艺术家与社会责任

艺术家与社会责任（精选12篇）

艺术家与社会责任 篇1

艺术作品反映现实社会、表现社会生活,是从古至今的既成事实。东汉王延寿就说:“图画天地,品类群生”。今天留下来的历代艺术家的优秀作品,都承载着反映当时社会生活的使命。而在“艺术”边界日益模糊、艺术行为日益泛滥的今天,从事艺术活动尤其是架上绘画的人们究竟为了什么而创作,是艺术家和艺术界共同关注的话题。换句话说,在当代艺术的多元生态中,艺术和当代社会之间到底存在着一种什么样的关系,已愈来愈引起艺术界的深思。

为什么而创作?从目前社会大环境来看,无非有以下几种答案:其一,为了艺术。这是最冠冕堂皇的理由,但同时又是最苍白和空洞的理由,因为“艺术”本身已经越来越“非艺术”了。其二,为了市场。这是最羞于出口的理由,但实际上绝大部分从事艺术活动的人或明或暗、或多或少,都必然面对而且期待着实现这一目的,其中不乏迎合低级趣味或陈旧观念的作品, 在当下语境中更不乏自毁形象、作践国人,唯西方意识形态马首是瞻的“洋奴”。其三,为了自己。这是最没有底气的回答, 它坚持“我的地盘我做主,不需要别人的肯定,只是自己喜欢”,但潜意识深处仍旧渴望有朝一日苦尽甘来,被慧眼所识,一夜成名。此类坚持者,成功者有之,孤芳自赏者有之。其四,为了社会责任。这是最容易在“当代艺术”氛围和语境中遭到攻击或冷眼的回答,但却仍然是相当一部分有良知、有责任感的艺术家的共识与追求。他们认为“无论是从传统的现实主义精神或是前卫艺术的激进主义气质来看,至少应该有艺术家关怀人类与社会的敏感问题”,“当代艺术的多元生态中应该有一种呼唤社会正义与公平的声音,在信息爆炸的大众文化时代应该有人坚守艺术的社会良知”,要勇于承担社会责任。

“艺术之所以会产生社会责任的问题,是因为它无法真正做到脱离社会。”艺术创作本身来源于社会。在当代绘画处于多元化发展的格局中,当代艺术家如何站在历史发展的角度,去审视艺术的历史和未来,如何使自己的作品从“无病呻吟”的状态中走出来,与时代结合得更加紧密,这是当代画家要勇于面对的课题。艺术家只有从生活源泉中汲取营养,真实地反映社会生活并真诚地表现对生活的认知和感受,他的作品才会具有生命力和感染力。毕竟,社会责任感融汇于艺术品格,只有具备了社会责任感,才有可能作出有艺术品格的作品来。艺术的“当代性”不应该仅仅体现在表现手法或“图式”上,更重要的应该有反映社会现实的内容。作为当代艺术家,应该肩负起社会责任这一使命。

去年5月12日四川大地震后,相信每一位注视过救灾电视画面和报刊图片的人都会被深深地震撼和感动。艺术家纷纷利用自己的专长为灾区人民创作出一幅幅反映地震主题的作品,各地举行义拍为灾区人民献爱心。基于同样的震撼和感动,尤其是那位日夜奔走在废墟上的老人和无数奋力救人的无名英雄的身影,使我彻夜难眠。于是,我用了三天三夜的时间,创作出油画《佑我中华》。画面上,温家宝总理含着热泪抚慰地震遗孤,神情凝重地望着远方,表现了总理永远和灾区人民在一起的承诺,这种承诺感天动地。我的另一幅作品《生命》,描绘了穿着橄榄绿军装的人民子弟兵和白衣天使,冒着余震和诸多安全隐患救出伤员的感人场面。在灾难面前,生命所涌现的“大爱”无不令人肃目。

我认为,人文关怀和社会责任是人类基本的品质,它是一种行为,更是一种道德高度的体现。艺术家用作品真实地记录社会现实,宣扬积极向上的社会风貌,引导人们的价值取向,这样才能更好的体现当代艺术的社会价值,艺术家与其作品才不至于沦为被“名望”与“市场”驱使和把玩的“物件”和“玩意儿”。曾几何时,中国的艺术与艺术家一直是社会变革与革命、社会建设与进步的鼓吹者、讴歌者和参与者。如今,在一个民族、一个国家正日益崛起,正向现代化强国迈步的历史进程中,难道我们却甘于自我“边缘化”为冷漠的旁观者吗?脱离了艺术责任感的艺术,将如同海市蜃楼般虚无缥缈。当代艺术家应该通过作品对社会的关怀,使得艺术成为促进社会进步的一个实现方式。

艺术家与社会责任 篇2

关键词：艺术设计 社会经济 生产力 关系

一、艺术设计伴随着人类的生产劳动的产生而产生

就艺术设计这一创造性的活动来说，它是伴随着人类物质生产活动和器物文化的出现而出现的。它实际上就是“人类为生存而进行的造物活动，是人为实现实用功能价值和审美价值的物化劳动形态。这种造物具有一定的审美属性和精神价值，因而是一种艺术质的造物”。

人类的历史是从制造工具开始的，艺术设计的历史之河也从这里发源。当人类的祖先把一块石头敲打成用来切割和砍削的石刀时，最早的设计活动就开始了，这把石刀就是最初的设计产品。这种工具的创造首先符合实用目的，同时也顾及到了用起来方便、省力，以引起主体的快感。它的制作过程具备了设计所要求的从预想、选料到加工成型等必备过程，它的功能和形式结合于一体。最早制作劳动工具如石斧、石刀、弓和箭的原始猎人,是人类第一批设计师。

工具的制造是人类自我革命的开始，也是人类区别于其他物种族类的根本。我们今天所看到的最早的史前艺术品，差不多都是与人的生活最紧密相联系的工具和食用器。这些就是我们人类早期之艺术设计。艺术设计于是随着人类文明的发展而发展，随着人类的科学文明水平的提高，艺术设计也越来越科学化，其技术性也越来越高，艺术设计逐步成为了一种有目的的创造活动，成为了协调人和环境、个人和社会、生产和消费之间的手段。

二、经济属性贯穿于艺术设计活动过程的始终

艺术设计的经济属性是它区别其他艺术活动、手工业的首要特征。人的相互关联构成复杂的社会，社会的不断进步与发展必然导致人对物质和精神生活的追求，艺术设计通过艺术与技术相结合的创新设计，像其他社会生产力一样创造社会的物质文明。

1.经济因素在艺术设计的不同过程中具有不同的形式和作用

从设计到实现设计的全过程中，经济因素在不同的阶段具有不同的形式和作用。（1）设计观念的产生阶段：艺术设计需要把握设计物由过去到未来形成发展的种种相关因素,然后以创造性思维方式和表现手法使之成为崭新的设计方案。其中的经济因素体现在对原有状态的经济价值分析、市场需求预测以及新方案的经济内容评估等方面。对原有状态的经济价值分析,是设计观念产生的基础。（2）设计的实施阶段：设计的实施过程指的是设计方案由图纸到生产为实体的过程，对于设计来说，是实际制作的过程。设计在真正付诸实施的过程中，从设计物的试产、批量生产和专利保护等方面均受经济因素的制约。（3）设计的实现阶段：设计物最终要推向市场实现其经济价值，主要是通过销售来实现的，当设计物作为商品投放市场，设计师应当及时调查市场反映和销售效果，综合反馈信息以改进产品设计和进行新的设计构思。其中,经济因素不仅体现在设计物的综合经济价值实现的过程中，而且作为改进更新已有方案和促成新的设计方案的产生基础，经济因素也起到了不可替代的作用。1923年，现代设计之父格罗佩乌斯将德国包豪斯设计学院的教育理念“艺术与技术的统一”传播到全世界，使设计终于打破艺术桎梏解脱出来。而在经济与信息化的今天，我们应提倡“设计与经济的结合”，设计必须服务于经济。

2.艺术设计通过预测未来的市场需求来确定设计目标和方向

重建艺术与社会的「在场」 篇3

但“在场”的策展目的并不在于简单地以一种颠倒替换另外一种颠倒，以一种彰显翻转另一种遮蔽，而是力图重建一种现场感，一种多声部与主旋律的关系，呈现“观念”的和声或变调，历史与现实的对照。同时，“在场”的展览也并非求全，并不旨在览尽全貌，而是截取重要的人事，欲借此断片散点，窥测历史和现实的一种结构性、精神性事物。这不意味着展览会造成一种生硬的架构，恰恰相反，对历史和现实之“场”的呈现，最忌讳一种被风干了的历史和分类标签化的现实。重返、抵达现场依赖一系列具有丰富信息的细节，这些细节将带来一种文学气质，具有理解的多样性和言说的意犹未尽、非固化性。正如贡布里希所说：其实没有所谓的艺术这种东西，有的，只是艺术家们。贡布里希并非否定艺术本身，而是反对把艺术精英化、教条性的经典化。因此，“在场”的展览不仅展示被遮蔽的艺术存在，还试图展现历史和现实中被遮蔽的艺术人生，以及艺术生命中幽暗的或孤独的命运与梦想。“在场”呈现了中国几代艺术家在不同的政治条件、历史境遇、社会生活中迥然不同的人生与美学追求，在追求历程中不同的抉择，进而在二十世纪以来中国油画史中书写出不同的艺术主张和艺术创造。“在场”展览与其说旨在引导观众走进百年中国艺术历史的“真相”，不如说更想营造出一种可触摸的历史在场感，使悬挂在展厅“殿堂”里的艺术恢复生命体温。除了画框中的艺术存在，那些散落于画室角落的草稿、档案及其研究文献，也成为我们复原“面向艺术本身”的起点。

“在场”景象之一：二十世纪早期有志艺术青年纷纷出国求学，学成回国后正逢新式学堂的兴起，上海美术院（一九一二年）、北平美术学校（一九一八年）、苏州沧浪美术专科学校（一九二二年）和国立艺专（一九二八年）先后成立，培养了我国第一批西洋画的画家，即便有些画家的油画被称为“土油画”，可是已经拥有了西洋画的基本审美，在绘画中已运用了西洋画的构图、造型、色彩等艺术原理。这一代画家在写生和创作中有时也融入了中国本土的审美习惯，甚至也会融入中国画的笔法，初步形成了早期中国油画的面貌，这就是第一代“本土油画”的历史图景。吴大羽和黄觉寺两位艺术家的个案研究成为“本土油画在场”的起点。

“在场”的景象之二：在二十世纪抗战时期，大量艺术青年投身抗日战争的烽火岁月。“延安鲁艺”是抗日战争时期，中国共产党在延安创办的培养革命文艺大军的一所大学。“七七事变”后，诸多激进爱国文艺青年成为鲁艺学员，成长为无产阶级文艺战士，创作了大量脍炙人口的作品。一九四二年毛泽东《在延安文艺座谈会上的讲话》明确指出了文艺为人民大众服务的方向，极大地转变了二十世纪中国美术创作的思想观念和艺术方向。这种影响不仅体现在《讲话》发表的年代，在其后的七十多年间，中国几代艺术家不断从中汲取养分，根据不同时期的政治需求，不断对其进行再认识，贴近群众，表现生活，吸收民族民间美术精华，创造出人民群众喜闻乐见的艺术形式。王流秋和罗工柳成为受“延安鲁艺”栽培过的画家个案研究代表。

“在场”的景象之三：新中国成立以后，为了表现革命年代的艰苦岁月和丰功伟绩，对广大人民群众进行革命历史教育，中国共产党和政府非常关注历史题材绘画尤其是革命历史画的创作。许多画家都积极投入到图绘革命历史的工作中去。一九五零年一月十七日，南京率先成立了革命历史画创作委员会。五月，中央美院完成了文化部下达的绘制革命历史画的任务。五六十年代，文化部、中国革命博物馆先后组织画家进行了两次革命历史画创作，包括六七十年代仍然如火如荼的创作，中国革命历史画作为时代的产物，在回顾革命历史、激发群众革命斗志的过程中发挥了重要的作用。董希文、张文新、钟涵和詹建俊等艺术家为这一时期画家个案研究代表。

“在场”的景象之四：一九七八年改革开放以来，中国的文化思潮汹涌澎湃，首先来自学院内部的学术争鸣，他们不但探索着学院衣钵与学院经验对艺术创造的影响，同时，也自觉地走出学院围墙，探索个性化的思考方向、视觉方式，兴趣爱好移向了内心世界，艺术关注的生活之场从此发生了变化。艺术态度以及艺术关注的生活之场多元化。学院是这一批艺术家曾经的温床，也是他们重新出发的起点，走向沸腾或宁静的社会和生活。新时期的“多元艺术”以韦尔申、毛旭辉、杨参军和刘小东等为个案研究代表。

“在场”的景象之五：新时期以来，还有一批艺术家因多种原因未能进入美术院校接受培养，却矢志不移地坚守着艺术理想，并且投入到“八五新潮美术”以来中国当代艺术发展的过程之中。他们堪称与生俱来与艺术共舞的艺术家，没有接受过美术学院的训练，因而没有学院中的“习气”；没有在北京混过，所以他们的艺术也没有标签式的“痞气”；没有获得过艺术圈中的功名利禄，所以亦没有江湖中的“俗气”。他们以自己独特的方式书写了经典的“中国职业艺术家”的蹊径。在生活与工作的双重压力下，他们始终没有停止对艺术与自由的想象，闪耀着自由自在的艺术光芒，艺术直面人生的在场。此刻，“何谓艺术”已不重要了，重要的是生命自然的流露，感情奔腾的释放。他们是天才般的艺术家，无论怎么被时代遮蔽，无论多么边缘，无论自己的艺术与生活多么惨淡经营，而艺术永远是直面生命，直面精神。艺术家王绪斌和刘越为个案研究代表。

“在场”的景象之六：比较性地呈现五位过世的艺术家，在中国政治风云和生活境遇中不同的艺术理想和艺术经历。吴大羽早年作为国立艺专中现代艺术的旗帜，培育了朱德群和吴冠中等一代大师。在二十世纪的后半叶由于他的审美与时代需要不一致，导致他只有在“做梦时画画”，这道出了他对艺术的感受：“美在天上，有如云朵，落入心田，一经剪裁，着根成艺。”此刻，仿佛见到一位被遗忘的孤独者，倚靠在海上的阁楼上“长耘于空漠”。

黄觉寺是民国时期《美术》、《艺浪》、《亚丹娜》等中国美术学报的先行者，苏州沧浪美专第一届毕业生，曾赴法国巴黎高等美术学院求学，成为名画家谭望培画室的研究生。他毕生跟随颜文樑，是我国第一所美术馆—苏州美术馆首任馆长。他撰写的美术书籍《素描述要》（一九三五）、《欧洲名画采访者》（一九三九）和《艺用人体解剖学》（一九六一）在中国美术教育中具有重要的影响。黄觉寺一生努力将西方艺术以“科学为核心的教育方法引入中国，由此实现中国艺术和教育向现代转型”，为开启我国美术学习西方艺术之先驱。

董希文先后在苏州沧浪美专、上海美专和国立艺专求学，新中国成立之后在中央美术学院执教。他在中国油画发展中坚持弘扬民族民间艺术的内涵与形式。《开国大典》和《百万雄师下江南》等作品开创了新中国美术的风范，把西洋绘画技法与中国民族民间艺术有机地结合起来，并在自己画笔中交相辉映，钦为经典。

罗工柳一九三六年考入杭州艺术专科学校，自学木刻。抗日战争爆发后，投入抗敌宣传活动，一九三八年到延安，入鲁迅艺术学院美术系，不久参加“鲁艺木刻工作团”，年底赴太行山抗日前线。一九五一年，他第一次拿起油画笔，就创作出了重要作品《地道战》和《整风报告》，其中《地道战》在中国现代油画史上占有重要的地位，成为几代中国人民革命艺术的共同记忆。为了使地道战画得真实，他不断地把草稿给当年的民兵看，并让他们提意见，不断修改草稿。说起《地道战》，他极其谦虚：“我不懂，是老百姓教了我才画出了《地道战》。”这是具有革命理想的艺术家的精神与品格。

王流秋二十世纪三十年代在曼谷读中学，一九三七年毕业于树人师范学校，一九三八年回国参加抗战，曾就读于华北联大。王流秋的艺术档案清楚地保留着他本人手书的“从艺经历”，艺术命运十分坎坷：“一九四二年进入鲁艺美术系，一九五五年进入了马克西莫夫油画班进修两年。一九五八至一九七九年被打成‘右派’进行劳动改造，在牢房里悄悄地画了几十幅明信片大小的‘油漆画’，他探讨更有力的写意方法，并试图用苏联油画所没有的线条，突破创新。这些作品手装成集，自名为《和璞画集》。”他在牢房中用油漆作画，而艺术思考与实践的意志从不熄灭。在二十世纪的中国历史中，造就了各种各样痛不欲生的孤独者，王流秋以极其孤独的艺术书写了“往事并不如烟”。人生与历史是一个放大的“在场”， 也是一堆蜷缩的灰尘。吴大羽、黄觉寺、董希文、罗工柳和王流秋这五位经历过二十世纪不同生活时期的见证者，由于他们大部分经历了抗日战争、解放战争、新中国成立、反右运动、“文化大革命”、改革开放， 使得他们的生活与艺术发生了不同的境遇、不同的命运，产生了不同的“在场”。

世事沧桑，这就是人生与历史的“在场”。蝴蝶梦醒又何处？欲辩已忘言。但是“在场”展览并不止于仅仅引发一种历史感喟，艺术史是展览的一种知识背景，而不是唯一的方法论。毋宁说，“在场”关心的是怎样以多样的方式，激活、构造一种不同语境之间的关联，突显以及重建艺术家作品与社会语境之间的关联，使展览既产生于艺术自治，又反叛冲击着艺术自治；既囿于艺术史，又消解着历史书写。在这方面，策展人抱持着雷蒙德·威廉斯的文化唯物主义立场。威廉斯对何为文学—我们也可以理解为“艺术”—始终抱有审视的历史的态度，认为文学或艺术总是在特定的社会关系和文化关系中建成的，应当把审美功能置于社会历史实践中，把那些具有某种功能的事物视为一系列情境。之所以如此，是因为威廉斯超越了语言或艺术史“对现实的反映”、“心灵的表现”、“抽象的客观的符号系统”等观念，而是认为，语言是活动，是能动的，具有构成性的建构能力。世界不存在语言和社会的区分，语言作为实践在场，既被所有的社会活动所渗透，也渗透在所有的社会活动之中。语言、艺术、形式等总是人、艺术家对现实在场事物的变化—威廉斯称之为“感觉结构”的变化的把握和形塑。感觉结构又可称为经验结构，是一种现实在场的活跃着的相互关联连续性之中的实践意识。它是一种社会经验，或许尽管还处在过程当中，也是一种已经结构而成但又往往处在意义的边缘的构形。语言、艺术、形式就是这种能动的、变化着的经验的接合表述（the articulation），就是一种充满能动活力的、接合表述出来而显现在这个世界上的社会在场（social presence）。

浅析画家的艺术与责任 篇4

一 艺术家应以艺术的方式去关心社会人文问题

现代很多的艺术家去关注人, 注重人, 他们的作品充满着人文精神和现实意义。自改革开放以来, 很多画家相继走出了艺术服务于政治的误区, 他们走向人群, 深入生活, 逐渐形成各自独立的艺术风格。他们抒发自我的切身感受, 更自由地关注身边具体的人物和不断变化的事物, 接触与自己直接相关的事物并不断升华情感。这种关注与接触使他们对笔下的人与物倾注了诚挚的情感, 并使他们的作品充满着人性化。这种热烈的关注完美地展现了作品的真实, 打动人心。我们这里所说的绘画的人性化, 不仅是指用感性的诉说方式来展现作品, 更是用充满“情”字的氛围和情调来调动人们的感情, 进而触动人们的内心世界。这种人文的关怀, 也表明了艺术家对当代社会的立场, 一种关怀, 更是一种责任。这种有魅力的独特的绘画语言也引导艺术家去关注很多被他们曾忽略了的社会现象。

其中的代表人物如靳尚谊。靳尚谊出生于20世纪30年代, 是现当代著名画家。他带头突破艺术服务于政治的传统理念, 改变绘画风格, 题材从专注政治转向平民大众。改革开放以后, 靳尚谊的画风由政治性转为大众性, 目光转向人民群众, 画笔也随之转向普通人, 更多地去关注社会的人文问题, 关注各阶层人民的生活, 探索人生和人的精神世界。靳尚谊笔下的人物总是充满激情, 富有活力, 更多地表现的是人类本身所具备的内在精神, 而不是绘画的技法和色彩。

靳尚谊在作品《老大娘》中成功地塑造了一位质朴的农村大娘形象。作品中的老大娘给观者留下的印象不单是她和蔼友善的外表特征, 更重要的是她那朴素和神采奕奕的精神气质。在构图中, 这位大娘正襟端坐, 双手放在膝盖上, 三角形式的构图端庄稳重, 人物显得淳朴和善。在表现这位老人时, 画家并没有去刻画老大娘被风吹日晒的脸和双手密布的皱纹等外部特点, 而是大刀阔斧地省略表面细节的局部描写, 概括地塑造了大的形体关系, 淋漓酣畅, 浑然一体, 从整体上体现出大娘质朴、直爽的性格美, 显然这种感情自然流露所激发的力量, 触动了画家的本能。正是这种在生活中注重关怀每一个普通的角色, 善于挖掘新的感受, 画家的肖像作品才经常给人新意。

画家本人在对人的认识上蕴藏着历史感和现实性, 这也是其作品内涵的内在支撑。这大致得益于画家从青年时代以来的好学与深思, 以及透析社会变迁情势养成的冷静与通达, 还得益于其多年来参与国家文化建设事业的见识与胸怀。这些概括为高度的理性和集中的感性, 最终汇集在笔下, 便催生出一个个饱满的生命形象和一种隽永的艺术境界。

画家善于挖掘生活中的美, 善于捕捉心灵中的美, 也感召人们热爱生活, 追求生活的真谛, 反对生活中丑恶的东西。现实生活浓缩在他的作品中, 其肖像作品便构成了历史的长廊、时代的风采。画家力图通过对理想生活的描绘, 纯净人们的心灵。其中《黄宾虹》、《画僧髡残》等历史人物作品中体现的传统艺术意境和中国文化气质, 体现了对中国人精神世界的传神写照。画家把自己对西方绘画体系的领悟运用到中国传统的写意笔墨上来, 创造出了崭新的意境和达到较高的水平。靳尚谊一直坚持关注普通人民生活的精神形象, 坚持到各地体验生活, 重视从民间传统中探求中国油画的发展。直到今天, 他仍致力于创作劳动人民的动人形象。这种持之以恒的钻研精神, 值得新一代的艺术从事者去学习和发扬光大。靳尚谊不但将中国油画水平向纵深推进, 而且深化了我国油画艺术的表现语言, 同时把中国的肖像画创作从过去的冷落状态, 变成今天的丰富多彩。在其身后逐渐成长起一批优秀的年轻肖像画家, 使中国的肖像画创作有了极大的进步, 并引起了国内外的关注。作为艺术家, 靳尚谊对社会普通大众的关怀, 其作品所呈现的人文精神, 不能不说是具有独特而广泛、现实而深远的意义的。

二 艺术家应以艺术的方式去关注历史文化, 弘扬民族精神

新中国成立前后, 艺术家们通过各种方式歌颂人民、昭示光明、凝聚力量、鼓舞人心, 激励亿万人民为民族独立与解放和国家富强、人民幸福而不懈奋斗。广大艺术工作者以昂扬的精神状态和自己熟悉与擅长的表现形式, 热情歌颂各族人民的伟大实践, 歌颂火热的现实生活, 为推动我国社会发展进步、弘扬民族精神和时代精神、满足人民群众精神文化需求、促进社会全面发展付出了辛勤劳动, 作出了重要贡献。他们的杰出创造和奉献精神, 得到了全社会的承认和褒扬, 弘扬了中国传统文化和民族精神, 推动了中华文化更好地走向世界。

中国现代绘画史上, 最具有民族精神代表的画家首推徐悲鸿。在其个人的艺术成就中, 以画马的成就最为卓著。画家非常注重写生, 对马的骨骼、肌肉、组织等了如指掌, 同时, 还熟悉马的性格脾气, 逼真生动地描绘了马的飒爽英姿。用笔刚健有力, 用墨酣畅淋漓。徐悲鸿的马是中西融合的产物, 这种融合是极为成功的。《群马图》作于1940年, 徐悲鸿得知中国军队痛击了日本侵略者后喜不自禁, 即兴创作, 画下这幅佳作。借这幅《群马图》, 抒发了自己对国家、对民族的明天满怀的希望, 以及抗日战争必胜的信念。

读徐悲鸿的画, 能感觉到类似贝多芬《命运交响曲》一样的震撼力。那是用生命和鲜血凝练而成的融汇中西、博大精深的艺术绝唱, 是为了民族艺术的发展、创新、繁荣、昌盛而勇于创造、执著追求的心灵之史。其作品中既有西方艺术的浪漫激情, 又蕴涵着中华文化的深刻内涵, 意境深远。

徐悲鸿的画同样充满了爱国主义情怀和对劳动人民的同情, 表现了人民群众坚韧不拔的毅力和威武不屈的精神, 表达了对民族危亡的忧愤和对光明解放的向往。他常画的奔马、雄狮、晨鸡等, 给人以生机和力量, 表现出令人振奋的积极精神。尤其是他的奔马, 更是享誉世界, 成为了民族精神的写照

《田横五百士》是徐悲鸿的成名大作, 取材于《史记》。田横是齐国的后裔, 陈胜、吴广起义抗秦后, 人们纷纷响应, 田横一家也是抗秦的部队之一。汉高祖消灭群雄, 统一天下后, 田横不顾齐国的灭亡, 同他的战友共五百人仍困守在一个孤岛上。汉高祖听说田横很得人心, 担心日后为患, 便下诏令说:如果田横来投降, 便可封王侯;如果不来, 便派兵去把岛上的人通通消灭掉。田横为了保存岛上五百人的生命, 便带了两个部下, 离开海岛, 向汉高祖的京城进发。但到了离京城三十里的地方, 田横便自刎而死, 遗嘱同行的两个部下拿他的头去见汉高祖, 表示自己不受投降的屈辱, 也救了岛上五百人的生命。汉高祖用王礼葬他, 并封那两个部下做都尉, 但那两个部下在埋葬田横后, 也自杀在田横的墓穴中。汉高祖派人去招降岛上的五百人, 当他们听到田横自刎后, 也都蹈海而死。

田横等人“富贵不能淫, 威武不能屈”气高节令徐悲鸿大为感慨, 特意选取了田横与五百壮士惜别的场景, 着重刻画了不屈的激情。田横面容肃穆, 拱手告别, 在那双炯炯有神的眼睛里没有恐惧、悲伤, 而是闪着凝重、坚毅的光芒。壮士中有人沉默, 有人忧伤, 也有人表示愤怒, 反对他离去, 一个瘸了腿的人似乎正要阻止田横, 整装待发的马站在一旁扭动头颈, 浓重的乌云漂浮……这幅巨大的历史画渗透着一种悲壮的气概, 震撼人心。画幅三分之二全是人物, 密集的人群表现出群众的力量。人群右边的老人和少妇抱着幼小的女孩仰视田横, 眼神哀婉凄凉。明朗素净的天空给人以肃穆的感觉。欣赏此画时, 会发觉画中人物伸展的手臂、踮起的脚尖、前跨的腿以及支立着的木棍, 锋利的长剑构成了一种画面节奏, 透出一种英雄气概。

画家创作这幅作品时, 正是日寇入侵中华, 许多人媚敌求荣之时, 徐悲鸿意在通过田横的故事, 歌颂宁死不屈的精神, 歌颂中国人民自古以来所尊崇的“富贵不能淫, 威武不能屈”的品质, 激励广大人民抗击日寇。整个画面呈现了强烈的悲剧气氛, 在当时中国的绘画中, 徐悲鸿坚持关注生活、关注社会的现实, 借历史画来表达对社会正义的呼唤, 这些作品犹如黑夜中的闪电划亮天际, 透出黎明的曙光, 值得人们深思和学习。

现当代各类优秀人才用自己出色的创造力, 书写着民族和时代的华彩篇章, 也振奋着整个民族的精神。无论是在血雨腥风的革命战争年代, 还是在如火如荼的和平建设时期, 广大文化工作者都积极响应人民和时代的召唤, 高擎民族精神的火炬, 吹响时代进步的号角, 通过各种方式歌颂人民、昭示光明、凝聚力量、鼓舞人心, 激励亿万人民为民族独立、人民解放和国家富强、人民幸福而不懈奋斗。

三 艺术家应该用艺术的方式表现生活, 为人们提供审美需求

艺术是一种语言, 艺术也有巨大的影响力。艺术的本质就是给人们美的感受和心灵上的享受, 从而提高人们的审美意识, 满足人们的审美需求。在很多的作品中, 如众多风景画, 画家就充分利用自然美的魅力, 增强艺术的感染力, 使人们从中受到教育、感染和启发。看到这些作品, 会使我们感受到自然之美, 引导我们去热爱生活, 热爱自然, 热爱祖国的大好河山, 进而丰富人们的精神文化, 促进社会发展, 推动人类进步。

艺术家是人类文化史上的灯盏, 如果没有那些伟大的艺术家, 今天的生活将会多么暗淡。作为真正的艺术家, 既要知道怎么画, 画什么, 还要懂得为什么画, 有感而作, 妙笔生花。这才是绘画的真正意义和作用。生活是美好的, 而创造美好生活的, 正是那些富有责任感的人们。

参考文献

[1]邵大箴.第三代中国油画家研究[M].南宁:广西美术出版社, 2001[1]邵大箴.第三代中国油画家研究[M].南宁:广西美术出版社, 2001

艺术家与社会责任 篇5

各团学组织、各团支部、各位同学：

2010年暑期社会实践与志愿者活动将紧紧围绕学校中心工作，全面服务学生成长成才，采用按需立项、据项设团、点面结合、集中与分散相结合、组建重点团队示范带动等形式，从以下几个方面重点组织开展活动：

（一）整体社会实践活动由以下九个板块组成：

1、深入开展“创先争优”实践活动。

2、“创新创业”主题实践活动。

3、“践行科学发展观和十七届四中全会精神”宣讲服务活动。

4、支援灾区建设志愿服务活动。

5、体验低碳生活、推进环保活动。

6、科技服务实践活动。

7、建设社会主义新农村实践服务活动。

8、关注未成年人思想道德建设服务活动。

9、“体验世博、服务世博”实践活动。

（二）未能参加学校和学院组织的社会实践团队的学生，同样要做关于以上九个题目的社会实践和社会调查活动。暑期社会实践活动结束后，每位学生必须按时上交《大学生社会实践活动登记表》，并完成一篇社会调查报告或论文（包括参加团队的同学）。

（三）注意事项

1、学院根据本学院情况，积极申报重点团队，申报重点团队需填写申报书（在youth2中下载），申报书在6月18日前交至校团委。

2、团队成员一般为6—10人组成。

3、社会报告或论文需交手写稿及电子稿各一份。

（四）总结和表彰

社会实践活动结束后，学校和学院要对学生的社会实践活动进行严格考核，并按要求记录学分（08、09级同学将会获得2个学分）。校团委要组织暑期社会实践活

动先进事迹报告会和成果展等活动，深化社会实践工作效果。学校将评选表彰在本次社会实践活动中“宣传落实好、点面结合好、总体教育好”的先进集体和优秀个人，并推荐一部分表现突出的集体和个人参加团省委、团市委的评比表彰。对于入选今年暑期社会实践活动的重点团队，校团委将在资金和人员配置方面给予支持，同时在推荐各类先进评选中享有优先权。望团学组织、各团支部、各位同学积极踊跃的完成本的暑期社会实践。

共青团艺术与设计学院委员会

艺术设计与社会的关系 篇6

[关键词]艺术设计 社会学 社会特性 社会经济

艺术设计作为人类创造活动的一种重要形式，在当今社会经济高度发展的时代，已与国家的物质文明与精神文明建设密切相关，是一项重大的战略问题。从艺术设计本身的发展来看，设计的起源有两个显著特征，其一是劳动的分工，其二是生产工艺的改进使得大规模生产和低消耗成为可能。设计的每一次飞跃和进步，都处在因社会分工而造成的社会经济高度发达的时期。首先，因为社会经济发达，社会需求加大、人类文明和审美情趣的提高，为艺术设计提出了更高的要求并提供了雄厚的物质基础。其次，社会经济高度发达时期也是社会观念大变革、大解放时期，为艺术设计的应用和发展提供了广阔的思想和思维空间。

当代社会设计已渗透到经济生活的方方面面，艺术设计也已成为提高经济效益和市场竞争的根本战略和有效途径，作为经济的载体，设计是国家和企业发展最有效的手段。管理人员和企业家们希望通过自己的生活制造美好的事物来维持自己生计的各种兼收并蓄的想法，正在使设计行业重新活跃起来。索尼公司、福特公司和欧洲电子集团企业飞利浦公司等大型企业都成了此次设计革命的参与者。建筑师和设计师菲利普·斯塔克之类的提倡打破传统的人和贾斯珀·莫里森或梅尔·纽森等崭露头角的年轻新秀也参与其中……

事实证明，艺术设计的价值必须投入到社会经济活动中得以实现，社会经济是基础，艺术设计要为发展社会经济服务。21世纪是一个“知识经济”也是一个“循环经济”时代，所谓的“循环经济”是一种以资源高效率利用和循环利用为核心，以“减量化，再利用、资源化”为原则：以低消耗、低排放，高效率为基本特征，符合可持续发展理念的经济增长模式，其中资源高效利用除物质方面的还有知识方面的资源的整合与利用，而不断地创新设计正是企业可持续发展的重要组成部分，也是新的经济增长方式内容之一。

设计是科学与应用、技术与生活、企业与市场、生产与消费之间的桥梁，是促进经济增长的工具。在当今世界经济中，制造业和服务业占有重要的地位，而在这两个部门的市场竞争中，需要生产、设计和销售三个环节的紧密配合，而设计便是平衡、协调各种制约因素，使消费者与生产者的利益达到一个均衡的整体，将我们生活环境按照美和机能的统一进行造物的活动。市场经济的建立及发展和科学技术水平的巨大进步，提供了批量化生产的可能性和必要性，与之相适应的社会结构也发生了很大的变化。商品的制造者是生产厂家，它们的目的很明确：产品必须具有市场竞争力，对于新商品而言还必须有巨大的市场，不管是设计者还是制造者，驱动他们开发新产品、提高设计质量的最终目的都是经济效益，而实现经济效益的惟一途径，就是市场。

艺术设计发展的原动力在于人们对美的不懈追求。这种追求是自发的、与生俱来的。正是这种对美好事物的向往与追求，成为推动社会经济发展的强大动力。我们说科学技术是生产力，就在于它能推动社会经济的发展。艺术设计能够促进社会经济的发展，主要表现在它不仅满足了人们不断增长的物质需求，也满足了人们的精神需求。艺术设计是把预期目的和观念具体化、实体化的手段，是人们进行经济建设活动的先期过程。它的本质是人们对将要进行的经济建设活动做出艺术化的设想和筹划。总体来看，这种设想和筹划是进步的、发展的，甚至是超前的，从这个角度来说，“艺术设计也是一种生产力”、“设计就是经济效益”的说法明确了艺术设计是一种推动社会发展的动力。

艺术设计，是随着市场经济在中国的兴起而兴起的，是为了适应市场经济的需要而产生的。应该说，在中国，艺术设计从诞生的那天起，就与市场经济发生了割不断的联系。艺术设计的发展是伴随着现代市场的增大而发展的。艺术设计作为一门融技术学科、美学、经济学、环境学、人文科学、销售学、市场学、人体工程学、创造学以及社会学、社会心理学、人类学等为一体的综合性边缘学科，艺术设计的主要功能和使命决定了艺术设计同社会与市场紧密联系，艺术设计必须面向市场需求，科技、艺术和市场的结合点在设计。

论书法艺术与社会和谐建设 篇7

1 书法艺术的生命力——对立统一

对立统一规律, 是唯物辩证法最根本的规律, 这规律却在中国传统书法创作上得到了普遍的体现和广泛的应用。我们知道, 一件书法作品所包含的对立统一因素越多、越深刻、越复杂, 它体现的美就越丰富, 艺术性也就越高。所以, 在书法创作中要表现这种对立统一的关系, 就要求我们在用笔、结体、用墨、章法上下功夫。

书法的用笔有执笔和运笔。执笔有虚与实, 运笔讲究提与按、藏与露、轻与重、起与止、逆与顺、伸与屈、行与留等。在用笔上如果一味地单一行事, 就会显得单调、平庸、乏味, 效果可想而知, 只有二者很好地谐调起来, 恰如其分地掌握好二者的度, 才能写出高水平的作品。书法的艺术结构是指每个字点画之间的搭配组合。讲究疏与密、借与让、欹与正、险与夷、离与合、顾与盼、向与背、松与紧、肥与瘦等, 点画的轻重粗细、方圆长短、部首大小高低, 偏正宽窄, 经过书家巧妙的组合可使字起伏隐显, 阴阳向背皆有意态。简单的笔画可以产生出姿态万千, 变化无穷的结构造型。用墨的浓与淡、涨与缩、干与湿、沉与浮、润与枯也是书法形式美的重要因素。章法就更千变万化了, 如虚与实、黑与白、疏与密、主与次、连与断等各种关系, 只要处理得当, 从大处、从整体着眼, 那么其规律也不难掌握。在书法实践中, 还充满了“意”与“笔”、“情”与“法”的矛盾, 这是主客体的矛盾, 二者不断地冲突, 又不断地统一。一般地讲, “意”与“情”是矛盾主导方面, “笔”与“法”则处于被动地位, 所以常说“意在笔先”、“情动形言”。但有时主导方面并不能控制非主导方面, 却出现了“笔先意后”、“法决定情”的情况。可以说, 整个书法艺术, 从客体书法的形质, 到主体的情、意、神、气, 以及二者的结合, 都无不贯穿着对立统一这一基本规律。

2 书法艺术实践的强力展示——“天人合一”

汉字由点画组成, 点是线的浓缩, 线是点的延伸。点画是中国书法的基本造型因素, 本身也具有独立的美学品格。书法是一种高度抽象简约的线条艺术, 它不应言, 也不具象, 仅以一线或浓或淡、或枯或润的墨迹, 表达书者情思。书法线条是书家情感和心理变化在纸上留下的轨迹。即所谓“书为心声”。这正像音乐中的不同旋律和不同乐曲。音乐可以表现喜、怒、哀、乐, 可表现激昂、忧伤、悲壮、恬静各种不同的感情, 书法亦然。从形式上看, 书法以神似为上, 形似次之。书法艺术可以说是无声之间, 无形之相。

历史上有成就的书者无一不是通过书写来表达强烈的思想感情的。王羲之的书法讲求一气贯底, 和谐自然。作品中处处流露出一种随心从化, 恬淡平和的意境。他的作品讲究顺应自然, 自由任情, 运笔达到了随心所欲, 无拘无束的境界, 内心的情感自然流露于笔端。如《兰亭序》, 写在江南三月天朗气清之际, 点画之间让人感受到的是“思逸神超”, 而通篇溢满了潇洒脱俗之气, 记述了当时文人雅集的情景。作者因当时兴致高涨, 写得十分得意, 据说后来再写已不能逮。颜真卿的《祭侄稿》较之誉为天下第一行书的“兰亭序”毫不逊色, 可谓各有千秋。两者都是即席而作, 但心境却有天壤之别。然在艺术造诣上都达到了极致。当时真卿愤笔疾书, 血泪交迸, 情感不能自禁的神情, 满腔的悲愤化作笔下或粗或细或浓或淡的缕缕线条, 这线条犹如一个个摄人心魂的音符, 汇合成章, 犹如一曲洪亮高亢的悲怆乐趣。文中多处涂改增删, 不但没有削弱作品的整体气息, 相反地这些黑团墨块与字里行间的一些空白形成了鲜明的黑白对比, 具有强烈的视觉冲击力, 加之书写速度急缓变化, 有时因不及蘸墨而仍挥写不止, 形成了墨色由浓湿到枯淡的变化, 枯润交错, 更增强了作品的感染力, 而这些全出乎天然。毛泽东一生曾多次书写过《长征》, 至今正式公开刊印的墨迹有六幅。写于1962年4月20日的《长征》墨迹, 是毛泽东书法的精品力作, 字字相连, 非常流畅, 但线条拉出后, 粗细、轻重、转折等, 姿态各异, 飞而不浮, 畅而不滑。这首《七律·长征》, 不用雕琢, 只是拿红军跋涉的脚印, 把万水千山串在一起, 就构成了一首诗, 虽然只有五十六个字, 却有着世界历史上最罕见的沉重和遥远。惊天地、泣鬼神的漫漫长路, 文字已无法记载它的艰辛和悲壮, 无法尽数它的残酷和凄凉。行笔节奏轻快, 点画飞动, 连绵不断。红军官兵靠野菜、皮带充饥, 多少战士被敌人的机枪打下了万丈深渊, 打进了湍流翻滚的河谷, 草泊吞没了他们的躯体, 风雪把他们凝成了永恒。这种背景, 毛泽东印象自然是非常的深刻。用笔是流畅的、劲健的, 又是豪放的、苍厚的。“万水千山只等闲”, 线条迟重而深稳;“乌蒙磅礴走泥丸”, 线条流畅而坚劲;“三军过后尽开颜”, 线条粗壮而雄放。

书法欣赏的再创造。欣赏者欣赏书法作品, 总是根据自己的学识修养在感受的基础上展开丰富的联想和想象, 对书法作品进行积极的能动的再创造。可以说, 任何一种艺术欣赏都是艺术的再创造, 但欣赏书法的再创造与其他的艺术形式相比有明显的不同。看小说可根据自己生活经历想象出书中的情景、气氛和人物相貌, 看绘画则可以所绘形象跟现实物体建立起一种对应的联系。沈默尹先生说:“世人公认中国书法是最高艺术, 就是因为它能显出惊人奇迹, 无色而具画图的灿烂, 无声而有音乐的和谐, 引人欣赏, 心畅神怡。” 中国书法艺术不仅以其独特的美学特征吸引了几千年的无数华夏子孙, 使不计其数的人为之孜孜终生, 并且不同于西方艺术的强烈个性和艺术魅力征服了并不懂得中国文字的欧洲人。书法更接近于音乐, 有人称书法为“无声之音”, 音乐的要素一是旋律, 二是节奏。书法也一样, 每一笔每一字都是在不同的轻重缓急中有节奏地写出来, 而每一行每一篇忽如“奔雷坠石, 鸿飞兽骇”, 忽如“山崩海啸”, 忽如光风明月。各种艺术都应做到内容和形式的完美统一。我们以为文字内容就像歌词, 表现文字内容的书法就象为歌词谱曲。曲谱要尽可能地去表现歌词 (文字) 的内容。这样的书法既可以与文字内容一起欣赏, 也可以独立欣赏书法。单看书法也有欣赏价值, 但不够完美, 因为连同文字内容一起欣赏是民族传统习惯。比如我们用“瘦金体” 去写岳飞的“满江红”, 如果连同“壮怀激烈” 的内容一起去欣赏, 就很难令人满意了。总之, 书法欣赏具有再创造的特点。

3 书法艺术的魅力——和谐社会的财富

书法的美, 美在点画线条, 结构造型, 章法整体, 风格个性, 构思意境, 总之是和谐之美。伴随的和谐社会春风, 中国书法艺术出现了盛况空前。胡锦涛总书记提出“用更宽广的胸襟相互包容, 实现和谐共处”。“和谐世界”思想为国际社会提供了一种不同以往的全球治理模式, 意义非凡。和谐世界是人类的共同向往和执着追求, 符合世界人民的共同利益。和谐是人心所向, 物之所宗, 艺之所遵。“笔墨当随时代”, 各种规模, 各种样式的展览, 目不暇接。各种书法专业报刊、典籍等有关理论研究和书法创作层出不穷。说明书法美的魅力, 吸引无数志士仁人, 为之奋斗、追求, 是历史发展的必然。文艺“为人民服务, 为社会主义服务”决定着我国文艺的性质和方向, 是我国文艺发展和繁荣必须坚持的根本原则, 也是书法家艺术发展的必由之路。书法家只有把自己的艺术追求融入为社会为人民服务的功能中, 才能真正体现自我价值。书法艺术的精神, 是中华民族精神文明的优秀遗产, 更是今天我们建设和谐社会的宝贵财富。建设和谐社会就要使人们做到心平气静, 身心得到调养。而要达到生理和心理的和谐, 书法无疑是最简便、最有效的形式。书法是一种静中有动、动中寓静的活动, 在学习和写书过程中, 既是一种运动, 又会在运动中自然摒弃杂念, 有益身心健康。书法不仅仅是一门艺术, 而且还是一种养生之道, 可以调节情绪, 陶冶情操。

书法是一系列的矛盾运动的统一体, 既制造矛盾又要化解矛盾, 使其和谐的发展。我们在创作时, 应统筹兼顾, 在对立变化中求统一, 只有统一才会和谐。纵观书法史, 众多书家皆奉行“中和之美”, 实践证明和谐是书法永远有生命力。

摘要：书法是中国特有的一种传统艺术, 是一个充满线条矛盾的有机统一的和谐世界。书法的创作过程留下了书家情感和心理变化的轨迹。欣赏书法是艺术的再创造, 书法活动可以调节情绪, 陶冶情操。书法艺术是我们建设和谐社会的宝贵财富。

关键词：书法,对立统一,意境,和谐

参考文献

[1]肖培金.和谐——中国书法艺术审美的最高境界[EB/OL].http://www.studa.net/yishu/090109/14110633.html, 2009-4-3.

[2]张辛.中国书法的哲学思考[EB/OL].http://www.longquanzs.org/articledetail.php?id=9553, 2011-11-18.

学校艺术教育与社会融合的探索 篇8

一、传承和弘扬中国优秀传 统文化,夯实少年儿童实现中国 梦的文化基础

中共中央《关于深化文化体制改革推动社会主义文化大发展大繁荣若干重大问题的决定》 指出:文化是民族的血脉,是人民的精神家园。优秀传统文化凝聚着中华民族自强不息的精神追求和历久弥新的精神财富,是发展社会主义先进文化的深厚基础, 是建设中华民族共有精神家园的重要支撑。

在文艺工作座谈会上,习近平总书记站在实现中华民族伟大复兴中国梦的战略高度,强调指出“文艺事业是党和人民的重要事业,文艺战线是党和人民的重要战线”“文艺是时代前进的号角,最能代表一个时代的风貌”。他精辟论述了文艺“以人民为中心”的根本方向和“弘扬中国精神”、铸造民族灵魂的神圣使命, 极大丰富和发展了马克思主义文艺观,为中国社会主义文艺事业的大繁荣、大发展提供了科学的理论指南。实现“两个一百年”奋斗目标、实现中华民族伟大复兴, 这是全中国人民的梦想,也是少年儿童的梦想。

中华优秀传统文化是中华民族的精神命脉,是涵养社会主义核心价值观的重要源泉,也是我们在世界文化激荡中站稳脚跟的坚实根基。文艺为实现中国梦夯实文化基础的作用是不可替代的。“文艺工作是灵魂的工程,文艺工作者是灵魂工程师”。学校艺术教育肩负 着夯实少年儿童实现中国梦文化基础的责任和使命。学校艺术教育只有与 社会融合,才能继承传统、激活传统、弘扬传统,才能夯实少年儿童实现中国梦的传统文化基础。

民间艺术是中国母体文化、大众文化,并深深扎根于民间。所以,学校艺术教育只有与社会融合,才能更好地传承与发展民间艺术,才能更好地传承与发展中华优秀传统文化。

剪纸是历史悠久、流传广泛的民间艺术,蕴含了丰富的传统文化。大连市旅顺口区前夹山小学把民间剪纸艺术作为传统文化传承项目在全校师生中普及,并通过参与各种艺术活动与社会融合。师生的剪纸作品先后参加了大连市群众文化艺术展;部分学生带着自己的作品随大连市少年儿童文化交流访问团赴日本、韩国交流访问。学校先后被确定为大连市中小学剪纸艺术基地、大连市民间文艺家剪纸艺术活动基地。中央电视台中文国际频道 《远方的家———沿海行》专题摄制组还对学校的剪纸活动进行了专题报道。

苏霍姆林 斯基曾经 说过 : “办学校办的是一种民族性精神, 一种传统文化”。学校艺术教育融进社会民间艺术正是一种民族性精神,一种传统文化。

二、开发和利用社会艺术资 源,夯实学校艺术教育的社会基 础

习近平总书记指出“文艺工作者要想有成就,就必须自觉与人民同呼吸、共命运、心连心, 欢乐着人民的欢乐,忧患着人民的忧患,做人民的孺子牛”。同样,学校艺术教育要想有成就, 就必须融入社会,走进民间,开发和利用民间艺术资源,夯实学校艺术教育的社会基础。

民间艺术是中华民族优秀文化的精华,富有鲜明民族特色和强烈艺术感染力。

我国地域广阔,民族众多, 地理条件、风俗、民情等各有差异,形成了丰富的民间艺术作品类别和风格,具有实用价值和审美价值统一的特点。不断开发和合理利用区域民间艺术资源是开展学校艺术教育的有效举措。

民间艺术起源于民间,它是民间文化的精神表达,代表着当地的地方特色。这样的区域性民间艺术不仅具有生活基础,而且更具有群众基础和社会基础。近年来,有不少学校利用和开发区域民间艺术资源,夯实了学校艺术教育的社会基础。

大连市旅顺口区双岛湾中心小学是一所以渔家孩子为主的学校。这些孩子生在海边,长在海边,对海和渔民都很熟悉且非常有感情。这所学校就把当地流传的渔歌作为普及传承的民间艺术项目,开发了渔歌校本课程,并定期举办渔歌艺术节。

“霸王鞭”是小秧歌的一种, 也称“打莲香”“花棍舞”。早在60年代,大连市旅顺口区水师营公社农民就排练了“霸王鞭”秧歌,参加全国农村秧歌比赛,并荣获金奖。坐落在该区域的大连市第六十二中学在2004年把“霸王鞭”作为学校的民间艺术传承项目,在原有的基础上发展为“鞭扇秧歌”。学校的大课间活动———《在希望的田野上》鞭扇秧 歌被评为辽宁省特色“大课间”活动。

三、参与社会文化艺术活动, 夯实学生艺术素养的生活基础

1942年,毛主席在延安文艺座谈会上讲到文学艺术是为人民大众的;72年后,习近平总书记也在讲文艺创作要以人民为中心, 他指出“文艺创作方法有一百条、一千条,但最根本、最关键、最牢靠的办法是扎根人民、扎根生活”。两个不同时期的领袖强调的是同一个问题,这是因为,“扎根人民、扎根生活”“为人民服务”是艺术的生命,是艺术的源泉。

党的十八大以来,以习近平同志为总书记的党中央十分重视精神文明建设,进一步加大了文化建设的力度,提出了由文化大国向文化强国迈进的目标。随之社会文化活动如春潮涌动,遍布全国城乡。在这种文化建设的大背景下,学校艺术教育只有参与社会文化艺术活动,才能夯实学生艺术素养的生活基础,才能保持艺术教育的生命力。

大连市旅顺口区三涧堡街道的“农民文化大院”曾多次被新闻媒体宣传报道,引起强烈反响。“张老汉文化大院”“老厉婆文化大院”“老丁婆文化大院”等10多个大院分布在辖区各个村。广大农民不仅用艺术为社会和自己创造着美好的生活,而且文化大院也为学校艺术教育提供了广阔的舞台。

艺术家与社会责任 篇9

关键词：高校艺术教育,社会艺术教育,模式,异同,对比

在我国, 社会上主要的艺术教学模式为两种, 一种是高校艺术教育模式, 一种是社会艺术培养模式前者主要集中于各类高校, 譬如在许多学校, 特别是大量的专业的艺术院校, 为促进艺术教育的发展, 均设有初级班、中级班、高级班, 并且按照按学科不同, 划分不同的高校艺术教育模式, 并成为我国艺术类教育的主要模式之一;随着我国经济和教育的发展, 高校艺术教育模式并不能满足所有艺术教育的需求, 社会艺术教育模式兴起, 大量私人艺术类培训机构的出现, 使得公众需求有了其他的选择。两种教育培养模式的兴起有着大量的异同点, 分析两者的不同点与相似点, 将这两者的优点融合, 消除二者的缺陷, 为培养出更多高艺术理论水平与高超技能相结合的复合型人才作出应有的贡献。

一、高校艺术模式与社会艺术教育模式的相同点与联系

(一) 文化大发展大繁荣为二者的兴起与发展提供了外部条件

改革开放以来, 随着人民群众的教育需求及需求类型的多样化的发展, 艺术教育成为素质教育不可或缺的一个重要环节, 高校艺术类教育成为此时代的主要培养模式, 为满足社会需求, 培养四有人才发挥了重要作用。然而随着社会的不断进步, 单一的高校教育培养模式已经远远不能满足社会的深层次需求时, 社会艺术教育模式得以产生并不断得到发展, 纵观二者的发展历程, 我们不难发现, 二者的产生都与社会不断进步发展和社会对于高素质艺术人才的需求有着密切的联系, 同时二者的产生与发展, 有力推动了地域特色文化的继承和发展, 为我国的社会主义文化建设注入了新的活力, 不断的满足人民群众的文化需求。

(二) 高校艺术教育培养模式为社会艺术培养模式的发展创造了可能性

早期的高校艺术教育模式虽然有着不可比拟的优势, 但却存在者地域性与创新性的缺陷, 无论是学科发展还是人才培养, 乃至社会服务方面, 其空间和舞台是相当狭窄的。同时单单依靠单一的高校艺术教育, 不仅难以为广大受教育者提供应有的资源保障, 而且会加大艺术教育的城乡、区域, 及需求群体之间的差距, 从而造成新的更深层次的教育不公平。为此避免上述缺陷的出现, 社会艺术教育模式得以产生与发展, 与社会高层次的需求适应, 可以肯定的是, 社会艺术教育培养模式的产生是建立在高校教育模式的基础之上的, 正是因为高校艺术教育的发展, 才为社会艺术教育模式的产生创在了必须的社会基础。

二、高校艺术教育培养模式与社会艺术培养模式的不同点

两种教育模式从产生到发展有着千丝万缕的联系, 但二者却同样存在着大量的不同点, 分析二者的不同点, 找出其差异性, 为我国艺术教育模式的进化提供理论支持有着重要的作用。

(一) 高校艺术教育模式与社会艺术培养模式的教学模式的不同

高校艺术教学模式主要是建立在以班级为单位, 以集中授课的课堂教学为基础的模式之上, 各高校根据国家相关制度政策的要求, 制定统一的教学大纲, 开设相似的课程, 选聘各种层次的专业教师, 制定专门的教学培养教案, 集体授课, 并进行统一的作业布置和考核, 此种模式是一种传统的教学模式, 多为班级为主要培训单位, 学生数量多, 较少关注学生个人素质的差异性, 同时高校教育模式有着学费相对较低的优点。而相反社会艺术培训模式则与高校教育模式大不相同, 其主要是建立在针对受训人员的个性需求的基础上, 社会培训机构为受训人员量身定制符合其自身特征的教学课程, 较多的关注学生个人素质的差异性, 培训机构注重学生的个性发展以及对艺术能力的培养, 强调创造性和自由性的结合, 是一种典型的差异化基础上的非统一教学模式, 其主要特点在于受训人员流动制较强, 学生数量为定额, 人数较少, 相对于前者, 学费相对较高。

(二) 高校艺术教育模式与社会艺术培养模式的教学内容不同

高校艺术教育模式注重基础教学, 目的在于让其了解所处的文化环境和社会环境, 培养起审美和感知能力, 注重艺术的基本理论知识, 并通过大量的实践教学, 培养学生的动手能力, 同时注重与其他文化学科的渗透, 让学生建立综合的视野, 增强艺术与其他学科的关系体验, 培养多向思维方式。相反社会艺术教育模式则省略了艺术基础教学, 其培养模式建立在学生已经掌握了基本的艺术理论的基础上, 主要通过培训教学提高对艺术的理解和体验创作能力, 同时鼓励在受训的过程中展示自己的特性, 展现自我, 将自由的想象和实践结合, 鼓励学生自我创造能力的展现与培养, 注重学生个性的培养与发挥。

结语

高校艺术教育模式在培养学生的艺术审美能力、艺术欣赏能力以及艺术基本能力方面有很好的教学资源, 有着社会培训不可比拟的优势, 同时在教学内容的广度;深度;视野的拓展层面上存在更大的优势, 但在学生个性的培养等方面却有所欠缺。这一缺陷, 社会艺术培养模式却有着巨大的优势, 培养学生的技巧、创作能力、艺术技能的驾驭和熟练程度方面更胜一筹, 因此随着社会潮流的发展, 建立一种高校与社会相结合的教学模式, 是今后艺术教学发展的趋势。

参考文献

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[5]冯杰.艺术教育的现状分析及对策研究[J].大众文艺 (理论) , 2009 (22) .

艺术家与社会责任 篇10

一、古代声乐艺术的起源地

欧洲声乐艺术最早起源地颇有争议, 但据历史考证认为, 古希腊和古罗马的声乐艺术是欧洲声乐起源的诞生地。

(一) 古希腊声乐艺术起源说

古希腊是包括音乐在内的欧洲文化艺术的发源地, 它将各种美德都归之于音乐, 他们认为音乐具有感召心灵的神奇威力。在古希腊具有至高无上地位的音乐中声乐荣幸地在诸形态中占据了头把交椅。这一时期的音乐理论成就大多是通过声乐的形式来体现的。古希腊的声乐艺术最早兴起于宫廷和寺院, 前期为贵族文化, 主要是在宫廷内为贵族演唱诗歌, 是为当时贵族服务的最重要的文化娱乐方式。

(二) 古罗马声乐艺术起源说

古罗马的声乐艺术与古希腊的声乐艺术相比, 几乎找不到可以说明罗马独立的声乐艺术形式, 我们只有透过古罗马的历史及其与声乐相关的其它姊妹艺术或文化发展去寻找一些蛛丝马迹, 那就是公元前3世纪, 古罗马帝国对外扩张, 希腊沦陷为罗马帝国的罗马行省, 大批歌手、乐视被俘, 成为罗马帝国声乐艺术发展的重要元素, 古希腊的声乐艺术很快取代了意大利的本土音乐, 声乐依然是当时音乐的主要表现形态之一, 我想这就是后来一直到现在影响全球的意大利美声声乐唱法起源的开端吧。

二、声乐艺术的特点

(一) 演唱形式的特点

1.古希腊的声乐艺术表现特点。其着重在于声乐作品的创作先于其它地区, 其声乐作品主要以合唱形式传唱于教堂和社会, 因当时的历史局限性, 其合唱仅限于齐唱和八度重唱两种形式, 在男声部中加进童声是他们大胆创作的特点之一。证明当时单声部是其声乐表现的主要特点。其它多声部的形成和表达多用器乐来丰富音乐的效果, 还没有达到用人声来演唱二声部以上的演唱形式, 其歌唱内容多为歌颂英雄、爱情和祖国的颂歌, 合唱已经成为当时庆祝游行活动中的重要娱乐方式吸引着观众。到后来开始出现了独唱, 主要用于演唱悲剧性的声乐作品, 这正是后来歌剧中宣叙调的雏形。

2.古罗马的声乐艺术表现特点。其声乐表现形式主要还是以合唱为主, 但其合唱形式较古希腊有了较大的发展, 伴有丰富的管乐等器乐的加入, 使得合唱艺术形式在宫廷乃至民间都有了很大的发展。除了合唱形式之外, 独唱形式已经在悲剧、喜剧等体裁领域中发展较快, 开始出现大批演唱技巧和水平的专业歌手。这些歌手就是音乐在社会化分工后产生的第一批“歌唱家”。

(二) 声乐作品体裁特点

1.古希腊声乐作品体裁的特点。古希腊声乐作品的主流是抒情歌曲。体裁主要有颂歌、悲歌、婚礼歌、祭祀歌等这些声乐的体裁。其常见的旋律和调式就是具有朗诵特点的宣叙调, 这些特色都与古希腊声乐作品的题材有关。

古希腊声乐作品的题材主要取材于神话。古希腊神话史诗不仅是当时声乐作品的主要题材, 而且对欧洲歌剧的形成有着直接的影响;再就是取材于诗歌。在古希腊, 音乐和诗歌几乎是同义词, 二者息息相通。古希腊的诗歌是用以吟唱的, 诗人和作曲家往往是合二为一的。

2.古罗马声乐作品体裁的特点。古罗马的声乐艺术与音乐的其它表现形态一样, 处于“两极分化”的状态。一方面, 声乐成为统治阶层消遣娱乐的工作。大型合唱队风靡一时, 盛大的音乐节和合唱比赛争相举办, 达官贵族们以高额酬金编制庞大的铜管乐为合唱队进行伴奏, 使声乐艺术中的合唱形式显得逐渐成熟;另一方面, 古罗马的声乐艺术开始扎根街头巷尾、乡村田野, 找到了自己赖以成长的土壤, 使意大利民歌声乐艺术的发展起到萌芽作用。

三、声乐艺术的社会作用

(一) 古希腊声乐艺术的社会作用

作为宫廷贵族的一种重要娱乐文化艺术, 宫廷供养了合唱团, 为国家典礼和贵族娱乐之用;寺院也设立了合唱队, 以“交替合唱”的轮流演唱方式, 为礼拜和其它宗教活动歌唱。古希腊雅典四年一度的雅典娜女神的祭祝节作为全民的狂欢节, 常常数以百计的各国使节参加, 已经成为各国文化的交流活动, 对欧洲诸国、中亚西亚各国音乐发展有着积极的影响, 对后来欧洲歌剧的发展也起到了积极的作用。

(二) 古罗马声乐艺术的社会作用

其声乐艺术作为统治阶层的消遣娱乐工具, 声乐作品的主旋律和歌词内容逐渐成为统治阶层和罗马帝国的尚武精神和思想体现。反映了当时罗马帝国统治阶层的奢华作风, 凸显贵族和祭司的身份和修养;另一个就是罗马帝国声乐艺术扎根街头巷尾和乡村田野后, 古罗马的民间艺术得到活跃和发展, 婚礼歌、饮酒歌、士兵歌、情歌等成为社会底层的“保留曲目”, 流行于民间。深刻滴反应当时人民的生活和感情, 对这一时期的诗人产生了极大的影响。

四、结语

假职称与艺术代工可追究刑事责任 篇11

这场不期而遇的信任危机，开始改变宜兴工匠自我营销老路。7月恰逢广东和宜兴两地陶瓷协会在琶洲举办紫砂陶瓷艺术文化节，笔者邀上几个圈内好友到现场转了几圈，发现打着大师或高级工艺师的幌子招摇撞骗的匠人明显减少，取而代之称自己为资深艺人，或者挂一条“×××紫砂艺术”的横幅。

紫砂是宜兴特有的矿产资源，磨细炼成泥料后制成，不需要挂釉就可以烧成色泽温润、古雅可爱的陶器，其古朴纯厚、不媚不俗的精神与传统中国文人的气质极为相似，自宋代以来就深得文人士大夫的喜爱。历朝历代，以紫砂为载体进行诗书画印等艺术创作的名流更是不计其数。到了当代，在艺人和商贾的共同推动下，紫砂成为艺术市场上最为炙手可热的收藏品种，在文玩市场上缔造了许多不可思议的商业神话。在宜兴，借紫砂发家致富的民间艺人和农民企业家多不胜数。有些一年到头都不需要摸半下拉坯机和紫砂泥的匠人，只要戴上一顶大师的“皇冠”，就可以到处拉拢客人，一把陶壶开价就是几十万元。

不管是在庙堂雅室，还是在江湖市井，紫砂茶器都有着惊人的“上座率”。一位业内人士甚至豪言，有茶台的地方就有紫砂。全中国到底有多少张茶台笔者不知道，但是每到一座城市，笔者到当地的文玩市场走一走，确实还未发现不卖紫砂的。

今春，媒体对紫砂匠人假职称问题掀起“监督潮”时，同样在千里之外的宜兴舆论场引发地震。有人说媒体是不安好心、多管闲事，难不成是瓷器产业那边派来的黑枪？也有些人在击掌叫好的同时提醒媒体，为什么不把矛头对准那些十指不沾泥、靠着一纸职称证书长期寄生在这个行业“吃软饭”的伪大师，而只是把这些每天起早摸黑、凭手上功夫赚辛苦钱的匠人推向舆论漩涡？这很可能会助长紫砂行业养懒人的不良风气。

这些声音的确让笔者数日夜不能寐。若以辩证的思维，我们对同一问题或能得出一百种不同的看法。事实上，不管是拿着真职称找人为自己代工，还是买张假证书把自己打扮成“大师”和“高工”，都可以理解是一种对消费者的欺诈。

有人说，为什么允许苹果公司找富士康代工，就不允许紫砂艺人贴牌生产？事实上，读过物权法的人都知道，作为法律标的物，根据特征不同可划分为种类物和特定物：种类物是指不具有独立特征，可以互相代替，并可以用品种、规格、度量衡加以计算的物，如手机等一般商品；而特定物是指具有独立特征，不能相互代替，可以与其他物相区别的物，如齐白石的某幅画、顾景舟的某把壶等。

对于特定物的生产，只能由特定作者来进行创作或生产。何况，从知识产权法上来讲，具有高级专业职称、大师称号或社会广泛知名度的匠人，其署名权与学者、作家和艺术家等其他名人群体的署名权一样，具有明显的人身性质特征，其往往跟版权结合在一起，这跟商标权的法律性质有着严格的分别。

日前法律学者林勋华还在跟笔者讨论该问题。他认为，在别人创作的作品上署上自己的名字高价出售，由于牵涉经济利益数额巨大，不应简单认定为民事欺诈行为，而应该构成欺诈犯罪。笔者深以为然，由于至今未建立有司法权威的艺术品专业鉴定，从而导致市场上的名家赝品长期泛滥成灾。而去年曝光的广州美术学院图书馆长造假案和知名主持人卖假案，则警示业界，凡是造假卖假东窗事发并给国家、社会和他人造成巨额经济损失的，均逃不过法律的严惩。

当前，一些高工和大师级工匠的紫砂作品，在市场上已经卖到几十万元，甚至上百万元。尽管司法部门对这个行业的造假追责，还未正式拉开帷幕，但距离开幕的时间肯定不再遥远。但愿每位名人都能够用自己的良心来守卫自己的署名权。

论地方民间艺术与和谐社会构建 篇12

我们所要构建的和谐社会,既要有人类社会理想的共性,也应该有中华民族的特性。只有把构建和谐社会建立在中国悠久历史文化和中国具体国情的基础上,才能使和谐社会的构建具有历史和文化的根基,才能彰显和谐社会的中国特色。

我国的地方民间艺术是历史文化的沉淀,具有传承性和现实性,是中华民族传统文化的重要组成部分。江苏是我国民间艺术繁荣发达地区,地方民间工艺品有23大类4000多个种类,品种之多,位列全国前茅。其中,苏州的刺绣和桃花坞木刻年画、南京云锦和金箔、宜兴的紫砂壶、扬州的漆器和玉器、无锡的惠山泥人、南通的扎染和蓝印花布等,代表着中国民间工艺的最高水平,享誉世界。除此之外,江苏各地的戏剧、歌舞、杂技等语言、表演类的民间艺术,如苏州昆山的昆剧,南通海门的山歌剧、通州的侗子戏及海安的花鼓、龙舞等也是历史悠久、风格独树,深受当地人民的喜爱,蜚声海内外。这些地方民间艺术,源于生活,传承至今,已经完全地融入社会,融入人民群众的生活之中。我们在构建和谐社会的过程中,深入地研究、探讨民间艺术在构建和谐社会中的重要价值和作用,继承传统、创新发展,使其更好地为地方经济建设和人民群众日益增长的文化生活服务,为建设和谐文化、构建和谐社会服务,有着积极的现实意义。

1. 民间艺术是传统文化中的核心理念——“和”的最佳载体

地方民间艺术特有的,“和美”“和气”“和睦”的艺术形式和表现内容,承载着我国传统文化中“和”这一核心理念,构成了和谐社会的主旋律。

构建和谐社会是一个复杂的系统工程。但归根到底社会和谐问题是人与人之间、人与自然之间的关系问题。人是社会的主体,更是和谐社会的主体,离开了人的交往关系,社会和谐就无从谈起,而人际关系问题正是中国传统文化所要着力解决的。中国的传统文化历来重视“和谐”,从“天人合一”的哲学命题,到“和为贵”的价值取向和伦理准则,再到“政通人和”的治国安邦的理想和方略,都无不贯穿着注重事物的关联性,主张求同存异、包容万物,在和谐中实现共同发展的思想理念。“和”是中国传统文化的核心理念,是和谐文化的重要内涵,是和谐社会的根基和灵魂。因此在当今的经济和社会生活中,把对立的、冲突的矛盾转化为共生、互利、融合的文化,建立新型的和谐人际关系,是对传统文化的继承和发展,也正是我们今天构建和谐社会应有的题中之义。

地方民间艺术作为传统文化的重要载体,历史悠久,内容丰富。大量的民间艺术都把表现小到家庭成员之间的互敬互爱、相敬如宾,亲朋邻里之间的和睦相处、相互包容,大到民族与民族之间和平共处、和谐共存作为创作的主题和表现的内容,“和和美美”“和气生财”“家和万事兴”等为人处世的思想理念和民俗民风,更是在各种民间艺术作品中得到了生动的体现。这些内容在我省苏北各地民间艺人创作的窗花、门贴,南通蓝印花布上的大量传统图案以及每年元宵节各地举办的灯会上的灯彩绘画等民间艺术中表现得尤为突出。这些民间艺术特有的“和美”“和气”“和睦”的艺术形式和表现内容,都强烈折射出传统文化中“和”这一核心理念,构成了和谐社会的主旋律。挖掘民间艺术中的这方面题材和内容,传承和彰显这一传统理念,对我们今天更好地协调人与人之间、人与自然之间的关系,在平和理性的氛围中解决好各种社会矛盾,无疑具有重要的价值。

综观我国五千年的文明史,不难看出民间艺术承载的这种“和”文化在长期的封建社会中对社会成员的道德教化、维护纲常伦理起着不可忽视的作用。传统的和谐理念固然是历史的,但它包含的礼让、包容与平和的历史信息和价值取向,对今天的和谐社会建设仍有强大的导向、推动作用。当然,在构建和谐社会的过程中,我们要以科学的态度来对待它,去其糟粕,取其精华,创新地继承传统,使民间艺术中表现出的“和”的理念得到更好的宏扬和传承,为建设和谐文化、构建和谐社会服务。

2. 民间艺术承载着中华民族的传统审美价值取向

民间艺术以其极富民族特色的艺术风格,代表着中国传统的审美思想和情趣的主流,为提高社会成员的文化、道德素养发挥着不可替代的作用。

托尔斯泰说过:“艺术是人与人之间相互交流的手段之一。”“艺术的主要吸引力和性能就在于消除个人的离群和孤单之感,就在于使个人和其他人融合在一起。”德国著名的美学家席勒早在18世纪初就提出,审美教育通过既有生活又有形象的艺术,培养人的美的心灵和健全的人性,然后才能克服当前社会的腐败和粗野,以及人性中的分裂现象,为全人类的和谐做准备。今天,艺术对人的教化作用已经越来越被人们所认同。

地方民间艺术作为艺术的一个门类,它来源于生活,来源于社会底层,也就是人们常说的“百姓艺术”“草根艺术”,在一代又一代人口传心授的传承过程中,无数民间艺人不断地加以创新改造,其逐步形成的极富民族性的朴质简洁、积极向上的艺术风格,代表着广大劳动人民的审美思想和和情趣的主流,并普遍地为当地的人民群众所熟知、所接受、所喜爱,这是其它艺术门类无法与之相比的。因此作为一种艺术,它对社会成员所起的教化作用是其它艺术门类不可替代的。在江苏许多的民间艺术品中,究其材质,大都极为平常,如泥土、纸、布、石头等,但经过不断的推陈出新,演变成为一件件精美的艺术品。如无锡的泥人,造型生动、夸张适度、惟妙惟肖、雅俗共赏。郭沫若先生赞其“人物无古今,须臾出手中”;宜兴的紫砂壶,自明代至今五百年间,名家辈出,精品纷呈,发展到今天,可谓巧夺天工,技绝环宇;再如南通的蓝印花布、苏北的剪纸等,在蓝白之间、红白之间表现出的朴素、纯真的美,叫人不能不为之赞叹。这些蕴涵着传统审美情趣的各种艺术形象对提升全社会的审美水平、文明程度,培养人的美好心灵和健全的人性,发挥着不可替代的作用。

今天民间艺术已经进入了家庭、学校,融入了人们的生活。在许多家庭中,人们都把自己喜爱的民间工艺品作为重要的装饰品布置在房间里欣赏。随着素质教育观念的深入人心,在江苏有许多中小学把民间艺术融入了学校教育。有的学校定期聘请民间艺人或艺术院校的教师给学生讲授民间工艺品的制作方法和鉴赏知识。通过学习具体的手工艺,如制作中国结、手工织绣、陶艺等,在陶冶情操、锻炼动手能力的同时,学生培养了对传统文化的情感,同时也提高了文化艺术素养和审美能力。

随着经济、社会的发展,人类生活、生产方式在变化,人文自然环境在变化,人的审美观念也随之在变化。旧形式逐步走向衰落,新样式不断被学习借鉴,这是社会发展规律,也是民间艺术发展的规律。民间艺术只有在和不同的艺术门类、不同的地方特色之间相互借鉴、相互融合,创造出不落俗套的新的艺术作品,使自身的审美情趣更好地适应现代社会的审美要求,才能得到更好的传承和发展,也才能吸引更多人的关注和喜爱,从而在提高人们的文化道德素养和审美水平上发挥更大的作用。江苏如东县的民间,几乎家家户户都有在灶台、门楣及一些家具上描绘民间绘画的风俗,内容和形式代代相传,大同小异,一直没有什么变化。直到上世纪80年代末,县文化馆的工作者,走村窜户,走访艺人工匠,到农户家中仔细观摩各种画作,吸收民间绘画素养,并通过不断的改良创新,朴拙亮丽、极富个性的画风才逐渐形成。现在的如东农民画或朴实、生动,或绚丽、抒情,它以明艳的色彩、夸张的线条,表现着寓意深刻的主题。如美丽的田园风光、朴实的农家生活、气氛热烈的劳动场面和欢天喜地的节日庆典,充分体现了现代民间艺术的审美情趣。如东县为此被文化部命名为“中国现代民间绘画之乡”。如东的现代民间绘画,从田头巷间走出了县城,入省进京,引起越来越多人的注目。

3. 地方民间艺术是群众文化生活情趣的提炼和升华

地方民间艺术以其广泛的群众性,成为群众文化生活的主角,为营造欢乐、文明、祥和的社会环境和节日气氛发挥着不可或缺的作用。

改革开放以来,江苏的人民群众的物质生活不断提高,对精神文化生活的需求也在不断地增长。因此繁荣群众的文化生活,满足人民群众对精神文化生活的需求,成了精神文明建设、构建和谐社会的一项重要工作。由于民间艺术的创作者和欣赏者是广大的人民群众,其表现的主题又大都是吉祥如意、富贵有余、长命百岁、儿孙满堂等传统民俗,带有浓浓的喜庆气氛,并且活泼向上、生动有趣,为广大群众所喜闻乐见,因此具有广泛的群众性,逐步成为节日庆典活动和地方庙会、集市上娱乐活动中的主角,成为群众文化生活的主角。如今在江苏各地逢年过节时或各种庙会上处处可以看到民间艺术的身影。如工艺大师的现场表演、地方折子戏、杂技演出、舞龙舞狮等各种文化活动。民间艺术不仅是节日庆典上的主角,而且越来越频繁地走进城市社区和农村的文化生活中。这类的消息、报道在报纸、电视上屡见不鲜。地方民间艺术与群众文化在历史的长河中已经融为一体,形成相当密切的关系。丰富多彩的民间文化艺术为创造欢乐、文明、祥和的社会环境与节日气氛发挥着不可或缺的作用。

江苏各地许多以民间艺术为主角的群众文化活动,经过不断的创新提高,已逐步成为闻名全省乃至全国的著名“品牌”。如姜堰市溱潼镇,每年清明节,该镇百姓都自发举行会船活动,纪念当年山东及当地义民接应岳飞官兵,与金兵转战溱潼、大败金兵的历史典故。从1991年起姜堰市人民政府正式把这一民俗活动定为一年一度的“溱潼会船节”。又如南京的“秦淮灯会”是闻名全国的民俗文化的品牌。每年春节至元宵期间都有数百名业余扎灯艺人汇聚灯会展示自己的彩灯。还有海安的花鼓、太仓新湖镇的龙狮舞、新沂合沟镇的剪纸、如东的杂技等都成了春节、元宵、中秋等传统节日或重大庆典活动上的保留节目。海安的花鼓还在众多的民间表演节目中被选中,在国庆五十周年天安门广场的庆祝活动和北京奥运会开幕式上一展风采。

地方民间文化艺术在当前群众文化活动中展示的崭新面貌和各自独特的艺术风采,使人们更加感受和认识到民间艺术在群众文化生活中的主角地位和人民群众对其的渴望。群众的笑声就是社会和谐的音符,在欢乐、和谐的氛围中,民间艺术在构建和谐社会中的作用越来越显现出来。

4. 地方民间艺术是发展地方特色经济的独特文化资源

地方民间艺术品以其精美的装饰性、广泛的实用性,成为新兴的文化产业的主力,为促进地方经济发展,促进社会和谐发挥着举足轻重的作用。

和谐社会应该是物质文明和精神文明同步协调发展的社会。发展经济,提高人们的物质生活水平是构建和谐社会的基础。

在经济建设中,文化产业是21世纪最具活力的产业之一。2006年江苏省委、省政府发出“加快推进从文化大省到文化强省迈进”的号召,提出要“建设文化事业强、文化产业强、文化人才强”的文化强省,我省文化产业迈入了一个新的发展时期。

众多的民间艺术品经过无数艺人不断加以改造创新,代表了广大劳动人民的审美心理和价值取向,而其本身所具有的广泛的实用性和装饰性,深为人民大众喜爱,并且为其走向市场创造了条件。许多的民间艺术,其产品很早就投入了小规模的作坊生产,为当地人创造了就业机会,成为当地人们维持生活的主要经济来源。随着经济社会的发展,科学技术的进步,许多民间艺术品已经进入了产业化、规模化制作与生产,成为新兴的文化产业中不可忽视的一支主力军。

在江苏,苏州刺绣、无锡泥人、宜兴紫砂壶、南通扎染等民间工艺,已经大量进入广阔的市场,有的已经成为出口创汇的大户。如苏州市镇湖镇是享誉世界的刺绣之乡,刺绣成为当地文化产业中名副其实的主力军。当地的刺绣一条街有280余户刺绣专业经营户,近几年每年的收入都在2亿元左右;南通海门市麒麟镇从事红木雕刻的艺人有3000多人,产品有上千种,年销售额逾亿元。不少书画之乡从业者甚多,产销两旺,经济效益十分可观。如海门市货隆镇民间画师创作的中国人物画,糅合了木版年画、剪纸、刺绣、木雕等传统艺术手法,富有浓郁的民间气息。不少当地人走出去,先到我国南方厦门,再走出国门,到马来西亚办起书画院,一方面为客户定向创作,一方面接受订单,从家乡组织货源。凭着精湛的画技,他们的仿古人物画成了当地华侨和各国画商的抢手货。现在货隆镇有一支360人的农民专业书画队伍,每年有上万幅书画作品飘洋过海,销往新加坡、马来西亚、日本等国,每年该镇仅书画产业的收入就达6000多万元。再如毕业于南京艺术学院的焦宝林,多年来潜心研究南通扎染这一古老的民间技艺,并于上世纪80年代创建了海安扎染厂,开始工厂化批量生产扎染服装,至今生产各类扎染制品千万件,赚取外汇20多亿元,向国家上缴税金2亿多,向农村闲散劳力和城镇下岗职工参加扎染制作发放加工工资10多亿元,取得了可观的经济效益和社会效益。

还有以表演为主的民间艺术,如舞狮、舞龙、鼓乐、杂技等,也在一些艺人的组织带领下成立了表演团体,有的还组建公司,走出村镇,走向市场。再如通州的哨口风筝、姜堰的溱潼会船、江阴的民乐等,虽然不能直接产生经济效益,但活跃了当地群众的文化生活,扩大了对外交流,提高了地方知名度,改善了投资环境,同样为地方经济建设起到了积极的影响和作用。

5. 结语