现代服装时尚美学

现代服装时尚美学（共7篇）

现代服装时尚美学 篇1

摘要：中国特色的传统文化, 是我国几千年文化和历史的传承与积淀, 代表了我国道德观念、人文精神以及思维意识, 是世界文化的关键组成部分。同时, 随着经济全球化和一体化, 很多国家的人们也都在积极了解和学习我国传统文化, 其以独特的魅力屹立于世界文化之林中。本文主要针对现代服装时尚美学中传统文化元素的有效利用进行分析和阐述, 希望给与我国相关行业以参考和借鉴。

关键词：传统文化元素,现代服装时尚美学,有效利用,分析

当前, 随着现代服装的发展, 我国在服装设计中需要注重应用传统文化元素。从传统文化和民族文化中萃取神韵、精华和养分, 使其与现代设计充分融合, 进而设计出具有鲜明我国文化特色的服装。为服装注入民族的自信和文化, 承担起影响世界和走向世界的使命, 让世界更加了解中国文化、喜欢中国文化, 学习中国文化。

一、现代服装时尚美学与传统文化元素融合的积极意义

随着我国改革开放政策的持续深入, 服装业在我国获得了蓬勃的发展, 具有中国制造标签的服装, 受到世界各国人们的喜爱和欢迎。虽然我国是世界制造工厂, 但是服装产业并没有显著的利润空间, 在整个产业链中, 服装企业基本处于下游制作中, 而上游的品牌推广以及设计开发环节, 我国服装企业却很少涉及。因此, 如何转变当前的现状, 由“制造”向“创造”进行转变, 让拥有中国文化元素的服装走向世界, 并且形成独具魅力、世界认可的中国风格, 是我国服装产业当前面临的重要课题。

二、在现代服装设计中融入中国传统文化因素的相关原则

1、中国传统文化元素要建立在时尚潮流之上

在服装设计中, 中国传统文化元素要建立在时尚潮流之上, 进而将文化元素与时尚潮流完美融合。不能简单地进行拼接和复古, 在体现传统文化的同时, 还要满足消费者的需求和市场潮流。例如当前服装设计更加侧重于局部设计, 因此, 要以此为突破和创新点, 实现传统文化元素与现代设计的充分结合。

2、以中国传统色彩和传统纹样为切入点

在色彩和纹样方面, 不能依然停留在脸谱、中国结、青花瓷以及图腾龙等纹样上, 要充分挖掘我国传统文化的人文元素, 例如拉染、织锦、皮影以及水墨画等。实现西方时尚与东方玄妙的补充与融合。

三、典型传统文化元素在现代服装设计中的具体应用

1、脸谱的应用

戏剧是具有鲜明中国特色的文化艺术形式, 而戏曲中的脸谱更是为世界所熟知, 其色彩鲜明、图案丰富, 具有良好的装饰效果, 同时, 不同的脸谱还体现了人物的不同性格。在服装设计中, 个性化是设计的最基本元素, 每一款服装都有自身所表达的个性, 因此, 将脸谱以一种鲜明的艺术形式与服装设计充分融合, 可以体现服装的特色, 是时尚与艺术的完美结合。例如在2005年Valentino所展示的脸谱系列装饰, 其将脸谱扣饰装饰在包上或者衣服上, 充分体现了服装的品位和个性。脸谱在服装设计中可以采用印染、刺绣以及贴布等工艺方式, 而采取的工艺方式不同, 其脸谱的表现效果也不相同。例如采取刺绣工艺, 其可以通过现代的排线手法, 体现脸谱的反光效果、不平整纹理以及深浅色调, 而采取贴布工艺, 则体现了脸谱的大气雍容。

2、剪纸的应用

剪纸是我国传统民间艺术, 体现了浓郁的地方文化, 其深刻的内涵和丰富的情感, 受到服装时尚美学的青睐和欢迎。在2013年的巴黎时装周上, 我国著名服装品牌“夏姿·陈”就将剪纸文化与服装设计充分融合, 作品大量运用了精准对称、缕空及雕刻的线条, 用近乎程式化和符号化的手法, 配备明艳大胆的色彩, 充分体现了剪纸艺术与服装设计的完美融合, 为世界奉献了一场彰显出我国传统古文化的服装盛宴。缕空是剪纸艺术最鲜明的特点, 更加强调遮和透的关系, 以往的刻、剪工艺并没有在服装设计中得到广泛的应用, 而由于制作难度较大, 很难大量生产。随着激光切割机等先进设备的引入, 为批量生产剪纸类服装提供了可能。

3、年画的应用

年画是我国极具特点的艺术形式, 其色彩强烈、艳丽, 通过对比色传递祈福、喜庆以及欢快的情感, 进而烘托出春节的热烈以及美好气氛。年画图案方向、疏密、大小以及位置的选择, 都要运用美学的相关方法和原理, 进而实现视觉的美感和协调。例如服装设计中应用年画的代表作品“一璇一玑”, 其参考年画“福娃”的特点, 应用于服装的胯部、腰部以及胸前等部位, 充分体现了女性身材的曲线美。整个设计理念在色彩方面更是运用了大胆的红色, 并且点缀了黑色、白色、绿色以及青色等色彩, 体现了浓郁的民族文化。在制作工艺方面, 可以选择通过印花的方法, 而近些年随着转移印花的流行, 一些具有年画特色的服装基本都采用这种制作工艺。主要操作如下:第一, 将色料印在花纸上, 第二, 对印花纸进行热处理, 将图案印在纺织品上;第三, 将其固定成为图案。这种方法操作灵活简单, 印花具有鲜艳的色彩, 并且体现了清晰而丰富的层次感, 具有较强的立体感和艺术性, 更加适用于服装装饰。

4、水墨画的应用

水墨画通过墨色的淡、重、浓、焦、清, 表现物象、产生变化, 进而带给观者以艺术体验。在服装设计中融入水墨画元素, 可以赋予服装以优雅的灵魂, 使其散发具有中国传统文化的浓郁气息。在2011年国际时装周, 我国著名服装设计师薄涛就以水墨画为主题, 带观众带来一场文化与时装的视觉体验, 并且受到世界时尚界的肯定和好评。在服装设计中融入水墨元素, 可以通过手绘的手法进行表达, 采用纺织染料或者丙烯颜料, 直接用毛笔画出, 当服装在模特身上摇摆的时候, 由于布料的半透明性, 仿佛水墨在衣服上流动, 充分体现出水墨元素的文化精髓。

四、结语

总而言之, 我国传统文化富含了中华民族的韧性以及人文精神。将传统文化与现代服装时尚美学进行完美的融合, 可以充分体现服装的民族性和文化性, 赋予服装以灵魂, 带给穿着者以及观赏者美的体验。

参考文献

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时尚的美学分析 篇2

谈及时尚, 人们普遍认为它应该具有新颖奇异、快速变化的特点, 也正因为它的变化性和不稳定性, 人们才会对它琢磨不定、难以把握。事实上, 时尚作为前沿观念和新奇创意的载体, 更应该被看作是一种传播的形态。正是因为时尚具有瞬息万变的特点, 这种传播形态呈现出的是一个过程, 因此时尚就是一个传播的过程。时尚的生成、传播再到消亡的过程, 就是时尚的生成机制。时尚对于大众而言, 是一种群体与群体间相互影响、互相作用的过程。具体表现为一个群体制造并引领时尚, 而另一个群体追逐并模仿时尚, 当时尚衍变为流行时, 时尚制造者便主动放弃该时尚转而创造新的时尚, 这就是时尚传播的简要过程。从中可以看出, 时尚其实处于两个阶层的相互关系之中, 具有阶层区隔的作用。

一种时尚要生成必须具备两个基本条件, 一方面要有一个创造时尚的群体, 在社会阶层分化中, 这一时尚创造群体往往处于社会较高阶层, 他们通过创造新的观念或者新的生活方式来维护自己较高的社会地位, 从而与较低阶层区分开来。上层社会只有不断推陈出新引领时尚发展的潮流, 才能始终维护自己的尊严和地位, 保证自己的领导者角色。另一方面, 处于较低阶层的群体要对较高阶层群体所创造的时尚有模仿、追逐的欲求和能力。只有上层社会创造的时尚对较低阶层的人产生吸引力, 中下层社会的人才会开始追逐这种新的风尚。当然最为重要的是, 下层社会的人要有能力或实力来追逐这种风尚, 即要有追逐上层社会创造的时尚所应支付的金钱成本和时间成本。从这两项基本条件可以看出, 在时尚生成机制中有较为明显的阶层区隔特点。上层社会制造时尚, 下层社会追逐时尚, 时尚连接了两个阶层之间的审美风尚, 使两个阶层之间具有交流的可能性。不过在这种交流中, 上层社会处于被动交流的一方, 下层社会则处于主动交流的一方。从表面上看, 上层社会似乎不愿意与下层社会进行直接的交流, 但从上层社会创造时尚的动机来看, 其实他们最希望扮演的正是这一被动交流的角色。他们只是借助于不情愿的高傲姿态来掩饰内心的激动, 毕竟经营和维护上层社会的地位是他们的一项长久工作。需要说明的是, 只有社会阶层存在于流动的社会中, 时尚才会在各阶层之间传播。如果一个社会的社会阶层已经固化, 各个阶层之间的生活方式和日常行为存在严格的限制, 那么上层社会即使创造了具有吸引力的时尚, 下层社会也无法实现对这一时尚的追逐。事实上, 在这种阶层严重固化的社会中, 时尚存在的可能性微乎其微, 因为上层社会与下层社会接触交流的可能性较少, 所以时尚不可能在两个阶层中流动并传播, 即使上层社会出于满足偏好的目的, 发挥着自己创造时尚的才能, 这种时尚也只会在上层社会中小范围传播, 而表现出的更多的是上层社会群体间的攀比心理。

由时尚的生成机制可以看出, 时尚的传播促成了审美权利的获得与拓展。上层社会因为垄断了审美资源而成为制造时尚美的权威者及专有者。当上层社会放松了对一种时尚潮流的约束时, 这一时尚潮流便开始往下层社会渗透和传播, 使下层社会的群体能够享受这一时尚美, 这就是审美权利的获得与拓展的一种表现。然而我们是否应该因此而感谢上层社会给下层社会带来了享受时尚美的机会、维护了下层社会的审美权利呢?事实上, 正因为上层社会垄断了制造时尚美的资源才得以标榜自己是时尚美的开拓者。从平等的角度而言, 这些时尚美的资源本应该属于所有阶层的人。所以, 从某种意义上说, 上层社会剥夺了其他阶层享受时尚美的审美权利, 毕竟每个人都应该有享受时尚美的审美权利。不过, 上层社会因为财富或者身份原因使自己享有较高的社会地位, 而这种社会地位带来的社会阶层之间的斗争又是整个人类社会发展的动力, 所以只要社会阶层的区隔不消失, 上层社会就始终能够垄断一部分美的资源, 时刻扮演制造时尚美的审美权威的角色。当然, 只要社会阶层始终保持流动性, 时尚就能沟通两个阶层之间的审美风尚, 成为拓展广大群体审美权利的有效途径之一。此外, 时尚往往与权势或者资本结合, 以保证其自身的尊贵和高尚地位, 所以时尚能承载众多有关“美”的丰富资源, 通过资本和身份的包装彰显其新潮和奢华。

值得注意的是, 在时尚的制造或者设计中存在这样一种现象, 即掌握时尚资源的时尚设计者会到下层社会中找寻灵感。这种源自下层社会的灵感保证了时尚拥有广泛的社会群体基础, 使之能在时尚传播中被下层社会所吸引。比如, 某些奢侈品牌服装的性感、颓废风格就源自于红灯区性工作者的撩人装束。当然, 在如今这个崇尚个性和自由的时代, 各个阶层间的时尚品味差别在逐渐淡化, 人们更愿意遵从自己的想法来表现属于自我的时尚。这种具有民主色彩的时尚打破了思想禁锢和阶级差别, 完全从遵循自己个性的角度出发, 把个人的自由意志提升到了更高的层次加以修饰和展现, 是一种不同于过去的“民主时尚”。可以说, 时尚的生成机制也在一定程度上朝着更加尊重自我、崇尚自由的民主方向转变, 这也是现代社会时尚发展的新趋势。不过, 现代社会的经典时尚, 或者说是更具有广泛群众基础的时尚, 仍然在按照传统的时尚生成机制运行和传播, 所以, 时尚作为拓展审美权利的重要作用仍值得肯定。

二、时尚传播:审美趣味的变更

审美趣味是指在一定时期、一定范围内社会群体所形成的具有普遍意义的审美愿望、审美追求。审美趣味通过一些具有广泛群众基础的审美事物或审美现象等来体现。审美趣味的传播能够使广大社会群体跟上时尚发展的审美追求, 使更多的人感受并享受到美。

时尚作为一种承载了丰富审美资源的审美表现方式, 本身就是一种审美趣味, 只是这种审美趣味还处于刚刚生成、有待传播的阶段, 还需要得到广大群众的认可和追逐。时尚传播的目的是引领一种审美风尚, 满足社会群体的审美需求, 所以时尚传播的是一种审美趣味。而频繁更新、始终变幻的特点使时尚承载的审美趣味始终保持新鲜度, 让社会群体能不断享受各种风格的审美趣味。时尚也丰富了社会群体的审美体验方式, 使社会群体的审美权利得到了最大限度的拓展。因此, 通过时尚传播审美趣味是维护和拓展审美权利的一种方式。此外, 时尚把求新求异作为自己的发展动力, 借助于快速的转变模式来使自己与流行区别开来。正因为时尚这种不断变化的特点, 使它所承载的审美趣味能在较短的时间内更迭转换。时尚快速变化的特点决定了时尚美也是不断变化的, 但并不是所有新出现的时尚都一定承载着某种审美趣味, 即使一种新的时尚承载了某种审美趣味, 这种审美趣味也不一定具有价值。一种审美趣味的价值是需要时间来检验的, 大众只有在经过一段时间的了解和适应之后, 才能最终决定是否接受这种新出现的审美趣味。此外, 审美趣味在一定时期内也是稳定的, 大众只有在对现有的审美趣味感到枯燥乏味和审美疲劳时, 才会去呼唤新的审美趣味出现。也正因为人们的审美趣味具有较大的差异性, 每个人都会从自己的审美偏好角度决定接受哪种类型的审美趣味, 所以各种类型的审美趣味才有存在的空间。但从整个社会的角度而言, 大众在一定时期内的审美趣味一般是稳定的。由此可见, 时尚所承载的新的审美趣味并不会完全取代现有的审美趣味, 而只是会对现有的审美趣味进行补充或者丰富, 使现有的审美趣味在一定程度上作出改变或调整。只有新的时尚不断改变现有的审美趣味, 使现有的审美趣味呈现出新的趋势并获得大众的认可和接受, 新的审美趣味才能在某个时点完全取代现有的审美趣味, 开始引领一种全新的审美风尚。所以, 一种时尚所承载审美趣味的最终确立需要具备两个条件:其一是这种审美趣味需要通过时尚创新来促成审美趣味的更新;其二是这种审美趣味要通过时尚传播在大众群体中获得认可和接受。具备了这两个条件, 审美趣味才能最终实现转变。总之, 时尚承载着新的审美趣味, 时尚的不断更迭促成了审美趣味的转换。

三、时尚消费:审美化消费的体现

时尚消费是指把时尚作为消费的对象, 将时尚纳入到大众消费的对象中, 按照商业逻辑通过资本运作发挥时尚的消费潜能, 最终满足大众对时尚的追求和对时尚美的享受的一种消费方式。时尚往往预示着前沿的生活方式, 人们对时尚特有的追逐心理促成了这种生活方式的推广, 当时尚作为一种消费对象进入到大众的消费视野中时, 时尚所引领的生活方式便创造出了一个广阔的具体消费对象群, 这些消费对象构成了时尚消费的主体。

时尚作为一种传播机制, 从根本上说传播的是一种新的审美趣味, 因此, 时尚承载审美趣味并最终促成审美趣味转换的这一功能决定了时尚消费其实是一种把美作为消费对象的消费形态, 即一种新潮审美趣味的审美化消费。审美化消费是指在消费过程中呈现出了审美化的表现方式并且旨在通达审美自由的新型消费形态。审美化消费过程中所表现出的审美化倾向是美学和艺术向日常生活的扩展和渗透, 消费过程中呈现出的审美幻象和审美体验是对消费的物质层面和精神层面的提升, 消费正在向着更符合消费者行为需求和心理需求的高层次发展。审美化消费将审美的原则运用到了消费环节中, 并且在消费过程中通过商业手段将审美价值转化成为经济价值, 所以审美化消费是一种新型的消费模式。这种新型的消费模式主要表现为三个方面:其一, 消费被提升到了审美的高度, 消费者的消费过程成为了审美的过程, 消费过程中发生的行为都伴随着不同程度的审美享受;其二, 审美贯穿于消费过程中, 消费者的精神享受得以提升;其三, 审美与消费相互渗透和互动, 使消费收益得以较大提升。在这三方面中, 第一方面是把消费过程的“新”这一角度作为出发点, 客观描述了消费过程中的审美行为, 第二方面从消费者的角度叙述了消费者在消费过程中的审美享受及审美收益, 最后一方面则是从最终效果的角度评价了消费者和商家通过审美化消费获得的收效。所以, 审美化消费建基于商业逻辑, 遵循着审美的原则, 是一种具有人文关怀的新型消费模式。

时尚消费反映了审美化消费的特点, 通过消费系统中的各个环节实现审美价值向经济价值的转化。对时尚消费而言, 这种价值的转化表现得尤为明显, 从时尚的设计、传播到营销的各个方面都清晰地反映了审美价值向经济价值转化的过程, 这是由时尚消费的两个主要特点决定的。第一, 时尚是所有消费对象中唯一的, 也是最能代表前沿消费动向的对象, 时尚消费预示着某种时尚有可能在未来一段时间内成为大众最热衷和最痴迷的某种流行事物或行为。只要时尚通过普及和宣传最终获得了大众的认可和青睐, 时尚就可以成功演变为流行, 刮起一股流行的旋风。所以, 时尚消费的市场潜力巨大, 具有较强的引领、示范作用。时尚演变为流行之时, 就是时尚消费市场爆炸性扩张之时, 因此, 时尚消费能清晰、全面地反映消费市场的所有特点, 也能最好地代表包括消费对象、消费方式、消费者心理和行为在内的消费综合指标的最新动向。第二, 时尚承载的是一种新的审美趣味, 这种审美趣味需要通过各种手段、各种方式全面地呈现给大众, 从而获得大众的接受和认可。既然时尚消费旨在将时尚推向大众消费市场, 那么时尚消费系统中的设计、传播、营销等各个环节便可以充分展现出新的审美趣味, 甚至是极致化地表现审美风尚, 而目的就是让消费者能全面、真切地感知和体验到新的审美风尚, 并在感知和体验的过程中逐渐接受和认可, 进而对这一时尚趋势产生消费意愿并发生消费行为, 最终实现审美价值向经济价值的转化。

综上所述, 时尚产生于社会阶层具有流动性的社会中, 上层社会为维护自身的社会地位和高尚品位而创造并引领时尚, 这种时尚趋势逐渐向下层社会渗透并传播的过程构成了时尚的生成机制。时尚的生成是大众审美权利拓展的表现, 它让更多的人享受到了原本被审美权威所垄断的时尚审美资源。而时尚的传播则促成了审美趣味的变更, 满足了人们对新的审美趣味的需求, 时尚的生成与传播让更多的人享受并体验到了时尚美。受日常生活审美化的影响, 当前的时尚消费也表现出了审美化的倾向, 而时尚消费正是审美化消费的具体体现, 时尚消费全面阐释了审美化消费过程中审美价值转化为经济价值的过程。

摘要：时尚产生于各社会阶层具有流动性的社会中。上层社会为维护社会地位和高尚品位而创造并引领时尚, 这种时尚趋势逐渐向下层社会渗透并传播的过程构成了时尚的生成机制。时尚的生成是大众审美权利拓展的表现, 而时尚的传播则促成了审美趣味的变更, 时尚的生成与传播让更多的人享受并体验到时尚美。当前的时尚消费表现出了审美化的倾向, 时尚消费是审美化消费的具体体现。

参考文献

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近代美学变迁与服装角色转变 篇3

服装的变迁总是伴以社会变动, 以激烈的阶级斗争和政治斗争、美学创新为依托的。工业化、新技术、新工艺的发展;持续城市化进程不断改变着服装潮流发展, 美学中的“现代性”揭示着作为艺术的服装与作为日常用品的服装之间的关系。

德国思想家韦伯认为, 西方现代化实际是一个合理化或理性化的过程, 从古代那种浑然不分的宗教—形而上学的社会分化的历程。现代化本质上是一个文化自身合理化或自律存在的过程。在此基础上韦伯区分了三种文化价值领域:认知—科学技术、道德—法律道德、审美—审美艺术。服装作为艺术与实践与社会变化的一部分内容, 同样具有自身规律性与科学、道德、审美的多层含义。

科技与服装

科技的发展、工业进步、传统的手工业作坊式生产迅速被大规模机械化生产取代。缝纫机的发明使服装批量生产成为可能。查尔斯沃斯以贵妇为对象在巴黎开设了第一家高级时装店。

历史背景与服装

拿破仑称帝时期, 在文化上主张古典艺术的全盘再现, 导致法国宫廷中文艺复兴风潮的回归。“帝政时期”的女装, 是前一时期新古典主义样式的延续和发展。衣服的重叠穿用是这一时期女装的特色。男服的发展基本沿袭了18世纪中期风格, 绣花丝绸上衣在设计和耗资上都体现了奢华的特点。但是, 与宫廷服装相对的普通男服不再那样华丽了, 基本样式由三件套构成。外衣、马甲、衬衫、马裤。燕尾服作为礼服被广泛穿着。战乱与忙碌使得大衣成为男服中重要的款式。

道德审美与服装

城市化进程不断加剧, 匿名性驱使人们努力寻找“他人”的本真性以及藏在表象背后的“真实”;另一种则是被城市的匿名性本质所激发的试图通过时尚与伪装来灵活利用技巧与外表的愿望。社会的进步, 个体的身份越来越不取决于他是否在一个稳定的社会秩序中占据某种固定位置:在现代社会中, 一个人和某一个群体的从属关系是可以被选定的, 而他的身份也是可以被捏造的。服装成为现代社会的一种保护, 时尚为伪装开启方便之门, 也为自我构建提供了丰富的可能性。

在19世纪, 女性被塑造成为道德的捍卫者, 因此她们必须是“诚实”和“真实’的.本真性的服装摒弃了多余的装饰, 注意力放在了穿着者本身上。浪漫主义伴随着19世纪兴起的中产阶级个人主义达到顶峰。他将“自然”置于社会和文化之上予以优先考虑, 在对它看来矫揉造作的东西发出尖锐挑战。在这样一种道德世界中, 认为个体在公共领域呈现出来的外表可以是和内在生活保持一定距离的游戏性表面文章已经属于过去。浪漫主义鼓励人们对自我和社会进行更加彻底的心理学想像。“新教伦理”认为, 个体逐渐被看作是意义与本真性的源泉。艾利亚斯认为, 那种善于自我克制、严格密封于个人的身体的内部自我, 是一种特殊的现代自我。正如, 在整个19到20世纪, 文明进程已经改变了我们对我们自己的身体的看法, 在这种改变导致了自我的更加心理化的版本。

20世纪服装潮流变化

现代化社会个人收益成为现代生活的共识, 身体的认同和身份变得越来越淡薄, 人们甚是开始欣赏匿名的状态, 从中得到乐趣;正如鲍曼、戴维斯、分科尔斯坦等人所指出过的现代性的一个重要方面即现代人的举棋不定的踌躇情绪。现代或后现代世界是一个混乱的社会大漩涡, 其特征就在于确定性的丧失, 在这个世界中, 生活的碎片化结果, 就是焦虑和身份认同的危机。但是, 正是因为时尚总是在不断变化中的, 才对服装的角色转换、重新整合提供了可行性。服装的角色转换目的是确定身份认同, 虽然同时伴随着身份的不稳定性。

在美学中, 以韦伯的分化理论为依托, 本雅明认为从膜拜价值到展示价值, 从独一无二的本真性到无穷复制性, 从有距离的审美静观到无距离的直接反应, 从个体的品味到群体的共同反应, 从永恒性到可修改性, 这些都是韵味丧落的历史表征。对于西方社会现代性的一种反思构成了后现代性的开端。自20世纪50年代以来思潮逐渐形成了后现代趋势。后现代主义思想家利奥塔认为:中心化的文化和社会已经一去不复返了, 非中心化是大局已定, 总体性被局部决定论取代, 甚至价值也呈现出多元化和相对主义的面貌, 异质的语言和规则普遍存在, 而且各自都有存在的理由。

服装的变化从现代生活的矛盾中摄取灵感表达了形象或风格的身份认同, 同时往往又削弱了个体自我的发展与社会合作的可能性。

20世纪以来服装中出现了代表现代服装的现代性设计。“时装”一词的出现不但赋予了文化产业的现代意义, 同样预示着各种服装款式、风格、工艺的创新。

受传统文化影响, 服装的现代设计中出现了各种艺术风格的创新与主题性的设计。这种符号—意义融入个人的设计之中造成了现代性服装格局。

泛古典主义风格服装、泛浪漫主义风格服装、后巴洛克艺术服装、后迪考艺术服装、现实主义与超现实主义服装、波普艺术与欧普艺术服装、极简主义服装、结构主义服装等成为服装设计与当代艺术结合的产物。在典型主题设计中:性主题、民族主题、复古、嬉皮士、朋克、未来风、中国风等同样成为体现现代主义服装分化与潮流的标志。

在50年代以后, 由于受到后现代美学思想影响, 后现代的服装设计师更加大胆地将脱离了原有情境, 丧失了原有涵义的各种服饰符号拆解之后混合使用, 设计出各种稀奇古怪、冲突强烈的服饰。在功能和意义上, 后现代服饰应用东方与西方、传统与现代、宗教与世俗、民装与女装的种种手法, 试图通过综合应用人类服饰丰富多彩的历史经验, 来实现对现代功能性服饰千篇一律的抵御和反叛。后现代主义服饰之所以是“折衷”的就在于它的服饰模式。但是, 其背后却存在着一些相对稳定的创作方法, 即不择手段、唯新是求。

19、20世纪美学的发展影响着服装的变迁。美学的发展影响着服饰文化的发展。服装由单一的保暖防寒、遮羞等原始含义发展成为社会文化的一部分。角色的转变伴随着人们思想意识的转变。在大众的参与与推动下服装学也不断完善着自身的意义。

参考文献

服装美学中的流行文化 篇4

美的衣服在某个社会或某种机能中,因时代的不同而变化成形形色色的款式和色彩,某种单一的款式和颜色来决定美的衣服是不可能的。但是在每个时期都会有一种或几种式样和色彩,符合了人们当时的生理视觉平衡和心理感觉平衡,因此出现了流行式样和流行色,符合了社会需求得到了社会的认可;进一步讲因为客观规律对人的作用,使人们的生理和心理产生了共鸣,产生了相同的偏好,时尚流行实际上就是单位时间内群体的喜爱偏好。

时尚流行历来对人们的影响很大,我国在服装方面,很早就有“夏后氏尚黑”的描述;殷商流行白色,周朝流行红色。春秋时,齐国风行紫色,齐桓公着上紫袍后,紫色的纺织品价格猛涨了十倍。唐朝黄色,宋朝绿色,元朝白色,明清的红色和黑色都是最流行的色彩。流行是在一定的空间和时间内为大多数人所认可并形成穿着潮流、是一种社会现象、反映了相当数量人的意愿和行为需求、体现了时代精神、生活方式、情趣爱好和价值观念。

二、流行周期

反复是一种自然规律。从宇宙天体的运动到地球生物的繁衍,从人类社会的兴衰到自身的生理变化,都在不停的周而复始的运动着。反复现象表现在流行中就是流行的周期性,每隔一段时间就会重复出现类似的流行现象。迪奥尔说:“流行是按一种愿望展开的,当你对它厌倦时就会去改变它。厌倦会使你很快抛弃先前曾十分喜爱的东西。”流行的服装能使人产生一种新鲜感和愉悦感,而流行过的款式和色彩却给人一种陈旧感,不被人所喜欢。这说明,流行的确存在着一种物极必反的意向性——某种倾向的东西在持续一段时间后,接着会出现完全相反的倾向。例如:衣服的长短、肥瘦、流行色等等。流行有固定周期,并可对其做出科学的预测。

服装流行的预测是一个非常复杂的系统工程,因为服装的流行是终极为敏感的反映着当时的政治、经济、文化、科技发展等社会内容。在不同的历史时期,这些内容都以不同的形式在一定程度上影响支配着当时的流行。因此,要预测流行,就必须首先研究这些社会内容的变化规律,探讨其与流行的关系。同时要认真研究过去的流行,总结各流行之间的因果关系和变化规律,并结合的社会环境的变化趋势和动向,以便准确推测出未来的流行。

但是,并不是所有的流行都能够理性的推测出来的。据说,有家工厂根据预测的流行色生产了一批布匹,染了色,但是这批布没有卖出去,全部积压在仓库里。这是根据统计判断失误的例子。这件事表明,某些流行是实证科学的处理得到的因素以外的因素而产生的。

还有,流行的反复性并不是指服装形式是完全一致的。有人预测今年的流行款式将与哪个年代流行的款式相同。于是,一些创造力不怎么样的设计师便把那个年代的衣服再现在人们面前。可是,由于服装款式与现代感格格不入,人们并不青睐它。因为无论今年服装的长短、外型轮廓跟几年前多么相似,但是与过去相比总是不一样的。流行乍一看来在形式上虽然似乎是重复过去的,但是再次出现的却是完全不同的东西。因此严格的说,所谓流行周期并非是绝对“周期性”的东西。

总而言之,套用迪奥尔的一句话:“流行具有自己的生命和存在的理由,它的存在理由就是为人们所爱好,希望吸引人这一愿望。”

三、流行现象

流行就是人们不约而同的选择,或者说是不由自主的选择,是人们群体的追求倾向。但是流行往往是受人们非理性感情支配的,这一方面的例子在服饰史中俯拾皆是。

比较典型的例子是中世纪末期欧洲服饰流行的情况。比如当时妇女头上流行又高又尖的帽子“汉宁”,帽子的高度以身份高低来定,最高的可达1米以上。男子服装夸张的更为厉害, “pigucc”是男子的鞋,早在13世纪,鞋头就变尖,到1350年鞋尖向长发展,14世纪末期达到高峰,最长可达1米左右,而且鞋尖的长短也是依身份高低来定,王族可长到脚长的2.5倍, 贵族可到脚长的2倍,骑士则为1.5倍,有钱的商人为1倍,庶民可到脚长的一半。因鞋尖过长,妨碍行走,所以,当时流行把鞋尖向上弯曲,用金属链把鞋尖栓回到膝下或脚踝处。1365年,查理五世曾颁布禁令,但仍未能阻挡这种时髦,一直持续到路易十一时期。

流行有时是由于某种契机而触发的。路易十四的爱妃由于打猎时风大吹乱了头发,便将头发梳理后盘在头上,再用缎带扎好,这样一番装饰博得了国王的喜爱。宫廷妇女竟相模仿这一发型,发展到了17世纪后半叶,出现了结发史上前所未有的高发髻,极端时可达三英尺左右,这种发髻用马毛做垫子或用金属丝做撑子,然后再覆上自己的头发和假发。但人们并不仅仅满足于把头发做高,还在这高高的发髻上挖空心思做出奇特的装饰物,如山水盆景、森林、马车、农夫、牧羊人、田园风光和扬帆行驶的战舰等。当时,为了不使高发髻的妇女跳舞时碰到吊灯,舞厅的天棚不得不加高,甚至连圣保罗大教堂下门入口的屋顶,也因此向上加高一、二米。

还有一些是有害于健康的流行,但也制止不了。18世纪妇女使用的紧身胸衣就是其中的一个例子。16世纪后半叶,女性的细腰成为表现女性性感特征的重要因素,欧洲妇女从幼年开始就不分昼夜的在里面穿着紧身胸衣。初期的紧身胸衣是用铁或钢制作的,对人体的骨骼有很大危害,当时,有许多医生和思想家极力反对穿这种衣服,可是这种流行一直持续到18世纪末。再有19世纪初的帝国女服,这是用叫做莫斯林的薄软绢绸做成的长袍,许多人为了赶时髦,在冬季也穿这种薄薄的长袍,因此不少人得了肺炎,被叫做“莫斯林病”。在1803年终于在巴黎酿成了一场流行性感冒,多人因病去世。还有中国的“三寸金莲”,给中国的几代劳动妇女带来精神上和肉体上的伤害,这一切都是在人们非理性情感支配下表现出来的。

现代人对于时尚的追求,也在达到了痴迷狂热的程度,一阵流行风刮来,使得尘世中人不约而同的走入流行的行列。从人们的思想观念认识,到生活方式的变更;从人们的言谈举止,到争先恐后的行动;从人们的吃、穿、住、用、行,到学习、工作、娱乐、休闲。时尚的潮流驾驭着人们在历史的列车中旅行着……

四、流行意义

康德在“人类学”中对趣味的人类学进行考察时,就流行的问题论述说:“在自己的举止行为中,同比自己重要的人进行比较,这种模仿的方法是人类的天性,仅仅是为了不被别人轻视,而没有任何利益上的考虑,这种模仿的规律就叫做流行。”流行的形成是缘于某种契机和钻研,又得到少数著名人物的支持,并为广大群众所模仿、夸张和推广。

接着康德又指出,“凡是在外表形式上狠下工夫的,其外表形式往往是奇特的,或一部分落入别一人讨厌的巢臼。这是宫廷里的人们,尤其是贵妇人的作法。于是,别人也会受其所爱,即使在他们抛弃了这些形式之后,下层阶级在相当长的时间内还会为这些形式所吸引。”这种情况在中国古代也有过,如在《后汉书》中写到:“城中好高髻,四方高一尺,城中好广眉,四方且半额。”这同上述芬坦久发型的流行很相似。康德还曾就流行意在标新立异这一点论述道:“一切流行就其概念而言,已是易变的生活方法。因为模仿活动一旦被固定下来就会成为一种习惯,这时就没有任何兴趣问题而言。所以,新奇是满足流行所需要的东西。”

流行在人间演奏着一曲曲动人的乐章。流行既神秘又平常,它已成为现代社会文明的象征,许多人在追寻流行,应用流行。流行是直接反映时尚变更的一个方面,体现了时尚的转变,同时流行也是具有心理学特征的时尚现象。人们对于流行的偏好往往都带有许多心理上的折射,同时它也是时代的内涵在人们心理上的投影与写照。

摘要：流行现象本身同时又是一种传播现象,具有这样一些特征:生命周期短、影响力大、一段时期被特定的人群强力崇尚、具有群体性或社会性、具有自发性和盲目性。

现代服装时尚美学 篇5

出版社:华中科技大学出版社

出版时间:2015年9月1日

现代经济的高速发展膨胀了人们的生活欲望与焦虑,忽视和遗失了生活的真谛所在。繁复和造价高昂的欧式风格、美式风格错误地将人们的审美情趣引入了形式大于体验的极端。为此,本书以“生活美学”为基准点,通过港台名家的家居空间设计作品来力求探讨现代家居生活所应具有的状态和人文感受。

服装设计中的朴素美学解析 篇6

魏晋以来, 表现作品清新自然、淡泊宁静气质的“初发芙蓉”逐渐成为主流的审美追求, 南朝梁·钟嵘在《诗品》中评论道“谢诗如芙蓉出水, 颜如错彩镂金。”其中“芙蓉出水”指的就是素朴、自然、简约的风格。中国传统美学中“天真”“自然”“平淡”“质朴”等范畴, 虽然在表现形式上有所不同, 但都追求自然本质美。在造物活动中, 作品最完整的体现既要浑然天成、顺乎自然, 又要达到合目的性、合规律性的高度统一, 追求无为而无不为的境界。外表上的朴素无华体现“绚烂之极归于平淡”, 看似简单浅显, 但实则含蕴丰富, 单纯中隐含着丰沛, 质朴中透出真意。

素朴大方、至纯至简的出水芙蓉之美与人们崇尚回归自然、向往原始本真的心情相呼应, 散发出独有的文化魅力。以朴素美为特征的服装从面料、色彩到造型和意境等方面传达“尚朴”的文化意蕴, 体现淡泊雅致的气质, 达到形式与内容的和谐统一。

一、朴素的面料美

道家美学认为, 美是自然之美, 本性不加装饰之美, 大象希声、大象无形是艺术的灵魂。朴素与自然有着天然的联系, 朴素之美是自然之美的体现。

在服装设计中, 朴素美的表达需要发掘材质的天然美感, 返璞归真, 同时配合造型和款式的单纯和简约。

服装面料是体现服装整体特征的重要角色, 无论服装的造型还是服装的色彩, 都依赖材料来实现, 它是设计理念付诸实施的载体。在服装的设计过程中, 需要从原料构成、组织肌理、表面色泽、物理性能等多方面认真体会, 在设计中表现出面料的天然质感。每一种面料都有自己的语言, 面料要发挥本身的特质, 融入服装成为风格表达的有机组成。

服装面料的朴素美可以从多方面体现。首先, 选择以天然纤维为主要成分的面料, 如棉、麻、丝、毛等, 或者有机天然纤维、绿色纤维等制成的面料, 这些面料穿着舒适, 质感自然, 对环境的污染较小。其次, 在面料肌理的处理上, 不用附加多余纹饰, 减少图案, 追求清新、质朴。总体而言, 质地柔和且无光泽的面料更显朴素;面料的后整理中, 通过水洗磨毛等方法可以作出怀旧和质朴的效果;一些新型的面料, 如玉米纤维、牛奶纤维等, 用其制成的服装柔软、轻薄、自然悬垂, 服装轮廓舒展, 有柔和自然的美感。

在面料朴素美的体现上, 服装品牌“天意”的体现非常突出。天意的设计师将“天人合一”的追求贯穿于设计、生产和营销的各个环节, 在服装中大量运用麻、棉、丝、毛等天然面料, 尤其是中国非物质文化遗产“莨绸”的开发和使用, 取材天然, 以手工方式制作, 肌理和质感具有独特的自然美感。

二、朴素的色彩美

中国的传统色彩文化中, 朴素的色彩美别具特色。老子认为“五色令人色盲”, 在道家人的眼中, 质朴纯粹的色彩为美之极致。朴素的色彩是对自然的追随, 体现了洗净繁华后, 摒弃绚丽外表、追求内在的精神体验。在朴素美学影响下的艺术和设计领域在色彩上以淡为尚, 明度和纯度低, 清净雅逸, 别有风趣。如宋人的陶瓷色彩“静谧雅素”, 青白瓷更是以其“光致茂美”、“如冰似玉”的釉色名满天下。把这种清淡、自然、娴雅的色彩运用到服饰中, 能够表现出清雅、恬静, 端庄的气质, 体现浑然天成、内敛而不张扬的朴素美。

“自然”给人朴素的联想, 所以朴素美的服饰色彩通常从自然中选取。例如:选用纤维材质本原色, 利用材料本身所具有的天然色彩, 不施以人工着色;自然界中天然存在的色彩也是朴素美学的色彩来源, 如大地、木头、岩石、植物等的颜色, 会给人朴素的印象。

朴素美学的服饰色彩设计通常从以下几方面考虑:色彩的三要素配合要得当, 明度低、纯度低的色彩, 弱对比的色彩感觉质朴、古雅。单纯、低调的颜色会带给人们安静感, 如灰兰色、灰米黄等颜色对人们的视觉冲击弱, 具有温和、沉稳的气质。无光泽的色彩适合表达质朴的效果, 通常以面料的织造肌理形成黯哑的效果, 或者经过水洗做旧工艺实现。在色相方面, 冷色给人沉静、内敛的感觉;相较于有彩色系色的华丽生动, 无彩色系色具有质朴感;相对于多种色彩的搭配, 配色少的服饰给人简单、自然的朴素感。

服装品牌江南布衣 (JNBY) 的设计风格追求“自然、健康、完美”, 其产品的材质以不同肌理、质感的纯天然面料为主, 把沉稳雅致的颜色如棕、绿、兰等作为基本色系, 凸显了与自然相容的理念。

三、朴素的造型美

朴素之美中, “朴”更多地注重作品的自然与真实, 墨子尚“质”、尚“用”, 摒弃华而不实、矫揉造作。尚朴不仅仅是“简化”, 而是功能性与审美性的完美结合, “文”与“质”的统一协调。朴素美学中的造型设计以简洁、自然、含蓄为特点, 注重实用, 关注本质和功能, 常从经过岁月考验和沉淀的“经典”与“日常”中学习。

中国文化是儒、道、释为基础以天人合一为理念的和谐文化, 服装宽衣博带、遮掩人体, 强调均衡对称统一, 以规矩、平衡为美, 在造型上要求含蓄、内敛、不夸张。道家认为自然是人类最理想的状态, 服饰造型应顺应自然, 趋向自然, 展现自然的人格精神。服饰的造型宽松、离体、无束缚, 在与自然贴近的过程中, 使人们身心自由, 无拘无束, 形成休闲惬意、轻松自在的舒适感。

现代服装设计中, 朴素的造型用简单的形式语言, 表达服装的整体韵味, 既考虑穿着者本身的形体、气质, 又考虑服装与人体的协调关系。朴素的服装造型设计以人体为基础, 在服装的外轮廓结构、内部线条组织以及部件设计上注重简洁实用;廓形自然、流畅, 舍弃繁琐复杂的分割、多余的褶皱和不必要的结构线。艺术心理学认为:越是简单的图形, 越具醒目的视觉效应, 服装造型的简洁, 增添了朴素美的内涵和表现力, 突出了单纯的视觉效果。

朴素美学的服装造型注重经典实用, 在设计上强调以人为本的功能性, 注重结构和形式、功能与形式的完美结合, 追求造型、面料、色彩、结构的和谐统一。朴素美学的服饰造型设计推敲斟酌每一个细节, 以小见大是其特点。

网络服装品牌“本相织物”以“着初相, 衣本素”为设计理念, 追求事物最原始的形态, 即“本相”, 其服装以最简单的款式、最基本的形态表现服装纯朴的一面, 同时也让穿着者展现出自己的自然和真实。

四、朴素的意境美

朴素的审美观追求深远的审美意境, 影响了众多艺术和文学创作领域。朴素美学精神意境的特点是“返朴归真”, 朴素美学的作品以静化动, 突显生命的内在活力。

服装意境用“形”与“态”来表现“意”。服装的朴素美意境要求设计不仅仅停留在外在的物的层面上, 更要上升到主观的精神的层面上, 表达特有的意境, 追求质朴的回归和素雅平淡精神境界。服装朴素意境美的呈现需要把握“素”与“朴”的精髓, 结合面料、材质、造型和色彩等多方面的考量, 结合穿着的方式和姿态、穿着装的整体形象设计、穿着的场合等, 融合朴素美学的理念, 营造深邃的精神空间和无限回味的意境美。

我国著名设计师吴海燕的礼服作品“富春山居图”整体把握人与自然、人与人、人与环境的和谐统一, 体现情与景交织的朴素典雅。作品以灰、白、黑三色为主色, 春水、丘林和山峰的虚实、疏密变化呈现出丰富的精神内涵和中国特有的意境, 山水的自然美感给人无限的想象空间, 形成的服装是淡雅、朴素的意境美的情深呈现。

结束语

朴素美是中国传统美学的重要范畴之一, 其独特的精神理念和悠久的艺术创作成为服装设计的宝贵借鉴。把握朴素美的内涵和形式法则, 在材质、造型、色彩和意境等方面掌握朴素美学的精神实质, 体现朴素美的独到神韵, 能够为服饰设计增添美学内涵, 使服装设计的方法得到扩展和丰富。

参考文献

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[2]叶朗.美学原理[M].北京:北京大学出版社, 2009

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[4]黄能馥, 陈娟娟.中国服装史[M].上海:上海人民出版社, 2004:1-2.

[5]华梅.中国服饰[M].北京:五洲传播出版社.2004.

浅谈中国古代服装设计的传统美学 篇7

在中国古代封建社会服饰作为统治者的标志因此有严格的等级区别, 使服饰成为政治权利与宗教神权的专属物。据《周礼》所载, 周朝不仅有服饰等级制度, 而且还专门设“司服”一职, 掌管服饰的实施, 安排帝王的穿着。到了汉代, 冠帽也是区分等级差别的基本标志之一。 (1) 色彩是服饰的灵魂然而色彩也成为封建统治者的权利象征。西周时称奴隶为黎民, 黑色被看作是低贱的, 因而奴隶只能穿黑色衣服。公元630年唐太宗制定了一至九品官员的服色:一品官员是红色袍, 二、三品是紫色袍, 四、五品是朱色袍, 六、七品是绿色袍, 八、九品是青色袍等。 (2) 在特定的政治、经济下的集体化、制度化、组织化都意味着“皇权意志”, 所以对于服装的款式、色彩、图案的变革和设计都必需经过当局统治者的认可和“钦定”并依据衣规服制典范而产生。从先秦至明清这一段时期总得来说服装的发展都是循规蹈矩的, 相对封闭和保守的。但就是在这一时期创造了服饰艺术的辉煌。如商的“威严厚重”, 周的“秩序井然”, 战国的“清新”, 汉的“凝重”, 六朝的“清瘦”, 唐的“丰满华丽”, 宋的“理性美”, 元的“粗壮豪放”, 明的“敦厚繁丽”, 清的“纤巧”这些都是体现不同时期的辉煌的艺术设计风格。以上的审美倾向、设计理念它们并不是“无须有”的、莫名产生的, 都是根据特定的社会文化背景而必然存在的。时代的不同, 人们的审美情趣、审美意识也不同了。服装一旦离开了时代感, 便失去了美的光泽。 (3) 车尔尼雪夫斯基说:“每一代的美都是而且也应该是为那一代而存在:它毫不破坏和谐, 毫不违反那一代的美的要求;当美与那一代一同消逝的时候, 再一代就会有它自己的美、新的美, 谁也不会有所抱怨的。今天能有多少美的享受, 今天就给多少;明天是新的一天, 有新的要求, 只有新的美才能满足它们。”“技进乎道”, 从实际操作的高超技艺中可以归结出美的规律“道”。技艺的神化, 进乎道, 亦出乎道, 道是技的立足根本, 技是道的外在表现和激发因素。这种道与技的辨证关系, 是应该为现代设计师所把握的。

制作服装除了设计颜色、款式、图案以外, 最重要的是面料的选择。我们有很多具有中国特色的面料, 如:丝绸、棉、亚麻、印白花毛蓝布等。面料又有软硬之分, 还有面料上的纹样的变化。进入到21世纪, 设计师们都能清晰地认识到:设计的重点不能仅放在款式的变化及色彩的搭配上, 这样让设计的发展变得很局限, 从而满足不了人们追求服装美的需求, 必须从多方位来解决问题, 于是设计师们开始将目光转向制作服装最基础的面料上。所以兴起了一股对面料进行再造的风尚, 如:在2005年第四届 (青岛) 国际时装周上, 来自欧洲、日本、韩国、香港、台湾、上海等地近10位著名服装设计师参加了作品发布会。参加的每位设计师的作品都各具特色及自己的风格, 充分代表了近年来国内外服装设计发展的水平。其中以日本著名服装设计师菱沼良树的作品尤为突出, 因其大量采用了将现代时尚元素与高科技数码印花技术、先进的织造和后整理技术融为一体的面料, 在观众中产生了极其强烈地反响, 更给业内人士留下了深刻印象和“面料是服装的主体、灵魂、支柱”的启示。这也说明要与时俱进, 传统美学与现在高科技的结合才能使服装设计有创新, 能不断的发展走得更远。这是一个很好的列子, 我们应该得到更多的启发。由于最近的环保意识盛行, “绿色设计”被更多的设计师运用。其中大部分的设计师都选择用中国传统的面料进行面料的再造, 产生出奇妙的效果。特别是棉、麻、丝绸等面料的运用, 有古韵而不失时尚感。

结束语

民族的才是世界的, 中国有五千年悠久的文化历史积淀。中国风近来盛行, 并且越来越受更多设计师们的喜爱, 他们按自己所理解的中国传统文化及其美设计出了一批优秀的作品。我本人深爱中国风格和中国的传统美学, 希望能进一步的获取其精髓加上现代的高科技能使其发扬光大。

参考文献

[1][2][3]《现代实用服饰美学》王金海[M]重庆:重庆出版社, 1986

[1]《美术大观》——《浅论影响当代设计的中国古代美学思想》刘军[J]辽宁:辽宁美术出版社, 2006, 第10期.

[2]《判断力批评》康德[M]北京:人民出版社, 2002.5..