中西方美术（共12篇）
中西方美术 篇1
我们去读西方美术史实际上是要建立一个对我们自身的美术与文化的发展进程提供一个更好的认识与反思的平台, 使我们能更加明确自身所处的状态, 而不是用西方美术的背景及规律来衡量自身的发展状态。
一、历史存在的特定语境
(一) 西方古典主义绘画
自从古希腊时期的苏格拉底、柏拉图、亚里士多德、毕达哥拉斯等经典哲学诞生及希腊的逻各斯与希伯莱德上帝结合起来而确立的基督教精神时起, 西方的文化与美术在相当长的一个时期都力图运用理性的思维方式来对客观的物体进行描述和表现。于是我们知道, 西方古典美术注重的是视觉的可靠性和对透视、解剖、结构等基本知识的研究, 其原因便是作为科学的透视学、解剖学等学科的兴起奠定了西方绘画注重现实物体研究的基础, 并造就西方古典时期绘画的审美趣味。
(二) 西方印象主义与现代主义绘画
19世纪初的工业革命导致了西方社会的迅速发展, 尤其是摄影技术的出现使得西方绘画走向了一个新的历史时期。客观现实的基本规律和知识不再占主导地位, 造型成为认为的、自由化的方式, 这一点我们从莫奈、修拉、保罗·塞尚、梵高、高更、毕加索等人的作品中能够体会到。西方现代艺术的主旨是对现存的社会状态进行反思, 对社会进步论进行反思, 体现社会进步、扩张等作用于人之后个体的状态。于是既定的审美模式 (古典主义审美) 消失殆尽, 画面的形象、造型变得丑陋、血腥甚至疯狂。因此, 西方的美术历史在不断地演变过程中映照着整个西方社会的变化状态。
(三) 中国古典绘画
中国画重性灵、重“意在象外”, 不将艺术的审美对象放置于对现实的研究与再现。中国美术表达的外部世界实际上是对内心世界的审视, 借助艺术的传导力由再现转向表现。中国绘画在总体特征上倾向于意象的表现, 其中心观念是“气韵”。“气”是画家与其内在修养、文化的统一体, “韵”指的是画家在画面上流露的某种韵味、情趣。中国绘画讲传神, 讲究在“似”与“不似”之间, 宣泄对象的内在精神与情感, 强调自然的神圣、造化。在画面透视方面, 郭熙 (宋代) 于《林泉高致》里提出了“三远论”:“自山下而仰山颠谓之高远, 自山前而窥山后谓之深远, 自近山而望远山谓之平远。高远之色清明, 深远之色重晦, 平远之色有明有晦……每远每异, 所谓山行步步移也, 每看每异, 所谓山形面面看也”, 三远法给画家经营画面创造了广阔的天地。在中国的几千年历史中, 社会朝代的更替并没有使中国美术在形式和意识形态上有显著的变化, 维持在农耕社会状态下的中国美术史依然体现着“天人合一”的觉悟与性情。
(四) 中国的近现代绘画
辛亥革命后由于受到西方文化侵略性的撞击, 东方的文化、哲学以及意识形态发生了重大变化。随后出现了林风眠、徐悲鸿、吴作人、刘海粟等一批新中国早期的艺术家, 他们为新中国美术的发展铺平了道路。由于受到法国现实主义和苏联的社会主义现实主义的影响, 中国画逐渐地流露出了注重现实的意识形态。至今, 中国近现代绘画逐步与中国古典绘画拉开距离。
二、中西方美术史的差异性
中国美学与西方美学的本质差异就是其各自的社会背景、宗教、哲学、文化以及民族间的具体差异。西方自工业革命后逐步转向工业化社会, 迈向工业文明的大门, 导致其美术历史发生了翻天覆地的变化。西方美术在其宗教的感化下更习惯于反思并进行思维的操作;而中国的美术历史由于受到中国几千年封建体制社会潜移默化的意识形态的影响, 关注更多的是自然造化的根本规律。于是西方与中国美术历史的主要差异性着重体现在社会影响下的民族本性上。民族间的差异性使得艺术作品的创造拥有着不同的感情色彩和情调, 前者由审美走向皈依上帝, 使人成为“人”, 后者由人际走向宇宙, 崇尚造化;前者尊崇灵魂, 鄙视肉体, 后者与自然同在, 重视此在;前者向上帝祷告, 企求赎罪, 后者中庸平衡, 超然禁欲。于是中西方都维持在各自的范围内去面临和解决自身的形而上的问题, 学习西方美术史是为了更好地反思我国的美术发展过程, 更能明确我们自身所处的位置和状态, 并不能说是东西方美术历史进程中的各个阶段是彼此认知互补的过程, 当然也不能够运用对方的标准和思维模式来衡量自身的意识形态是否中肯。
中西方的美术历史都在各自的社会文化背景中向我们述说着它们过去的岁月痕迹, 使我们感受着自身成人、为人的存在、喜悦和恐惧。曾记得一位学者说过, “人类很可能是一秒钟之前被创造的, 却拥有着数千年的回忆……”确实, 无论东西方艺术有着如何的区别, 留给我们的依然是无尽的分享与感动。
参考文献
[1]刘小枫.拯救与逍遥.华东师范大学出版社, 2007年.
[2]吕澎.20世纪中国艺术史.北京大学出版社, 2007年.
中西方美术 篇2
一、史前时代
西方人最早的美术作品产生于旧石器时代晚期，即距今3万到1万多年之间。最杰出的原始绘画作品，发现于法国南部和西班牙北部地区的几十处洞窟中，其中最著名的是法国的拉斯科洞窟壁画和西班牙的阿尔塔米拉洞窟壁画。所绘形象皆为动物，手法写实，形象生动。迄今为止发现的原始雕刻大多为小型动物雕刻，少数人像雕刻中，裸体女性雕像占主要地位，这些女性雕像夸张女性的生理特点，突出表现女性的乳房、臀部、腹部、大腿等，体现出原始人对于母性和生殖的崇拜意识。在维也纳附近的威伦道夫出土的女性雕像被称为“威伦道夫的维纳斯”，是其中最著名的代表作。
二、奴隶社会时代
进入奴隶社会，那些文明古国谱写了人类美术史的辉煌篇章。
美索不达米亚（即幼发拉底河和底格里斯河之间的地区，又称两河流域）的雕塑，如巴比伦王国的“汉漠拉比法典”浮雕，亚述王国那些表现战争和狩猎的紧张场面、手法极为写实、充满激烈动势的浮雕。古埃及的庞大金字塔建筑，按照正面律程式雕刻的人像雕刻和神秘威严的狮身人面像。
古希腊的自由民主创造了具有民主思想的建筑、雕刻和绘画作品，其中留存于世的不少健美而优雅的雕刻形象，如《掷铁饼者》、《米洛斯的维纳斯》等，尤其具有无穷的魅力。
古罗马美术承继着古希腊的传统，但罗马人的美术更倾向于实用主义。规模巨大的科洛西姆竞技场和万神庙是古罗马建筑的杰出代表。而曾被维苏威火山灰掩埋达1700多年的庞贝壁画，则给我们展示了古罗马绘画的独特面貌。
三、封建社会时代
自公元476年开始，欧洲历史进入封建中世纪。受基督教制约，中世纪美术不注重客观世界的真实描写，而强调所谓精神世界的表现。建筑的高度发展是中世纪美术最伟大的成就。拜占庭罗马式教堂和哥特式教堂，各具艺术上的创造性。与宗教建筑相结合，雕刻、镶嵌画和壁画也取得了一定成就。
四、欧洲文艺复兴时期
14-16世纪的欧洲文艺复兴美术以坚持现实主义方法和体现人文主义思想为宗旨，在追溯古希腊古罗马艺术精神的旗帜下，创造了最符合现实人性的崭新艺术。
意大利的达.芬奇、米开朗基罗和拉斐尔是文艺复兴美术的三位代表被誉为“文艺复兴三杰”。达.芬奇既是艺术家又是科学家，其杰作《最后的晚餐》、《蒙娜丽莎》等皆被誉为世界名画之首。米开朗基罗则在雕刻、绘画和建筑各方面都留下了最能代表鼎盛期文艺复兴艺术水平的典范之作。他塑造的人物形象，雄伟健壮，气魄浑宏。拉斐尔则以其塑造的秀美典雅的圣母形象最为成功。他的圣母像寓崇高于平凡，被誉为美和善的化身，最充分地体现了人文主义的理想。
五、17世纪时期
17世纪在欧洲出现了巴洛克美术，它发源于意大利，后风靡全欧。其特点是追求激情和运动感的表现，强调华丽绚烂的装饰性。这一风格体现在绘画、雕塑和建筑等各个美术门类中。佛兰德斯的鲁本斯是巴洛克绘画的代表人物，他的热情奔放、绚丽多彩的绘画对西方绘画具有持久的影响。同时代的现实主义大师如荷兰的伦勃朗、西班牙的委拉斯贵支等，也在一定程度上具有巴洛克的特色。
六、18世纪时期
18世纪罗可可风格在法国兴起，随后波及欧洲其他国家。罗可可美术的特点是追求华丽纤巧和精致。代表画家有法国的瓦托、布歇和弗拉戈纳尔。随着1789年法国资产阶级大革命的到来，进步的美术家们又一次重振了古希腊古罗马的英雄主义精神，开展了一场新古典主义艺术运动。其代表画家是法国的大卫和安格尔。浪漫主义随着新古典主义的衰落而兴起。法国的热里柯的《梅杜萨之筏》被视为浪漫主义绘画的开山之作，而这一运动的主将却是德拉克洛瓦，其绘画色彩强烈，用笔奔放，充满强烈激情，代表作有《希阿岛的屠杀》和《自由领导着人们》等。法国吕德的《马赛曲》和卡尔波的《舞蹈》都是杰出的浪漫主义雕塑作品。
七、19世纪时期
19世纪中期是现实主义美术蓬勃兴旺的时期。法国画家库尔贝是现实主义的倡导者，他的代表作《奥南的葬礼》堪称绘画中的“人间喜剧”，而《石工》则深刻揭示了社会的矛盾，表现了作者对劳动人民的同情。勤劳朴实的农民画家米勒，以醇厚真挚的感情，歌颂了辛勤劳作的农民。政治讽刺画家杜米埃创作了大量思想深刻而形象夸张的石版画和油画。德国女版画家柯勒惠支，以社会民主主义思想和鲜明的个人风格创作了反映工人运动和农民革命的系列铜版画和石版画。俄罗斯的批判现实主义产生了列宾、苏里科夫等杰出画家。法国雕塑大师罗丹的作品也具有一定的现实主义品质。
19世纪后期在法国产生了印象派。此派绘画以创新的姿态出现，它反对当时已经陈腐的古典学院派的艺术观念和法则，受到现代光学和色彩学的启示，注重在绘画中表现光的效果。代表画家有马奈、莫奈、雷诺阿、德加、毕沙罗、西斯莱等。继印象派之后还出现了新印象派（代表画家是修拉和西涅克）和后印象派（代表画家是塞尚、凡?高和高更）。而实际上后印象派与印象派在艺术主张并不相同甚至完全相反。其中凡?高的绘画着力于表现自己强烈的情感，色彩明亮，线条奔放。高更的画多具有象征性的寓意和装饰性的线条和色彩。塞尚绘画则追求几何性的形体结构，他因而被尊称为“现代艺术之父”。
八、20世纪时期至今
20世纪以来，现代美术呈现出流派迭起，千姿百态的局面。1905年诞生的以马蒂斯为代表的野兽派绘画，强调形的单纯化和平面化，追求画面的装饰性。1908年崛起的以布拉克和毕加索为代表的立体派绘画继承了塞尚的造形法则，将自然
物象分解成几何块面，从而从根本上挣脱传统绘画的视觉规律和空间概念。随着德国1905年桥社和1909年蓝骑士社的先后成立，表现主义作为一种重要流派登上画坛，此派绘画注重表现画家的主观精神和内在情感。1909年在意大利出现了未来主义美术运动，此派画家热衷于利用立体主义分解物体的方法表现活动的物体和运动的感觉。抽象主义的美术作品大约于1910年前后产生，其代表画家有俄罗斯画家康定斯基和荷兰画家蒙德里安，而两人又分别代表着抒情抽象和几何抽象两个方向。
第一次世界大战期间产生的达达主义思潮，此派艺术家不仅反对战争、反对权威、反对传统，而且否定艺术自身，否定一切。杜尚将达?芬奇的《蒙娜丽莎》画上胡须，并将小便池作为艺术品，便是达达主义思想的体现。随着达达主义运动消退，在此基础上出现了超现实主义艺术思潮。此派画家以柏格森的直觉主义，弗洛伊德的精神分析学和梦幻心理学为理论基础，力图展现无意识和潜意识世界。其绘画往往把具体的细节描写与虚构的意境结合在一起，表现梦境和幻觉的景象。代表画家有恩斯特、马格利特、夏卡尔、达利、米罗等。
第二次世界大战后在美国产生的以波洛克、德?库宁为代表的抽象表现主义绘画，综合了抽象主义、表现主义的特点，强调画家行动的自由性和自动性。20世纪50年代初萌发于英国、50年代中期鼎盛于美国的波普艺术，继承了达达主义精神，作品中大量利用废弃物、商品招贴、电影广告和各种报刊图片作拼贴组合，故又有新达达主义的称号。代表人物有美国画家约翰斯、劳生柏、沃霍尔等。
而70年代兴起的超级写实主义（或称照相写实主义）运动，其主要特征是利用摄影成果，进行客观的复制和逼真的描绘。代表画家有克洛斯、佩尔斯坦，雕塑家中，安德烈、汉森最为著名。除上述之外，可以归入现代艺术范畴的还有偶发艺术、大地艺术等。其许多艺术活动已经超出了美术的范畴。
一，具象艺术的概念
较写实，有形象可辨美术作品，具象艺术是比较宽泛的概念。
二，具象艺术的特点：
1，视觉的真实性、客观性
2，艺术形象的典型性
3，情节性，又称叙事性
三，典型具象艺术形式
古典油画、中国工笔画、写实雕塑
四，具象艺术的典型----照相写实主义
代表画家：克洛斯（美国）
五，具象艺术的极端----超级写实主义
代表画家：冷军(中国）
六，具象艺术的历史价值及意义
1，当记录作用，特别在没有照像机之前
2，具有社会干预的作用，如中国革命时期，起宣传作用，因为是大众能够理解的艺术形式
3，现代，具象艺术并非最前卫，但它仍然是主流
抽象艺术
抽象，是指一些艺术家们，从自然的诸形态，渐进升华至抽象，而达到的一种非具象的观念。
两种抽象艺术
（一）冷抽象
蒙得里安（187--1944），荷兰抽象主义画家，其艺术被称为“冷抽象艺术”或“几何抽象”。1913年后的绘画以几何性符号式的绘画为主，他在平面上把横线与竖线相结合，形成直角或长方形，并在其中安排红、黄、蓝三原色及灰色。这些新造型主义的抽象艺术及其理论，不仅影响了西方抽象绘画和雕塑，还对现代广告、家具、服装设计、印刷和建筑产生了深远的影响。
（二）热抽象
康定斯基（1866--1944），俄国抽象主义画家，“抽象艺术之父”，其艺术被称为“抽象艺术”或“抒情抽象”。康定斯基擅长油画、水彩画和版画。早期作品采取印象主义技法，1910年开始采用音乐名称，形象几乎是用色彩的块面和线条图案暗示出来，如《即兴曲》等。以后则是纯抽象的绘画，后又转向几何的抽象，其画风充满着幻想、幽默的趣味。
印象主义
早期印象主义
印象主义(impressionl9n)在19世纪60一70年代以创新的姿态登上法国画坛，其锋芒是反对陈陈相因的古典画派和沉缅在中世纪骑士文学而陷入矫揉造作的浪漫主义
在19世纪现代科学技术(尤其是光学理论和实践)的启发下，注重在绘画中对外光的研究和表现。印象主义画家提倡户外写生，直接描绘在阳光下的物象，从而据弃了从16世纪以来变化甚微的褐色调子，并根据画家自己眼睛的观察和直接感受，表现微妙的色彩变化。
在印象主义内部存在着两种类型的画家群。一是以莫奈为代表，一是以德加为代表。莫奈
1840年在巴黎出生，少年时代在面对英吉利海峡的港口城市拉·阿布尔度过。1874年4月，莫奈、雷诺阿、毕沙罗、西斯莱、德加、塞尚、莫里索、基约曼等青年画家，在巴黎卡普辛大街借用摄影师那达尔(Na—dar)的工作室举办展览，他们自称为“无名的画家、雕塑家和版画家协会”。在展品中莫奈的油画<印象·日出>的标题被一位保守的记者路易·勒鲁瓦在文章中借用作为嘲讽，称这次展览是“印象主义画家的展览会”，“印象主义”由此而得名。
他一直是印象主义画家集团的核心人物，直到1926年以86岁高龄去世。
新印象主义
印象主义之后，在法国出现了被称之为“新印象主义”和“后印象主义”的思潮和派别。
新印象主义的发起人为修拉和西涅克，他们试图用光学科学的实验原理来指导艺术实践。
原来学建筑的西涅克，与修拉密切合作，共同进行分割色彩理论和实践的探索，创造点彩派的体系。
后印象主义
被称作后印象主义的画家有，塞尚、高更、凡高、雷东等。这些画家经常在一起参加展览，但从未组成过团体，即使象印象主义那样松也没有。
“后印象主义”一词是在20世纪20年代后才被普遍使用的。它被用来泛指印象主义之后在观念和实践上与印象主义相左的艺术潮流。
“后印象主义”画家曾一度受印象主义画风的影响，但又不满足于印象主义的法则，试图另辟蹊径，他们从各个角度探讨艺术表现的本质。
中西方美术 篇3
关键词：中西方；绘画；审美；自然观
中西方文化不同的起源与发展，逐渐形成了人们思维方式、审美意识的差异。而与美学相关的，在绘画方面，东方与西方呈现出迥然不同的风格。西方的美术表现对象多以人物为主，相反，东方美术的表现对象多以自然景物为主，即使刻画人物，也多强调人与自然的和谐统一，以及所呈现出的意境美。从表现方式上看，西方画重写实，而东方画则重意境等等。这些都表现出东西方审美观念的不同——东方崇尚自然美，而西方崇尚社会美。
绘画作为艺术，不仅具有审美功能，也具有认识功能、教化功能以及娱乐功能等。它包含了文明的印迹，是展现对世界的认识、理解的方式之一。人类在最初认识自然、把握自然的时候，无论中西方都是相通的。因为人类社会的初级阶段中都经历了崇拜自然、征服自然的过程。随着人类与其生存环境的融合，中西方有着各自的文化积累，这个文化土壤孕育了中西方两种迥然不同的文化。中国的感性的、注重感悟的文化，引导了美学的审美方向；而西方重视理性的思想，决定了其艺术的发展带有严密的科学性特征。绘画是文明生成的人类精神价值观的物质化，因此与文化乃至文明的发展演进密不可分。
一、中西方传统哲学对文艺观念的影响
我国古代的文艺思想一直以来都存在于人们的创作理念中，并反映在艺术作品上。从先秦哲学家和美学家的著作中，我们了解到儒道思想具有汉文化不同于世界其它民族的基本特质。
中国古代审美理想的认识首先要从对儒道思想的认识作为开宗。儒家以雄健为美，充满浩然正气的雄健之美成为儒家美学价值的指向。儒家美学不仅重视艺术中的气势、气概和风骨之美，还提出了“天人合一”的宇宙观。这种观点，产生了中国绘画中的“提神太虚”、“散点透视”的创作方法。而道家崇尚“自然”、“空灵”、“玄”“素”之美。它的审美理想是“夫虚静恬谈寂寞无为者，万物之本也”，“天地与我并生而万物与我一”，在心与物浑然一体的体验中，人的精神从现实的束缚中超脱出来，达到一种“虚”、“静”、“明”的自由审美境界。人作为生命的存在本应与自然一体。“淡然无极而众美从之，此天地之道，圣人之德也”，“朴素而天下莫能与之争美”。人们认为真正的美是一种大美至美，是天地之美，是宇宙本体所显现出来的质朴、自然、恬淡之美。
中国古代审美理想构建了一种独特的宇宙观，这种宇宙观表现在艺术上就是以类取之，以虚带实，以实带虚，实中有虚，虚中有实，虚实相生，情理统一，物我合一。因此中国绘画讲究“不求形似但求神似”，“妙在似与不似之间”。这种重“意”的人文关照态度也一度被西方吸收借鉴，发展演变为印象派抽象、意想为理念的艺术风格。
西方从古希腊时代开始，造型艺术就是以模仿自然为目的。古希腊哲学家们认为“数”是万物之源。自然界事物的存在就是“数理”的存在。希腊时期的美学价值观向人们提供了一种“古典美”的价值典范，即像宇宙一般的“神圣”、“和谐”与“秩序”。亚里士多德指出：“美是秩序、匀称、明确”。美的鉴赏逐步走向纯粹的外部形式并崇尚理性的思维。因此，艺术家在模仿事物外在形象的时候，强调通过比例、对称、完美、表现存在的本质和规律，从一个物体美的认识到集体的、全部的美的认识，从美的形体到美的制度美的知识，一直到彻悟美的本体。由此，在对和谐美的追求过程中有了“一切立体图形中最美的是球形，一切平面图形中最美的是圆形。构成长方形比例协调感的“黄金比”［1］。文艺复兴、宗教改革、反封建运动以及三次工业革命以来，西方文明在改造自然界与人类社会的同时重新发现了人类自身，重新进行自我审视，不断提升人在自然界中的价值与地位，甚至对人的内在力量进行推崇与讴歌，形成了以科学、逻辑、理性为特点的思维方式。这种价值观也影响着西方人的审美观，使其逐渐形成与东方人迥然不同的艺术审美思维。这就使西方文艺的表现对象由自然界转向人类自身，表现与讴歌人物的绘画占据主体地位，直至今日也依然如此。
二、宗教思想对美学心理的影响
佛家与禅宗也给中国古代文艺注入了不少哲理意味。这些思想不但内涵丰厚，同时还具有深厚的美学意味，对中国书画美学产生了极大影响。佛与禅都讲求一个“悟”字，凡事能从隐含晦涩中得到真知或从表象看到事物本质所在都是悟性的体现，它表现为彻悟客观存在之本来面目时的圆满。王国维也用“众里寻他千百度，蓦然回首，那人却在灯火阑珊处”来描述这一最高境界。“超越”与“超然”的思想也对古代艺术有重要影响。它体现在历经世事后的洞察、彻悟、虚怀若谷，是超越世俗、超脱凡尘、超然出世，是轰轰烈烈之后归于平淡的明静。中国绘画重在意境，拙中见巧、简而不陋、浅中有深，眼中所见有限而胸中之意无穷便是中国绘画的最大特点。
宗教的美学价值也对西方美学观的形成产生了不可忽视的影响。在西方的文化传统里，宗教总是贯穿其中的。许多文学与哲学的巨人都有无与伦比的宗教情绪。基督教是西方文化的重要标志，也是欧洲文艺发展的精神动源。对上帝的绝对信仰造成了人们“神明创造并主宰宇宙”的观念。而耶稣基督的出现则使这种观点向前推进了一大步。被钉在十字架上的耶稣形象使人们将其和没有形迹轮廓的上帝联系在一起，从而将上帝赋予人的形象。从希腊神话到希腊雕刻，大量雕像也佐证了艺术对真实物象立体性的模仿和美化。比较中西美术，如果说中国古代哲人对美的认识，主要侧重于审美的心理方面，那么西方则重于对象的外在形式，关注“美”与“真”的联系，把艺术的审美创作和欣赏看作是追求知识和真理，乃至追求上帝的过程。文艺复兴时期，欧洲复兴了古希腊罗马文化，并与基督教文化一同组成了西方近现代文化的雏形。这时期的艺术又是如何对待人物题材的呢？他们把人看成除上帝以外最神圣的物种，是上帝之子，是替上帝行使权力、统治世界的。所以，这时的人物画将人描绘得像神一样伟大，由此也体现了美术是文明与文化的反映，是人类思想的外化形式。［2］由此看来，东西方不同的自然观的形成也就不足为奇了。
三、对人与自然关系的不同解读形成了不同的创作主张
中西方文化根源的相异与发展的分流形成了迥然不同的自然观。中国文化传统里历来崇敬自然、热爱自然，崇尚人与自然和谐，主张“师法自然”，同时不拘泥于自然的外在形式，无羁地抒发胸臆。自然即人，人即自然，中国画家历来不会因外物的形式而局限自身的个性表达与抒发。把握好了写实与写意之间的度，于是获得了艺术与精神上的自由。西方“以人为本”的传统则决定了其对待自然的态度不会是“天人合一”，而是精确写实。在科学严谨的创作态度背后，起支配作用的是人类高于自然，甚至控制自然的思想。西方画家的写实艺术精确地刻画物体，表现了对自然的控制和征服。这样就大大地限制了创作者自身情感的表达，无法真正达到自由。
譬如，我国的传统美术以水墨山水画为主导，山水一直作为纯粹而且重要的精神象征存在于中国文人艺术家的生活中。古人认为，自然山水在空间形态上丰富多彩、千变万化，在时间状态上也是无比生动千姿百态的。从山石、树木、水泽、云草中寻找人生存在的道理，寄托作者的情感，正是中国古代艺术家创作山水画本源的真实意图。对于山水画创作来说，中国山水画的空间特征，更接近于一种时空的转换，画家不仅考虑的是看见了什么，更关心人自身内心的变化过程，想到什么。用生命的状态表达对象。由于没有像西方绘画中光影、质感、透视的约束，中国山水画更多地依靠虚实、遮挡以及不规范的大小比例关系来表现美的对象，而使得对自然的表现更加肆意、主观、淋漓尽致。所谓“低仰自得，心游太空，心融融于玄境，意飘飘于白云，忘情勿我之表，纵志于有无之间。”一幅画可以不是特定的山，特定的水，它有明暗、有表情、有灵性，可以被作者赋予生命。这种中国哲学文化所独特的眼光和心灵，是无法在西方风景绘画中看到的。［3］
浅论中西方美术教育之异同 篇4
关键词：美术教育,教育理念,教育方式
随着社会的发展,文明的进程,文化的繁荣,美术教育作为一种文化现象,构成了文化系统的重要组成部分。美术作为一门基本课程在普通学校中所具有的作用越来越受到人们重视,具有美育和智育的美术教育思想逐渐深入人心。 然而不同的地域以及不同历史文化、不同思想观念和制度造就的教育形式也不同。
纵观中外美术教育史及其发展现状,发现中国美术教育方式细致到位注重理论,西方的美术教育贴近社会与自然。 国内强调美术教育的重点在于“教”,而西方强调“启迪”。 “教”是我们我国传统方式手把手灌输式教育,忽视了学生的主观能力,不注重学生的个性。“启迪”式教育则重视对学生的个性和能力的激发。前者只进行知识和技能灌输,后者则帮助学生寻找、获取知识以及应用。由此我们可以看出,对人及其个性的承认和尊重,是西方美术教育中最宝贵的文化遗产。中国学生学习以勤奋为主,西方学生主要以探索为主。确切地说西方美术教育的优点是重视培养学生创新能力,以及思考问题的习惯和方法,重视创造性思维的培养。 相应的缺点也显而易见,学生基本功不扎实,性格放任,纪律涣散,太以自我为中心。创造是艺术创作的基础。这种性质在手艺人的作品里是没有的,因为他不是在创造。在西方美术超越了自身以理性的客观参照为唯一的审美取向的标准,大胆地吸收和借鉴外来文化,使自身从传统的古典写实主义中解放出来,独树一帜成为抽象、意象等表现为主的艺术风格。然而由于过分的强调美术本身的多元化、个性化和美术形式语言的独立化,其继承上的失根性和极端化也是值得批判的。我们应该汲取优点,避其不足尽快建立起科学合理的美术教育体系,使美术教育跟上时代的步伐,给学生创造一个充分开放的空间。
近几年来,西方许多优秀的艺术家,大部分来自于东欧国家和我国。这是因为东欧国家与我国都比较重视基础教育,而西方则注重观念教育,轻视基础教育。他们学生的观念很好,很有想法与见解,但技术表达欠缺。引用法国艺术界的一个说法:“有好的技术可以成为画家,有好的观念可以成为艺术家,有好的观念又有好的技术就可以成为大师”。 这说明与我国实际状况相反,西方在教育理念上过于注重甚至夸大个性表达,而忽略了基础教育这个根基的问题。20世纪以来,特别是随着现代主义的兴起,美术教育的目的是通过艺术活动进行自我表现从而将艺术与个人联系起来,并且渐渐介入了日常生活。模糊了艺术与生活的关系。80年代以来“综合美术教育”观点成为普通美术教育,它将艺术的文化背景、艺术的发展历史、艺术的审美哲学、艺术的批评理论和艺术的生产行为看成一个自足的社会和文化系统, 教育的目的在于对这个系统的全面掌握。普遍学者认为艺术没有落后和先进,艺术形式也不分高低。西方美术教育,很注重学生的参与性,教师的作用在于启发学生的思考,教师指定的参考书、选读参考书和课外阅读学生自学,教师只是论述教材的问题,在课堂上学生讨论作者的观点与其他参考书的观点有何不同,并能提出个人看法,教师帮助学生进行分析。学生是课堂真正的主人,教师只是指导者和掌控者, 类似主持人。这种教学方法既没有对教材死板教条,又促进了学生课外的学习和思考,并将课堂变成学生论坛,给了学生发挥个性的机会。相比之下,国内艺术院校的理论课缺乏相应的魅力,给学生的感觉是枯燥、乏味。我们应该借鉴和学习国外先进的教学方法与自身的优秀传统和民族精神相结合,从而促进我国教育教学改革。
我国传统的美术教育,遵循孔子“信而好古”的教育哲学,对后世影响很深。在美术教育中过于强调临摹、师承和传统。没有明确的教学体系和课程组合。到宋元时期文人画出现后,谢赫的“六法论”影响以及画品气韵以及笔意的讲究,诗、书、画、印成一格局,对绘画的要求神似强过肖似,讲究书卷气和综合素养,不再只限于绘画技法的要求, 但是也没有明确的多思维的教育理念。随着中西文化的交流,西方文化的渗透和影响,才渐渐开始出现理念转型。到了20世纪前后,中国美术教育改革参照西方的和日本的教育制度、艺术观念和教育方法,同时也把传统教育的观念和方法一并纳入现代教育体系之中。在公办学校也仿照西方学制,开设图画手工等课程,侧重学生动手能力和审美意识的培养,开创了现代中国美术教育先河。
我们当代的美术教育以更宽广的胸怀包涵更多的美术样式,本世纪形形色色的各种美术流派风起云涌,美术教育观念发生了质的变化。为了顺应新的艺术格局对人才培养的需求,国内的许多艺术院校调整了落后的教育模式,由重视基本功训练转向注重对个人创造力想象力的培养。现代美术教育的课程内容趋向多样化,中小学的美术课就已不单纯是绘画训练,而包括了雕塑、陶瓷、编织、民间剪纸、刺绣、 摄影、美术批评等等选修和必修相结合的教学内容。
西方美术鉴赏论文 篇5
印象派是19世纪后半期诞生于法国的绘画流派，其代表人物有莫奈、马奈、毕沙罗、雷诺阿、西斯莱、德加、莫里索等人。而后印象派则是继印象派之后产生的以塞尚、梵高和高更等人为代表的本质不同于印象派的另一艺术流派。那么接下来我们就二者在绘画形态与创作理念上的差异问题进行论述。
在创作理念方面，印象派强调画家对客观事物的感觉和印象，主张艺术上的革新，受现代科学，尤其是光学的启发，认为一切色彩皆产生于光，因此他们主张他们根据太阳光谱所呈现的赤橙黄绿青蓝紫七种颜色来调配颜色从而去反映自然界的瞬间印象。他们认为，只有捕捉瞬息间光的照耀，才能揭示大自然的奥秘。因此在绘画中注重对外光的研究和表现，主张走出画室，在阳光下依据眼睛的观察和现场的直感作画，表现物象在光的照射下，色彩的微妙变化。印象主义画家多描绘现实中的人物和自然风景，他们的绘画生长在写实主义的土壤之中，但他们的主要兴趣在于准确而客观地描绘个人面对世界时的视觉感受。印象派画家对瞬间视觉感受，对色彩、氛围、笔触的关注，甚至超越了对社会历史、宗教、伦理的关注。
而后印象派则不满足于印象派的“客观主义”表现和片面追求外光与色彩，转而强调抒发作者的自我感受和情绪。其根本观点是反对真实的表现自然界的光与色，而主张在艺术形式和技巧上大胆尝试和探索，重视自我的表现，用大脑去思考艺术真实表现的方法和手段，通过理性的组合和安排使所看的一切在有意味的秩序形式之中得到表现，使画家的情感得到充分的表达。
在绘画形态方面，印象主义绘画在阴影的处理上，不再像传统绘画的黑色和灰色，而是改用有亮度的青、紫等色。并且不再使用轮廓线，物体的外形因而模糊，这使得印象派绘画变成了光影、气氛和色彩融合之作。印象派绘画用点取代了传统绘画简单的线与面，从而达到传统绘画所无法达到的对光的描绘。具体的说，从近处观察印象派绘画作品时，我们看到 的是许多不同的色彩凌乱的点，但是当我们从远处观察时，这些点就会像七色光一样汇聚起来，给人光的感觉，达到异想不到的效果。在印象派画家笔下，闪烁的阳光和微妙的阴影被引入画面，奔放的笔触和没有调和的颜色在画布上直接糅合，形成冷暖色调对比强烈的新画风，绘画由此变得清新明丽、生机盎然。色彩成为了印象画作的主旋律，而整个画面的自然气氛则成为了他们追求艺术的目标。他们从画水开始，把水波反射出来的五光十色描绘得惟妙惟肖，进而扩大到从建筑物到天空的光与色的表达。
像马奈的《吹短笛的男孩》，德加的《舞蹈课》，莫奈的《印象·日出》等作，都属于印象派绘画艺术的典范之作。
与印象派不同，后印象派画家们重视形、色、体积的构成关系，强调艺术形象要异于生活的物象，要用作者的主观感情去改造客观物象，要表现“主观化了的客观”，在绘画表现形式之外体现深刻内涵。他们尊重印象派在外光和色彩上所取得的成就，但并不追求外光，而侧重于表现物质的具体性、稳定性和内在结构。被称为‘现代派艺术之父’的塞尚在艺术史上具有崇高的地位，他曾提出：艺术不是真实的表现客观事物的形貌色彩，而是真实的表现艺术家对客观事物的主观感受。绘画不仅表现眼睛所看到的，更重要的是表现内心所感到的。
下面我们通过对两幅画作的赏析来进一步了解印象派与后印象派的绘画形态差异。印象派领袖人物莫奈的作品《印象·日出》表现的就是画家对所看到的“日出水面”这一转瞬即逝景象的感受和印象。作品描绘的是在晨雾笼罩中日出时港口景象。在由淡紫、微红、蓝灰和橙黄等色组成的色调中，一轮生机勃勃的红日拖着海水中一缕橙黄色的波光，在天水一色的朦胧晨雾中冉冉生起。海水、天空、景物在轻松的笔调中，交错渗透，浑然一体。近海中的三只小船，用蓝绿色彩轻松的勾画出来，在薄雾中渐渐变得模糊不清，远处的建筑、港口、船舶、桅杆等也都在晨曦中朦胧隐现…画家大胆地用“零乱”的笔触来展示雾气交融的景象，使得整个画面的一切物体都融成一片。
后印象派画家梵高的《向日葵》给人们留下了深刻印象。它并不是传统的描绘自然花卉的静物装饰画，而是一首赞美阳光和旺盛生命力的欢乐颂歌。画中，那一朵朵葵花在阳光下怒放，彷佛“背景上迸发出燃烧的火焰”。画面以黄色和橙色为主调，绿色与蓝色的细腻笔触，勾勒出花瓣和花茎。籽粒上的浓重色点，具有醒目的效果。那大胆恣肆、坚实有力的笔触，以不同的走势，在明亮、灿烂的底色上找寻不同的结构与色调，把朵朵向日葵表现得光彩夺目，热烈奔放，正如凡高有着火一般炽热的感情和强烈的艺术气质。凡高以向日葵的各种花姿来表达自我。画面上，葵叶和花瓣像燃烧的火苗，向日葵那金黄刺眼的色彩就是天上的太阳，也是凡高的心，凡高的思想感情，凡高的灵魂。向日葵、太阳、凡高的心，三者是同一的。所以，他所画的向日葵，不是客观如实的描绘向日葵，而像燃烧的火，像天上的太阳，那是他心灵迸发的感情。艳丽得颓废、快要凋零的花朵，弯曲的枝干，展现了生命烘烘烈烈的过程,也预示着繁华鼎盛之后终将走向沉重的衰败。从他的作品中我们可以感受到他对苦难生活的无奈，对残酷现实的愤怒和对光明希望的无限渴望。所以说，在他的这幅作品中，深刻的表达出了他自己的个人情感而非单纯的自然再现。《向日葵》可谓后印象派画作中的经典之作之一。
中西方美术 篇6
近代以前的中国美术教育，遵循孔子的“述而不作，信而好古”的哲学，对后世颇具影响，代表了一种含有祖先崇拜的宗教意识和传袭前人做法的教学方式。这种教育思想不强调自立门户、发挥创造，而要求世代相守。在美术教育中所强调的就是模仿、师承和传统。没有明显的教学体系和课程组合，这时的美术教育面很窄。到宋元时期文人画出现后，教育思想有了通达宽博的地方。随着画诀、画论著作的成熟，伴随着画品气韵以及笔意的讲究，诗、书、画、印形成一体，对绘画的要求不再只限于画“技”的要求，也对绘画者的综合素养有了更为严格的品评，但是还没有明确的多思维的培养理念。
这种情况随着西方文化的传播与渗透，开始出现理念转型。到了十九、二十世纪之交，中国美术教育变革的主要内容是引进西方的、日本的教育制度、艺术观念和教育方法，同时也把传统教育的观念和方法纳入现代教育体系之中。在公办的中小学堂中也仿照西方学制，开设图画手工等课程，侧重学生动手能力、实干才能和审美意识的培养，从此揭开了中国美术教育史上的新篇章。
中国最有影响的启蒙思想家梁启超的美术观点是，科学化的美术和美术化的科学有利于促进科学的发达，而科学的发达推动了工商业和军事的发展，由此可以带来国家的强大。对中国近现代美术教育乃至美术发展进程发生深远影响的是蔡元培和他的美育思想体系，他颁布了“四育”方针，其中以美育为教育宗旨之一，将美术教育提到与科学相提并论的历史高度。“五四运动”前夕，他又及时提出了“文化进步的国民，既要实施科学教育，又要普及美术教育”。
文革结束之后，中国美术教育界受到各种文化的冲击。西方现代主义和当代艺术对刚打开国门的年轻一代中国学生产生了重要影响，导致了教育思想认识的一次次突破，逐渐把合理的探索纳入教学课程之中。于是教学的关注点从一般的技能训练和具体学科的专业化教育转向了素质教育，转向了美术观念的宏观思考，教学的重点放到宏观的观念教育和理论思辨方面。
自从我国教育方针从德智体的发展改为德智体美劳的全面素质教育以来，美术教育开始受到重视，其中的审美素质教育也是精神文明建设的重要内容之一。教师培养的学生不是艺匠，成为造就有高尚情操和品位的新人，是能在各个领域做出贡献的栋梁之材。
二、 西方美术教育的模式及其发展
西方美术教育在较早时期就具备了全面发展的教育思想。早在公元前四五十年，雅典统治者发现要统治民众必须要有德才兼备的领导者，于是，一种以“美好生活”为目标的教育观开始形成和兴起，它是以人格的全面发展即体力、智力、审美和道德诸方面的全面发展为出发点的。
米开朗基罗认为“艺术家是用大脑而不是手作画”，他还认为雕塑是一门“知识渊博的科学，而非一种机械的或无创造精神的技艺”。从这里可以看到美术不仅是教给人们技能的掌握，更是开启智力的一把钥匙，学习它可以从小时候就开始，使人们更早的就懂得发掘人深藏的潜能。
利昂·温斯洛在他的《种族混合学校艺术学校教育计划》中，坚决提倡创造性的表现，但同时也坚持艺术教学应该具有广泛的文化价值。温斯洛认为，审美发展既拓宽了儿童的社会视野，又丰富了他们的生活经验。
三、 中西方美术教育在培养人的全面发展思想历程上既有交合点又有不同点。
根据文化底蕴和传统习惯的不同，国情的不同，双方各自形成了自己的发展模式，在培养全面发展的人才之中所起的作用也不同。随着全球一体化的形成，全面发展人才的要求也成了时代的最强音。在这个基础上，双方都在调整自己的步伐，使美育为时代服务。
中西方美术文化起源不同。中国绘画要求表现的是气韵、个性精神和自我意识以及道德的表现和发掘。像秦汉时期的美术，如墓室壁画、帛画、画像石、画像砖、汉代石刻，清朝的“四僧”与“扬州八怪”等，都是把一些道德的和文化的思想融入了艺术之中，抒发时代的精神和个人的逸气，造成了像文人画的发展，纯艺术的修养形式等的形成。而西方的绘画重视的是绘画形式的严谨性，以写实为基础，解剖了解人的生理结构，用科学的方法融入绘画之中。像意大利文艺复兴时期的绘画、雕塑、建筑等，它所强调的就偏重于多方面的发展。
在认识了中国的美术教育发展历程和西方美术教育发展历程以后，我们可以得出结论：美术教育在培养人的全面发展中是具有一定影响作用的。我们可以借鉴西方的多思维发展理念，为中国培养更多的发散思维型人才。西方也可以取中国之精华为其所用。总之，在相互学习之中，逐渐就会走向融合，达到相互促进的目的。
谈中西古文明时期美术 篇7
一、古文明时期中西美术的差异性
人类进入农业社会标志着人类文明的巨大进步,由于不同地域、民族、风情而逐渐产生了艺术的差异性面貌。在中西方早期文明中,体现着差异表现的是我国的青铜器,它代表了中华文明的伟大和尊贵,希腊艺术的绘画与雕塑等代表了西方艺术的文明,这是中西方各自独有的文化。
首先,中国进入奴隶社会是从夏、商、周时代开始,奴隶制度社会时期是君主专制制度,艺术品大都为政治服务。商周时期的青铜器是为统治者制作的礼器,是专供祭祀和宗教活动使用的,所以对青铜器的制作有着严格的规定,如:大小、数量和种类上的要求。青铜器的使用是有等级划分的,不同身份的人使用的器具是不一样的。当时人们很崇拜兽形人,青铜器的造型也就比较独特,体现威严和庄重之美感,是统治者威严和权力的象征,如商朝时期的《司母戊大方鼎》《四羊方尊》等。从夏朝到秦朝时期,青铜器的使用就很普遍了,但平民百姓依然是可望不可及的,这个时期的青铜器又体现了另一个重要功用,就是记载历史重大事件,如:宫廷生活、将领征战、祭祀祖先等,这与古希腊雕塑的表现内容大相径庭。据文献记载,古希腊的雕塑艺术世界闻名,竞技场场景、征战英雄、祖先遗像等都是他们表现的题材。由于他们倡导公平和民主以及社会和谐,所以古希腊的雕塑题材很多关注的是现实中的人。
其次,从使用的形式上看,我国的青铜器是供个人使用的,而希腊雕塑是公众性的,两者的受众面存在异同。中国的青铜器集实用、政治和审美于一体,内容丰富,注重内涵。古希腊雕塑注重优美与和谐,体现宗教观点和信仰。青铜器的造型追求庄重的艺术效果,在视觉和精神感受上比较威严和大气,而古希腊的雕塑等艺术给人以亲近感。
再者,我国古代的美术讲求“形神兼备”,给人精神上的震撼,而希腊美术却不同,希腊人以“人”为中心,把人神灵化,神是生活的一部分,所以他们的信仰是很强的。希腊的雕塑艺术在创造性上是空前的,对现实事物的准确和真实的再现是他们的一大特点,他们认为神是可以看得见的,人类要在神的庇佑下生存。中国的艺术传统手法则是由政治到人性关注的转变,写意性表现的形式成为美术创作的基本思想。
二、古文明时期中西美术的共通之处
中西文明时期的美术不单有差异性,还有诸多共通之处。古代先民创作的工具、器具都是以实用为第一要素,为了适应生存的需要,为了美化生存环境,在不断地创造中进步。在石、骨、木等器物上以动植物符号描绘和记载,形成图腾崇拜,这些描绘在器物上的纹饰反映了当时的生活场景与故事,反映了原始人群对生活及对生命的认识。
首先,早期文明的产生是具有功利性的,也是顺应时代与环境发展的需求。石器时代的石器产生和发展主要以实用为目的,石器的器形和功用,乃至后来的工艺,这种由初始化实用性到技艺水平的追求是古代先民在生活实践与体验中创造出来的。旧石器时代的石器造型和功用也是多面的,尖的部分用来砍削,钝的部分用来砸,所以叫做砍砸器。这些只是单纯为了狩猎和采集生活中的食物而制作的器物,制作者也没有审美意识,这一点在中西方原始美术的领域是不谋而合的。
其次,器具制造由实用转向了审美创造。人类到了新石器时代以后,石、骨、木等器物的制作相对精细了,古代先民们的审美意识逐渐产生和发展,装饰工艺由捆绑发展到镶嵌,这是历史文明的巨大进步。陶器出现后,美术发展到了一个相当高的境界,陶器的器壁上开始有了装饰纹样,由几何图形纹样到动植物纹样,从简单人物纹样到复杂的生活场景纹样。如我国战国时期的《嵌错采桑宴乐射猎攻战纹铜壶》,该铜壶器形别致、雍容华贵,侈口、斜肩、鼓腹、圈足,壶肩有两个兽耳,壶身布满嵌错图案。铜壶通体由上而下,分三层图案,且场景描绘各异。上层是采桑图,采桑女欢快的劳作和起舞,令人向往;中层宴乐涉猎图,厅堂主人举杯与宾客欢饮,载歌载舞相伴,富丽奢华;下层为水陆战斗图,战船对战,兵戎厮杀;这些嵌错图案很好地还原了战国时期的各种场景,让我们领略了2300多年前的战国风情。再如古希腊的陶瓶图案《战士出征》,表现的是战士出征前的场景,情节细腻准确,具有很强的艺术表现力。这两件不同文化与环境下生成的作品,难分伯仲,只是题材和手法不同而已。前者展示的是多列序层次绘制的形式,每一层都由纹饰做隔断,生动地再现了战国时期贵族享乐的生活场景;后者则更加写实化,将人体的形体和结构都准确地表现出来了,还运用了透视手法,但这两件美术作品都是以纹样装饰记述历史,画面情节清晰,研究价值和观赏性极高。
再者,原始人类的“图腾崇拜”和“神灵论”,他们觉得万物都有灵性,神主宰着人类的命运和生存环境,这是一种共有的信仰。巫术和巫师为他们祈福丰收和平安,这是原始的宗教活动,因为具有世界性,所以为日后的宗教发展奠定了基础。代表古老文明的非洲木雕也具有巫术的理念特征,它采用整体写意的手法雕刻而成,木雕上的纹饰惟妙惟肖,与中国的陶器器壁上的纹样颇为相似,同样具有神灵庇佑的精神体现。非洲木雕的创作力很强,在结构、造型和线条上都有熟练精妙的运用,反映了非洲原始人对世界的客观认识。非洲木雕通常由一整块的树干雕刻而成,极少有拼装雕刻而成的,他们所用的工具有斧子、扁斧、凿子和锤子等,作品一般通过烘烤和着色完成,也有用木灰染色的,整体看来很精致美观。非洲先民的创作理念来源于对世界和宇宙的理解,作品的表现也体现了他们的信仰。非洲先民对木雕有着特殊的情节,他们认为木雕代表永恒,常被制作成祖先和死去的人,以示怀念。
三、结语
综上所述,中国古代美术从石器到青铜器的发展过程中,体现的是神权和人权,为后世的哲学思想的形成奠定了基础,在中国绘画、雕塑、建筑等方面影响深远,如在绘画上体现人与自然的关系和人精神境界的追求,这大大推动了中国美术的发展。古代的西方文明也给西方哲学思想奠定了基础,体现了人类认知世界的愿望,对后世宗教艺术产生重大影响。所以,无论是中国还是西方,古代文明都是世界的文明,他们对自然的热爱、对生命的珍视都是推动文明发展的动力。
摘要：雅思贝斯提出了人类文明的“轴心时代”理论,中国历史的原始社会到秦始皇时期是中国的早期文明,古希腊罗马时期和爱琴海文化则是西方的早期文明,本文将从中西古代文明时期美术的共通性和差异性比较上进行阐释,旨在提高理论与实践的水平,以及我们对中西方古代文明时期美术的认识。
中西方美术 篇8
在新现代工业革命的推动下, 20世纪以来新现代西方美术的发展也发生了巨大的变革, 并且以崭新的形式、强大的生命力展现在世人面前。在这一变革过程中, 西方美术逐步将美术的画面形式总结成抽象主义的几何构成, 同时美术创作的表现形式也充满了社会、作者的情感色彩, 使现代美术的内涵及发展的方向更加明确, 如现代西方美术创作作品中将人类无意识、潜意识展现的淋漓尽致, 已经完全超越了人们大众对美术理论理解、掌握的范畴, 这种美术界的前卫意识对我国近现代美术教育、美术创作的发展也产生了深远的影响, 现如今, 现代西方美术思潮已经根植与我国现代美术教育、与美术创作中, 为我国高等美术教育的发展做出了重要的贡献, 但是, 在西方美术思潮与我国高等美术教育不断融合、不断发展过程中, 对于我国美术教育发展的价值取向矛盾也日益凸显, 其成为我国近几十年来社会各界普遍研究、谈论的重要话题之一。下面, 我们就来通过以下几个方面来详细探讨下:
1. 对现代西方美术思潮发展的研究
在欧洲工业革命的推动下, 现代西方美术思潮逐步形成, 在此背景下, 先进的哲学理论为现代美术思潮的发展提供了必要的理论支撑, 从传统的美术发展史中我们可以发现, 传统美术是为上层贵族所服务的, 其所涵盖的范围也就局限于上层社会, 而在十九世纪工业革命后, 西方资本主义现代民主社会的建立, 推动了美术艺术服务对象的转变, 即逐步由服务贵族向服务大众方向转变。其中, 经过科学技术快速发展的推动, 美术作为一种新型的商品走进了卖场, 成为大众消费的重要艺术种类。且随着经济的发展、社会的进步, 迫使现代艺术家在作品创作中深度的融入了自己的情感世界, 使美术艺术的发展更赋有人性化, 使情感宣泄成为艺术作品创作的主体。其次, 高等美术教育在这种美术思潮中也在与时俱进, 教学理念、教学方法也在不断发展变化, 其中在十九世纪末到二十世纪后半叶, 西方现代艺术主义成为世界的艺术主流, 人本主义与科学主义逐步发展成为这时期艺术思潮的两个重要组成部分, 理性主义与非理性主义成为近现代美术的重要体系。这些美术思潮使现代西方艺术教育由科学主义转向人本主义, 而在西方美术发展中将技术作为重点发展对象时, 势必会导致美术创作从写实向虚无、人本方向转变。正因为在美术思潮如此强大的推动力与感染力的背景下, 大量的艺术家以及美术教育家成为了当代美术创作的先进群体, 他们新的理念使现代艺术思潮具有了一定的学术性, 高等艺术教育也随着社会的进步发生着新的变化。总之, 在十九世纪、二十世纪这个人类发展的关键时期, 各国传统美术艺术与西方现代美术思潮的错综复杂融合, 成为该时期美术艺术发展的重要特征之一, 同时也成为推动高等美术教育向前发展的最主要动力之一。
2. 现代西方美术思潮对中国高等美术教育发展的影响
2.1 在西方新现代美术思潮的推动下, 美术的功能逐步回归到为人类服务的宗旨, 而在这一转变过程中大量的美术艺术家做了大量艰辛、曲折的工作, 推动了传统美术向现代美术的转变, 大量的艺术家首先对传统的写实绘画进行了挑战, 并且把美术创作的主体写实创作转变为内部的主观创作, 其中主要代表是俄罗斯画家瓦西里·康定斯基在论艺术的精神中阐述了美术创作对世界、社会的看法。在这一理论基础之上, 后现代主义诞生并得到快速发展, 所谓的后现代主义所指的就是从现代经济社会发展领域来重新界定艺术表现的观念与形式, 并且采用多元化的方式来不断拓展艺术的表现空间。而在这种美术创作多元化发展背景下, 有效的刺激了艺术家、学者乃至学生的创造欲望, 这些直接影响了高等美术教育的过程, 对于美术教育来讲是一场空前、深刻的革命, 推动了高等美术教育多元化的快速发展。
2.2. 在改革开放的三十多年以来, 我国高等教育体系得到了不断完善, 其中高等美术教育教学水平也发生了质的变化, 在这发展过程中, 传统美术教育与后现代主义下高等美术教育实现了相互交融, 为我国高等美术教育的发展注入了鲜活的动力, 同时也更好的适应了我国高校美术专业学生就业、择业选择的需求, 总的来讲, 现代西方美术思潮为我国现代高等美术教育的发展起了巨大的推动作用, 即完善了我国传统美术教育体系, 快速推进了传统美术教育向现代美术教育转变, 但是, 美术教育观念、教育内容、课程设置、学生培养、教育方法等上也暴漏出了诸多的问题, 这主要是因为我国高等美术教育本质纠结在建设农业文化基础上的观念。中国现当代艺术生产力和创造力使中国艺术家和艺术教育家不断地积累经验和能力, 使中国当代艺术呈现出丰富的和强有力的原动力, 艺术的多元化使中国现代艺术结构发生了质的变化, 当代艺术和实验性艺术, 是当代社会文化艺术的重要组成部分。
参考文献
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[2]张利群.中国古代意象论的文论与美学意义[J].广西师范大学学报:哲学社会科学版, 2005 (4) 1.
高师中西美术赏析和绘画谈 篇9
首先来分析一下中西方美术作品欣赏后总结的艺术特点和差异性:
西方美学史注重人文自由, 强调赞美人的雄伟力量, 达芬奇的作品《最后的晚餐》突出正义和邪恶的对立存在, 展示光明与黑暗的斗争。绘画作品展示西方画家用深厚的绘画功力对自然真实的美学追求, 惟妙惟肖地展现了人们的性格。西方画家创作为了要讲解好圣经故事, 更要通过犹大的叛变, 演绎正义人们的精神特点来暗示人们的善恶斗争, 激励全世界人民起来积极斗争。
总结上面的比较, 美术学科价值无处不在, 教师要善于发现生活中的美, 并提高学生的审美能力, 理解中西绘画的区别, 展示中西绘画的差异。
中国的绘画有着深刻的真谛和内涵, 中国画的美妙就在于作者不媚俗, 不欺世, 妙就妙在似与不似之间, 中国画体现的是写意的风格, 并且在山水画上面很有成就。中国画家要重视画画中的悟性提高, 要重视彩色和水墨画的融合, 体现泼墨和泼彩的结合, 善于表达意蕴, 善于传达感情, 善于传递神韵。作者要重视写生, 重视写意, 重视再写生, 实现中国绘画感性能力的提升。中国绘画重视心灵感悟, 注重心灵的随意性, 画家看到能激发心灵灵感的对象, 并重视随意性来突出画家个人的想法, 中国绘画重视画家的心情。如果画家是高兴的或者是悲伤的, 是喜悦的愤怒的都会体现在绘画中, 中国画越远的内容画画的时候越突出, 越近的内容画画的时候越低处。
西方画的科学性很强, 体现在细致入微的绘画风格上, 要不断完善结构整体, 不断体现和谐完美的比例, 不断体现画画形象的平衡感, 重视一些黄金分割等方法, 实现画画完美和谐的统一。教师要引导学生产生深刻积极的沉思, 重视反映伟大诗人但丁内心的苦闷, 体现苦闷的内心情感, 实现对画画作品中的面部表情和四肢肌肉起伏的艺术处理, 并加以生动活泼地展示。教师要引导学生观察作品线条和阴影, 重视苦闷思考, 重视力量美, 重视传达痛苦, 重视领会沉静而隐藏内心的力量, 重视积极深刻的思考。西方画作很大程度展现客观世界, 是通过科学准确的方式展现的, 并通过运用和体现透视、解剖、光彩原理来进行准确定位, 并进行艺术测量。教师要注重引导学生对绘画语言加强积累, 重视对绘画作品的艺术探索, 重视理解并接受绘画作品, 形成绘画的艺术潮流, 实现绘画的艺术追求。总之, 中西方绘画作品理论的精髓有着惊人的相似之处, 也有着很多不同地方。我们要重视文化和社会差异, 逐渐构造中国和西方不同艺术风格, 发展民族精神, 体现民族力量, 实现中国和西方的绘画融合, 积累中国和西方艺术河流的涓涓流淌, 并帮助学生实现在艺术长河中, 追求艺术灵感, 启迪精神, 产生深刻思考。所以中西方画家要重视绘画艺术揣摩, 重视在绘画史上实现典范意义的追索, 重视实现绘画艺术的价值。
此外, 教师还要引导学生阅读绘画历史的书籍, 重视研究中西绘画的区别。西方人认为绘画是物质的, 和精神的诗相对, 西方人认为画画偏重物质再现。西方的画构思有弱点, 思想缺乏, 不会产生强烈的震撼, 深刻的刺激, 不会有什么刻在心头的思想, 可看出西方画不重精神倾向。当然少数画家像凡高、高更等, 有着象征主义和超现实主义的体现表现主义的现代绘画特点, 产生构思, 包含着深刻的或浅显的精神内涵, 具有精神性。因为西方从古希腊时代开始, 就以造型艺术为模仿对象, 通过绘画来反映美学主张, 走的是实在的物质化的道路。西方画家使用的是复杂的油画工具, 来展现高超的艺术写作手法, 实现用西画的材料来激发物质欲望, 当西方画作出现时, 我们要重视模仿自然, 转变为实现抒情的特点, 体现自我表达, 西方画物质效果已经不能在油画中展现, 而是与西方画的材料和西方画的技法有关。
而中国画则偏重于精神性, 中国人一直在创造高度精神化的作品, 中国画的躯体都是非物质化的, 中国绘画的鉴赏要能够领会含义, 要能够领会中国精神的本质, 中国画不是给人们来粗粗观看的, 而是通过阅读来展示给学生, 给学生来细细体会, 仔细琢磨的。中国画外国人是很难欣赏到的, 中国人自己也很难欣赏, 因为中国画并不是纯粹的绘画, 纯粹的视觉艺术, 而是不能靠眼睛来实现的, 对物质世界也要增加重视, 加强理解。中国画要重视浓郁的精神内涵, 就像领略中国精神文学作品和书法作品一样, 需要阅读和领会中国画内涵和艺术价值。
中国人要体现人格修养的不断完善, 实现整体的综合的内省的自然的画画理解, 欣赏这些作品的时候要注重精神内涵的理解。我国一些画家的艺术作品需要我们仔细玩味, 享受云淡风轻的氛围, 重视美妙的感受, 享受心灵的洗礼, 重视思想家的熏陶和感染, 寻觅艺术作品的真实魅力。我们要能看到作品以外的内涵, 看出寄托在作品里的精神寄托, 看出一些精神品质的呼唤, 看出一些天人合一的呼唤和召唤。
因此, 我们中国画更注重精神层面的理解。教师要引导学生积极学习中西方画的特点, 追求现代化的画画的发展, 体现画画的现代感, 领悟绘画作品的精神内涵, 教师要带领学生吸取营养, 感受精华, 实现超越, 保持我们全世界艺术作品的平衡性, 实现我们世界画家的心愿, 成就我们世界画家的心愿, 让我们共同祝愿:世界绘画艺术飞速发展, 中西方绘画开出绚丽的花朵。
参考文献
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[2]李慧红中外美术教育观念比较分析[大舞台].2011 (04) .
中西方美术 篇10
对比法, 即依据一定的标准, 把彼此之间具有某种联系的教学内容放在一起, 加以对比分析, 以确定其异同关系, 认识其本质差异。对比教学法的运用, 能培养学生自主学习的能力;能培养学生举一反三、触类旁通的能力;能培养学生从事物表面现象找出本质差异的分析能力。经过实践, 笔者认为把传统绘画和现代绘画进行比较, 是帮助学生较好地理解现代绘画的有效教学方法。那么, 如何将两者进行比较呢?以《伏尔加河的纤夫》和《内战的预言》两幅美术作品为例说明。
1.引导学生从作品表现形式上进行比较
引导学生首先从作品类别上进行区分, 这是非常重要的一个环节。《伏尔加河的纤夫》是一幅典型的传统绘画作品, 而《内战的预言》是幅现代绘画作品。《伏尔加河的纤夫》注重画面的真实性。人类把画从“不像”到“像”历经了几百年, 直到文艺复兴时期一大批艺术家的出现, 把解剖学、透视学、光学等知识带入绘画的时候, 才让我们在平面上看到了以假乱真的艺术作品。所以鉴赏传统绘画就是要从空间感、质感、体积感入手。而《内战的预言》构思、创意具有独特性。从19世纪末到今天, 把作品画得“像”已经不是什么难事了, 艺术家开始追求的是全新的艺术表现形式。如画面构思奇特———观者看到只有在噩梦当中才会出现的情境:画面是把人撕开再拼凑起来的一具支离破碎的人体, 狰狞恐怖的面孔支撑在一只手上, 身体七零八落。人物自己的手抓着自己的上半身, 脚踩着自己的五脏六腑, 自残的形象给观者强烈的视觉冲击。
2.引导学生对作品背景进行比较
《伏尔加河的纤夫》作者是画家列宾, 作品背景是19世纪60年代, 沙皇亚历山大二世宣布法令———废除农奴制。可是, 由于封建剥削势力的根深蒂固, 俄国农民并没有改善他们的悲惨境遇。作品刻画的是11位衣衫褴褛、骨瘦如柴的纤夫形象, 他们饱受压迫, 生活艰辛。[1]这幅作品激发了人们对19世纪俄国人民命运的思索。《内战的预言》作者是西班牙画家达利, 作品作于1936年西班牙内乱之前。画面中央是一个巨大而残缺的人体, 象征受难的群众。蔚蓝的天空, 布满了乌云, 大地上撒满了土豆, 象征着西班牙荒芜的土地, 所有这一切都是对战争的有力控诉。
3.引导学生从作品风格特点上进行比较
列宾是俄国19世纪后期最伟大的批判现实主义画家, 他以无比丰富的创作和卓越的表现技巧, 把俄国现实主义绘画艺术发展到高峰。画中刻画了11位饱经风霜的劳动者, 他们在炎热的河畔沙滩上艰难地拉着纤绳。纤夫们有着不同的经历和个性, 他们生活在社会的最底层, 但这是一支坚忍不拔、互相依存的队伍。这支队伍凄苦、惆怅、无助, 画笔直抵纤夫的心灵深处, 亦是画家心境的真实写照。达利是20世纪西方伟大的超现实主义大师, 也是最能表现20世纪西方社会的混乱与动荡的艺术家之一, 他善于把事物形象进行夸张、变形。在他的画中, 现代人的梦幻、苦难、心灵的骚乱、战争给心灵带来的巨大痛苦与扭曲, 都一眼可见。看他的画, 往往有一种非常压抑, 却又是痛快淋漓的感觉, 让人觉得那些连你自己都说不清道不明更不知如何表达的情绪, 他都替你表达出来了。
通过传统绘画与现代绘画相比较的教学方法, 可以帮助学生从多种角度鉴赏不同形式的艺术作品, 揭示不同风格作品的创作意图、深刻内涵或目的差异。
二、运用启发式教学, 引导学生感悟作品
启发式教学是素质教育中一种重要的、积极提倡的教学手段, 它要求在整个教学环节中教师起到积极的主导作用, 学生则能呈现其重要的主体地位。通过这种启发式教学, 不但能使学生掌握知识, 发展能力, 更重要的是让学生学会依靠自己解决问题, 教师不能包办替代。[2]所以, 教师必须运用各种手段启发引导学生, 调动学生的学习积极性、自觉性, 促使他们自主地掌握和运用知识。以美术作品《百老汇的爵士乐》为例说明。《百老汇的爵士乐》这幅作品在西方现代绘画史上是一部非常重要的艺术作品, 但是画面完全没有具体形象, 只有纵横线条的分割、排列, 色块的穿叉点缀, 让学生对这幅作品进行鉴赏有一定难度。笔者做了如下教学思路设计。
1.抓住文题, 启发感悟
鉴赏艺术作品, 最重要的是先“解题”。题目一般是艺术家传情达意的“窗户”, 作品通常所要表达的思想情感和艺术情境都要通过题目去传达。我们可以先不让学生看作品, 先让学生解题, 结合其他相关学科的知识, 说明什么是“百老汇”。高中学生应该已经从其他人文学科对这个概念有所了解, 所以这样切入会相对简单。教师可以根据学生的回答和教学所需加以归纳:“百老汇”是美国纽约非常著名的一条大街, 贯穿纽约南北市区, 在南北和东西街道的结点上, 夜总会、事务所、银行、戏院比比皆是, 夜晚降临, 贵族的先生、女士们就会来到这里休闲、娱乐。“爵士乐”是指在19世纪末20世纪初, 随着非洲黑人的大量涌入, 带来的当时最为流行的爵士音乐。
2.根据作品情境, 配以音乐辅助鉴赏
题目当中提到一种音乐形式“爵士乐”。那我们不妨在教学中穿插一段爵士音乐, 既可以让学生了解爵士乐的常用乐器和乐曲风格, 又可以请学生谈谈听后的感受。在这个教学环节当中, 很容易引导学生把握以下两个信息:“爵士乐”是用萨克斯、单簧管、小提琴、大提琴、架子鼓等乐器演奏, 它的曲风愉悦、轻松、明快, 振奋人心。
3.进一步引导学生把音乐感受和美术元素结合起来鉴赏艺术作品
其实音乐和美术虽然表现形式不同, 但对人们心灵感受体验结果是相同的, 都是在鉴赏音乐和美术作品之后, 对情感起到不同的震撼作用, 或平静、或愉悦、或兴奋、或悲伤。“爵士乐”的曲风给我们的审美体验是“愉悦、轻松、明快”, 那在美术语言当中, 什么颜色让我们感到“愉悦、轻松、明快”呢?通过这样的“异类同感”式教学, 学生一定会回答:“红色、黄色、蓝色、橙色、淡绿等明度较高的颜色会让我们有和欣赏‘爵士乐’同样的心理感受。”从而帮助学生归纳总结出如下信息:画面应该有南北、东西交错的线条, 结点上有很多夜总会、事务所、银行、戏院, 呈现的是红色、黄色、蓝色、橙色、淡绿等明度较高的暖色氛围, 这和爵士乐的欢乐气氛相吻合;黄色的小色块就像节奏鲜明的打击乐, 大色块就像是钢琴或大提琴的浑厚音色, 大小色块就像声音扩散一样交织在一起形成美妙较有规律的爵士乐。[3]
4.通过画面, 进一步引发联想
教师还可以进一步根据作品启发学生产生联想:这些颜色不同、纯度不同、比例不同、冷暖不同的色块交织一起, 虽然没有具体的形象, 但是却留给我们更多的联想空间。如可以结合20世纪初的美国社会现状进行联想:把不同跳跃的色彩联想为百老汇夜晚霓虹灯;明快的色彩还能想到美国人节奏明快的生活方式;画面中小色块的分布感觉像美国发达的汽车工业———小汽车。
在教学当中, 教师如果能够采用这种层层启发的教学方法, 就会很容易使学生把握画家的创作过程和创作心理, 从而体验到抽象绘画实际也是现实生活的整合和表现, 只是在艺术形式上有别于画得具象的传统绘画表现形式, 这样, 学生再理解这类艺术作品就容易得多。“高中生已进入个体发展的青年期, 身心发展都达到成熟水平, 观察力、记忆力和想象力的发展都进入最佳时期。”[4]只有这样的教学方法, 才能使学生真正形成更加深刻的审美鉴赏能力。
三、联系生活实际, 引导学生搜寻艺术之魂
西方现代绘画作品随着时代的变革越来越成为鉴赏的主流。由于这种绘画形式大多没有具体形象, 意蕴相对含混, 它也能最大程度与实际生活相联系, 所以我们要尽量引导学生从生活经验出发, 选择一些与学生已有的生活经验、学习经验相关联的西方现代绘画进行鉴赏, 激发学生的学习兴趣, 调动学生的鉴赏热情。[5]
法国著名雕塑家罗丹说:“生活中不是缺少美, 而是缺少发现美的眼睛。”如果我们稍做留意的话, 就会发现在现实生活当中, 西方现代绘画的佳作不时映入视线, “作品与服饰”、“作品与居室”、“作品与环境”都有着千丝万缕的联系。我们以蒙德里安的作品《红、黄、蓝的构成》为例。画面结构非常简洁, 几个大小不同的矩形被黑色的、粗重的线条控制, 主导颜色是右上方鲜亮的红色, 不仅纯度极其饱和而且面积巨大, 画面四块灰白色有效配合了画的右下方的一点点黄色和画的左下方的一小块蓝色, 红色正方形在画面上牢牢控制住平衡。在作品中, 三原色坦然纸上, 再无其他颜色。水平线和垂直线是画面当中仅有的线条;方块和直角是唯一的形状。分割与组合的巧妙, 节奏、动感的画面, 非常具有美感。学生取得了鉴赏蒙德里安《百老汇的爵士乐》作品的审美经验后, 会很欣然接受这种艺术形式。那我们不妨在教学中再进一步创设这样的教学情景:
1.结合作品的构成形式, 自己创作一幅以红、黄、蓝三原色为基调的作品
学生的操作热情很高, 在绘制的过程当中不断地互相讨论并时有争论。每位学生都在精心策划着不同色块的大小、比例、构图, 分割线条的粗细等。有几位学生的作品还不时受到其他同学的称赞。最后, 教师应提供给学生一个展示作品的机会, 可以把作品贴在教室黑板上, 也可以贴在墙上, 近距离地观察各自的作品, 再和原作进行比较, 学生很快就会发现作品的优缺点, 然后进一步修改作品。
2.引导学生把自己的作品创意应用到实际生活当中
创意的构思、设计、制作, 是引导学生捕捉发现美的过程。可以把作品应用到“作品与服饰”、“作品与居室”、“作品与环境”等各个领域, 待学生完成作品之后, 教师可以把自己搜集的案例向学生展示, 以有趣的实物为例说明这种艺术自身的美感, 在实际生活中应用是非常广泛的。如生活用品玻璃杯 (蒙德里安的抽象形式装饰) 、鞋 (直线、三原色, 方块图案的布料) 以及家居、建筑设计等。事实上, 在我们的日常生活中抽象艺术无处不在, 它给我们带来的抽象感就在我们身边。[3]
这种鉴赏与动手操作相结合的教学方法, 分为两个教学阶段。前阶段的教学环节使学生从功能和审美的角度鉴赏西方现代绘画不同文化背景下的艺术作品, 打开了学生们的艺术视野;而后阶段的教学环节, 主要是让学生自己动手, 有创意地完成一件设计作品, 并在设计当中特别强调“有创意”, 这就要看学生能否运用以往所学的美术设计知识发挥自己的形象思维能力, 体现创新意识, 体会将现代的抽象作品与我们的实际生活联系起来的种种乐趣。
四、运用批评的观点, 引导学生对作品进行评价
《普通高中美术课程标准》中指出:“‘美术鉴赏’是在义务教育阶段美术课程中‘欣赏、评述’学习领域的基础上更高层次地拓展与延伸。”对于高中生来说, 通过学习, 他们不仅能欣赏一些“西方现代绘画”, 同时对美术作品还要有能力进行批评。它是判断教学是否有效的检验依据, 在整个教学过程当中必不可少。因为美术学科具有其他学科不一样的特点, 它具有开放性的评价体系。我们鉴赏美术作品的同时, 要引导学生大胆对艺术作品进行评价, 发表自己的看法和观点, 使学生能在不同审美趣味和审美观念中碰撞出既开放又具有个性的审美态度和审美观念, 这才是审美的最高境界。
美国艺术批评家沃尔夫·吉伊根所著的《艺术批评与艺术教育》一书中总结了几点指导学生进行艺术批评时所遵循的原则, 在我们的教学当中, 相当具有借鉴意义。
1.以学生自身感受为主体, 对一件或一类作品进行批评
传统的教学只是让我们教会学生理解艺术作品, 而现在的教学更加侧重于让学生自己获得对作品的理解。这种理解并不是教师能教会的, 它需要在理解作品的基础上通过自己的努力获得。
2.尊重学生的反应
教师应该避免针对艺术作品反应而强行设置某种程度;相反, 他们应该相信学生最初 做出的反应。[6]学生在面对作品时, 会有瞬时的心理反应, 即使面对同一幅作品在不同时期也会有不同的心理体验。教师应鼓励学生摆脱对教师的依赖感, 解放焦虑和僵化的思想, 充分尊重学生的所见所闻、所思所想, 避免引导学生接受早已预定好的对作品理解的课堂讨论。
3.为学生提供面对有争论作品的机会
西方现代绘画作品对学生原有的认知和价值观提出了挑战, 这就给我们提供了争论作品的机会。面对机会, 可以让学生交流一下各自的学习心得, 让学生从不同的角度感悟作品。
4.为学生创设安全、自由的批评环境
高中学生处于生理和心理逐步成熟时期, 各个知识领域的认知也相对客观。对西方现代绘画作品无论从作品美术语言的角度还是从历史研究的角度、文化的角度都会有能力进行客观的作品评价。但教师如果不能为学生提供安全的、开放的、言论自由的评价环境, 学生就不能坦率地表达自己的看法。只有让学生敢于表达, 才算是批评与思考的有效运行。如果学生处在出现错误处境或尴尬的环境中, 那么批评和思考就无从谈起。我们在批评的教学环节中所应遵循的基本准则是合作, 而不是竞争。
在教学当中, 教师能够根据以上几点进行艺术批评, 那么在我们的课堂上就会产生可喜的教学效果。如果再面对西方现代绘画作品, 学生就会大胆地表达出各自不同的心声。一种声音可能会说:“我喜欢‘西方现代绘画’。我在学习当中认识到西方现代绘画或色彩鲜艳, 或恐怖怪异, 或夸张表现, 比传统美术更有艺术的感染力。另外, 现代艺术绘画还能带给我们无限想象的空间, 有时作品就像是表达我的心声一样, 我非常喜欢西方现代艺术。以后我会抱积极的态度, 理解它、欣赏它。”还有一种声音可能会说:“我不喜欢西方现代绘画。因为现代艺术太过于抽象, 理解起来也过于复杂, 它不像传统作品那样直观。”不同的声音还有:“对西方现代艺术, 我保持中立的态度。因为我们今天鉴赏的这些作品无疑是优秀的, 但我们也应该看到并不是每幅绘画作品都有好的创意和绘画风格。我们也不能完全认为都是好的。”不同的声音还有“对于艺术作品, 不会像我们做数学题一样, 有且只有一个固定答案, 艺术是和我们每个人生长的环境、个人的喜好、审美的经验等诸多因素结合在一起的, 所以鉴赏西方现代艺术, 我们要有一个包容的空间‘仁者见仁, 智者见智’, 允许每位同学心中都有一个自己的蒙德里安。”[7]
总之, 在美术鉴赏模块的教学中, 可利用的方法很多很多, 教师一定要善于动脑, 勤于总结, 一定会创造出更多的符合高中学生年龄特点的鉴赏方法。
摘要：为探讨高中美术鉴赏模块“西方现代绘画”教学的有效性, 以多年的高中教学实践为依托, 总结出四种教学方法:运用对比法, 引导学生体会作品;运用启发式教学, 引导学生感悟作品;联系生活实际, 引导学生搜寻艺术之魂魄;运用批评的观点, 引导学生对作品进行评价。通过这样的教学, 教师会给学生创造一个融洽的、宽松的课堂环境, 培养高中学生的美术素养。
关键词：鉴赏,高中,美术,西方现代绘画,教学方法
参考文献
[1]伏尔加河上的纤夫_百度百科[EB/OL].[2014-08-09].http://baike.baidu.com/view/121438.htm.
[2]浅谈启发式教学_中国论文下载中心_教育理论论文[EB/OL].[2014-08-09].http://www.studa.net/education/111110/11594235.html.
[3]百老汇的爵士乐[EB/OL].[2014-08-09].http://www.diyifanwen.com/jiaoan/gaozhongmeishujiaoan/154327076315432741654318.htm.
[4]王大根.高中美术新课程理念与实施[M].海口:海南出版社, 2004:5.
[5]吴乐天.高中美术课程标准教师读本[M].武汉:华中师范大学出版社, 2003 (10) :86.
[6]教育部基础教育司, 教育部师范教育司.美术课程标准研修[M].北京:高等教育出版社, 2004:56.
西方美术史的教学艺术探析 篇11
一、把握名画作品中的典故
西方美术史上的名画作品通常描绘故事情节，正是这些描绘故事情节、记叙历史典故的意蕴丰富的作品才能成为名画作品。自有西方文明以来画家们常常以《圣经》故事、神话传说、历史故事、社会现实等为题材进行作品创作，因此，赏析名画作品时不知道名画作品所要表达与展示的内容，进行作品的欣赏与阐释就很困难了，体会名作传达的深刻含义与弘扬的精神就更困难了。所以说，要想赏析名画作品，体会其中蕴含的深刻意味，必须先把握西方名画作品所处的时代背景与特征、了解名画作品产生的深层原因，进而分析名作的形式与结构特点，把握作品的感情内涵。只有了解并把握了名作中典故的背景知识，才能领悟作品的深刻意蕴。
二、关注名画作品的表现特色
（一）了解构图、光线、色彩的运用技巧
构图规律是画家们系统、整体绘画的法则，众所周知，绘画中最经典的构图样式是金字塔形或三角形构图，西方美术史上很多圣母画像、肖像画等都是根据这种构图形式绘成的。后来西方画家们在这种构图样式的基础上用垂直线条加以装饰自己的作品，这种绘图方法经常被用于意大利的宗教绘画中。除上述经典的构图样式外，还有黄金分割构图、S形构图等多种构图样式。构图法则运用是否得当也体现着一个画家的艺术审美水平。三角形构图中区域的划分基本是在黄金分割构图的基础上进行的;画面中面与线的交叉运用，会使画面中的物体好像有远近、前后、高低之分，给人一种立体感;画面中的斜线以及它的平行线能够增强画面的动势，给人一种韵律感;画面中的物体如果是对称或平衡的，则能够凸显物体的静止静止状态，反之则凸显其运动状态。
绘画中能否取得最佳视觉效果，取决于画面中的物体颜色与画面整体背景的颜色对比是否明显。画面中强光的运用会降低强烈色彩的表达效果，强烈的色彩也会妨碍画作中的光线效果。了解了绘画中构图、色彩、光线、线条等的功能，会提升学生们赏析名画作品的能力，可以形成由表及里地系统分析，还可以加深学生们对西方美术史方面的知识的理解。
（二）了解西方名画中画家意念的表达
西方美术史可谓是人像的长廊，不管是具体的实物，如历史题材、宗教题材等，还是抽象概念，好像都是用人物画像来表达的。即使不是用人像来表达的，也有人的折射。西方名画作品中画面的捕捉以及意蕴的传达，来源于画家对人物的表现与处理。例如，现实主义观念的传达者米勒的名作《晚祷》就可以证明这一理论，画中辛勤劳作了一整天的农民夫妇在黄昏时分听到了从远处的教堂中传来的阵阵钟声，他们便停下手中的活进行虔诚地祈祷。画作中用金黄色这种暖色调来刻画黄昏，显然表达了画家对虔诚的劳动者的无比同情与真诚祝福，传达了画家致力于表现祥和、宁静的乡村景象，展现人性之美。
（三）体悟名画作品中的艺术精神
一个真正的、有担当的画家要有博大的胸怀与高远的志向，要致力于用自己崇高的价值观念去感染觀众。文艺复兴时期达·芬奇的著名作品《蒙娜丽莎》在此后数百年的时间内激发后代画家们创作了无数其他的艺术体裁。达·芬奇的作品《蒙娜丽莎》采用的是经典的金字塔形构图，在人物描绘上力求和现实中的人物保持一致，却又尽量删去现实中人物的缺陷，以追求理想的人性美。西方文艺复兴时期是去神性而表现人性的时期，“人”的自主意识、“人”的世俗观念、“人”追求物欲的权利等在人文主义者的倡导与追求下逐渐显露了出来。这一时期是人性、“人”的文化开始自觉的时期。所以，在教授学生们赏析名画作品时，一定要指导他们学会体悟其中的艺术精神与文化性。
三、结语
名画作品赏析是西方美术史的教学方法之一，本文通过对这种教学艺术的探析，希望美术学专业的学生们不仅要学会理论知识，还要学会感受画作独特的美，并且从中发现形成美的技巧与规律，从而提高他们对绘画艺术语言与形式的感受力，并不断提高他们的审美境界。
中西方美术 篇12
在西方高校美术课堂教学模式的研究中美国是世界一流大学密集的国家,也是高等教育在国家竟争力中占主导地位的国家。据调查美国高校美术课堂教学模式大致有以下几个特征。
第一,开放式课堂。
所谓开放式课堂,是指在课堂中学生是主体对象,学生拥有自主学习的权利和自由度,而教师处于主导地位,在民主、平等的师生关系基础上,引导学生自主学习,自主思考,独立提出问题和解决问题,发表不同见解。同时给学生创设能使思维发散的课堂氛围和张扬个性的空间,自主获取知识的条件等。开放式的课堂能够刺激学生的兴奋点,能够释放学生的学习潜能。在开放式课堂上经常有讨论式、个人或小组演示式、学生自己陈述观点、学生之间辩论等不同的形式。
第二,实践教学。
美国大学重视学生的实践,强调课堂教育与实践相结合。实践教学有以下主要表现形式:课堂实验、独立项目研究、校企合作教学模式等。“校企合作”教学模式是指:一方面企业要求学院各系根据实际需要开发出新的选修课程,另一方面还为师生提供大量的实际技能操作平台,它们包括:企业家培训基地、企业家之家、商业联系等。以上种种课外实践加深了学生对课堂知识的理解,拓宽了他们的知识面,培养了学生的实际工作能力,从而为他们未来的职业成功奠定了良好基础。
第三,课堂参与。
课堂参与是美国高校教学模式的重要环节,这环节表现在积极的课堂行动上。与国内安静的课堂相反,美国课堂上学生随时举手提出不解的问题,或者挑战教师的观点,教师讲解的过程也是学生思辨的过程。
二、中国高校美术课堂教学模式现状
第一,灌输式。
中国高校美术课一般分为技法课和理论课两大类。技法课课堂教学模式大体分为两大板块:前半节教师示范、讲授,后半节由学生绘画或制作,这种“教师讲授到学生制作”的课堂模式,实际就是“灌输到接受”和“授技到训练”的过程。这种课堂教学模式不仅单一呆板而且严重阻碍了学生思维发展。这种见“技”不见“道”,见“道”不见人的美术教学,既是教学模式的自我封闭,又是师生之间思想和情感的自我封闭。学生与教师之间缺乏思想的沟通和情感的交流,不能在艺术感觉和审美意识的共振中产生理想的教学效应,更谈不上课堂活力和魅力了。
第二,习惯性。
在高校美术理论课教学中,教师占据教学的主体地位,教学模式仍然以讲授为主。根据布迪厄“实践感的模糊逻辑”概念,在当前我国高校美术课教学实践的“场域”中,教师和学生运用传统教学模式进行“教”和“学”早己成为“惯习”,教师和学生在主观上都不愿意改变这种最简便的传统教学模式。
三、对中西方高校美术课堂教学模式的分析
中西方高校美术课堂教学模式在表现形式上存在差异,中国传统教学讲究体悟,西方教学关注实证,这是由中西方国家长久形成的培养目标和教学内容的差异决定的。中国传统美术教学内容重技能方法,轻创新实践,培养的学生具有共性特征,学习知识相同,差异只是对知识掌握程度的深浅不同。西方美术教学注重培养学生的差异性,课堂教学中重视学生的动手能力和在实践中创造应用理论知识的能力。
目前,我国对国内外高校美术课堂教学模式的理论研究中,学者们的研究焦点集中于对国外相关教学模式的介绍,以及特定教学模式与具体学科、专业及人才培养方向的对接上,而教学模式的实施基础则游离于研究者的视野之外,高校缺乏有效教学模式得以实施的文化基础和制度基础。
四、对西方高校美术课堂教学模式借鉴的态度
目前我国高校对西方教学模式的借鉴大概有两种态度,一种是:在教育改革的新形势下,一些高等艺术院校渴望急于“与国际接轨”,末经认真研究、冷静思考和严格把关,就把一些荒唐、颓废、怪异的西方现代艺术思潮和美学观点当作新的艺术标准予以引入。少数理论工作者为了眩人耳目,热衷于讨求标新立异的论点,将西方现代派思潮和艺术理念当作新的审美观点予以吹捧,盲目跟随、亦步亦趋。
另一种态度是:我国的教育工作者认识到本国与国外教育环境不同,教育体制长久以来有很大区别,所以,面对西方高校的教学模式,不经深入研究就直接下定论予以否定。他们通常会认为,国内与国外的国情不同,教育培养的目标有很大差异,所以西方课堂教学模式不能直接运用,要经过改造和选择性的进行借鉴。此一观点,粗看似乎正确,但仍然有不经过深入研究就下定论的嫌疑,在没有充分认识一个事物之前就妄加否定和改造是不可取的。
在借鉴态度上,应先对西方高校进行深入实地的考察调研,充分认识到其先进性的具体表现和产生背景,在面对西方高校美术课堂教学模式借鉴的态度上,笔者提倡进行自由选择借鉴。对一种事物能够进行自由选择就说明在选择的时候已经斟酌自己的情况进行选择。并且自由选择之前能对自己的情况有充分认识,对自身所需非常清楚,所以才能选择真正适合自己的教学模式。对西方高校美术课堂教学模式的借鉴,我们即使制定了原则、方法、态度,但这些死的东西未必适合每一个需要借鉴的人或课堂,只有教育工作者进行自由选择才具有随机性、自由性和主动性,也能最大程度的体现适应性和契合度。
五、建议:对教师管理与评价制度的适度整改
西方知名高校对于教师在教学中的自主地位是给予非常肯定和重视的。教师有制定教材、设计整体课程计划、编写教学大纲、自由选择教学方法等权利。我国高校目前由于教学评价体系的相对滞后和思维定式,使得教师在教学中权利有限,通常为迎合教学评价的规定而选择教学手段和教学方法。而教材的制定,或者是否使用教材,均由管理者决定,同时,教师面对来自科研和教研双方面的压力,实践教学偶感力不从心。所以,我国高校可以借鉴国外对教师的管理和资源的配置制度。首先做到,权利下放,满足教师在教学中自主权的发挥。教师通常是对本专业最熟识的人,甚至比管理者更通晓如何教授本门课程,授课也许不需要教材,而需要大量的参考文献,也许不在教室中授课而进行户外活动教学效果会更好,或者授课顺序与教材不同却能更显条理清晰。但由于种种制度的束缚,教师不得不遵循一些制度的规定不能进行自由的发挥,影响教学效果。久而久之,教学模式的开拓性也受到直接或间接的束缚。因此,我国高校的管理制度应该充分信任教师的能力,让教师发挥授课自主权,积极调动教师教学的积极性,鼓励教学方法的多样性和创新性,这样教师的教学潜能会得到更好的发挥,教学效果也会更好。
目前,我国高校的普遍现状是,高校对教师教学的评价体系相对固定。采取同一个评价体系衡量不同系、不同专业教师的教学质量,此种措施已是对教师创造多样性教学方法的限制,教师为了满足评价体系宏观的衡量标准,只能降低自身教学方法多样性的发挥。据此现状,我国高校教学模式可以尝试设计双向教师配对教学,比如,实践课可以选择校企结合的教学模式,聘请实践能力强的企业人员教授实践课,理论课可以由本校教师来讲授,一个课堂两位教师。这样各自发挥所长,各自关注各自领域的前沿信息,更有利于提高教师专业水平,从而提高课堂教学效果。另外,尽量改进和完善教学评价体系。不能一根尺量人,不同专业应有不同的教学评价方法,当然也要有共同的评价标准,这样就要求评价体系的制定必须把握一个度。什么是共同的,什么是个性的。高校应研究出一整套行之有效的教学评价体系,不能以点带面,以偏概全,要明确共性之下存在个性的差异。
六、结论