专门性的创造性活动。

3、民间美术的民俗性

我国的民间美术大多数都是与民俗有着千丝万缕的联系的，由民俗活动中衍生出来的民俗文化，大多都包含着人们对于美好生活的一种期许，因此，这些民间美术多有着其美好的含意，其本身的文化价值已经超越了物质性价值。比如我国民间美术中的一些象征性的事物，风筝、年画等，其制作材料并不是一些稀缺珍贵的资源，但是在式样成型后，却总能带给人们心理一种美好的感受，使人们的精神寄托。

4、民间美术的本原性

民间美术是由最初的本原进而发展到二元和多元的，也就是说，开始的艺术创造是不讲究实用性和审美性的，只是一种单纯的适应性行为，随着人脑的开化和生存环境的逐渐舒适化，人们才有了最初的实用性和审美性的模糊界限，将实用性和审美性明确分别开来又需要经过漫长的演变，进而才实现了最终的民间艺术的实用性偏向和审美性偏向。民间美术主要通过物质形态表现一种精神寄托，寓意会产生变化，但是物质载体却很少改变。

二、现代艺术设计的基本特性

1、现代艺术设计的经济性

首先，我们要明确一个概念，就是艺术设计和艺术创作在本质上是不同的。艺术创作主要是作者为了向世人传达自己的某种价值观而进行的艺术活动，其只注重最终的形象传达，对于实用性没有要求。但是艺术设计的目的之一便是能够产生实用性，为人们的生活提供相应的便利。这与当今的社会经济发展形势不无关联，艺术设计要想在注重物质化的环境下存活，就一定要具备一定的功利性特点，满足人们对于艺术品经济性的需求。

2、现代艺术设计的高科技性

科技为人们的社会生活带来了诸多便利，这是不争的事实，因此，高科技在现代艺术设计的广泛应用也是一种常态。电子计算机技术的飞速发展，为现代艺术设计带来了灵感，各种高科技物质设施和设计软件的出现为艺术设计这个行业注入了新鲜的血液，这种高科技性也确实能够完成诸多人力无法完成的项目制作，因此高科技的使用已经在现代艺术设计中实现了长驻。

3、现代艺术设计的社会性

社会性也是现代艺术设计所无法规避的现实，因为人们对于艺术设计的需求已经不再是从前的小众效应，现代艺术设计已经成为涉及社会方方面面阶层的一种必需品，遍及社会生活的各个角落。比如，楼梯的式样需要设计灵感的注入，现代意义上的楼梯已经超越了之前只注重实用性的时代，注重的是一种美感，要能体现出人们生活的一种态度，用当今社会的话来说就是要有一种“设计感”。一个简单的楼梯对于设计的需求尚表现如此，那么扩展到整个社会需求，可想而知，现代艺术设计已经无法规避社会性这一倾向了。

4、现代艺术设计的文化性

现代艺术设计不能规避的一个问题便是文化性方面的问题，不同的国家、不同的地区、不同的民族对于文化符号的运用都是不尽相同的，甚至会对一种文化符合的使用产生完全相反的含义。以此，在进行现代艺术设计时，就不得不考虑到这种状况。比如，许多国家是很喜欢绿色的，认为绿色是生命的象征，但是在日本、马来西亚、埃及等国家，人们认为绿色是不吉祥的，是灾难的象征。因此，在进行艺术设计时，这些文化因素都要被考虑在内，否则就不能实现理想范围内理想程度的传播。

三、民间美术与现代艺术设计的关系

民间美术与现代艺术设计在表现形式上看似毫无关联，许多人也认为民间艺术已经不能展现出当代人的生活状态和风采了，是一种过时的艺术。但是，只要对现代艺术设计稍有研究的人，便会明白一个亘古不变的道理，那就是现代艺术设计离不开民间美术艺术灵感上的激发，民间艺术与现代艺术设计有着共同的民族和心理起源，民间美术是对现代艺术设计的重要支撑。

1、民间美术与现代艺术设计关系的误区

有许多人认为，民间美术与现代艺术设计产生的经济背景、文化背景、政治背景和社会背景都不甚相同，因此民间美术是一种过时的艺术，并不能为现代艺术设计提供灵感上的支持，给予民间美术创作出的现代艺术设计也必将无法满足当代人们对于艺术的需求，必然是一种艺术上的失败品。这是一种对于艺术设计不甚了解的错误言论。中华文化源远流长，民间美术中蕴含的民族精神和民族特性不管经历了多长时间的演变，也不管社会主要形式发生了多少变化，只要是中华民族儿女，在民族心理认同感方面是有着无法改变的统一性的，民间美术相对于当今的现代艺术设计，也必然吸收了更多民族文化的精华。而且随着经济全球化的发展，现代美术设计还需满足国际上对于设计美感的接受度，民族的就是世界的，要想艺术设计在国际舞台上绽放不朽光彩，也一定要立足于民间美术，立足于民族的本源，只有这样，才能摆脱现代艺术设计无本之木的尴尬局面。

2、民间美术与现代艺术设计同源同宗

民间美术与现代艺术设计不管在表现形式上如何创新发展，其实两者都是由同一个艺术源头泛化出来的，我们暂时称之为原始美术。原始美术的产生最直接的目的是为了给其物质资料以装饰作用，在满足了物质需求的大前提下才会考虑到精神美感的需要。而且反观民间美术与现代艺术设计，都是将实用性摆在了首要位置，审美特性虽然是一个不可缺少的存在，但是它还是实用性的附属品。所以说，民间美术与现代艺术设计是有着相同艺术源头的艺术表现形式，两者同源同宗，现代艺术设计是可以从民间美术中汲取大量民族文化营养以增加自身文化积淀性的。

四、民间美术对现代艺术设计的启示

1、现代艺术设计必须走民族化的发展道路

在当今艺术设计领域流传着“民族的就是世界的”这句经典俗语，从这一观点中我们也可以得知民族文化对于现代艺术设计的中坚支撑作用，没有了民族化的东西融入设计中，设计就相当于没有归属，也自然无法使人们对此作品产生共鸣，那么这种设计产品也是五意义可言的。因此，现代艺术设计必须走民族化的发展道路。以服装设计为例，我曾经在日本一家高档百货大楼里看到过一件日本民族服饰与现代流行装扮有机结合的衣服，这件衣服充满了现代感，又可以使人在第一感觉上就能知道是融入了日本文化在其中的，为流行加入了沉重的民族文化积淀，这件衣服也吸引了众多人的驻足观赏，由此可见民族特点在现代艺术设计中的应用是多么重要。

2、现代艺术设计必须走人性化发展道路

民间美术十分讲究人性化，在情感表达与审美外形出现冲突时，其会不惜舍弃原定的审美外形，而力求将主要的情感表达完整展现出来。对于现代艺术设计者来说，人性化是必须遵循的一种设计理念，外形的表现力是掩藏不住其蕴含的真实情感传达的。

五、结语

民间美术对于现代艺术设计来说蕴含着无限的民族文化宝藏，现代艺术设计不能脱离民间美术这样一个具有长久中华民族文化积淀的文化源头。现代艺术设计应对于民间艺术采取取其精华，去其糟粕的借鉴方法，将古代审美灵活的运用到现代设计中去，以求更好地展现出现代设计的现代美感，这两者并不是相冲突的，只是在民族文化元素的使用上有所差异，其最终效果都是能够唤起人们内心的共鸣，使设计真正能够称之为艺术。

[陕西学前师范学院基金项目：幼儿美术教育中色彩运用指导策略的研究，编号：2014QNRS089]

艺术家美术设计 篇12

瓦尔格有句名言:“艺术是从艺术中产生的, 而不是从自然中产生的。”中国民间美术是中国艺术宝库中的一枝奇葩, 其文化内涵深远丰厚, 蕴含着古老的中华民族创造和审美最原始的精神。现代艺术设计以民众生活为中心, 传承民族精神, 应以民间美术为基础, 探究其发展规律。那么民间美术给了我们现代艺术设计怎样的启示呢?我们又如何从这些启示中吸取营养运用到现代艺术设计中呢?本文在此浅作探讨。

一、借鉴民间美术的创作观念

民间美术造型创作所选用的材料多是大自然的天然产物, 如:丝绵、贝壳、泥土、金属、石料等, 在创作过程中充分利用和开发这些天然材料, 善于识别和保持材料固有的自然色泽、质地、肌理等, 同时因材施艺, 形成独有的特征, 实现材质美和造型美的完美结合。现代设计追求“绿色设计”, 同样应强调材质美和造型美相结合, 把设计创作的概念视为一种从自然到人工转变的过程和结果, 在选材时尽量使用天然材料, 制作过程中灌注情感, 保持自然风格。如:现代建筑物进行彩绘设计时, 可以使泥土类造型简练单纯, 使棱角浑圆化, 粗犷的轮廓细腻化体现质感, 赋予工艺造型显露自然美, 符合现代人的审美观念。又如:在现代陶艺设计中, 我们可以借助最原始的材料泥土和石头, 把混沌的审美观和材料相结合, 用比喻、象征、拟喻等多种意象构架和设计技巧, 以饱含情感的意象氛围追寻对人本精神的自由抒发, 创造浪漫奇幻、超凡脱俗的艺术世界, 形成特有的思维表现特征, 把粗略材料细致化, 达到材质触感美。

二、充分运用民间美术丰富的造型元素

丰富的民间美术造型为我们提供了的艺术造型宝藏, 如以民间剪纸为典型的平面剪影造型、以刺绣为典型的象征符号造型、以民间版画为典型的几何造型等。民间美术造型这种对“形”与“意”的结合与表现, 很值得现代艺术设计者去发掘和体会, 同时在现代艺术设计中广泛运用。在现代艺术设计中运用民间美术造型元素不是对造型元素简单的拼凑和复制, 而应深刻理解其寓意性和创造性, 在这一基础上以现代的创作意识和审美观念对传统造型元素进行提炼、改造和运用, 并在此基础上探寻新的方案和思路进行创新设计, 使其具有新时代特色同时也体现民族特色。

如在现代标志设计中加入中国传统吉祥图案, 形象生动如“牡丹”、“中国节”、“龙”、“喜鹊”、“仙鹤”等就是具有特定意义的图形符号, 在酒类和月饼等传统礼品的包装设计中, 这些意象符号可以加以应用, 抽象而又富于情感的画面会使观者感受强烈的文化气息。这一启示在现代设计中也得到一些运用:如中国联通公司的标志, 就是采用变形的盘长纹, “盘长”象征吉祥如意, 而其相互缠绕的造型寓意着公司的沟通无障碍及其发展绵延不断, 很好的将“形”和“意”完美的结合在一起。

三、拮取民间美术与现代艺术产生共鸣的色彩语言

拮取与现代艺术设计产生共鸣的色彩不是被传统色彩所束缚, 是以全新状态重新解构再造, 这样民间美术色彩的生命力才能最大限度地被激活, 丰富设计创意思路。民间美术色彩所具有的强烈、朴拙、浓郁、真挚的特点给人以强烈的视觉冲击力, 震撼着人们的心灵。现代社会讲求“个性纷呈”, 把传统色彩融于现代艺术设计之中, 通过最为强烈、浪漫的色彩语言来传递设计的语汇, 这对于现代艺术设计具有特别的借鉴性。在民间美术中, 色彩是用色的纯度、明度等都能反映表现对象的情感、状态及愿望。色彩以块面平铺为主, 强化装饰性、图案性, 能表现较强的视觉效果。如:在现代平面设计中的现代家居, 充分驾驭民间美术色彩语言释放的情感气息可以更好的呈现画面的气氛效果。当代平面设计要直面现实生活, 展现都市的人文气息, 要求色彩简洁明快, 强调色相的装饰性对比原则, 民间美术的色彩语言便自然而然地与其产生共鸣。在设计现代家居色彩时按照居室的形状、大小分布、空间距离的比例关系将民间美术色彩原色和补色的强烈对比、视觉的冲击性、变换性等运用到家居色彩配选中, 避免对人的视觉刺激太大而产生不适之感, 同时透出个性化时尚的魅力。

四、总结

没有文化根基的艺术是无本之木, 无源之水, 中国古老的民间美术是华夏民族文化艺术宝藏中的精华。我们要从造型元素、色彩语言和创作观念等方面沉入探究民间美术给现代艺术设计的启示, 借鉴民间美术的内涵和设计技巧, 进行创新设计, 使其既具民间艺术之形式和神韵, 又有现代设计之意味, 既有民族气质和精神, 又体现现代设计之理念。在世界文化的多元化的冲击下, 拥有民族性, 拥有国际性。

参考文献

[1]段静.浅谈民间美术在艺术设计中的价值[J].才智, 2009, (20)

[2]李洋.论中国民间美术与现代艺术设计教育[J].江西农业大学学报 (社会科学版) , 2007, (02)