高校美术专业科研管理（精选12篇）
高校美术专业科研管理 篇1
随着高校招生人数的逐年增加, 高校中家庭经济困难学生的人数和所占的比例也逐年呈上升趋势。如何让这部分贫困生在大学里能够安心学习、顺利完成学业, 已经成为目前高校学生管理工作中一个重要的组成部分。美术类专业作为一个相对特殊的专业, 学生的性格特点比较鲜明、突出, 学习所需的费用也远高于普通专业, 这使得美术类专业的贫困大学生在教育和管理上比其他专业贫困生需要投入更多的精力和时间。
一、美术类专业贫困生情况分析
1. 美术类专业贫困生人数和比率逐年增加。
随着高校教育的大众化, 美术类专业已不仅只有专业美术院校开办, 大部分的综合性院校也开设了美术类专业, 招生人数逐年增加。这使得以往只有小部分具有真正美术天赋的人才会报考的专业, 近些年来学习、报考人数日益增多。美术类专业在高考时对文化课分数要求相对较低, 部分文化课成绩较差的学生为了上大学, 在高中阶段转学美术。这部分学生可能美术天赋不高, 可通过高中阶段的术科强化训练, 考上普通综合院校美术专业也是很有可能的。而美术类专业学习的费用历来都是比较高昂的, 部分考生为了能上大学这一伟大的理想和目标而学习美术专业, 却忽略了美术专业在学习生活上带来的经济压力。也有部分考生具有相当的美术天赋, 对美术专业也由衷热爱, 虽然家庭经济困难, 却也毅然选择学习美术专业。目前师范类美术专业学费在为6000—8000元, 非师范类美术专业学费为8000—15000元, 一些B类院校美术专业学费甚至更高, 住宿费一般为每年1500元左右, 学习用品花费为每年600—800元, 外出采风、写生费用每年在1500元以上, 日常生活费每年在3000元以上。这些费用往往是普通专业大学生学习费用的两到三倍。种种原因, 造成近年美术专业贫困生人数的大幅增加, 贫困生人数在学生总人数中所占的比例也逐年上升, 部分高校美术专业贫困生比例甚至高达40%以上。
2. 美术类专业贫困生的性格特点。
美术类专业贫困生除了具有贫困大学生的心理状况外, 还具有美术类专业学生的特点, 所以美术类专业贫困生在教育管理上应有所区别。美术类专业大学生的性格较为自我、内向, 集体主义观念不强, 心灵上追求自由, 不喜受约束, 纪律观念较弱, 意志力和自我学习、生活能力较强。而贫困生则容易具有自卑感、焦虑感、自尊心强, 生活学习上攀比心强烈, 交际圈小, 爱自我封闭等特点。所以美术类专业贫困生在大学这种集体学习和生活环境中, 更加容易产生自卑、焦虑、攀比、封闭等负面心理, 给贫困生的教育和管理造成了很大的压力。
二、国家、高校对美术专业贫困生的资助情况
目前, 国家、高校对家庭经济困难大学的资助力度逐年增大, 主要设置有国家励志奖学金、国家助学金、各省助学金、各高校勤工助学项目、各高校减免学杂费项目、各社会基金资助项目、助学贷款等, 总资助金额和个人获得资助金额也呈上升趋势, 如国家助学金就从2010年以前的每人每年2000元上升到现在的每人每年3000元。虽然国家、高校和各社会组织对贫困大学生的资助工作力度已有很大的提高, 可对于美术类专业学生来说, 距离完全解决学习费用还是有一点的差距。如国家有关政策规定, 国家助学贷款每生每年最高可贷6000元。这6000元对于普通专业大学生来说已可解决每年的学杂费和住宿费, 可对于学费就近万元的美术类专业来说, 6000元的助学贷款也仅仅是解决部分的学杂费和住宿费。剩下的部分学杂费和高额的学习费用, 依然给家庭经济困难学生带来不小的负担。
三、关于美术类专业贫困生教育管理的几点看法
1. 完善资助管理体系和制度。
目前国家和各高校都建立了奖、贷、补、勤、免等资助制度, 对贫困学生的覆盖面也比较广。可在实施的过程中也存在着未能按实际情况细分资助金额, 采取一刀切的情况。如国家助学金为每生每年3000元, 3000元对于普通专业学生的学习生活来说是一笔不菲的款项, 可对于美术专业学生高昂的学费和学习费用来说却略显微薄。如果国家和各高校能在资助政策上对美术类专业有所倾斜的话, 相信可以保证更多美术学子能更好更顺利的完成大学学业。
2. 实施灵活的学制和教学制度。
在欧美发达国家, 相当一部分大学生完成大学学业的费用均来自于自己的勤工俭学, 半工半读或读一段时间后休学打工, 挣取足够学费后再继续学业。这种靠自己努力来挣钱完成学业的方式是与国家采用的学制分不开的。发达国家多采取完全学分制, 自主选课, 修完学分后即可申请毕业。而目前我国大部分高校均实行学年制或学年学分制, 这对于部分因家庭经济困难而考虑暂时休学, 通过打工挣取学费后再复学的学生来说, 在操作上有一定的不方便之处。学年制制度的课程安排是按年循环的, 如果休学就只能休学一年, 而不能是半年或更短的时间。这使得这部分同学在考虑休学挣取学费时受到时间上的影响较大。特别是美术类专业的学生, 可能因写生、采风等课程花费较大, 一时无法完成课程, 如果实行学分制, 便可通过休学打工的办法来完成学业。在教学制度上, 对于一些如采风、写生等高费用课程, 可采取设置多个写生点, 学生按经济情况自主选择的方式。经济能力较好的学生可选择较远、费用较高的写生点, 经济能力差的学生可选择学校周边的写生点, 尽量减少经济负担。
3. 加强梦想和职业生涯规划教育。
每个大学生都有梦想, 贫困大学生也不例外, 但空有梦想却没有合理的规划和实践, 梦想只能是空想。贫困生的梦想可能因为长久家庭的经济压力而更加趋于现实, 也会因心理上的某些缺陷而不敢赋予实践。根据各个贫困生不同的梦想, 引导他们设置合理的职业生涯规划, 实现自我梦想, 是高校学生工作者必须扎实开展的工作。美术类专业学生的个性比较自我, 个人主义强烈, 贫困生再加上因经济压力而产生的自卑感, 使得美术类专业贫困生的自尊心强, 容易受刺激, 有一定的攀比心理, 不爱说话, 交际圈狭隘。及早了解这部分学生的个人梦想, 从梦想入手, 结合学生的实际情况, 及时适当的予以心理指导, 引导学生树立正确的世界观、人生观和价值观, 建立自己的职业生涯规划, 并为之付出努力。建立贫困生梦想档案, 收集贫困生职业生涯规划方案, 登记贫困生在校期间的梦想努力过程, 及时纠正贫困生实现梦想过程中的错误, 把教育引导贫困生成材落到实处。
4. 开拓勤工俭学渠道。
勤工俭学是贫困生赚取生活费用的主
服装配饰新专业的产学研初探
王坤 (天津师范大学美术与设计学院天津300000)
摘要:高等教育是培养学生走向社会的关键, 特别是作为服装设计行业, 学生除了要具备扎实的理论基础之外, 还必须针对市场需求, 具备坚实的实践综合素养, 这对于传统教学模式下的教育者来说是不可能的。产学研教学模式的产生很好的绝对了这一问题, 其理论联系实际、学校与企业结合的模式, 不但使得学生的综合素养得到了很大提高, 同时为企业的经济价值创造提供了动力。本文就服装配饰新专业产学研教学模式进行了简单的探讨, 在分析了产学研教学模式意义的基础上, 阐述了天津师范大学美术与设计学院服装配饰新专业产学研模式的具体方法, 并就其取得的的效果进行了分析。
关键词:配饰设计;产学研模式;华梅服饰文化学研究所
多年来, 我国的高等教育都是停留在理论指导方面, 这使得很多大学生在走上社会后无法快速的适应社会环境, 针对这一现状, 我国教育部是实行了教育改革, 在新的教育改革指导大纲中明确指出, 现行高等教育必须要加强学生的动手实践能力, 同时要与社会相关部门达成协议, 协调发展, 促进教学、科研、生产的三者统一。教育部门与生产部门的有机结合, 极大的提高了学生的实践能力和动手能力, 为加强学生的综合素养奠定了良好的基础。
一、服装配饰专业产学研教学的意义
产学研教学模式早在上世纪初就已经在国外开始实行, 经过长达一个世纪的实践, 已经充分得到了世界各国高等学府的认可, 因此在很多发达国家都这样模式的教学, 这一教学模式的开发和实行, 不仅仅对教育、生产有着重要的意义, 同时还对整个国民经济的发展产生着重要的影响。
我国的产学研教学模式引进时间较晚, 直到上世纪末才开始有越来越多的高校认识这一模式并引进到教学中来, 当然也取得了一定的成绩, 其中最有名的要属北大方正和清华同方的产学研道路典型例子了。
服装配饰专业是一门较为新近的专业, 其创办的时间还非常的短, 主要就服装、鞋帽、箱包等挂件配饰进行研究, 因此这一专业有着明显的时尚特点, 与当前市场的发展有着密不可分的关系。对于服装配饰专业的教学不能仅仅依靠理论方面的教学, 同时更不能通过文化课程的学习效果来对一个学生的能力进行评
要方式, 贫困生通过勤工俭学可获得每月300—800元不等的生活费用, 这对于贫困生顺利完成学业是非常重要的。高校除在校内设置勤工俭学岗位外, 还应积极与当地企业或社会组织联系, 多渠道的开拓勤工俭学的方式, 为贫困生提供更多的岗位。贫困生在获得勤工俭学报酬之外, 也可获得社会实践的经验, 调查了解社会情况, 开拓社会视野, 为将来就业打下良好的基础。美术类专业的勤工俭学渠道较多, 各类美术教育培训机构、设计公司、产品研发中心等都需要美术类人才。美术院校可结合贫困生的年级和专业特点, 引导学生到合适的岗位参加勤工俭学工作。
5. 创新美术类专业资助管理方法。
面对美术类专业学费高昂, 国家目前资助体系无法完全解决贫困生学费这一客观问题。高校可寻求与相关企业合作, 由高校推荐品学兼优的贫困生与企业签约, 企业为学生垫付在校期间的学住费, 学生毕业后到签约企业就业一定的年限。企业所垫付的学住费用, 在学生工作后的工资中逐月扣除。这样既解决了贫困生的学费问题, 也在一定程价。对于服装配饰专业学生能力的考核必要与市场相结合, 判断教学效果的好坏必须要看培养出的学生能否被生产企业所认可并接纳。天津师范大学美术与设计学院在产学研教学上也有着自己的特色。自从成立以来, 学院在原先产学研教学研究基础上不断的研究发展, 并进行积极的改革。学院已经与市场多个生产企业建立了长期的合作关系, 并建立了实习基地, 同时还成立专门的专业专家指导团队和实习指导教师。服装配饰新专业的优势正是在于有华梅服饰文化学研究所这个平台, 有着深厚的理论基础与专家资源。研究所专门聘请了业内专家前辈以及高级技师等作为指导部门的中坚力量, 同时与相关的企业签订了就业实习协议, 为学生提供良好的实习岗位, 并进行详细的技术指导, 逐步行为了产学研一体化的教学模式。另外学院还依据自身强有力的理论优势, 为企业提供设计、制版等方面的培训服务内容, 通过不断的合作, 深入学校与企业之间的合作关系, 切实的贯彻学以致用的刚要, 同时紧密的合作关系还为学院制定人才培养计划提供了依据, 根据企业需求培养人才, 使得社会人才资源的使用率得到了最大限度的提高。
科技的更新, 技术的进步是教学不断进步的动力, 科研是推动教育体制改革的主要手段。科研工作可以使得理论工作与实际生活紧密的结合在一起, 从而使得科研成果更好的运用到实际生产中去, 而科研成果中的利益价值又促使教学服务质量不断的提高, 科研过程则是提高学生实践能力的重要手段, 是提高学生素质的最直接的手段。从中我们可以看出, 教学与科研之间有着紧密的关系, 他们之间是相互依存, 相互促进的。
服装配饰新专业通过产学研教育模式的探索, 使得教学方向更为明确, 同时使得教学质量进一步得到提高, 学生的综合素养得到了大力提升, 在将来走上社会能够更好的去适应社会生存环境, 这对促进社会经济的发展起到了很大的促进作用。
二、服装配饰专业产学研教学模式
服装配饰新专业的产学研模式, 主要研究如何加大学校与生产企业之间的合作模式, 为教育和生产提供最大程度的服务进行深入的研究。经过长时间的实践研究之后, 已经发掘出几种由低级到高级的产学研教学模式, 同时将这些方法运用到不同的年级段中去, 从而配合研究所已有的理论。目前的产学研模式大致可
度上为学生的就业提供了帮助。
参考文献
[1]贺小苏.高校美术专业贫困大学生问题的调查与研究[J].怀化学院学报, 2006, (7) .
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[4]闫政远.高校美术专业学生特点分析与学生管理工作创新[J].美术大观, 2010, (5) .
高校美术专业科研管理 篇2
高校美术教育专业教学实习漫谈
作者：李巧萍
来源：《现代装饰·理论》2011年第04期
在这充满竞争与挑战的21世纪，高校美术教育专业也随之发展迅速。社会对美术类教育人才的要求越来越高，然而美术教育专业的学生缺乏系统完善有序的教学实践锻炼，对其顺利走向社会岗位带来很多困境，因此对美术教育专业毕业生安排教学实习具有很大的必要性，而对于如何有效的利用教学实习来提高大学生的职业素养是关键。
高校实现对社会人才的培养有各种途径，而教学实习是其中最重要的一种。高校美术教育专业的教学实习对全面培养大学生社会实践能力和科学地掌握教师职业技能将起到理论教育不可替代的作用。实习过程是大学生将理论知识实际运用的过程，也是能力和素质培养的重要手段。美术教育专业大学生通过教学实习，不仅锻炼了他们的实践能力及创新能力、协调能力、合作精神等，更重要的是通过这个过程的实施，能够使他们成为在最短的时间内就能够直接上岗的合格毕业生。所以，采取措施切实抓好高校美术教育专业大学生的教学实习工作、改进教学实习环节中存在的问题，对高校美术教育专业来讲，势在必行。
1.美术教育专业大学生在实习过程中呈现的问题
1.1美术教育专业大学生缺乏有计划、有序列的技能指导与训练
德国著名哲学家莱布尼茨曾说过，“世界上没有两片完全相同的树叶。”这句至理名言带给我们太多的思考与想象空间。现今美术教育专业大学生对形式美的理解及表现能力的教学序列概念处于模糊状态，缺乏对技能的掌握，因此高校对他们的技能的指导与训练不但不能“以不教为教”，反而应当有目的、有计划循序渐进地进行，以使学生能最终顺利地、成功地塑造出符合自己审美情趣的艺术形象。然而现今美术教育专业的毕业生除了专业课程的学习外，学校很少安排其接受教学技能的训练，而他们自身没有能力进行有计划、有序列的技能学习，这一点应值得深思。
1.2部分美术教育专业毕业生综合素质偏低，难以胜任实习岗位工作
部分美术教育毕业生在校时没有主动培养自己的专业技能和文化素养，到实习单位后无法适应工作环境，缺乏实际操作能力，其体现主要在以下几个方面：1）部分美术教育专业大学生综合素质不高，知识储备匮乏、知识阅历浅薄及思维局限；2）在校时没有熟练掌握专业知识和相关技能，主动性较弱；3）缺乏处理理想和现实关系的能力。部分美术教育专业大学生习惯了做事我行我素，到了实习单位后，仍一味强调艺术至上，忽视现实状况，难以处理好与同事之间的关系。
1.3不愿意前往条件艰苦的偏远地区进行教学实习
在当今经济全球化的形势下，大学生追求生活品质的愿望比以往更强烈，也越来越依赖物质生活带来的便利和赏心悦目。然而正因为这样的依赖性使得很多大学生缺少艰苦朴素的生活态度及坚强意志，不愿意到偏远的地区体验教学实践，难以很好的培养他们承受社会压力的能力。
2.针对美术教育专业毕业生在实习过程中呈现的问题给出几点建议
（1）在实习过程中高校首先要有计划、有组织地安排教学实习计划，给予正确的指导，扎扎实实做好实习前的准备工作，调动实习学生实习的积极性，其安排得当与否是教学实习成败的关键。同时要注重培养美术教育专业大学生的创新思维能力，努力实现创造力与技能的统一。
（2）教学实习是美术教育专业实习学生实施素质教育的继续，是对实习学生综合能力的培养和综合素质的再提高，其中实习指导教师发挥着关键作用。指导教师应明确实习生的具体教学任务，掌握实习教材重难点，充分调动实习学生的积极性，发现和挖掘实习大学生的个人潜力，最大眼度地使实习大学生发挥个性特长，使其专业技能得到最大程度的提高。
（3）高校要不断促进学生的创新能力，鼓励大学生去偏远地区进行教学实习，并能够给予精神与物质双向的奖励。少数学生的创新精神比较明显、比较突出，这就需要教师及时地大力扶植，促其开花，促其结果。实习过程中要及时发现这些特点，因势利导，鼓励大他们充分发挥自身独特的创造力和想象力，促使其具有合格的职业素养。
3.结语
在高校美术教育专业实习中，不但要注重培养美术教育专业大学生的创新思维能力，努力实现创造力与技能的统一，充分调动实习学生的积极性，发现和挖掘实习大学生的个人潜力，最大眼度地使实习大学生发挥个性特长，使其专业技能得到最大程度的提高，同时要不断促进学生的创新能力，鼓励大学生去偏远地区进行教学实习，并能够给予精神与物质双向的奖励。对于实习生的培养，我们必须走出模仿能力训练的误区，走向创造能力培养的彼岸。只有实现了这些转变，实习大学生才能打破思维定势，开拓创新，勇于创造。在大力倡导创新教育的今天，高校美术教育教学应该发挥出它所具有的独特作用。在教学内容的设计、教学方法的实施，以及教学结果的评价等方面都应积极围绕着培养学生创新能力这一直要目标，努力探索美术教育的新模式。
不仅如此，对于美术教育专业学生教学实习应追求教学实施的明确性和科学性，以达到个人需求、职业需要、社会力求和学术补充等综合目的。在美术教育实习教育中融入创作意识，培养学生的“有意识”和正确性是一种目标，同时也是切实可行的，对实习大学生的实际操作技能和创造技能的发挥具有很大的促进作用，他们个人的艺术潜质和能力也会得到极大的拓展和解放，这对高校教师美术教学工作的顺利开展也极为有益。
总得来说，教学实习是美术教育专业大学生走向社会的重要内容，是美术教育专业大学生走上工作岗位前的预演，是学生角色转换的一个重要环节，它与学校、课堂教学相辅相成，共同完成高校美术教育专业人才培养任务，实现学生全面发展的目的。
参考文献
高校动画专业美术基础课教学探索 篇3
关键词：人才需求；动画专业；美术基础课；专业素质；实践运用
0 引言
动漫产业的快速发展带动了社会对动漫专业技能型人才的需求。在这种需求导向下，经过近二十多年的发展，不少高校已经开设了动画专业。同其他专业相比，动画专业对学生的艺术天赋要求更高，美术基础课程的教学，正是发现学生艺术天分，让其产生灵感的重要途径。不过从一些高校的实际情况来看，高校在动画专业教学方面，比较侧重培养学生的技术能力，而对美术基础课程的教学则显得不够重视。这容易使学生学习的专业知识不够丰满，在创作优秀作品方面会比较吃力。
1 高校动画专业美术基础课程中存在的问题
1.1 课程设置不够合理
高效动画专业美术基础课程的主要部分是素描、速写和色彩等，不过从某些高校的实际情况来看，由于缺乏比较成熟的教学经验，在美术基础课程教学方面，所采用的依然是传统模式。没有结合动画专业自身的特点，更多的是按照设计专业的相关标准和要求进行。我国高校对动画专业的教学经验不足，教学过程中没有经过充分的思考和研究，导致高校动画专业在进行美术基础课程教学方面，课程的设置不够合理。对于动画类专业来说，美术基础课程在培养学生基本的绘画知识和专业审美能力方面有着不可替代的作用。同时，作为动画专业，还需要培养学生的自主创造能力和思维能力，但是不少高校动画专业美术基础课程的设置，缺乏对学生有针对性的培训，对学生的专业能力培养力度不够。
1.2 培养目标不够明确
现代高校动画专业的主要培养目标就是让学生学会使用计算机进行动画制作。但是在实际教学的过程中，某些高校动画专业的学生，只是学会了使用计算机画图软件，而对真正的作画技术则学习得不够深入，这与动画专业的教学目标存在较大的差距。现代动漫艺术市场的快速发展，对高校动漫专业人才的数量和质量要求均在不断提高，但是由于缺乏清晰明确的培养动画专业学生的目标。或者一些高校有着比较清晰的培养目标，但是在教学的过程中，偏离了这种培养学生作画能力的目标。因此，不利于学生提高专业知识水平，对学生的长远发展，也存在一定的制约作用。
2 有效运用美术基础课程提高动画专业教学水平的对策分析
2.1 提高对美术基础课程教学的重视程度
高校动画专业美术教学，要充分认识到美术基础课程教学的重要性。从学校的层面来说，增加对美术基础课教学研究的投入力度，制定科学合理的教学计划和进度安排。在培养学生实际能力方面，既要注重培养学生使用计算机画图软件的技巧，同时也要让学生们掌握基础的作画能力，包括提高学生的艺术审美能力，让学生掌握基础的艺术场景设计能力。在不使用计算机作图软件的情况下，能够手动绘图描摹生动形象的物象，激发学生的艺术思考能力。学校在日常课程教学方面，要增加对学生实践技能的培养，对动画专业美术基础的教学，不能只是在课堂上，更多的还是要让学生在实践的过程中，逐渐找到艺术创作的灵感，建立起符合自身的专业审美习惯。教师可以带领学生参观美术大师的艺术作品，让学生在现场参观、描摹的过程中深入而系统地领略优秀作品的艺术魅力，增加学生进行艺术创作的兴趣。
2.2 增加美术基础课的教学时间，丰富教学情景
作为培养学生基本作画能力的美术基础课，一定要保证学生有足够的学习、练习时间。同时在教学情景方面，学校要丰富教师的专业教学情景，为创设多种不同教学情景提供支持。在丰富的教学情景中，提升学生欣赏艺术作品的水平，提高其专业的思维能力。如果前期在进行动画制作的过程中，由于设计者的美术基础较差，动画设计中分镜头将无法展现出美丽的感觉，生动的角色形象和各种安静或者喧闹的场景都无法通过具有艺术感染力的绘画过程传达出来，使制作出来的动画无法被观众喜爱。高校动画专业必须改变传统的教学模式，增加美术基础课程的课时，加强对学生的训练和培养，促使学生在以后的工作中制作出更好的动画作品。
2.3 改革课程设置，提高设置动画专业相关课程的合理性
增加高校动画专业美术基础课程的课时，加强其课程设置的研究力度，要充分考虑学生的基础能力和学校的教学水平。每所高校都有自身不同的特点和特色，所招募的学生的美术基础也不尽相同，增加动画专业基础课程的课时和课程设置问题一定要根据学校学生的学习情况来决定。增加美术基础课程的课时，加强对素描等基础知识的教学力度，要在学生的学习过程中逐渐提高学生的美术基础或功底，而不是在短时间内能够实现的。因此增加的美术基础课程，要穿插到大学时期每一阶段的学习过程当中，这样才能不断提醒学生不断学习动画知识。同时，还可以将Photoshop知识安排到每门专业课程的学习当中，水粉课程和软件绘制素描课程都对培养和提高学生美术基础能力具有重要的作用。
3 结语
动画是一门技术性相对较强的课程，因此高校在传统的教学过程中往往过分注重培养学生运用计算机制作动画的能力，而忽视了培养学生的美术基础能力和素养，使学生制作的动画往往缺乏其应有的美感。本文对高校在动画专业美术基础课教学方面存在的问题进行了分析，并结合某些高校的实际情况，对如何改进美术基础课教学提出了一些建议或措施，希望可以对高校当前的动画专业教学改革起到一定的指导作用。
参考文献：
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高校美术教师专业发展的路径 篇4
一理论学习
当前, 职前培养、入职培训、职后进修一体化的教师教育课程已初步形成, 客观上要求人们接受终身教育, “活到老, 学到老”。教师教育实践表明:学习应成为高校美术教师专业发展的最主要方式。
美术教师的学习活动主要包括两种形式:自学与继续教育。自学主要是指美术教师在自己的专业生活过程中, 充分利用休息时间进行美术学科专业知识与技能的钻研和教育科学、心理科学、信息科学等相关学科知识与技能的修习。由于高校美术教师尤其是年轻教师一般课时较多、工作量较大, 加上家务繁多, 孩子、老人需要照顾, 很少有大块时间接受系统的继续教育, 这就使自学成为高校美术教师学习活动的主要方式。自学在时间上具有灵活性与机动性, 教师可利用课间、夜晚、假日、节日等分散的休息时间安排学习;同时, 自学在内容上具有针对性与目的性, 教师可根据自己的优势和缺陷, 选择恰当的学习内容与学习方法。但自学也有研修的学科课程不系统、学习时间不能充分保证、学习效果不理想等缺陷。继续教育主要是指美术教师利用寒暑假或脱产系统地接受高一级的学历、学位教育和岗位培训。学历教育如攻读硕士研究生、博士研究生, 学位教育如硕士研究生课程班学习、攻读教育专业硕士, 岗位培训如校本教学理念与技能培训、广播电视远程课程培训、网络课程培训、单科课程进修、访问学者研修等。与自学相比, 继续教育具有进修学科课程系统、学习时间有充分保证、学习效果良好等优点, 而这正好弥补了自学的不足。因此, 自学与继续教育两种方式应相互配合, 充分发挥各自的优势, 提高理论学习的实效。
二教学反思
通过教学反思, 教师可以转变教学观念, 更新教学方式, 提升教学能力;可以丰富实践知识, 增长教学智慧, 提升教育理念。因此, 教学反思是一种促进教师专业发展, 提高教师素质的重要途径, 对美术教师的专业成长起着举足轻重的作用。
1. 专题教学反思
专题教学反思具有明确的问题取向, 常常围绕一个特定的问题进行多方面的思考。这种反思目标明确, 针对性强, 分析也相对较深入。反思的对象既可以是美术教学系统的诸要素, 如美术教学目标设计的合理性、美术教学内容选择的适宜性与组织的科学性、美术教学方法选择的恰当性、美术教学媒体选择的适宜性、美术教学过程设计的科学性、美术教学环境的美化和优化程度等, 也可以是美术教学活动的全过程, 如美术教学设计、美术教学实施、美术教学指导、美术教学管理、美术教学评价等, 还可以是美术教学过程的各环节, 如导入、讲授、承转、板书、演示、示范、提问、结课等。
2. 整体教学反思
整体教学反思一般不是把反思的对象集中在美术教学的某一个具体问题上, 而是总体把握美术教学各个方面的行为, 就其中的突出问题进行思考。如在上完一节美术课后, 教师可以分析自己教学中以下方面的问题:这一节课哪些方面做得较好, 哪些方面还不够, 如何改进?课堂教学实施与课堂教学设计有哪些不同, 哪些生成情境比预设情境精彩, 哪些教学实施与教学设计还存在一定差距?课堂上发生了哪些令人印象深刻的事情, 这些事情的发生意味着什么?等等。这些问题可帮助美术教师对自己的教学有较为完整的认识, 有利于改进美术教学工作。
三教学研究
有关心理学、哲学的研究和事实表明, 人从本性上讲具有求知与探索的需要, 如亚里士多德提出“求知是人类的本性”, 马斯洛的“需要层次论”的一个层次是认识的需要。持续的教学研究, 将使教师深刻地认识到教学实践与教学研究密不可分, 并满足和强化他们进行教学实践和教学研究的兴趣、动机。当前, 教学研究已成为教师专业角色的一个重要方面, 同时也成为教师专业发展的一种重要方式。
美术教学实践和理论学习都离不开美术教学研究。一方面, 单纯的理论文献学习, 枯燥无味。只有带着教学实践中的问题, 有的放矢地学习理论, 才能学得有趣、学有所获。另一方面, 盲目的教学实践也难以提高教师素质, 要对自己的教学实践加以研究, 发现问题、分析问题, 寻求理论指导, 才能正确地处理问题, 使教学工作上一个台阶。也可以说, 美术教学研究是理论联系实际的纽带。在美术教学实践时, 通过美术教学研究, 教师才能正确认识自己教学工作的长短, 理解他人的先进教学经验, 找出自己和先进之间的差距。在总结经验教训的过程中, 才能发现问题, 知道要学习哪些方面的理论。在学习理论时, 通过美术教学研究, 才能使理论有用武之地, 在实践中验证理论、使用理论, 有目的、有计划地解决现实问题。近年来, 美术教学研究已造就了一批高素质的骨干美术教师。开展美术教学研究的美术教师自身素质的提高, 明显快于未开展这种研究的同行。美术教学研究使美术教师从经验型教师向研究型教师转变, 从教书型教师向学者型教师转变。
四发展性评价
理论学习、课堂观察、教学反思、教学研究主要是从内部, 即美术教师自身层面通过主动学习促进自己专业素养的提高, 获得专业发展, 而发展性评价则是从外部, 即学校层面通过制度建设与完善的推动来促进美术教师的专业化发展。根据评价在教师职业生涯中发生的时间先后, 高校美术教师评价可分为以下几种类型:
1. 定位性评价
定位性评价也称安置性评价, 是指在美术教师入职之初进行的评价, 其主要目的是确定教师工作的初始水平 (主要指教师政治思想道德素质、专业知识素质、专业能力素质和专业心理素质的现状) , 为教师明确个人发展起点, 制定合适的个人发展目标, 采取有效的发展策略提供依据。定位性评价一般通过查阅教师学业档案、专业知识考试、课堂观察等手段来进行。
2. 形成性评价
形成性评价也称连续性评价, 是指在美术教师工作中进行的评价, 其目的是用来监控教师的教学过程, 向教师不断反馈教学是否有效和成功的信息, 以便帮助教师及时发现问题, 采取改进和修正措施, 如调整教学内容的呈现方式、呈现顺序以及改换教学方法等, 进行补救性教学, 最终确保教学活动不偏离预定目标。如每学期的期中教学检查就属于形成性评价。形成性评价一般采用课堂观察、问卷调查、座谈等方法。
3. 诊断性评价
诊断性评价也是在美术教师工作之中进行的评价, 它的主要目的是深入地诊断教师教学效果不佳的深层原因, 并以此为依据设计“对症下药”的措施, 以便及时做出教学上的反应。在形成性评价之后, 教师采用调整教学内容的呈现方式、呈现顺序和改换教学方法等多种补救性措施, 如教学效果仍然不佳, 此时教学管理者和同行就应该动用诊断性评价, 进入课堂, 深入诊断和发现教师教学的深层次问题, 并提供相应的“治疗”方案。诊断性评价主要通过课堂观察的方法来进行。
4. 终结性评价
也称后测, 是指在美术教师职业生涯某一阶段结束时进行的评价, 它的主要目的是评定教师的业绩, 为教师具有某种能力或资格作证明, 或为甄别和选拔服务。如, 每学年度的职称评定、教学效果考评、评优评先等就属于终结性评价。终结性评价一般采用课堂观察、查阅教师工作档案等方法。
定位性评价、形成性评价、诊断性评价、终结性评价组成了一个评价链。我们现在一般比较重视终结性评价和形成性评价, 而定位性评价和诊断性评价仍然被忽视;尽管经常使用形成性评价, 但还要给教师打分, 把形成性评价转化成终结性评价。在今后的美术教师评价中, 我们应强化定位性评价和诊断性评价, 改善形成性评价。
参考文献
[1]宋明钧.反思:教师专业发展的应有之举[J].课程·教材·教法, 2006 (7) :53~56
高校美术专业科研管理 篇5
项德娟广东白云学院艺术设计系
摘 要
随着艺术设计教育在我国高校美术教育中所占的比重越来越大，各个美术院校也争相开设艺术设计专业的大趋势下，关于艺术设计教育的基础美术教育也越来越成为大家讨论的一个课题，在新的形势下，在以艺术设计教育为主的专业中，美术基础教育该何去何从成为当下美术教育工作者要认真思考的一个问题。
关键词
设计素描；色彩归纳；装饰色彩；
美术基础一直以来都受到我国高等艺术院校的高度重视，在设计教育高速发展的新的形势下, 它如何与光影素描、写实色彩为主的美术基础训练区分，并更好的与设计相联系，是本文探讨的主题。
1． 传统美术基础教学的弊病
从现实状况来看，传统美术基础教学显现了几个弊病：
一、传统由技入理的方法需要长时间的技法训练，无法适应现代职业教育短时间培养专业技术人才的需求。
二、在美术基础教学中，思路还停留的过去苏联式的基础教育体系，不管是针对绘画专业还是设计专业，不管是针对广告设计、服装设计、或是产品设计专业，其教学方法则采取一刀切的写实性训练，一上素描课，什么石膏、人体、静物，对象永不改变，一上色彩课，临摹写生，摆上几个瓶瓶罐罐、蔬菜瓜果应付了事。
如果以服装设计专业为例，他们在美术基础的学习中，多强调造型能力，速写线描的表现能力，色彩训练则主要是对于色彩关系的认识及色彩搭配的技巧，装饰色彩的运用，如果我们把过多的时间放在光影素描，写实性色彩的塑造上，可能一学期下来，很多同学仍然是一片迷茫，不知道对自己以后的专业学习有何帮助。
2．艺术设计专业的美术基础教育中应针对几个方向进行革新。
2．1学生的思维转换
学生在入学前，大都进入了高考培训班，且大多是为迎合考试而作出的针对性训练，时间短，内容也有局限，缺少扎实的基本功训练。因此，在入学后的基础课里，一定要设置承前启后的过渡性课程环节，尽可能达到对造型和色彩的完整理解和熟练运用，为此对新入学的学生，都应开设提高写实能力的训练课程。
2．2要明确学生的专业方向，针对不同的专业制定教学大纲，设计教学过程和方法。
新生在强化绘画基本功之后，就应该进行以改变学生思维方式为目的的课程训练，这样可以承前启后，促使学生开始进入设计师的状态。艺术设计的各个专业有它自身的特点和需求，例如广告设计专业要求由立体到平面再到空间的思维转化，服装设计专业强调以线造型，培养学生的速写线描等手绘能力，当然还要很好的掌握设计色彩的运用：产品设计专业则强调三维立体造型等：因此，在美术基础课上，需加入与本专业相关的训练，如设计素描，设计色彩等。
2．3设计专业美术基础课的课程设计
2.3.1 设计素描
素描大致可分为绘画素描与设计素描两种。“设计素描与绘画素描是两种不同的观察方法与技法,设计素描注重主观, 而绘画素描则偏重于客观。” [1] “设计素描是专门服务于设计领域的素描技法，它是设计者通过对所有设计的对象进行科学的构思、分析、整理、归纳，并通过素描手段在平面纸上，对物象进行刻画、塑造、表现的设计过程，是设计师的思维符号在创作过程中的体现。” [2]
设计素描可以分为三个训练阶段，一为造型基础能力训练，二为语言能力训练，三为创意能力培养。每个阶段依据不同的目的要求展开训练。造型基础能力训练是掌握素描的造型方法的最基本的训练；语言能力训练则是通过对于基本形和色的观察、理解，需要由感性思维到理性思维的转换，归纳解析其形态结构，并能够通过视觉元素中的点、线、面、色，重新构建一个新的物象。其次是材料和机理的运用，材质媒介的综合使用，能充分体现出作品的内涵与作品的表现形式在审美观念上的统一，有创造性地运用不同的材质媒介去表现设计创意。这些都是形式语言的训练的内容。
最后是在形式语言的基础上创新能力的培养。设计素描是转变我们对物象常态的观察方法，培养应用和开发想象的能动性，探索未知领域里的形式构成和与设计相关的抽象艺术形式。想象创意是设计素描的核心。创新能力可以通过联想式的素描和意象式的素描训练获得。
2.3.2 设计色彩包含内容比较多，在此主要强调色彩的归纳和装饰化。
色彩的归纳，这一环节重点是提高学生对于色彩理性认识的能力。学生由在写实写生中获得的关于色彩的感性认识转变到将客观条件色彩分析进行归纳，排除许多偶然因素，如反光、高光、环境色等，得到一个本质的、综合的甚至是主观色彩，但仍然符合立体空间规律和条件色关系的画面理性色彩。色彩的归纳是概括与提炼色彩的一个过程。
“装饰色彩训练是在绘画写生色彩与设计专业用色之间搭建一架衔接的桥梁，它旨在培养学生的设计表现能力，使学生由被动地摹拟自然色彩转向主动地规划和设计色彩，„„培养学生策划色彩的能力。” [3]色彩的装饰化是用色彩作为装饰语言的媒介,通过概括、夸张、变形、置换替代、拼接嫁接、对比、移位、错位并置、融合、叠加、削减等表现手法, 以色彩语言表达出来。这一训练目的是针对学生的色彩创意而设置的。但同样要受到色彩规律的制约，但它与绘画色彩不同的地方是它可以根据需要任意调用色彩。所以，装饰色彩看上去更自由、更概括，也更有想象力。
总之，正如中国美术学院宋健明教授所说，他认为一个学习设计基础的学生需具备这样几个能力：“首先是绘画能力，„„。第二是构成造型的能力，可以将一个物品肢解再重构的能力。第三是对物的装饰能力，在整个造型文化中，装饰显得尤为重要，„„第四是材料的应用能力，„„第五是勇敢的驾驭新技术的能力，新技术是现代设计必须依赖的手段。我们的教学也是围绕这五个方面进行的。” [4]
参考文献：
[1]杨建平王海涛 《纺织教育》第60页 纺织教育编辑部2006年 01期
[2]王安霞 主编 《设计素描与速写 》第3页湖南大学出版社 2004年7月第一版
[3]朱小分 著《艺苑》 绘画与设计之间的桥梁——艺术设计专业中的装饰色彩训练》 第20页2006年08期
[4]林家阳 冯俊熙著《设计素描》 前言II页高等教育出版社2005年5月第一版
联系方式： 手机—***，E－mail：sibai1010@163.com，邮编：510450
高校美术专业科研管理 篇6
当前，贵州工程应用技术学院（简称贵工程）正处于一个由传统研究型、师范型院校向应用型高校过渡的关键时期，首先要做的就是重新梳理和规划美术学专业人才培养方案，由单纯师范型向市场需求上转变，把学生的就业出口进行拓宽。随着全省中、小学美术师资的逐年下降，势必带来毕业生就业率的萎缩，所以，应该在稳定师范型教育的基础上广开思路，进行实地的市场调研，用全面的市场拓展找到适合美术学专业就业、创业的渠道。从而开展小范围局部的尝试，从偶然性中挖掘、升华出其中的必然性，这是眼下进行美术学专业建设和课程体系改革的基础。
笔者通过走访所在美术系的学生有以下收获，明显地感觉到学生对所学专业不太热衷，绝大多数人是为了专业课不挂科能顺利完成毕业即可。究其原因可归纳为三种情况：第一种对美术根本不感兴趣，仅仅是为了能够考上大学而选择美术，有大约三分之一的学生持这一看法；第二种就业压力太大，专业学好了也未必就能顺利找到工作，况且招聘单位大多数只考些专业理论方面的知识，对于实际操作能力不太关注，不如把学专业的时间用在看理论书籍上合算，这部分学生占的比重是最大的，也是现在导致学生专业课创作能力减退的主要症结所在；第三种是对美术发自内心地喜爱，学习热情很高，想进一步提升自己专业能力，这类学生专业能力很强，但是在就业大军中往往并不能脱颖而出，大多数会选择打工、家教、培训班等维持自己生计。通过笔者的调研可以看出，仅仅向中、小学输送美术教师是远远无法满足大量毕业生就业需求的，如果能够拓宽学生就业门路，带动更多的学生就业、创业也是一种势在必行的做法。
为此，笔者做了进一步的市场调研，结论如下：其一，40.3%的群众愿意或者喜欢用美术作品装饰自己的家庭，只是担心承担不起昂贵的费用；其二，25%的公司、企业、宾馆、饭店等机构有选择美术作品来提升艺术品味的需求，只是对美术作品不太了解；其三，人们对婚纱摄影的热衷有所减弱，如果能用国画、油画、版画、雕塑、剪纸等艺术形式补充婚纱摄影，年轻人可能会更感兴趣，美术学专业的学生也会有更大的空间发展。
笔者强调一点，作为我们地方应用型高校美术学专业培养的应该是有一技之长满足广大群众艺术需求的专业人才。通过在校期间的学习能够与市场紧密接轨，实现课堂习作商品化的目的。从而进一步带动学生的学习热情，在这一点上应该与重点专业美术院校区别开来，不能混为一谈。专业院校是培养艺术家的精英教育，而我们是培养服务艺术市场一线、面向大众审美的高级艺术人才，两者之间是相辅相成的关系。
我校美术学专业建设应该在传统师范教育的基础上进一步拓宽为服务大众艺术审美需求的艺术工作者，学校可以利用专门的网站、画展、传单等分类宣传，如家庭装饰类、机关、公司、企业、餐饮服务类场所美术品展销，以及影楼大众肖像绘制等方式进行宣传，还可以进行订单式教学。总之，通过请进来和走出去的方法让美术学专业真正活起来、热起来。我相信当学生的作品能够转化为经济效益的时候，当学生的投入得到市场认可的时候，当大众开始接纳学生作品的时候，当美术学专业建设与市场需求紧密结合的时候……美术学专业学生的就业、创业将会迈出坚实而具有划时代意义的一步。
以上是对贵工程美术学专业建设的一些构想，有了专业建设的构想，接下来要做的就是课程体系的改革，具体做法就是围绕专业建设的定位进行案例式、订单式、模块化的课程设置。具体操作如下：
一年级进行基础的教学，以素描、色彩为主要课程。内容为：古典油画静物临摹（素描转化）、素描写生、素描创作；色彩（水彩、水粉、油画、色粉等）静物临摹、静物写生、静物创作。学期末，将期末考试转化为美术作品展销，通过网络、画展、传单等利用学院平台统一装裱，面向市场及不同的机构进行销售，所获利润归学生本人所有，学校只负责搭建平台。
二年级根据学生的喜好选择不同的工作室学习，如油画、国画、版画、漆画、民间美术等进行系统学习，同样从临摹到写生，最后到创作，各工作室以案例设置课程教学。以洪山宾馆装饰为例临摹创作美术作品，要求考虑场地、服务对象、作品大小等因素。课程结束后到洪山宾馆进行现场展销，检验作品的整体效果与宾馆的融合度，以大众的反映作为评价的标准，销售所得全部归学生所有。通过一系列的案例教学进一步培养学生的创作热情、激发学生的创作意识。
三四年级为学生的创作期，要求学生利用夏季小学期和艺术采风等实践对全国有影响的城市，如北京、上海、广州等进行调研，重点考察这些城市的机关、企业、宾馆、饭店的装饰特点与艺术品的关系，然后结合我省的具体情况撰写创作构思，要求以图片和作品为主，最终全部创作将在所规划的场所展出，学校根据展出效果给予一定的分数，制定统一的宣传册，资助一定的费用，帮助学生进行创业前的准备工作。通过创业跟踪，规范学生的市场意识、团队意识，从而使学生能够独立地进行市场营销。
总之，美术学专业建设和课程体系改革的目的是让学生具备市场意识，锻炼艺术与市场结合的理念，改革以往的以试卷为准的考试形式，用具体的案例作为对学生的评价标准，让学生获得利益的同时得到社会的认可，使他们发自内心地喜欢美术学专业，自觉投入到专业课程的学习当中，我相信当学生能自觉地爱上美术学专业的时候，贵工程的学风必然改观，就业也势必有所突破，应用型人才培养战略也会被大家所瞩目。
美术学专业与课程体系改革是一个重大的课题，是对传统美术学专业的一个挑战，更是对以往课程体系的一个颠覆，需要有一种敢为天下先的闯进和胆识，需要全体美术师生共同努力才能迈出艰难的第一步，到达应用型人才培养的高峰。到那时，贵工程美术学专业将像一面旗帜在贵州乃至全国飘扬。
以上是本人的一些粗浅设想，最终目的是让美术学专业通过改革走上应用型的轨道，担负起服务大众的重任，给广大的美术学生开拓一片就业的天地，让更多的“美术无用论”在改革的浪潮中沉默，点亮美术学专业在高校转型发展中的曙光，指导全体美术师生运用自己手中的画笔去装点自己理想的家园。
作者单位：
高校美术专业艺术实践教学研究 篇7
关键词：高校美术,艺术实践,教学研究
前言
目前高校美术专业越来越趋向于职业化的要求, 将美术专业与艺术设计等相关的职业化发展方向紧密结合, 将专业理论教育构建在艺术实践创新的基础上。在这一大前提及背景下, 要求高校美术专业必定与艺术实践相联系, 通过理论来进行艺术实践, 通过艺术实践来激发学生的创新精神, 进而在未来的职业化道路上有坚实的基本功底, 同时具有职业创新能力。
艺术有着多种的定义, 其作为社会意识形态的一部分, 是人脑对社会存在的一种反映形式, 是一种精神现象的存在。人们常说的艺术来源于生活又高于生活, 这也就是说艺术是人们从现实出发, 对外界的感知, 同时, 艺术又不同于生活, 艺术创造是一种新而独特的形式, 是在感知的基础上进行的再创造活动。美术作为艺术的一部分, 在美术作品的创作中同样要来源于生活而后又高于生活。人们常说每一件成功的美术作品背后都有着一段故事, 或悲或喜, 美术的创作者把他们的真实感受通过在加工传达给观众, 因此, 感觉在每一件有灵魂的作品中都有着高度的重要性。目前高校的美术专业教学应该充分的考虑到艺术创作过程中的来源于生活又高于生活的这种教学模式, 通过生活的感知来激发学生的创作, 在实践中让学生体悟艺术创作、美术作品所承载的情感的表达。
一、高校美术专业艺术实践教学与传统理论教学的联系
传统的高校美术专业教学多以理论教学为主, 随之新课改的推行及素质教育的普及化, 艺术实践教学被逐步重视, 并且上升到与理论教学同等重要的基础上来。可以说美术理论教学与艺术实践教学是高校美术专业的左膀右臂, 已经完全发展成为一个整体。美术理论基础是艺术实践的前提和根基, 学生只有掌握了理论基础, 才能懂得艺术创作的技巧和方式, 才能找到艺术实践过程中的方向;同样学生只有通过美术实践, 才能更好地理解、掌握和巩固所学的美术理论知识, 同时艺术实践又发挥了更大的效果, 激发学生对美术的热爱, 进行艺术的创作及深入研讨。
美术理论教学与艺术实践又相辅相、相互促进。学生对单纯的理论讲解的接受方式及接受范围都有一定的限制, 而在艺术实践过程中, 学生可以自由发挥想象力及判断力, 将纸上谈兵真正运用到战场上, 将生活中的美与丑通过夸张、放大或是还原的方式展现在人们面前。
二、高校美术艺术实践教学的实施途径
高校美术传统的理论教学模式已经被摒弃, 现在的高校美术教学中, 教师在注重美术专业化的同时, 更加注重美术与学生的生活经验、生活实际相关联, 运用多种教学方法及丰富的教学资源, 让学生参加到写生、组织学生参加画展、组织学生进行一定范围内的艺术创作及鉴赏等活动。不仅让学生掌握美术知识, 还可以激发学生的好奇心及创作欲望, 提高学生的学习质量及鉴赏能力的双重效果。
(一) 风景写生实践教学
风景写生包含色彩风景及速写风景两个部分, 是美术专业艺术实践教学必不可缺的部分, 是美术知识理论与实际相结合最好的延展教学模式之一。通过风景写生, 不仅可以检验学生对美术理论知识的掌握程度, 还可以激发学生对大自然的热爱之情, 同时培养学生从不同角度去发现身边的美, 提升学生艺术鉴赏能力。在积极推进素质教育的今天, 外出写生还可以培养学生吃苦耐劳、协调合作及独立自主的精神。
高校美术专业的写生实践教学已经被极大的推广和认可, 深受高校教师及学生的热爱, 在这一实践教学过程中, 为了让其充分的发挥其作用, 教师必须针对学生的发展方向制定有明确实践目的及相应计划的实践教学, 有针对性的培养学生的情感体验、审美体验、视觉表达能力及思维判断能力。
要做到以上的实践教学目标, 首先应有明确的实践教学的目的及计划作为指导;其次要针对目的给学生布置明确的任务, 从而展开实践教学;再次要选择几年内相对固定的写生基地, 保障写生实践教学的正常及安全的开展;最后在写生结束后, 要有明确的展示成果的形式, 通常以展览的形式为主。通过对学生实践成果的展示, 可以达到学生与学生间, 学生与教师间的艺术交流。
通过写生实践环节的体验, 使得学生的专业知识在校外这个“第二课堂”得到强化和补充, 并且培养了学生对社会、对大自然、对艺术的洞察力, 真正将理论与实践相结合, 是高校美术专业艺术实践不可或缺的教学经典活动。
(二) 艺术实践与生活相关联的教学模式
艺术, 是为了满足人们生活中对美的需求, 来源于生活而又高于生活的表现形式。美术艺术实践, 作为艺术的一部分, 同样是建立在生活基础之上的, 对生活的美化。随着人们生活水平的提升, 对美的事物的要求也在不断发展, 通过艺术实践与生活相通的教学模式, 让同学对生活充满新意, 增强学生对生活的热爱, 将艺术之美展现在生活之中, 通过生活中的美激发学生创新的能力。
艺术认识始于对外在世界的观察, 同时又不止于现实客观的反应, 需要增加进学生的自身感觉, 以更加生动形象的表现力传达给观众。美术专业艺术实践的过程中, 就是教师通过生活中的美, 激发学生创作欲望的过程。首先要求高校美术专业的教师引导学生发现生活之特点, 无论美丑加以艺术化及夸张化, 使学生的作品源于生活而又高于生活。其次, 在引导学生欣赏艺术的同时, 进行艺术创造。随着人们生活水平的提升, 对艺术创新的审美需求也越来越强, 作为高校美术专业在传道授业的基础上, 进一步提升学生的艺术创造性, 开阔学生的视野, 积极容纳世界各民族范围内的艺术气息显得尤为重要。教师应该在课堂上开展相应的实践教学, 丰富学生的生活阅历及眼界, 更好的适应新时期的艺术创造。
(三) 丰富传统美术鉴赏课的实践教学
传统的美术鉴赏教学一般都是以名画鉴赏为主要内容, 这对于美术专业教师来讲都是轻车熟路, 画家、作品、画家的故事、作品的背景, 洋洋洒洒可以贯通一节课的时间。名画鉴赏固然重要, 但是这样的教学方式对于学生来说, 从小学到大学并无本质变化, 已经形成抗体。所以在高校美术鉴赏课上, 教师需要丰富传统的鉴赏教学内容, 变革教学模式, 更多的融入实践教学来吸引学生。
首先, 可以在美术鉴赏教学实践中, 列举一些专题, 让学生展现自我生活。同学们可以通过PPT、视频、Flash等手段, 来展示与专题相关的现实生活, 充分调动学生发现美的能力, 使美术鉴赏从生活出发。其次, 教师可以在每个学期开学初期, 布置鉴赏专题课, 即是让同学利用课余时间完成作品, 在教学内容完成后, 展示学生的作品, 供同学们相互鉴赏, 相互提升。高校美术鉴赏实践教学的改革, 要求学生掌握传统的名作的基础上, 还可以更加贴近生活, 逐步变成鉴赏传统作品, 创造新型作品, 将鉴赏中的知识应用到自己的创作中。
(四) 引入“微型课题导引”的教学实践
“微型课题”源于一线教师对教育实践困惑的追问, 基本形式为课题提出——对策研究——收货及成果, 也称做微型科研。“微型课题导引”被应用到美术教学实践中, 一是顺应了素质要求的要求, 让学生的学习方式从单一的被动接受式学习向探究式学习方面转变, 丰富学生多样化的学习模式;另外也为师生营造一种以科研为途径的实践教学模式, 以学生的主观意愿为目的, 引导学生的发现问题、解决问题的能力, 培养学生主动发展的教学形态。
“微型课题引导”是让学生将美术学习中遇到的问题提炼总结成一个课题, 并且通过课题组成员的共同努力, 进行有效的研究。这一过程是一个以学生为中心, 引导学生对美术主动探索和发现的过程, 贯穿在整个学期中, 与其他的教学模式平行进行的过程。
具体操作过程总结如下:首先创设问题、选择课题。其次明确思路、合理分工;选定课题之后, 应有明确的任务和时间节点, 课题组共同制定课题研究方案, 并且通过多方面路径思考解决问题的对策。再次, 教师需要进行中期检查、化解难点, 及时了解各组阶段目标的达成情况, 反馈研究的动态。最后, 课题研究结题阶段, 教师积极地为学生搭建展示学习成果的舞台, 让学生交流经验及成果, 促进学生的学习积极性。
(五) 展示学生成果的教学实践
我们在对高校美术专业生展开丰富多彩的教学实践活动的过程中, 我适当的让学生对自己的成果进行展示, 让学生与学生间、学生与老时间构建交流的平台。这个成果展示的平台不仅是单单对教学成果的展示, 更是对大家思想交流促进的重要途径。
首先, 学生要对实践过程中的作品进行汇报, 这是最传统也是最直观的展览形式, 汇报展示的内容可以包含学生们写生的成果展示, 也可以包括学生们在日程生活中有感而发的作品, 更可以是教师通过主题设定学生自由创作发挥的作品。展示汇报的作品涵盖的范围也可以很广泛, 比如建筑的结构速写、身边人的生活形态速写、风景自然的油画、水墨丹青的中国笔墨花等, 只要是学生实践活动过程中的成果, 都可以进行汇报展示。以丰富的作品内容及表现形式, 展示出学生们的创作才能及对实践的掌握能力。
其次, 在展览的同时, 要组织同学和老师进行同步的座谈会, 总结实践的经验、表达实践的体会、评定实践的优点和不足。同时大家以一种知无不言、言无不尽的态度, 进行作品的品评和建议, 为师生共同搭建交流对话的平台打下基础, 在增进师生间感情的同时, 也让老师懂得如何更好的安排下一场次的实践教学活动。
在此, 对于有条件的高校及院系还可以在展览期间组织专题文艺汇演, 展示学生综合才能的同时, 促进艺术院校全校师生的沟通及交流。人们常说艺术是有灵活的, 也是相通的, 通过文艺汇演的形式, 调动全校的艺术生参与进来, 不仅培养了学生的实践精神, 还增强学生的综合素质的养成。文艺汇演可以通过多彩多样的方式进行, 可以通过与艺术院系学生的联合演出来增进汇演的生动性, 也可以通过故事会的形式去讲述和表达作品背后的意义等等。这样, 不仅丰富了学生的课余生活, 更是将教学、美术实践融入到高校美术生的生活中, 历练了其专业素养的同时, 培养了学生的综合素质。
结语
总之, 高校美术专业的教学与实践是相互作用的, 只有通过实践才能发展学生的审美, 对专业素养进行提升, 对生活有着更强的感知, 从而创作出更加富有灵魂的作品来。美术作品以丰富而独特的审美价值链接着大众与社会的生活, 美术实践可以唤醒学生在艺术领域内对社会现实的描绘。
参考文献
[1]史琦.浅析艺术与生活的关系[J].-考试周刊, 2010 (37) .
[2]夏建红, 吴海燕等.艺术设计专业风景写生实践教学的思考[J]-闽西职业技术学院学报, 2011 (01) .
[3]薛玉剑.风景写生教学质量监控体系的构建[J].-艺海, 2013 (01) .
[4]董明慧.以实践教学促进高师公共艺术教育——以美术鉴赏课为例[J].-美术大观, 2012 (05) .
浅论高校美术专业毕业创作教学 篇8
学生的毕业创作指导包含了学校艺术教育思想, 教师专业教学理念、教学方法、教学能力等众多方面, 如何有效地开展学生的毕业创作指导, 我认为学生的毕业创作 (以中国画、油画、版画、设计为例) 应体现以下几个方面。
一、毕业创作作品应体现学生的基础知识和基本技能
美术作为造型艺术, 各个专业都有相应的专业基础知识和专业技能基础课程, 如素描、色彩、形体结构、透视、中外美术史、艺术概论等理论知识和实践教学活动, 这些教学活动是高校美术专业教学的主要组成部分, 通过这些理论教学和实践教学活动, 使学生认识和掌握造型艺术的基本规律和方法, 学生的专业基础理论和专业实践技能是美术创作的基础, 专业基础直接影着响美术创作的开展。
“在再现性写实绘画中, 素质的训练, 首先强调真实描绘万物象的写实能力, 熟练的技巧绝不是“技术主义”的代名词。因为, 生活中的事物首先通过人们的感官——眼睛去观察, 然后才是头脑对形象外部和联系诸因素的分析和理解。形、色、影、线, 是画家综合概括后在平面的画幅上传达出来的, 是有造型规律界定的, 任何风格、技法的表现, 都应以此为基础”1。
徐悲鸿先生曾说:“以写生为一切造型艺术之基础, 故艺术家不在写生上立下坚实基础, 必成先天不足现象, 而乞灵抄袭模仿, 乃势所必然也”2。
观我国高校美术教育现状, 由于各大专院校纷纷开设美术教育、艺术设计等专业, 加之逐渐扩大招生规模, 渐渐暴露入学学生专业基础薄弱, 高学历、高水品教师紧缺, 本科毕业教本科, 软硬件条件不足的状况。同时, 毕业的学生必将成为今后美术教育和美术创作的主要力量。如何加强学生基础课教学和创作指导, 成为美术教学的主要任务。
而作为体现教师教学成果和体现学生各方面学习成果的毕业汇报展览应该如实反映教学效果, 体现学生对基础知识理论及造型能力掌握的程度。也就是要要求学生展示体现具有写实能力的作品。写实能力是体现出学生对基本知识和基础技能的掌握程度, 也是今后从事美术创作和教学的基础。
纵观美术创作舞台, 众多的绘画艺术大师, 无不经过长期艰苦的基础训练, 而达到登峰造极的造型能力。
“再现性的写实绘画 (主要存在于油画、素描画、水粉画等画种) 作为最古老的造型艺术的基本手段之一, 它的发展史决定了绘画本身具有再现客观物象的特性与模仿对象的创作精神相一致”。
从绘画发展历史来看, 在现性的作品, 突出表现出一下特性:
1.强烈地揭示了美术创作与现实生活环境的紧密联系。2.鲜明地表明美术创作服务于社会的社会性、民族性。3.作品为人民服务有极为广大的接受者, 由于直观因素, 有超越国界的普及性。4.同样具有观赏的愉悦性、造型艺术的美感及绘画艺术的技巧性。5.作为创作方法, 作者造型能力对其他绘画能力具有包容性3。
再现性的写实创作正因为具有以上特征, 从西方绘画创作历史来看, 有着广大的创作队伍。意大利文艺复兴时期佛罗伦萨画派达.芬奇的《蒙娜丽莎》、西班牙画家委拉斯开兹《教皇伊诺森西奥十世》《纺织女》, 法国新古典主义安格尔的《土耳其浴室》《泉》, 法国浪漫主义画家德拉克洛瓦的《猎狮》, 法国现实主义画家库尔贝的《石工》, 俄国现实主义苏里柯夫《近卫军临刑的早晨》, 列宾《伏尔加河上的纤夫》等人的作品无不遵循了再现性绘画的原则。
中国绘画里同样有大批的以中国现实生活为创作源泉的再现性绘画作品, 如周昉 (唐) 《簪花仕女图》, 顾闳中 (五代) 《韩熙载夜宴图》, 张择端 (宋) 《清明上河图》, 现代蒋兆和的《流民图》, 董希文的《开国大典》, 罗中立的《父亲》等。
因此, 在毕业作品创作中, 教师指导学生有意识地进行再现性绘画作品的创作, 有利于学生对造型艺术基础重要性的认识, 通过作品创作, 不断发现和弥补造型能力的不足, 促使学生加强基础训练, 提高造型基础能力为今后美术创作和教学奠定坚实的基础。
二、毕业创作作品应体现当代造型艺术观念
“创作”直接地反映着绘画者的天赋和创作性思维能力, 滋润着画家的人生历程。学生在大学期间通过对专业理论和技能的学习, 从理论而言, 通过对中外美术史、艺术概论等课程的学习, 已经基本了解了中外美术历史各个阶段的发展状况, 了解了中外各种造型艺术思想, 众多艺术风格流派及其艺术主张, 创作方法、表现形式等, 有了一定的作品创作理论基础。
接受高等院校专业教育的毕业生, 将成为传承美术教育和美术创作及理论研究的主要力量, 不断地进行艺术创作也就是不断地在开展艺术研究。
一切经典的艺术作品贵在于继承与创新, 二者必不可少。在毕业作品创作中, 指导学生开展有意义的探索性艺术创作, 有利于学生对绘画艺术的表现内容、表现形式、表现风格、表现方法等探求, 不断树立艺术贵在创新的理念, 构建和确立自我独异于他者的艺术转换理念, 培养较强的表达传播自我观点的陈述能力。
“艺术家独有的、具有重要价值和意义的艺术思想或思想体系, 只有在艺术家对艺术创作实践进行全方位、多层次地参与、研究、探索的过程中才能形成。艺术家也只有不断提高自己的艺术思想, 才能很好地确立正确的艺术观。进而才能从更新层次上促进自己的艺术创造实践活动的深入展开。”4不断接触新的美学理念, 进行多方面的创作研究活动, 更能体验到艺术原理与艺术表呈技术的整合关系内涵, 有助于对艺术学科进行较为准确、到位、专门化、系统性地探究、陈述。
在毕业创作中, 教师指导学生通过现代美术理论教学、参观展览、利用互联网等有效教学平台, 使学生广泛地浏览现代艺术作品, 了解现代艺术作品的创作理念、创作内容、创作方法, 不断提高对现代艺术创作的理解和认识, 在学习他人的已有经验和方法基础上, 不缺乏自我的鲜活、灵动和独创的意识和思考悟性去进行艺术创作, 探求适合于自我艺术表现的创作语言, 以丰富艺术创作领域, 实现艺术创造之梦想。
三、毕业创作作品应体现地域性和民族性
“越是民族的, 越具有世界性”。民族、民间艺术是我们艺术创作丰富的源泉, 它以具有鲜明的地域特征和广泛的群众性和各民族性格特征形成各民族文化艺术风格, 无论从造型艺术的内容、表现形式、造型特点、色彩表现等都体现出各民族丰富的历史文化内涵, 与时代群体社会生活关系最为密切的渊源流长的具有代表性的文化形态, 它是我们各民族从原始社会到今天, 长达六七千年的历史文化积淀。将民族、民间造型艺术特点引入到现代大学的美术课程教学当中, 从学习、研究民族、民间美术规律入手, 兼吸收中西造型艺术, 从而产生有别于它的艺术作品。
“当现代艺术, 后现代艺术蜂拥而至时, 艺术的准则正处于消解与重构之中。创作上的茫然犹如迷雾困扰着我, 于是, 我返回头去, 追寻原始的创作力, 转向本土的民间艺术, 试图从中找到艺术的原动力, 获得艺术发展的启迪”。5
“作为中国艺术本源的传统民间艺术, 宫廷、宗教、文人艺术都是由它们发展而成的。陈洪绶的线描;石涛、八大山人和齐白石的大写意;林风眠的水墨与西画合璧;古元的木刻, 都是不同程度地吸收民间美术的气质、题材、民瓷绘画及年画剪纸而形成独树一帜的创造。西方艺术家布鲁盖尔、高更、毕加索、卢梭等, 也都吸收民间艺术而名噪于世的。这些中西名家对民间艺术的有限吸收的启示, 雄辩地说明民间艺术的涵量是丰厚的, 是取之不尽的艺术源泉。”6
梁玖认为:“中国美术史的研究, 在很长一段时间里存在着四个中心、四个忽视的问题, 即:第一, 以汉族为中心, 忽视其他五十五个民族;第二, 以中原为中心, 忽视了周围的边远地区;第三, 以文人为中心, 忽视了民间美术, 第四, 以绘画为中心, 忽视其它美术。”7应加强对民间美术的研究。
民间美术纳入现代的中国高校美术教育体制, 对充实原有的美术教育框架, 提升学生对国情的认识, 深入认识、体验民间的文化与生活, 提升艺术涵养都具有深远意义。
具有极其丰富的哲学、美学、历史学、民族学、社会学、人类文化学等内涵的中华民族文化的凝聚和结晶, 是我们美术创作取之不尽、用之不竭的源泉。我们通过开展创作实习、采风等实践教学活动, 充分使学生体验一些民族的民风、民俗, 收集具有艺术创作价值的第一手素材, 创作具有民族文化特点的美术作品, 是对它的继承和发展, 这不仅是民族艺术的继承发展, 也是对民族历史文化传统的继承发展。它有助于对我国学校美术教育内容的充实与完善, 确立民族艺术教育的特色, 有助于学生在今后不断创作研究过程中形成自己造型艺术特点和风格, 丰富和充实美术创作领域, 有助于学生自我发展和完善。
四、余论
美术专业教育中的传统、现代美术理论、造型基础是美术专业学生必须学习和掌握的内容, 是今后步入社会工作和进行理论研究、教学和艺术创作的基础。作为进行绘画创作者是通过塑造形象具体反映社会生活, 表现作者思想感情的一种社会意识形态, 他不能够游离于客观现实之外。因此, 学习和研究具有现代造型艺术观念的美术理论和实践是自我表现、自我发展的必然要求。通过学习和研究民族、民间美术理论及造型特征, 从中借鉴和凝练美术创作的表现形式、方法, 进而形成自己独特的、有别与他的艺术创作语言和特点。三者并不矛盾, 是起到相互促进发展的作用, 一方面强调提高造型艺术的基础, 第二方面强调现代人的美学观念和现代艺术创作思想, 第三方面强调在众多民族、民间艺术中继承、发现、挖掘和吸收具有艺术发展价值的造型观念、艺术符号、题材、内容等在艺术创作中进行研究与探索。这一过程是自我认识、自我发现和自我完善的艺术创作的过程, 也是影响和形成自我艺术创作风格的重要方面。
梁玖认为中国目前的学校艺术教育, 普遍存在共性大于个性的弊端。这不利于教育思想的自由, 又不利于学术研究和艺术创作的自由, 更不利于独有艺术教育观和教育论特色的形成。从而致使学校和学习主体缺乏生存竞争的理念和能力。究其原因:既有对艺术教育学科的认识与研究不够的因素。各地的学校艺术教育主体, 应采各地的民间艺术, 以启迪、思考、研究、转化、形成独具特色的学校艺术教育课程, 制定特有课程标准, 选择个性化课程内容, 研究凝结风格化教学方法。8
我们在美术创作教学中强调以上几个方面, 是体现学校艺术教育、教学思想, 体现教学方法和教学目的认识。在于加强学生对基础理论和实践, 现代美学观念和对民族、民间艺术的认识的教育教学, 通过这些教育教学的开展, 必将对学生今后从事美术教学和进行造型艺术创作有着良好的促进作用, 有利于丰富学校艺术教育内容和形式, 有利于促进艺术教育、研究活动, 有利于形成独特的艺术教育、教学效果, 有利于艺术文化教育的可持续发展。
参考文献
[1].张启文:《创作与构图》, 西南师范大学出版社, 2000年7月, 第1版, 第19页。
[2].张启文:《创作与构图》, 西南师范大学出版社, 2000年7月, 第1版, 第2页
[3].张启文:《创作与构图》, 西南师范大学出版社, 2000年7月, 第1版, 第14页
[4].梁玖:《新编艺术概论》, 西南师范大学出版社, 2003年3月新1版, 第99页。
[5].郑莜莹:《民间艺术的启迪》, 《美苑》, 1999年第五期。
[6].杨先让:“我对民间美术参与中国美术教育结构的思考”, 引自《中国民间美术教学大全》, 1993年3月第1版, 第406页。
[7].梁玖:《新编艺术概论》, 2003年3月新1版, 第85页。
高校美术专业科研管理 篇9
一、美术设计专业中的“表现写生”概况
设计类美术专业和传统的纯艺术不尽相同, 它是由精确的外形特征和合理的结构艺术作为基础, 以建筑艺术, 服装艺术, 工业设计等严密性较强的专业教学为途径, 将古典的艺术和现代的设计思维完美的结合在一起。表现写生是学员将自己所知所觉完整的呈现出来的表达形式。众所周知, 美术类作品是无法确切定位其价值和分数的, 但是表现写生却能够将这种定位精确到大众可以理解与接受的地步。教师也在此类教学活动中能够分辨出学员的进步幅度以及潜在的价值, 从而更有效率的将学员分类, 分别制定计划, 达到人人学而通之的地步。设计类的表现写生实际是由物质的形与态组合而成, 即为所谓的形态。即是事物在一定条件下的表现形式和组成关系, 包括形状和情态两个方面。形态是物体的主要外部特征之一, 但是肉眼见到的外部形状却不会代表全部的形态。形态是由形与态两个方面塑造而成, 而非只是外在的形态而已。形, 是无法捉摸, 无法仿造的一种存在形式, 即是看起来一模一样的物体, 其存在形式也是大同小异。想要取得形的质变, 就要不停的吸取能量, 而提供能量的就是能够依赖生存的大地。动物想要生存, 就要吃植物, 否则也要吃动物, 植物是从大地汲取养分得以生存成长, 可以说, 大地就是供养万物的母亲。这种循环往复却又无规律可寻的规律是无法可述, 但是确实真是存在的。态, 是一种形态的内涵, 它不拘泥于外在形状, 不同的人对于同一事物的态也能产生不同的心理变化和表现。如果说形是一个人的外貌, 那么态就是一个人内在的心境与尊严, 仅就内涵而言, 态的重要性远远要大于形。拥有了态, 就像是一个人拥有了强大的气场, 让其他人敬仰。所以说, 形与态不可分。当学员能够将物质的形态看透, 并且实际应用出来那他便算是在表现写生中获得很大的收获了。
其次, 表现写生还是一种可以实现自我价值的教学活动。当美术学员达到了一定境界, 却不知该怎样上升到更高的层次的时候, 表现写生就可以轻而易举的看出自己作品中所存在的不和谐, 损有余而补不足。还有一种情况就是自身的绘画技巧和境界不符, 此时, 就像是修佛之人常遇到的两种极端, 修为和境界。修为就好比万物的形, 它使一个人的厉害之处全部展现出来, 就像外表华丽的物体, 给人以视觉感官上的冲击力, 使人目眩。而境界就仿佛万物的态, 它讲究的底蕴和内涵, 在物体的内部甚至更深层意义上的给人以心灵的感悟。修为太高而境界不足, 就会显得空有其表, 外表光鲜亮丽却不能让人从心底产生一种欣赏, 甚至会导致所谓的走火入魔;境界高深而修为不足, 就会显得无所作为, 只有夸夸其谈却不能做到内心所想。修为和境界往往都是相辅相成的, 只有在两者达到和谐共存的时候, 才能称之为修行的大乘。形与态比例调节适合, 才是设计的物体本身的“黄金比例”。
二、“表现写生”教学意义
表现写生同时也是增强学员的眼界, 应用不同材料物质所制作出来的产品或者天然存在的物质, 其表现形式都是不同的。我国大多数高校都是沿袭或采用西方文明艺术来约束同校艺术类学员, 其素描表现形式居多。虽然从表面上看, 中西方绘画的基本表现技巧都离不开对线条的运用, 但二者之间却有着本质区别。众所周知, 白描, 是中国绘画的基础, 它讲求线条的趣味性, 重于意象造型, 较少受光线、时间等变化因素的影响。中国绘画中的线条, 不仅借鉴和吸取了书法艺术的笔法技巧, 在艺术表现上更是立足于物象的神韵与意趣的表达。在令人眼花缭乱的表现技法里, 线条仍然是中国绘画中最常见、最基本的艺术表现手段。相比之下, 西方绘画则更重于具象与写实。素描是西洋绘画的基础。借助于特定的对象、环境、光影作画是素描写生的基本要求。因此, 素描更多地受到了客观对象、光线、时间等外部因素的影响。而线条则往往被视为构建形体的手段, 并不具有独立的审美价值。中西绘画二者虽差异甚多, 但不可否认, 西方素描与中国白描同是绘画中最朴素的表现形式。当学员在实际的写生过程中, 不断的揣摩和思考不同物质所表现的不同价值和形式, 他才能在以后的艺术设计生涯中更完整的体现出自己的价值。
表现写生教学最关键的地方就在于它是让学员能够身临其境的绘画设计, 而不单单是在脑海中胡乱的勾勒出自己想象中的产物。设计最重要的就是它的严谨性和合理性, 所以它能够区别于一般的纯绘画艺术。例如建筑设计艺术, 即是先将合理的思维和实地的考察以及材料的选择综合考虑, 最后才能设计并得以实现。表现写生就是为此而诞生的产物。它可以让自己看到作品的不足, 并由导师及时加以引导, 从而将自己绘画的境界和技巧达到巅峰状态。写生作品最大的特点就是表达方式率真而生动, 并且保持着客观对象鲜活而感人的个性特征。写生就是将人类固有的理性思维和纯粹的表现梦境幻觉的唯美艺术以精确的比例糅合在一起并且生动的表达出来。设计表现写生总结来说就是点的排列, 线的勾勒, 面的围合, 体的包裹, 各种材质, 各种风格的演变。
三、总结
艺术源于现实, 写生就是在艺术中体现出现实的价值。通过写生可以深刻体验到天地万物存在的种种因素, 感悟出自然的美, 寻找出一定的表现技能和技巧周而复始, 慢慢地就形成了自己特有的艺术风格。明代画家董其昌说:“读万卷书, 行万里路。”绘画设计亦如此。表现写生就是人生的万里路途, 只有亲自经历过才会懂得如何把路途中的所见所闻演变成自己的能力。
摘要：由于美术类专业的特殊性和艺术性在中国已经渐渐的被推广, 为了扩展招生资源众多的高校都争先恐后的开设了美术设计专业。而表现写生恰恰能够将学员本身的创造性毫无保留的发挥出来的一项教学手段。
关键词：美术专业,艺术,教学手段
参考文献
[1]阿纳森著.邹德侬等译.《西方现代艺术史》.[M]天津人民美术出版社.1994.
[2]王宏建.《艺术概论》.[M].文化艺术出版社, 2000.
高校美术专业女生心理问题的研究 篇10
美术类专业的学生心态、素质和特点都有着很强的个性特点, 教师要采取切实可行的措施, 提高工作的针对性和实效性, 笔者倡导以现实为基础, 全面提升绘画意识和修养, 并加强高校学生创新能力的培养。
在高校美术专业女生的心理问题中, 有一些特殊的人群, 她们的“心理贫困”问题慢慢显现, 贫困学生的心理问题的发生率远远高于其他大学生, 是社会普遍关注的重点问题。美术专业不断扩招, 贫困大学生人数增多, 高校女生心理贫困问题的解决刻不容缓。
一、家庭给的压力
在大学生群体中, 农村偏远地区的农民子女, 城市下岗职工子女, 遭遇家庭变故的子女, 单亲家庭的子女等。不同的贫困家庭有不同的贫困原因, 贫困女生在入学的时候就承载着沉重的心理负担, 在大学校园里, 面对新的环境的不适应, 心理负担便不断加重。这些贫困女生在承受着负担的时候, 在学校还牵挂着家里的生活, 担心着家人的健康, 担心家庭的经济状况, 牵挂亲人的生活和经济, 无法集中心力学习。而家庭环境的不完满, 使这些贫困学生想通过好成绩来弥补缺憾, 给亲人安慰, 着急报答亲人的心理给学生的生活带来了很大的生活压力。甚至有的贫困大学生, 承载了太多的希望和负担, 装载着太多的希冀和期望, 承受着过重的心理负担和压力, 这些负担和压力一旦得不到缓解和及时地疏导, 就容易产生一系列的心理问题。
二、学杂费、生活费的压力
美术专业学生的学杂费比其他学科的学生更贵, 他们承受着更大的经济压力, 美术专业的学生除了缴纳学费、书费、纸张费、颜料费等, 还有着其他的画画工具、众多的美术用具的费用, 此外, 美术设计类的学生还需要购买高端电脑等, 手绘板等专业的工具。
虽然国家给贫困女生提供了助学贷款, 在一定程度上缓解了部分学生读书难的问题, 但是贷款制度规定, 每位学生每学年最高不超过6000元的贷款, 而美术专业的学费是万元左右, 因此, 美术专业的学生即使获得国家贷款, 还要支付和普通学校一样多的学费和生活费。这些问题对于困难家庭来说, 是一笔沉重的负担。沉重的经济压力, 干扰了学生的生活, 时刻影响着美术专业贫困学生的心理。
此外, 申请助学贷款要求学生成绩好, 不能有不及格的课程。很多新生在入校的时候, 学习生活还没法适应过来, 开始的时候有不及格的课程, 甚至学生偏科严重, 考试不理想。有的学生习惯了高中的学习模式, 在学习态度上存在着若干问题, 态度不够端正, 学习不够认真, 甚至出现多门不及格的现象。这也就使得学生无法获得助学贷款的资格。高昂的学费, 是无法通过助学贷款来缓解和解决的, 这些贫困学生的焦虑心理也逐渐形成, 逐渐影响了学生的心理健康。
三、专业学习的困难
根据了解, 部分美术专业的学生并不喜欢现在所学的美术专业, 很多学生是高考发挥不如意, 和自己喜欢的学校和专业失之交臂, 经济条件也不允许复读, 就随机选择了高校就读, 对美术专业存在着抵触情绪, 伴随着高考成绩的失落, 导致了很多负面情绪的产生, 比如焦虑、沮丧、愤懑、无奈、烦恼情绪的产生。
一些女生, 因为文化成绩不够理想, 希望通过学习美术, 增强自己高考的成绩, 有些学校为了提高升学率, 不关注学生的个性特点和实际情况, 规定学生必须改学艺术专业, 学生为了考上大学而选择美术专业, 因为对美术不够喜爱, 而在选择大学专业上很盲目。考试之前应试教育, 专业知识基础不扎实, 学生在跨入大学校门以后, 在专业学习上比较被动, 学习处于弱势, 不能得心应手, 很容易对美术专业课程产生困惑心理。
四、学生就业的压力
扩招以后学生人数增加, 就业形势不明显, 就业岗位数量增加跟不上学生人数的增加, 学生就业市场竞争激烈。学生美术贫困生非常珍惜上学的机会, 为学业付出了高昂的学费, 如果毕业后找不到好的工作报答父母, 回报社会, 那么就无法摆脱债务和贫困的境地, 未来的发展更是一个未知数。现在就业形势严峻, 学生要找到理想的工作很不容易, 这些都需要全面的个人素质, 需要综合的能力, 而一些贫困学生自身综合素质不是很高, 在个人风度、言谈举止、气质魅力等方面往往存在着很多不足, 因此面临着巨大的就业压力。
五、学校人际关系的压力
贫困学生经济条件很差, 日常生活非常拮据, 每个月的生活费用基本都用在饭菜的消费上, 贫困学生囊中羞涩, 使得贫困学生在与人的交往过程中, 不能很潇洒, 总觉得自己低人一等, 寒碜的外表让她产生严重的自卑心理, 担心别人看不起她。由于经济的压力, 贫困的学生很少参加集体活动, 更很少参加聚餐、游玩等班级活动, 渐渐变得很孤独, 离群索居, 郁郁寡欢。由于学生之间经济水平的差异, 学生在朋友的选择、交往的融洽度、言谈举止之间, 也出现很大的差别, 贫困学生交友的范围常常限定在有限的几个学生之间, 这些学生想扩大交际面, 又迫于经济的压力, 处在矛盾斗争当中。
相对于物质生活的贫困, 贫困学生出现的心理问题更加让人们担心。我们的学校和社会在进行经济救助的时候, 要适当地开展心理健康教育工作, 并及时进行疏导工作。教师要建立贫困生的心理健康档案, 并建立健全心理健康教育的体系, 教师要加大心理咨询的密度和质量, 并有效改进心理健康课程的教学和疏导形式, 将贫困学生的心理贫困尽快转化, 化解在萌芽状态, 让贫困学生的心理能得到健康的发展。
六、解决的策略
1. 思想观念上转变。
美术考生人数的增多, 给学校教育带来一定的挑战。这些学生要对发展形成正确的认识, 确立鲜明而准确的目标, 高校美术专业的教学是一直延续着的传统的大纲模式。这些学生要学习素描课程, 学习基础色彩的设置, 学习专业课程, 提高自己的美术专业能力, 提升自己的专业境界, 增强专业技术和技能, 积淀专业素养。大学课程的设置, 要求学生能采取分段教学的模式, 跟上学分制的学习模式。美术学生的分段教学由不同的教师来完成授课, 不同教师的教学观念和教学思路之间, 存在着很大的差异性, 学生在学习的时候, 要转变思想观念, 适应教师的教学思维。学生要注意学习教师语言形式的探索, 灵活地分析学习中的问题, 加强自主学习的意识, 将大学观念意识的培养和专业技法训练结合起来。教师要针对不同学生的实际情况和心理特点, 及时制定出相应的教学方法, 根据不同的学生采用不同的教学方法, 并持续贯串在教学的始终, 通过好的观念的引导下, 使学生在学习生活中, 逐步建立起独立的意识和持续学习的能力。
2. 大学生自主学习能力的培养。
习惯于应试教育的学生, 在进入大学校园后, 对大学课程的学习缺乏学习兴趣, 缺乏主动学习的意识。艺术专业的学习和其他课程专业学习也不同, 学习效果并不与投入的时间形成正比, 艺术的学习具有特殊性, 努力不见得有成效。所以美术专业的女生时间长了, 学习的积极性很可能就降低, 甚至采取消极抵触的情绪, 这种现象在大学校园中非常突出, 甚至影响高校美术专业整体女生的学习积极性。学生一定要加强自主学习能力的培养, 不断熏陶自己的艺术感悟能力, 培养自己的艺术才华, 提高自己的个人艺术修养, 增加个体的艺术修为, 提高对艺术的感受力、感知力、创造力等。
3. 强大学生个体的内心。
学生要战胜自己, 首先要强大学生自己的内心。一个学生的内心逐渐强大起来, 就能够创造一切奇迹, 克服一切困难, 并能改变自我, 塑造自我, 成就自我, 超越自我。没有哪一种力量能够取代强大的内心, 但是学生必须要想办法, 通过外力和自己的作用, 让自己脆弱的心逐渐变得强大起来, 构成钢筋混凝土结构一样, 坚不可摧。有着强大的内心, 学生就能通过自我的力量调节自我, 保持快乐, 战胜困境, 实现愿望, 完善自我, 充实生活, 提高学习成绩, 实现个人目标。
摘要：当前国家美术专业招生人数越来越多, 学生素质构成更加复杂, 学生就业压力不断增大, 目前对美术专业女生的教育管理和引导面临着很多压力和困境。笔者针对高校美术专业女生的心理问题进行研究, 以求提高她们的综合素质。
关键词：美术专业,女生,管理
参考文献
高校美术专业科研管理 篇11
【关键词】教学 数字化 美术教育
一、我国高校美术专业数字化教学的现状
作为一种智力训练的特殊模式，视觉艺术教育一直贯穿在美术教育行业的各个细小方面中，视觉艺术教育突出因材施教的原则，深度挖掘学生的个性特点，为了使学生在踏入社会之后能满足社会的发展需求，因此视觉教育工作者就要具有较强的自身素质，要有灵活多变的教学手段，以面对不同的学生个体。建设高水平的高校美术教育专业能够同时带动培养中小学美术教师的基本素质，对更低层次的美术教育的水平提升作用十分显著。随着形势的改变，各个高校也愈发的重视美术教育专业的课程安排情况，并开始对教师的教学状态进行跟踪评测，甚至有的高校还将其他学科的内容与美术教育相互融合，极大的增加了美术教育所涵盖的知识。虽然有以上所述的可喜的成绩，高校美术教育仍然缺乏多学科融合，通常情况下还是以单一的专业出现，与社会的需求仍然有较大的差距。尤其是还没有着重发展高校课程数字化，数字技术应用课程还没有受到有关各方的重视，相关教师仍需重视教学的理论研究，以便深入开展日常教学工作。
二、高校美术专业数字化教学存在的问题
（一）数字化普及程度较低
当下高效教学并没有顺应数字化的浪潮进行相关改变，而仍然以老旧的绘画训练为主，高校美术教育的教学理念有待改变，不能仅仅将美术院校的绘画体系照搬到自己的教学之中，而应当有一定程度的创新。由于读图时代的到来，数字化浪潮席卷了艺术行业，甚至是中小学美术教育都将计算机教学作为了一种普遍的教学形式。为了提升学生对图片的解析能力，并可以轻易地将图片所要表达的意思用语言的形式复述出来，中小学美术老师在进行教学的过程中要能够优化专业的课程设置，在日常教学中着重培养学生对数字艺术的自我创作能力，并能熟练地使用数字手段来将其发挥出来，以满足当代美术行业需要。
（二）教师自身仍不熟悉数字艺术
所谓的数字艺术，是以实际存在的物质作为创造的基石，结合以思维的创新，以虚拟方式构建新的创作形态，数字艺术淡化了我们原来认知的艺术形态，将我们的艺术感知方式提升到了一个新的层面，使用计算机这种新的传播工具来进行表达，涌现出了一大批新型艺术形态，甚至对社会都产生了一定的影响，丰富了我们的日常生活。而转观美术高校教育，由于教师对数字艺术缺乏深入了解，忽略了数字教育不需要苛刻的技术要求、易于传播、成本低廉、师生之间易于互动等优点，没有正确预测将来数字艺术的发展形势，仍然固守于传统美术教育的教育方法之中。
（三）数字教学推广力度不够
数字艺术不光是一种新的艺术欣赏形式，还改变了人类现有的生存状态，显著地提升了生活质量，为新兴事物的出现提供了广袤的空间。而美术教育也要顺应这样的浪潮，从数字教育的普及之中获取应有的利益，推进教育多元化的实施，为中国的教育事业贡献应有的一份力。即便如此，由于众多高校仍然缺乏对数字艺术的有效认识，忽略了数字技术在教育体制中的关键性，未能将数字教学有机的融入到现有的教学体系之中，进而造成了教育变革进行地十分缓慢，错失了一个又一个的变革机会。
三、完善高校美术专业数字化教学的措施
（一）数字设备的引用改变了传统的教学方式
将数字设备引用到纯绘画艺术领域，改变原有的创作形式，进行相应创新。数字艺术将原有的文字以图片的形式表现出来，给观看者以视觉上的冲击，这样的创新给绘画艺术的发展提供了有效途径，数字化的浪潮必将席卷艺术教学行业，引发新一轮的变革。
（二）手绘与计算机操作的有机结合
由于计算机的加入，传统绘画中需要使用到的纸张、颜料等工具都集成到了计算机软件当中，并且能够根据需要随意选择，甚至是将不同的工具组合起来使用，为接下来的创作创造了充分的可能性。计算机软件能够轻易地模仿各种画风所需要的绘画形式，还可以在绘制完成的基础上随时进行修改与完善，能够统领大局地掌握画作的整体效果，正是由于如此方便的功能，愈来愈多的高校在教学过程中都有机地结合了计算机操作，进而丰富了绘画作品的表现力，有效地对绘画创作进行了辅助。只要能够将计算机软件运用到炉火纯青的地步，就能够超越传统绘画的艺术造诣，创造出美轮美奂的艺术美感。因此美术教育要注重计算机技术的普及，教师在教学的过程中要大胆进行创新，以传统绘画为基础，大力发扬数字化所带来的便捷的和绘画方式，注重培养学生的创新能力与实践精神，以及使用计算机进行绘画的能力。
（三）明确教育目标与理念
由于新时期新思想给基础教育行业带来了新的教育理念，中小学美术教育与数字化教学的相互渗透程度越来越深，对计算机的依赖程度也越来越深。在中小学的教育中，应当适当地融入图像的理解与表达、作品的欣赏，在这些过程中，数字技术的支持是十分必要的。教授简单的图形制作手法吗，也能得到中小学生所认同，自觉的参与到其中，激发学生们对数字技术的热情，感受艺术作品所带来的精神享受。在教学过程中，美术教师应当起到良好的引路人的作用，他们的素质高低直接决定了学生的接受程度。
四、结语
在传统美术教育与当代视觉艺术教育的博弈当中，我们可以看到而二者都是以开拓学生思维方式、构建人文意识为主旨的。教师在教授的同時，要保持清醒正确的判断，引领学生正确的价值观，能够原谅学生在学习中的小失误在日常生活中，教师还要注重新型数字手段的收集与整理，并应用到教学当中，完善现有的艺术教学体系。随着信息时代的到来，数字艺术势必成为美术课堂教学中的主要组成部分，相关高校也要在其美术教育专业课程设计上做文章，为社会培养一批高素质的美术教学人材。
参考文献：
[1] 孙红德.地方文化资源在地方高校美术教育专业的构想[J].文艺生活：下旬刊，2012，（2）：232-233
[2] 李传刚.高校电脑美术教学的发展趋向[J].黑龙江高教研究，2009，（9）：198-199
高校美术专业科研管理 篇12
一、地方高校美术学专业现当代美术课程资源开发利用的现状
1. 师范院校美术学专业现当代美术课程的现状
师范院校美术学专业的目标是,培养德、智、体、美全面发展,掌握学校美术教育的基础理论、基础知识与基本技能,具有实践能力和创新精神,具备初步美术教育教学研究能力的基础教育美术教师和社会美术教育工作者。2005年教育部印发了《全国普通高等学校美术学(教师教育)本科专业课程设置指导方案(试行)》,这是高等师范美术学专业课程设置的纲领性文件,其中把《现当代美术思潮》列为美术理论与历史版块的选修课程。实际上在大部分地方高校美术学专业的人才培养方案中,并没有开设《现当代美术思潮》这样的选修课程。由于师范院校美术学专业长期以来受到艺术院校美术学专业的影响,强调专业技能的训练,弱化人文知识的学习,形成了一种惯性思维。教师和学生都不愿意上理论课程,技能课学生学习自由,教师授课轻松,又有现成的作品予以展示,还可以参展获奖,提高学校的知名度。只有到教育见习、试讲、实习的时候,学生面对高中《美术鉴赏》课程中的大量现当代美术作品时一脸茫然。师范院校美术学专业应该突出师范性、人文性、学术性的统一,美术教育工作者必须具备相应的知识体系和专业能力,而系统完善的知识结构就不能缺失了现当代美术的教学内容,从地方师范院校美术学专业学生的知识结构和专业发展来看,开设现当代美术课程是非常必要的。
2. 艺术院系美术学专业现当代美术课程的现状
艺术院校的美术学专业下设不同的专业方向,如中国画、油画、雕塑等。旨在培养具备艺术创作能力的专门美术人才。艺术院校的美术学专业强调专业的方向性,课程设置突出专业技能的学习。目前全国艺术院系的专业教学没有统一的指导纲要,这也是由专业在自身的特殊性决定的。大多数地方艺术院校的美术学专业课程设置中均没有现当代美术课程的相关内容,学生对现当代美术的认识和理解不够深刻。学生对艺术的理解完全依附于任课教师的艺术观念,教师是现实主义风格的艺术家,就强调写实能力的重要性;教师是现代主义风格的艺术家,又强调艺术观念的重要性;导致学生疲于应付,无所适存。许多学生无法找到符合自己性情的艺术表现方式,常被各种艺术思潮裹挟,在滚滚洪流中迷失了自己,逐渐丧失专业学习的兴趣和动力。只有通过现当代美术课程的学习,才能对现当代艺术思潮与流派有系统的认识和了解,把握艺术创作的本质和规律,主动地选择符合自身特色的专业方向。因此,在地方艺术院校的美术学专业开设现当代美术课程是迫在眉睫的,可以为学生构建艺术历史与现实的坐标系。欲去何方?欲寻何果?学生可结合自己的学习经历和能力做出相应的选择,以便于将来成为一个优秀的美术工作者。
二、现当代美术课程资源融入美术学专业课程设置的方法与途径
现当代美术蕴含着丰富的课程资源,通过不同途径把现当代美术课程资源渗透到高等师范美术学专业的课程设置中,是当前高等美术教育教学改革的重要内容之一。
1. 在美术学专业开设现当代美术课程
克罗齐认为:“一切历史都是当代史”。对现当代美术运动和美术思潮进行观照和反思,能更深入的理解传统美术与西方美术。现当代美术课程既是美术史的延续,又是一个自成体系的专业领域。符合条件的地方高校美术学专业可以直接开设《现当代美术思潮》《现当代美术史》等选修课程,教学内容应涵盖新中国十七年美术、文革美术、“星星”美展、伤痕美术、乡土主义绘画、“八五”美术运动、新古典主义风格、新文人画艺术、实验水墨艺术、新生代艺术、政治波普与玩世主义、观念艺术,以及艺术群落、艺术市场、艺术展览等美术现象。教学内容的编排应遵循合理性、适应性、可行性的基本原则。由于现当代美术具有复杂性和多样性,对现当代美术教学资源的选择则要符合高等美术教育的发展要求,优先选择现当代美术中有助于学生健康全面发展的内容,要选择与学生的认知水平相适应的教学内容,制定切实可行的教学方案,确保教学工作的顺利开展。
2. 在史论课程中融入现当代美术教学内容
在实际的调查研究中我们发现,由于受到课时、教材、师资等诸多主客观因素的影响,大部分地方院校的美术学专业不具备开设现当代美术课程的条件。这种情况下可以通过《中国美术史》《美术概论》《美术鉴赏与批评》等美术史论课程的教学融入现当代美术教学内容。如果按教育部《全国普通高等学校美术学(教师教育)本科专业课程设置指导方案(试行)》的要求,能保证上述三门课程60学时的教学时间,就完全可以把现当代美术的教学内容融入到上述课程当中。首先,可以在《中国美术史》课程中适当调整教学内容,增加现当代美术的章节,让学生的美术史知识具有连贯性。此外,《美术概论》课程中的发展论这一章节也可适当调整,中西方美术形态流变的内容与中外美术史是重叠的,可以列为课外自修内容。用足够的学时讲授当代中国美术的历史描述,以保证学生形成系统完善的知识体系。最后,《美术概论》《美术鉴赏与批评》课程教学中的教学范例可以最大限度的选用现当代美术作品,化整为零,积少成多,这也是现当代美术课程资源开发利用的有效途径之一。
3. 通过专业工作室促进现当代美术创作教学
目前高等院校美术学专业逐渐采用了工作室制,这是我国高等美术教育与国际接轨的重要改革举措。工作室制教学模式的改革,应体现美术学专业教育的基本特点,强调学生知识系统的构建,专业技能的训练,综合素质的提高。工作室制的优势在于突出专业方向性,强调教学内容与社会需求紧密结合,与现当代美术的联系密切。工作室制采用师生之间的双向选择,学生可以对工作室的艺术理念、教学方式、教师队伍进行了解,结合自己的审美趣味,选择相应的工作室进行学习。针对学生的具体情况因材施教,注重艺术规律探究和审美观念的培养,使学生逐步形成独立思考的能力。结合工作室教学的优势,在专业课程的学习中先对自己专业领域的美术现状有深入的了解,然后通过相互比较和互相借鉴,逐步拓展到彼此相关的专业领域,以点带面,由此及彼,全面把握现当代美术的发展现状,在此基础上结合自己的个性特点,自主选择艺术方向,以创作带动基本功训练,逐渐形成个性化的艺术表达方式。
4. 通过网络资源拓展现当代美术课程资源
课堂教学的时间毕竟是有限的,而艺术的学习与探索是一个无限延展的过程。教师的职责在于“传道、授业、解惑”,要正确引导,不断鼓励,激发学生探索艺术的兴趣。在信息时代,学习艺术更多的依靠学生积极主动的不懈追求,互联网可以第一时间传递国内外艺术发展的动态。对现当代美术的研究离不开对网络资源的利用,可以通过学术讲座、艺术沙龙、专题研讨会等不同形式,有计划、有步骤的开展一系列现当代美术学术活动。教师针对当前美术界的热点问题选出主题,学生通过互联网收集整理资料,在研讨活动中师生互相交流,碰撞出艺术的灵感,不断扩大学生的艺术视野。此外,地方高校美术学专业学生要通过各大艺术网站,美术馆、博物馆、画院、艺术院校主页,以及著名美术家博客等网络资源来了解信息,收集资料。长期坚持,学生对现当代美术的了解和认识将不断深入,形成关注专业前言的良好习惯,这是对现当代美术课程课堂教学的有效拓展和延伸。
综上所述,由于地方高校受到各种外界因素的制约,美术学专业学生对现当代美术的认识和理解相对肤浅。无论是师范院校的美术学专业还是艺术院校的美术学专业,将现当代美术课程资源融入教学是非常必要的。根据地方高校美术学专业课程设置的实际情况,可以采取不同的方式和途径将现当代美术课程资源融入课程建设当中,让学生对自身所处时代的美术现状有深入的认识和把握,为学生的专业发展奠定良好的基础。
摘要：地方高校美术学专业现行课程体系设计中缺失了现当代美术的教学内容,致使美术学专业课程体系不够完善。无论是师范院校的美术学专业还是艺术院校的美术学专业,开设现当代美术课程是非常必要的。根据不同院校美术学专业课程设置的实际情况,可以通过史论课程教学,专业工作室教学,网络课程开发利用等多种途径将现当代美术课程资源融入课程体系当中。
关键词：美术学专业,现当代美术,课程资源,方法与途径
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