演奏设计

演奏设计（精选12篇）

演奏设计 篇1

对于一个电子、单片机及音乐爱好者，如果能自己设计和制作出一个智能型的多功能音乐演奏器，会有一种很大的成就感和满足感。在二十年前就有很多的电子爱好者，用TDA2030集成电路芯片作为功放，制作音响器材。如果用单片机做控制器，结合TDA2030的应用，就可以非常方便地做出具有放音、录音、演奏的智能型音乐演奏器，给单片机爱好者、电子爱好者、音乐爱好者带来很大的乐趣和成就感。文章中就是利用了MCS-51系列单片机AT89S52，结合TDA2030和语音芯片ISD1760，完成一个多功能智能型音乐演奏器的设计。

（一）系统方框图及功能

1. 系统方框图

系统方框图如图1所示。

2. 系统功能

可以完成音乐盒的功能和音乐演奏器的功能，由按键完成各种功能的选择。系统一接上电源，或在工作的过程中按下复位按键，就选择音乐演奏器的功能。系统中设计有十六个按键作为作为音乐演奏器的音符键，按下某个音符按键时，则单片机的一个I/O引脚输出对应于一个音符的频率的脉冲信号，通过TDA2030推动喇叭，就能发出一个音符的声音，按照一首乐曲的乐谱进行按下键盘上的对应的按键，就可发出了一首曲的美妙声音，完成电子音乐演奏器的功能。按下中断按键，就选择音乐盒的功能，这时单片机执行音乐盒放曲程序，由单片机的一个I/O引脚输出音频脉冲信号，通过TDA2030推动喇叭，发出优美的乐曲。此时可由录音芯片先播报乐曲名称。通过对语音芯片ISD1760的操作，按下录/放音电路中的录/放音按键，可以实现对演奏的音乐进行录/放音功能。

（二）系统电路图

1. 单片机控制部分电路图

单片机控制部分电路如图2所示。

1.录/放音电路图

录/放音电路如图3所示。

（三）音符频率

1. 音符频率

对应不同的音调，音符的频率有所不同。同一音调下，各音符的频率值的数学关系是等比级数关系，公比为

不同的音调，音符的频率见表1所示。

2. 音频脉冲信号的产生

由单片机的一个I/O引脚输出音符的脉冲信号，通过TDA2030推动喇叭，就能发出一个音符的声音。通过单片机内部定时器定时来控制单片机的I/O引脚输出信号的变化频率，实现音频脉冲信号的频率要求。

系统中利用单片机的内部定时器/计数器，设它工作在方式1，定时中断，控制P2.0引脚的输出信号在定时时间一到就取反，就可以在P2.0的引脚输出相应的方波频率信号，改变计数初值就可以改变频率。定时器的定时值为某一音频的周期(1/频率)的1/2，定时时间到就将输出脉冲取反，就可在P2.0脚上得某一音频的脉冲，根据音符节拍重复此过程，就可得到维持一定时间的某一音频的脉冲，喇叭就能发出一段时间的一个音符的声音。若一个音符的频率为f音(Hz)，单片机系统的晶体振荡器的振荡频率为fosc，则定时器的定时时间=1/2f音，定时器的初值为=216-(1/f音)/(12/fosc)。设计程序时，给各音符编码，由编码查表，得到要放音音符的定时器的初值，从而控制方波信号的频率就可让喇叭放出各音符的声音。

（四）节拍的产生

用作音乐盒时，曲目中各音符的节拍用延时时间产生。例如，1拍=0.4s, 1/4拍=0.1s，从此类推;假设1/4拍执行一次延时程序，则1/2拍就执行两次延时程序，所以只要求出1/4延时时间，其余的节拍就是它的倍数。由于不同的音乐每小节的拍数不同，可以适当调节一个延时时间的长度。

用作演凑器时，由敲击键盘的时间来产生各音符的节拍。

（五）系统软件设计

在主程序中进行音乐演奏器的功能，当按下外部中断0的按键时，单片机响应中断，在中断服务程序中完成播放乐曲的功能。由单片机内部定时器T0、T1完成对音频脉冲信号进行定时的功能，时间一到，P2.0取反输出，就获得了对应音符的特定频率的方波信号，通过TDA2030推动喇叭，发出音符的声音。

主程序流程图如图4所示，外部中断服务流程图如图5所示，定时器中断服务程序流程图如图6所示。

系统利用单片机、TDA2030、ISD1760芯片，将传统与当代技术进行结合，完成了多功能的音乐演奏器的功能，还可对ISD1760芯片的功能加深应用，使系统更具有更智能化的功能。

摘要：文章说明了具有放音、录音、演奏的智能型多功能音乐演奏器的设计, 列出详细的电路图和程序流程图, 并对系统的功能和工作原理做了详细的说明。

关键词：音乐,音乐演奏器,单片机

参考文献

[1]韩志军, 沈晋源, 王振源.单片机应用系统设计-入门向导与设计实例[M].北京:机械工业出版社, 2005.

演奏设计 篇2

题 目： 浅谈唢呐的呼吸方法和演奏技巧

学 院： 音舞学院

专 业： 音乐学

班 级： 17音乐一班

学 号： ***

姓 名： 司前程

指导教师： 罗红星

填表日期： 2021 年 5 月 27 日

一、选题的依据及意义.目的︰唢呐是中国民间乐器中的一种,又叫做喇叭。唢呐音色明亮,音量较大,在民间演奏中较为常见。在解放前，唢呐主要用于婚丧喜庆以及各种祭拜活动，后来随着人民生活文化水平的不断提高,唢呐艺术也得到了较快的发展，人们对唢呐的独有艺术特点有了更加深人的认识，在各种演奏中也常见唢呐的影子。唢呐有多种的呼吸方法和很多的演奏技巧。

2.意义︰介绍四种唢呐的呼吸方法，各种唢呐的演奏技巧。分析四种呼吸方法的优缺点、练习方法。

3.依据︰作为一名学习音乐的学生，我们应该更多的去了解中华民族音乐。去了解唢呐的呼吸方法、演奏技巧和唢呐的呼吸方法的训练方法。

二、国内外研究现状及发展趋势（含文献综述）

国内对唢呐的呼吸方法、演奏技巧的研究，同时对唢呐演奏的影响。

而国外研究现代加键唢呐，同时对现代加键唢呐演奏技巧有非常多层次的研究和理解。

三、本课题研究内容

唢呐是一种风靡全国的民族管乐器。深受广大人民群众特别是人民群众的喜爱。和其他管乐器一样，唢呐的声音取决于演奏者的呼吸运动。它是乐器声音的唯一来源。要获得准确的音调、理想的音色和丰富的音乐变化，就必须掌握科学的呼吸方法。因此，正确运用呼气和呼气是学习唢呐的重要组成部分，也是提高演奏技能的重要基础。

呼吸方法有很多种，包括自然呼吸、胸式呼吸、腹式呼吸和胸腹式呼吸。

唢呐的演奏技巧会增加唢呐声音的色彩，使音乐更具情感。唢呐的演奏技巧也有很多种，包括手指滑动、单吐、双吐、花舌音、扭指、循环换气等。

四、本课题研究方法

初选定论文的题目，收集与唢呐演奏技巧相关的各类信息资料。

拟定论文的初步提纲，并交老师审阅，实地调查研究，并继续在各类期刊杂志上查阅最新资料。

查阅各种资料并根据自己的想法制定目标

根据提纲内容逐步分析各方面的内容并写下心得总结

修改论文定稿，确定论文提纲，提交开题报告，交给老师查阅

提交论文初稿，寻求老师建议

修改论文并决定定稿

五、研究目标、主要特色及工作进度

目标：1.唢呐的起源

2.唢呐呼吸方法和演奏技巧的分析

3.呼吸方法的优缺点和练习方法

特色：1.本文就唢呐的起源、呼吸方法、演奏技巧做出简要分析。

2.本文从唢呐的呼吸方法原理和优缺点做出分析

进度：

六、参考文献

1.作者：黄知婷 篇名：《概述唢呐的演奏风格与技巧》 来源：《明日风尚》 年份：2021

2.作者：张帅篇名：《唢呐教学中的文化传承》 来源：《四川戏剧》 年份：2021

3.作者：刘可可篇名：《唢呐演奏的传承与发展研究》 来源：《戏剧之家》 年份：2021

4.作者：陈晓志篇名：《唢呐演奏技巧的控制与运用》 来源：《黄河之声》 年份：2020

5.作者：隋景山篇名：《唢呐家族的几种吹管乐器与吹奏艺术》 来源：《黑河学院学报》 年份：2020

6.作者：李健斌.篇名：《浅析唢呐在潮剧中的作用》 来源：《戏剧之家》 年份：2019

7.作者：焦点 篇名：《唢呐演奏中的手指技巧》 来源：《音乐生活》 年份：2020

8.作者：李灿灿.唢呐曲《春忙》双吐技巧探究 济南大学,年份：2020.9.辛紫芸.唢呐演奏中的呼吸技巧及其训练方式探讨.黄河之声 年份：2020.10.耿福生.浅谈唢呐的基本功练习和技巧运用.考试周刊,年份：2019

演奏设计 篇3

作为一件最接近人声的西洋乐器，它通过美妙的乐音表达思想感情，可以达到催人泪下的艺术效果和出神入化的音乐境界。小提琴是西洋乐器中被誉为“最具人声特质”的乐器，其音质纯净、音色优美、音域宽广、技巧华丽，具有极强的艺术表现力。在中国小提琴作品中，不仅包含小提琴本身的特性，更表现出中国风格所特有的民族化音乐特点。

小提琴作为西方乐器代表之一，在进入中国以来，便开始了与中国音乐以及中国文化漫长的交融，使中国小提琴作品的演奏风格和演奏技巧在与西方音乐的相互磨合、相互碰撞中不断发展和更新。自1902年地质学家李四光创作出第一首中国小提琴作品《行路难》至今，中国小提琴演奏艺术和中国小提琴音乐创作已经走过了一个多世纪的历程。发展到当今，中国小提琴作品已经成为我国民族化音乐的重要组成部分之一。

小提琴在传入我国之前，就已经形成了一套系统完整的训练方法和其本身固有的演奏技巧。直到1937年—1949年，以马思聪为代表的中国小提琴作品创作才开始初具规模，将中西文化加以交融，创作和选择了一条具有中国特色音乐的道路，达到了中国小提琴艺术上的第一个高峰。在20世纪50-70年代，是我国小提琴作品创作的又一个高峰。在这一时期，不仅创作素材范围扩大，而且在表现风格上也日趋多样化。涌现出了以《梁山伯与祝英台》为代表的一批至今仍经久不衰的中国作品。在这些作品中，为了体现中国传统音乐的特征，小提琴的演奏技巧和表现手法都借鉴了某些民族乐器的演奏方式，形成了中国小提琴作品所特有的滑音、揉弦、装饰音等特点。

在文化多元化的今天，突出本民族风格，演奏本民族小提琴作品是尤为重要的。怎样使演奏“表其意，入其味”是练习中国小提琴作品要解决好的问题。只有深入理解作品的内涵，配合恰当的表现手法，才能真正地体现出中国小提琴作品的意境。

音乐的民族性体现出一个民族特有的特征和表现方式。中国的民族音乐历史渊源流长。同样，小提琴作为西洋乐器的代表，小提琴艺术在传入中国之后经历了长时间的发展之后，现在也具有了鲜明的民族特色。而正是因为具有了中国化的元素，小提琴中国作品才会在今天的小提琴乐坛中占有重要的地位。

小提琴技巧在中国作品中的运用，对于演奏者而言，在演奏中如何适当地把握，如何把技巧加以变化，如何使声音更具有中国元素，都是每个演奏者在演奏小提琴中国作品时所追求的。这就需要演奏者充分地了解作品的创作手法、创作元素以及创作意图，充分运用中国化的小提琴技巧。这些演奏技巧，不仅对演奏者的技术有较高的要求，对演奏者的作品阅读能力和感情渲染能力也提出了较高的要求。所以，在小提琴中国作品的创作取得了一定的成绩的基础上，我们要对小提琴中国作品演奏当中所需要的技巧和方法进行研究。特别是在把握技巧和把握作品整体的风格内容时，要利用民族化的演奏技巧和表现民族风格的演奏方式。小提琴技巧在中国作品中的运用，并非一件易事，需要我们付出大量的时间去练习、去体会，才能在演奏中国小提琴作品时运用自如，才能真正体会和演奏好小提琴中国作品。

综上所述，近百年来，小提琴在被国人接受并掌握的过程中，虽然走着一条比较曲折的道路，但是，中国本土的小提琴艺术仍在以飞快的步伐向前迈进。所以，在演奏技巧和演奏方式上要更加创新，特点更加鲜明，而随之产生的具有创新性的演奏方式和技巧，声音的多样化，甚至于颠覆了传统的演奏方式。这些都是演奏者在演奏中国小提琴作品时所追求的目标。希望今后有更多富有中国民族特色的小提琴作品问世，希望中国小提琴艺术的发展会有更美好的明天！

演奏设计 篇4

一、民间剪纸为现代艺术设计提供丰富的视觉艺术资源

民间剪纸艺术, 其独特审美风格和设计思路对当今现代设计产生了重大影响。民间剪纸艺术是一种生命力很强的艺术形式, 其构图简洁、造型美观、视觉形象突出, 具有很强的视觉效果和装饰效果, 为现代设计提供了丰富的视觉艺术资源。民间艺术剪纸的造型不局限于对客观形象的临摹, 它采用的是围绕画面主体形象, 随着作者思维发展来构思整个画面。中国民间剪纸艺术主要依附于民俗活动, 并应用于工艺美术。对万物以拟人的处理方法达到既有生活情趣又有美感的理想境界, 对一种无形的、不具体的、不稳定的理想中的形象, 通过理解梳理, 重新排列组合。它的存在与社会普遍流行的大量风俗和信仰有关, 有着悠远的历史积淀, 具有强烈的民族特征。

二、民间剪纸的文化内涵展现了原创性的思维方式

这种思维, 是未受专业训练的视知觉方式, 体现中国传统的审美理念:“天人合一、境生象外”。剪纸艺术写意重于写形, 写形重在传神, 不以形为桎梏, 随心所欲的表现特征, 追本溯源, 应源于这种原始艺术, 而原始艺术对人本精神的抒发和追寻, 恰好是现代艺术所追求的目标。艺术的发展历程, 有很多艺术家在民间艺术中受到启发。这正是传统民间剪纸艺术中的精神理念和表现形式, 给现代艺术设计以无穷的启迪。

三、民间剪纸艺术在当代设计领域中的创新应用

设计是人类改变原有事物, 是构想和解决问题的过程, 它涉及人类一切有目的、有价值的创作活动。民间剪纸艺术是与人民群众生活息息相关的, 将其继承的同时, 与不同的设计领域结合、创新, 从而创造出更多具有剪纸特色的设计作品来, 更加丰富我们的艺术和生活。

(一) 对民间剪纸纹样的创新。

民间剪纸艺术讲究“千刻不落, 万剪不断”, 无论阴形、阳形或者阴阳形都要独立完整, 这是剪纸纹样的一个特色。受现代简约风格的影响, 人们在追求满、圆的纹样中更需要一丝视觉的放松, 对于欣赏性的剪纸画, 可以删繁就简, 用块面表现现代感。

(二) 对民间剪纸内容的创新。

任何艺术品都会随着时代的发展而在内容上有所创新与发展。艺术需要反映时代, 艺术需要服务时代。民间剪纸当然也不例外, 如果千年不变, 缺乏新意, 那必将被时代所淘汰。民间剪纸要大胆地吸收新的观念和内容。在现代设计中, 我们应该运用剪纸元素与其他传统以外的元素相互结合, 创造出一个新的视觉形象。

(三) 现代设计中的“抽象符号”也融入了中国民间剪

纸艺术, 作为民族共同的思维群体同化的一种符号, 它的内涵是很丰富的。剪纸艺术在中国源远流长, 随着新时代的发展, 在现代社会中出现了各种应用剪纸元素的作品, 如《猪八戒吃西瓜》是中国第一部将剪纸艺术运用到动画设计制作中的代表作品。从艺术学角度来讲, 民间剪纸艺术创造了一种祥和欢乐的气氛。从心理学的角度来讲, 民间剪纸艺术创造了一种憧憬。找寻纯朴生活的记忆与渴求乡土情结的回归, 这就是民间剪纸艺术的魅力所在。

四、结语

今天, 在要求经济全球化的同时, 我们要不断地学习中华民族和其他民族优秀的艺术, 将现代设计与传统艺术相结合, 才能在创造出新的视觉形象的同时增加历史文化的内涵。只有充分了解了民间剪纸艺术的内涵和精神, 才能真正了解民间剪纸艺术视觉形象的特点, 才能在以后的创作过程中, 把民间剪纸艺术的精神、艺术语言融入自己的审美当中, 再进行新的创造, 发掘民间艺术更为广阔的天地和文化价值, 来奏响现代艺术设计的新时代乐章。

参考文献

[1]黄啸.中国剪纸艺术研究.湖南美术出版社, 2004.

[2]潘鲁生.中国民俗剪纸图案.

[3]云中天.剪纸.百花洲文化出版社, 2006.8.

[4]易心, 肖翱子.中国民间美术.湖南大学出版社, 2004.8.

[5]潘鲁生.论中国民间美术.北京工艺美术出版社, 1990.

[6]陈竟.中国民间剪纸艺术研究.北京工艺美术出版社, 1992.

[7]陈贤昌.剪纸艺术与现代包装设计.包装工程, 2008.11.

科库西吉演奏作曲 篇5

又是星期天。多么美好的一天。我们一家人决定去参观屋顶上的科库西吉。

一路上，我们都很兴奋，在车里有说有笑，直到车缓缓停在一座古庙前。当我们还在公共汽车上时，我们听到了流水的汩汩声。我们下车后才知道这是科库西吉的一条小溪。不是说“蝉比树更吵，托纳米亚马更僻静”吗？“嗖嗖”的声音给科库西吉增添了更多的平静。我们刚走进大门。我们对这两棵几十米高的树感到惊讶。当我们走近时，我们意识到这两棵树已经有500多年的历史了。它们有36米高。五个人扶着树。它们是寺庙的珍宝。

我们从西到东进入寺庙，先走进弥勒佛殿，在微笑的弥勒佛前点上香。我们想让自己永远像他一样快乐，百事可乐。围绕弥勒佛殿的是正殿。松鼠在大厅前的几棵树上来回走动，就像天堂派来的快乐使者。站在大厅前，我们抬起头说，哇，这么高。整个大厅有两层楼那么高，而支撑大厅四角的大理石柱像擎天柱一样，有6到7米高。中间有一块大匾，上面写着“英雄大会堂”。当我们走进寺庙时，我们更加惊讶。数百尊佛像供奉在商店里，从大到小，形状各异，有的凶猛，有的种类繁多，较大的佛像放在大厅的`中央。四周的墙壁上都雕刻着密密麻麻的经文，它们衬托出许多佛像，仿佛有一种奇怪的力量让走进寺庙的人不禁肃穆起来。

穿过名人堂的大厅后，我们来到了“鱼与音乐之乡”。当然，在所谓的“鱼与音乐之乡”有无数的鱼。只有当数百条金鱼在池塘里来回穿梭时，人们才感到眼前一亮。直到那时，他们才放下刚才在名人堂大厅看到的严肃。一些鱼摇着头，摇着尾巴，一些在吐泡泡，一些跳出水面，好像在问候我们这些新来的人。转过池塘，我们来到了一朵名叫“穗梅”的梅花前。原来，这种梅花是隋朝种植的唯一幸存至今的梅花。据说，如果我们能有机会看到壮观的开幕式“岁美”，那么我们可以永远和平和健康。绕过“遂美”，我们将到达祖先世界名人纪念碑。原来，科库西吉不仅是一个著名的历史寺庙，也是一个著名艺术家的殿堂。数百位著名历史人物离开了他们的墨宝，包括李白、杜甫和陆游...不幸的是，大多数都是草书。看着这座著名的纪念碑，我们还看到了公基的金色身体。他一手拿着扇子，一手拿着酒葫芦，悠闲自在。人们不禁想起了“云里野鹤”和“逍遥”这两个词。

啊，科库西吉，这是一个多么美丽而神圣的地方。它见证了中国悠久的历史，是我国著名的旅游胜地。

★ 作曲技术理论在钢琴教学的应用的论文

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演奏设计 篇6

出生河南，自幼学习古筝，鲁璐2000年以古筝专业第一名与综合第一名的成绩考入中国音乐学院附中，高中时期即获得学校首届“双鹤杯”古筝大赛银奖。醉心于古筝世界的同时，鲁璐又爱上了箜篌这一具有传奇与神话色彩的民族乐器，而且爱得一发不可收拾，还在附中时即转了专业，很快获得澳门国际青少年音乐大赛青年箜篌专业组铜奖。进入大学后，对箜篌历史的研究与著书占去了她大量精力，但她仍获得了2009年CCTV全国民族乐器大赛箜篌专业第一名、2010世界音乐教育大会“双佳”奖。鲁璐曾在中国音乐学院国乐堂、北京师范大学霍英东学术报告厅、钓鱼台国宾馆国宾厅、北京大饭店宴会厅、河南师范大学演播厅、三亚国际旅游度假区以及亚欧多国举办箜篌古筝音乐会；曾分别在国家大剧院国际演出季开幕式、文化遗产之都——奥运北京开幕式、上海世博会开幕式长城大型音乐会、世界音乐教育大会音乐专场晚会等重大音乐活动中担任独奏；多次为外国总统、来宾、国际会议作箜篌古筝演奏；多次为慕名造访的国内外音乐艺术名家及文化名人作箜篌古筝表演，进行学术交流。

鲁璐取得的艺术成就，得到了音乐界、文化界的充分肯定，几年来，有近百位音乐艺术家和文化名人为她题词、赋诗、作画达一百余幅（首）。著名作家、百岁寿星文怀沙曾以“响遏行云”四个大字为鲁璐箜篌古筝题词，并称鲁璐为“中州才女”；著名曲艺表演艺术家姜昆也挥笔题下“绝世佳音”四个大字赠予鲁璐。当代著名诗人、国家首届“孔子和平奖”殊荣获得者谯达摩先生为鲁璐赋诗两首予以赞扬。鲁璐的努力、名家的认可、文人的盛赞，极大地提升了鲁璐的艺术知名度，新华社、中央电视台、中华《赤子》杂志等诸多媒体对她分别作了采访和报道。

学者思维，演奏研究实现多赢

箜篌，这件古老的传统民族乐器距今已有两千余年的历史了，其作为古代宫廷中最推崇的一种乐器之一，一直备受诸多君

侯与将领的钟爱，但由于历史原因，箜篌一度失传了二百余年，直至现代才被有识之士重新挖掘、成功研制而形成了现代箜篌，登上舞台至今也不过几十年的时间。客观来讲，箜篌发展虽取得一定的成绩，却仍未被广泛普及，而不被大众所熟知。基于此，一大批专家、学者、箜篌艺术工作者们一直在为箜篌艺术的普及推广，为箜篌教学体系科学化、规范化而不断努力着。青年箜篌演奏家鲁璐正是其中青年一代的佼佼者，她不仅精于箜篌、古筝，擅长中阮、钢琴四门乐器演奏，更对箜篌学术研究及箜篌艺术普及做出了非凡的成绩。

为了让更多的人认识和了解箜篌艺术，十余年间，鲁璐不仅在箜篌演奏上取得了杰出的成绩，还先后编著了《箜篌史略与发展的研究》《箜篌理论讲义》《箜篌基础教程》《箜篌千言歌》四部箜篌专著并出任中国民族管弦乐学会箜篌专业委员会副秘书长、中国音乐家协会箜篌研究会秘书长、中国文化学会艺术委员会主席、《世界文坛》编委，被界内公认为是一位“演奏家型的学者、学者型的演奏家”。

为了传承箜篌这一古老民族乐器，鲁璐创办了中国唯一一家以专业从事箜篌教学为特色的教学机构“宫角羽箜篌音乐艺术城”，组建多支箜篌演奏团体，培养了一批又一批热爱箜篌艺术的青少年，她也因此获得2009年CCTV“梦想从这里远航”全国文艺汇演特别园丁奖、2010年“中国心、世博情——长城大型音乐会”最佳组织奖和最佳园丁奖、联合国教科文组织所属的国际音乐教育学会颁发的“儿童音乐教育家”和“箜篌最佳演奏奖”双佳称号。2011年1月，鲁璐获得“感动中国文化人物”奖牌和证书。

创意无限，突破音乐会挑战

2013年6月17日，鲁璐于中国音乐学院国音堂歌剧厅成功举办了“古韵高鸣——鲁璐箜篌独奏音乐会”。她精湛、娴熟的演奏技艺与稳健、优雅的舞台表现力，以及在箜篌艺术继承上所作出的成绩，得到了现场音乐领域专家、学者、老师的肯定与赞誉。

为了这场音乐会，鲁璐不仅在曲目上进行了精心的设计，选择了多首传统经典箜篌名曲，更邀约了作曲家为箜篌创作了五首全新作品，为这件古老乐器开发了新的演奏技巧，且在演奏形式上进行了尝试，加入了与合奏、重奏、室内乐等形式。最后，还将箜篌娃娃团作为压轴节目搬上了舞台，一方面希望以此尝试性实践箜篌艺术能够不断发展的潜质，另一方面希望能够全方位展示箜篌艺术的魅力，进而让更多的大众、专家、学者、作曲家认识与了解箜篌，并为其普及、推广、发展贡献自己的一份力量。

音乐会得到极大成功，鲁璐说：“这场音乐会可以说是我十余年来对于箜篌情结、感悟与尝试的一次全面绽放。对于箜篌来说，发展虽取得了一定的成绩，仍具备不断发展的潜力，我希望能够从演奏与学术的角度对箜篌进一步尝试与探索。也正是出于这样的考虑，我相信星星之火可以燎原，但还需要大家共同努力，只有我们一起奋斗才可以令箜篌事业真正得到快速发展。”

继成功举办“古韵高鸣”个人箜篌独奏音乐会后，2013年12月19日、20日鲁璐又与华人女作曲家协会和中国音乐学院国乐系联合举办了两场“华人女作曲家箜篌新作专场——鲁璐首演音乐会”。音乐会所演奏的八首曲子全部为原创世界首演，而且整个排练过程是在三个月之内完成的，被专家们惊呼为“极具挑战性的大胆壮举”。

华人女作曲家协会是一个国际音乐组织，聚集了海内外杰出的华裔女作曲家，成立十年来每年都以不同形式推出新作品。为了作曲家的创作便利和创作效果，鲁璐特意向作曲家们提供了一个“创作指南”，对箜篌构造、功能、特殊定弦、演奏手法、表现特点作了详细介绍。在鲁璐的指导下，作曲家们创作出的现代箜篌作品都充分运用并开拓了箜篌各种技法，极具箜篌特性。

为了将这场音乐会办好，鲁璐自己规定每天的练琴时间不少于十五个小时。只要一进入练琴房，她就会关掉手机，隔离与外界的一切联系。这期间，还推掉了外地来京找她学习箜篌的所有学生。有时练琴到深夜，实在累了，就连衣躺床休息一会，一觉醒来，不管天是否亮，她都会强迫自己立即起床开始练琴。好在她的练琴房是原来装修的录音棚，隔音效果好，邻居听不见，没有扰民。中国音乐学院作曲系刘青教授曾给鲁璐发出这样的信息：“这次音乐会对你来说是个大挑战，整场全部新作品估计绝大多数演奏家都不敢尝试，我完全能体会你的辛苦与压力，但你的这次大胆壮举，会让你大踏步的领先于这个群体。”

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两场音乐会大获成功。女作曲家的新作品既有西方音乐

特点融入其中，又突出了中国民族音乐之精髓，中西结合，融汇贯通，新颖别致，耐人寻味，代表着当代女作曲家的高端水平，鲁璐对不同箜篌新作的二度创作，完全折服了满场听众。

鲁璐因此感言：“今天这场音乐会，是当代箜篌投入复制研发八十年来、及转调箜篌诞生三十年来的首场箜篌原创新作品专场音乐会。更是由华人女作曲家协会亲自打造、并与中国音乐学院国乐系共同举办的具有历史性标志意义的一次盛会。

“举办这场音乐会是我人生中最大的一次挑战。我6月17日刚举办完个人箜篌音乐会之后，接下来的两个月又应中央民族乐团之邀，携“唐箜篌”参加了大型民族乐剧《印象国乐》的排练和在国家大剧院的连续四场演出。当8月27日大剧院的最后一场演出结束后，离12月19日的箜篌连场音乐会仅剩三个多月时间。在这样短的时间内，要练精练透一整场全新的曲子，实再是无法想象，况且整场新曲子还须仔细诠释，一方面要在演练中与作曲家磨合、修改、完善和二度创作，另一方面又要和不同的乐器、乐队演奏家们进行沟通与排练，而且大量的乐谱和其中变化无穷的内部结构又必须得到全部消化和记忆。因而，为了给华人女作曲家协会交出一份满意的答卷，为了不辜负中国音乐学院十三年来的精心培养，又为了给箜篌这件既最古老、又最年轻的乐器争口气，我给自己制定了“作品六步练琴法”，并依此方法自给压力，挑战自我，每天练琴突破了十五个小时，达到了承受极限，从而确保了演出计划的成功实施。如果说我有信心和功力能如期成功举办这次箜篌连场音乐会，首先应归功于我的箜篌恩师崔君芝教授十余年来对我的技艺传授，又归功于我的三位古筝恩师林玲、杨琳、丁承运赋予我的深厚音乐底蕴，更归功于母校中国音乐学院提供的自由翱翔的广阔空间。”

承前启后，实现传统跨越

她是第一位将箜篌带上中央电视台的青年箜篌演奏家，相继三十余次应约为央视“风华国乐”录制箜篌节目均播出，观众拥有率达90%以上。在社会教学实践中组建起国内首个“箜篌娃娃团”，并将近一百人次推上了央视音乐舞台和国际大型演奏舞台。

她曾多次出现在国内外重大音乐活动现场：在文化遗产之都——奧运北京开幕式上、在上海世博会长城大型庆祝晚会上、在第二十九届世界音乐教育大会上、在2012中央电视台“锦绣盛世闹元宵”大型晚会上、在2012CCTV民族器乐电视大赛盛大颁奖晚会上、在2013国家大剧院连场上演的大型民族乐剧《印象国乐》演艺中、在2013中国音协组织的欧洲巡演活动中都有鲁璐箜篌的声音。

“她的箜篌演奏充满了微妙的情感和炫目的光彩，她独树一帜的演奏风格仿似仙女下凡，她将创新手法融入音符演奏之中，拓展出了新的音乐发展方向，跨越了传统的表现形式和风格界限。可以说，鲁璐箜篌这个名字是精湛技艺、充满力量与情感的代名词。”美国肯塔基州立大学竖琴教授伊莱恩如是说。

钢琴演奏与演奏心理 篇7

理解是人类理性活动的过程, 人们一般用它来表示主体在客观世界中对所接触到的人、事物内在特性的把握。在钢琴演奏中, 演奏者同画家一样, 都是运用技术、技巧手段进行艺术创造的。所不同的是, 画家表现的是他们自己直接的审美体验, 而演奏家则是在作曲家的创作基础上进行二度创造。演奏者的任务是把乐谱制作成真实的音乐音响, 也可以说是把作曲家的心灵世界呈现给广大的听众。要想创造性地表现作曲家的心曲, 首先就一定要感受到作曲家的内心律动。在这一点上, 许多著名音乐表演艺术家的看法是相同的。小提琴家梅纽因说:“演奏者的任务在于建立乐曲与演奏者自己的意识之间的平衡。他不断地努力想把自己的实质充实到别人所创造的形式里去。”钢琴家傅聪认为:“一个好的演奏家, 总是令人觉得原作的精神面貌非常突出, 真要细细琢磨, 才能在转弯抹角的地方, 发现一些特别的韵味, 反映出演奏家个人的成份。相反, 不高明的演奏家在任何乐曲中总是自己站在听众面前, 把他的声调口吻, 压倒了或是遮盖了原作者的声调口吻。”由此可见, 理解感受作曲家的创作意图和乐曲所要表现的精神内涵是演奏者首先必备的演奏心理。演奏心理是指演奏者在演奏中的心理活动, 这种心理活动是演奏者在演奏实践中发生的认识活动。例如, 演奏的欲望、演奏的动机、感情的强烈、表现与控制、记忆、想象、克服杂念、应变心理和临场状态等等, 可以说演奏者的心理活动是十分复杂的。近代格式塔心理学注重心理活动的“完形”, 该学派认为对象 (包括作为被认识和掌握的乐器) 的知觉 (包括视、听觉等) , 由大脑进行的组织活动以及人的内在情感之间存在着和谐统一, 完形心理学的一个特征是强调人的知觉, 活动组织或心理体验的整体。钢琴演奏艺术是时间的艺术, 其特点是演奏者平时练习的成果。要使音乐作品在刹那间完美地、创造性地表现出来, 它们之间的关系不是简单地由其各种元素的关系决定的, 而是由整体的内在本性决定的。一个作品的完形, 对于演奏者来说, 并不是该作品的音阶、旋律或情绪等简单地连续相加之和, 而是一个高于部分之和的知觉总和。今天, 我们在演奏贝多芬《暴风雨》奏鸣曲时, 才会深深地认识到只有贝多芬的内心世界加上《暴风雨》奏鸣曲, 才是贝多芬心中的那首《暴风雨》奏鸣曲, 只有这样才能达到情感与理性的统一。“完形”心理结构形成过程可以分为两个相互的心理活动阶段, 一是演奏的心理训练阶段, 二是实际演奏的心理阶段。为了达到演奏者心理与音乐“完形”的效果, 我们要努力加强演奏前心理阶段的准备工作, 这是演奏成败的关键, 是演奏前我们必须具备的心理条件。

2 情感与体验是树立审美完形心理

人类的情感有两种主要类型, 一种是从生活中直接感受到的情感体验, 称为第一自我的情感;另一种是从艺术作品等其它渠道中间接接受和感受到的情感体验, 称为第二自我的情感, 亦称“审美情感”。第二自我的情感是由有意识的想象定向激发出来的感情, 所以有人将它称之为“智慧的感情”。艺术创作中的情感主要是第二自我的感情, 即审美感情。当然, 我们承认一切审美情感的最终来源都是生活提供给艺术家的, 然而, 人们从艺术作品中所接受的情感体验毕竟是间接的, 不是生活中的第一自我的感情。不管是第一自我的感情还是第二自我的感情, 都是一种携有大量心理能量的动态性心理因素, 它虽然总是在要求呈现, 但它只具有一种张力形式, 这种张力形式的起伏, 又可以和其他形式整合为与之具有同一性的其他形式, 这就是所谓的它还要寻求感情的表现形式, 这就是所谓“具体化”———艺术作品的创作。钢琴演奏者要演奏好一首作品, 在演奏前必须进行审美体验。深刻地领悟作品的内容, 风格及特征。为了达到此目的, 必须作好以下审美完形心理分析工作:a.对作品进行理性的客观的分析与把握。b.对作品进行感性的主观体验。审美完形心理结构的形成包括了两个方面的训练:一是注意从外部培养音乐审美经验和艺术素养, 使之可以储存更多的音乐审美信息;二是注意培养艺术创造个性。演奏是一个极其激烈的自我意识过程, 它包括演奏前的自我感觉和演奏过程中的自我内心感觉。比如, 当我们演奏贝多芬《暴风雨》奏鸣曲时, 要对该作品进行充分的理解和分析。《暴风雨》是一首富有强有力和鲜明内容的奏鸣曲, 充满了成熟性和音乐浪漫主义精神, 具有强烈的特色。那深刻的、不幸的戏剧性, 那民间歌曲的心理描写、它具有的热情、狂暴和悲怆的风格, 充满了温柔与爱的情调。

当然, 每一个人对作品的分析、理解和形成的审美体验不会一样, 对投入作品感情的深度有很大的差别。所以有的人演奏总是机械式的弹奏, 没有乐感, 没有风格, 把它弹成了一首熟练的练习曲。而带有心理素质的正确演奏, 这种感觉应包括理性分析, 理解综合和控制力, 对音乐作品的感受, 投入和发自肺腑的情感和表现音乐的创造力。所以积累演奏的完形审美心理结构的过程, 是我们演奏心理训练的主要任务, 只有平时积累凝聚演奏审美心理结构, 才能更好地培养和提高每个人的艺术创造个性。

3 意境与情感表现是建立和谐演奏状态的理智力

所谓“意境”就是艺术创造境界, 即艺术家对于人物、事物以及客观景物情感感受的真实表现。在意境的心理问题上, 主要有三个方面的问题:情感、表现情感的艺术再造形象、情感与形象的融合。音乐与其他艺术相比较, 更注重情感表现。黑格尔认为, 音乐无论在内容上、感性材料上还是表现方式上, 都和造型艺术相对立, 紧紧地把握着内心生活的形象性。音乐家的情感活动自始至终都伴随着特定的形象, 形象性是音乐家情感活动的主要特点, 而情感表达又是音乐本身最强有力的功能。情感通过运动得以表现出来的, 而有节奏的声音和情感之间存在着一种共同的运动神经结构, 有节奏的声音唤起相应的情感, 情感交织到声音冲突, 成为声音的内容。音乐的旋律与人类情感运动的内在一致性, 使之能传达出丰富的情感内容。钢琴演奏带有强烈感情活动色彩, 但它绝不可能单纯地依靠感情而缺乏逻辑思维能力。例如, 弹奏萧邦NO.14练习曲, 这首练习曲忧美抒情, 有许多雷同的地方, 如果不对曲子进行深入理解和分析, 很容易被绕住, 甚至自己弹到哪里都不知道, 要是到了考试或演出时就不用说了, 特别容易出错。又如, 在弹奏乐曲时, 发现谱子一错, 信号就中断, 失去了音乐的完整性。有的人练琴习惯不好, 练琴时不用耳朵听, 不用脑子思考, 只是让手在键盘上断断续续地滑过, 这样很难确立起和谐的演奏状态。有的人在自己遇到不满和不稳定的情绪时, 会随意把演奏停顿下来, 使演奏变得零零落落, 有的人练琴时长时间思想不集中, 结果使他们在实际的演奏时, 不是精神不集中, 就是处于特别过分紧张状态。所以强调建立和谐的演奏状态的理智力是十分重要的。

钢琴是乐器之王, 主要是因为它的音色优美、音域宽广、能演奏各种多声部的音乐作品, 表现力十分丰富。由于演奏者的心理活动是十分复杂的, 只有通过良好心理素质的训练才能准确地运用演奏技巧, 将作品的完整风格表现为实际效果。因此, 加强演奏心理的研究, 有着重大的理论和实践意义。

参考文献

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[2]王耀华, 乔建中.音乐学概论[M].北京:高等教育出版社.

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[7]修海林, 罗小平.音乐美学通论[M].上海:上海音乐出版社.

关于古筝演奏及其演奏训练的探究 篇8

一、古筝演奏的三要素

1、技法——古筝演奏的基础所在

从古到今,古筝演奏在其技法方面可以说是复杂多样、 源远流长的,主要是经历了从单手简单的弹奏到双手复杂的弹奏,从简单的弹拨按弦逐渐到比较复杂的按、颤、推以及揉等技巧,并且传统的技法和现代的技法都有其特色之处。古筝传统的演奏技法主要是使用右手来弹拨筝弦来演奏出来旋律,同时左右在码外弦段以按、颤等技法进行旋律的装饰。这便是所谓的右手弹弦而左手按弦。“名指扎桩四指悬,钩摇剔套轻弄弦,须知左手无别法,按颤揉推自悠然” 这是一首在民间流传相当广泛的古筝弹诗,也更好的说明着传统的古筝技法的特点和精妙所在。而现代的技法,主要是在借鉴以及吸取别的乐器的演奏方面的技巧上发展而来的, 其中指序弹法主要是根据乐曲的旋律的规律来进行安排手指使用的顺序,专门用来弹奏一些特殊和快变的旋律的。该技法不再局限手指在大、中、食指这三个手指,而是要使用双手来合力完成弹奏,比较强调手指的独立使用以及其功能性的发挥,这给现代古筝的弹奏技巧带来了新的创新和意义。随着古筝曲目的多样化,演奏的技法也会不断地完善和更新,表现手段也会更加的多样化和丰富。

2、风格——古筝演奏的个性表现

所谓的演奏风格主要是指演奏家的个人的演奏技巧所具备的特征,也是演奏家个人独创性的特质。演奏的风格和演奏技法可以说是同等重要的。那么,通常来讲,演奏的风格主要是和演奏人的文化素质修养以及其审美的特点息息相关的,在古筝的演奏技法主要是个人对于以韵补声的动态变化的运用而体现出来的。对于古筝的演奏,我们非常重视以韵补声的作用。很多知名的演奏家由于其独具的风土人情、欣赏习惯以及审美情趣方面存在的差异,即使是在演奏的曲目相同的情况下,每个演奏家所呈现出来的感觉和技法处理上也是存在一定的差异的,所以,这就形成了每个演奏家独有的演奏风格。对于古筝的演奏来说,要求演奏人在深刻的理解曲目内涵的基础上,要剖析和研究曲目,从而使其演奏能够形成鲜明的个人风格和独到之处。演奏风格是一个艺术家成熟的标志,对于古筝演奏亦是如此。

3、乐感——古筝演奏的灵魂彰显

我们所说的乐感,其实就是悟性二字,这主要是演奏人通过间接的经验或者是直接的经验对不同的乐曲所呈现出来的在意境、情绪以及音乐表现方面进行的领悟、想象和感知的再创作,直接反应这演奏者的表现力和感悟力。乐感主要包含了两个层面:理解力和表现力。这两个层面不仅体现在对作品的把握和理解上,也体现在对于乐曲的处理上,并将这一切完整的呈现给听众。在古筝演奏中,需要将深藏于乐曲中的感情以及内涵准确的表现出来,给听众带来一定的想象,这就要求演奏者能够沉下心来去把握其内涵,然后通过技法等手段发挥和表达出来。在演奏的过程中,要把握好对于细节的处理,不仅要演奏精准,还要能使听众真切地感受到曲目的旋律美、结构美以及乐章美。

二、古筝演奏训练简述

1、手心、手指以及手型要准确

要将下垂的手自然的放在琴上,这个时候食指、中指和无名指以及小指基本是垂直面板的状态,大拇指和面板这是平行状态。在演奏的时候需要张开户口,大拇指和其他的四个手指在垂直于面板,这样才能保证每个手指弹奏触及琴弦。演奏过程中,每个手指之间是微张开的,不能贴合起来, 手型需要保持处于相对松弛的状态下。对于演奏中手指的弹奏,传统的技法认为手指向手心方向弹起,但是在实际过程中如果大拇指也指向手心方向就会造成其侧面触弦而产生一定的摩擦音,就不能够保证音色的透亮和干净。著名的古筝教育家和演奏家王中山说过:大指的弹奏方向不应该径直向手心发力,而是需要向斜前方弹出,弹弦得音后大指的指尖要落在食指的外侧,这样才能够保证大指义甲相对正面触弦,也不会影响别的手指的快速衔接。

2、重视左手做韵技法

很多人的音乐启蒙于流行音乐,同时专业的音乐方面的学习也多是以西方的音乐体系为主要的教学依据,在这种的大背景之下,要掌握好左手做韵的激发是需要多方面的培养的。古筝的艺术韵味中,左手做韵是很重要的一个体现。其技法看似比较简单,但是要准确地拿捏或者是能够融会贯通却不是一件容易的事情。左手做韵在平时的训练是可以先从按、揉、颤、滑、吟开始,不仅要注重左手对于音准的把握能力,也要在传统古筝曲目的学习中根据不同的流派的风格来体会他们之间的差异并能够很好地表现出这种差异所在。

3、提升左手弹奏的水平

很多老师受到古筝传统学习方式等的影响,在古筝教授过程中,对于基本功的训练还是更多的关注于右手。但是, 从通用的教材看来,入门级的乐曲基本都是采用右手进行弹奏而左手进行按滑得作品,这样就使得很多学习古筝的同学在学习的起始阶段就不自觉地将右手的弹奏能力训练放在了主要的位置。现在看来,这还是制约了左手弹奏技能的拓展以及古筝双手演奏能力的发挥。所以,在古筝学习的其实阶段,就需要遵从右手、左手演奏能力并驾齐驱的训练上来, 左右手同步训练,提高整体的演奏水平和技艺。

4、加强演奏者表现力的培养

艺术表现力,主要是指演奏人在演奏过程中所表现出来、散发出来的感染力,这是艺术创作的一个重要的方面。 首先,放松的演奏状态,是培养演奏表现力的基础。这里所说的放松不仅包含着肢体方面的放松,也包括心理方面的放松。整个身体的松弛和自然是保证关键部位能够活动自如、随心所欲的演奏,任何一个部位的紧张都会影响到演奏水平的发挥。其次,准确的表达作品的已经以及内涵是培养艺术表现力的一个有效手段,作为演奏者,需要有娴熟的技巧,也需要良好的艺术表现力,从而完成一个引人入胜的精彩表演。

摘要：本文在详细的阐述古筝演奏三要素的基础上,探讨了古筝演奏训练应该注意的问题和措施。

大提琴的演奏情绪与演奏心理 篇9

关键词：大提琴,演奏情绪,演奏心理

大提琴这种乐器自身具有很强的音乐感染力, 其他乐器是无法将大提琴的音乐魅力进行代替的, 大提琴的构造比较特殊, 需要的演奏技巧非常严格, 要想将演奏者的真实水平充分发挥出来, 在这个过程中, 演奏情绪和演奏心理是非常重要的, 需要进行合理的运用, 使演奏者可以正常发挥, 使大提琴的演奏者的音乐表现力得到有效的提高。

一、大提琴演奏情绪和音乐想象力的关系

大提琴演奏素质中非常重要的一个部分就是具备丰富的想象力, 如果演奏者缺乏想象力, 那么演奏就会给人呆板、机械的感觉, 大提琴演奏不能完全按照乐谱的记载, 要结合音乐作品的产生时期的竞争状态。乐谱是对音乐的重要记录, 但是乐谱具有一定的局限性, 其表现手法也太过单一和片面, 作曲家的音乐单纯依靠乐谱是无法全面表达出来的。如果演奏者想要将作曲家的灵感进行再现, 需要借助于自己丰富的想象力, 每一个演奏者其实都是音乐作品的诠释者, 想要将音乐作品当中的深刻思想表达出来, 利用自己的想法表达出来。即使音符有多么复杂或者详细, 都无法将音乐作品的真谛反映出来, 演奏者自身的想象力是非常重要的, 而演奏者在演奏过程中会受到情绪的影响, 如果演奏者的情绪不好, 也无法产生丰富的想象力。

二、大提琴演奏情绪和音乐表现力的关系

大提琴演奏者自身的音乐心理素质健康的表现就是稳定的情绪, 其表现力也是非常良好的。大提琴演奏者在舞台表演的时候要具备积极健康的心理状态, 自身的表演欲望也比较强烈, 那么他们就可以将自己对于音乐独特的理解在演奏过程中展现出来, 也可以打造自己良好的精神面貌, 并且将自身的演奏技艺进行展示。大提琴演奏者需要投入身心, 这样才会获得听众的支持和共鸣。相反, 如果大提琴演奏者的心理状态是消极、不健康, 甚至带着抵触的情绪去演奏大提琴, 其演奏效果可想而知。因此大提琴演奏者需要对自己的演奏情况科学的进行控制, 将自身的表现力充分体现出来, 需要重视每一次的大提琴演奏实践, 这是非常重要的环节。

针对大提琴演奏者的表现力, 自身的演奏技巧和演奏心理会对其产生很大的影响, 除此以外, 演奏作品和演奏环境也会对其产生影响。在这其中, 演奏情绪是非常重要的影响因素, 而演奏情绪可以得到有效的控制和调整, 可以将演奏情绪当中不良的各种因素进行改善, 或者可以直接消除掉。如果发生情绪失控的情况, 对于大提琴演奏者的表现力会造成很大的影响, 对于真个演奏都会起到不利的影响。

三、大提琴演奏情绪和演奏呼吸之间的关系

大提琴在演奏的过程中的演奏情绪和自身的演奏呼吸之间的关系是非常重要的, 利用自然正常的呼吸, 可以使运弓动作显得更加协调和舒适, 促进大提琴演奏者的整个肌肉获得放松, 反之不正常的呼吸就会对演奏情绪造成不利影响, 对于演奏者的心理会造成不良的干扰。

在演奏过程中, 需要高度重视演奏过程, 将自身的精力进行集中, 这样就会使演奏者出现紧张的心情, 这个时候容易出现呼吸紧促的情况, 需要很长的时间进行调整, 除此以外, 甚至还会出现短暂的呼吸停顿情况。大提琴演奏者由于缺乏舞台经验, 可能会出现紧张等不良情绪, 造成呼吸不够平稳, 或者出现心跳加速等情况, 这样的演奏效果一定是不够理想的, 演奏者在平时练琴的过程中, 就要联系呼吸和运弓之间的协调, 使其成为基本的演奏当中的基本动作。针对呼吸的具体感觉, 就是在吸气的过程中, 将气息输送到胸腔当中, 将前胸听起来, 而两臂会稍微的向上提, 使身体的气血就会变得平静。在呼气的过程中, 胸部是下伏的, 两臂也会很自然的垂放下去, 全身会得到放松。在大提琴演奏中将这种感觉进行有效的运用, 可以提高演奏质量。在拉弓的过程中进行呼气, 使两臂的重量下沉, 放松右臂的肌肉, 可以促进力量传达到琴弦当中, 不用加大力度, 就可以准确的控制弓子, 使其充满灵活性。在下弓和弦使用的过程中, 可以利用短促的呼吸, 使其和弓子触弦成为一个整体, 那么大提琴就会发出顺畅的声音, 给人非常舒适和自然的感觉。在推弓的过程中进行吸气, 右臂随着弓子不断向上, 与此同时完成吸气, 避免在运弓的过程中出现僵硬等现象。在演奏的过程中, 呼吸起到平衡的作用, 很多的优秀的大提琴演奏家都是利用呼吸将动作进行调整, 对演奏情绪进行调动。

针对大提琴的演奏情绪, 主要是以音乐体验为主要的载体, 将演奏的动力进行推动。演奏情绪对于演奏者的音乐审美具有直接的影响, 对于演奏的行为和质量起着决定作用。调整演奏者的控制能力, 可以综合反映出演奏者的音乐素质和心理素质。因此需要对于大提琴演奏者的演奏情绪给予高度的关注, 使其可以对自身的演奏情绪进行调整和控制, 使演奏心理得到有效的强化, 提高大提琴的实际演奏水平, 这是大提琴演奏者必须要学习的内容。

除了听觉之外, 大提琴演奏者的手指灵活程度也具有很高的要求, 左手音准的准确定位和右手的运弓具有十分密切的关系, 可以将大提琴的乐句情感充分的显示出来, 大提琴演奏者右手的控制能力对于音乐作品的思想和内涵的表达具有十分密切的关系, 可以将曲子当中细腻的情感进行表达, 利用右手的能力, 可以将作品完成的演绎出来, 演奏人员的音乐感能力取决于右手的调控能力。因此大提琴演奏者需要完善自身的演奏技巧, 完美的诠释音乐作品。

通过以上综合的论述, 对大提琴的演奏情绪与演奏心理进行全面的论述, 对于大提琴演奏情绪和大提琴演奏者各个方面的影响进行全面的论述, 并提出具有参考意义的解决措施, 希望起到积极的借鉴意义。

参考文献

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演奏设计 篇10

在二胡的演奏中,通常是以纯五度音程来定弦的,那么也就是说,从内弦最低音空弦音起向上纯五度的音开始【通常定弦为DA, 也就是内弦的A算起】,即和外弦的音产生若干个同度音。我们在演奏乐曲时,在某些时候就可以有内外弦两种指法可以选择。那么哪一跟弦的指法更加适合乐曲呢?这就需要演奏者通过实践来得出结论。每首乐曲所表达的音乐情感各有不同,这就需要演奏者要做到具体问题,具体分析。内外弦的指法选择主要取决于乐曲的要求和特殊技法的需要,要充分考虑到内外弦音色的差别与乐曲情感表达的要求。内弦低沉浑厚,外弦则清脆明亮,声音色彩要与音乐表达更为贴切。例如:刘文金先生创作的二胡协奏曲《雪山魂塑》的第一乐段:征途。该作品创作于2007年,是作曲家为纪念红军长征胜利七十周年而作。当年即被指定为第七届中国音乐金钟奖——全国二胡比赛的指定曲目。我作为参赛选手之一,也很荣幸的成为了该作品的第一批演奏者,同时也观摩了全国其他选手的演奏。通过观摩交流学习,我发现绝大多数的演奏者在第一句的“mi”音上都采用了外弦一指的指法.该指法简便,利于演奏,对于音准的控制也毫无难度,音色通透明亮。但缺点是外弦的音色略显单薄,不足以充分的表达此乐段描写的红军步履艰难的征途场面。如果采用内弦来演奏的话,效果就截然不同了。采用内弦来演奏的指法为。

首先演奏时需加强右手弓毛的擦弦力度,使声音充分的振动, 另外,由于内弦把位稍偏高,声音的灵敏度有所下降,那么左手也需加强手指的揉弦与抓弦力度。这样一来,内弦浑厚,坚毅,极具震撼力的音色就会将红军长征征途的意境表达的更为充分了。但该指法也是具有一定的演奏难度的,就是一指的大幅度换把不利于音准的掌控,但通过科学的练习是完全可以克服的,在练习时要注意大幅度的换把,动作切不可“晃腕”,也就是说左手手腕与小臂的角度要相对保持,不可变形,但胳膊整体还是放松的,并不是僵硬式的保持不动。这样才会有利于一指换把的音准。这也就充分的说明了一个道理:技术要更好的与音乐表现相结合。

另外,在某些技术性较强,速度较快,音符交替变幻较为频繁的乐曲当中,是有两种类型的指法可供演奏者来选择的。此类乐曲音色的特征并不是十分鲜明,它是通过快速变换的技巧给人以听觉及视觉上震撼。在众多二胡作品中,尤其是在移植的小提琴作品和近年来创作的现代作品中,该特征较为明显。如王建民先生的《狂想曲》系列,每首狂想曲的最后部分均为急板,连续的快弓和频繁的变化音程,给演奏者以技术上的极大挑战,同时也促进了二胡演奏技巧的大幅度提升。笔者通过学习研究,发现在众多演奏者中, 每人所使用的指法都不尽相同。当然,每个人的演奏习惯是不同的,本文只是从音乐与演奏技术的层面加以分析论述。在此类乐曲的指法方面,某些乐句可以有换把和换弦两种指法。

二胡演奏中,快速换把和快速换弦是左右手的高难度技巧, 要求演奏者要具有非常扎实的基本功,演奏方法高度准确,松弛。 在快速演奏时,犹如高速运转的机器一样,是不允许出现半点差错的。那么,这两种指法都具有一定的难度,演奏效果也是各具特色。首先,采用换把的指法,会突出视觉上的效果,更为符合音乐的语气感和旋律走向。再者,如采用换弦式的指法,演奏起来较为规整,也有利于减少音符间的痕迹,声音干净,颗粒性较强。例如移植的小提琴作品《引子与回旋随想曲》的最后一乐段,如采用换把式的指法为:而换弦式的指法为:当然,对于这种技术性极强的乐曲具体应采用哪一种指法,应当根据演奏者本身对于音乐的理解和演奏技术的掌控能力来决定,但总的原则应是最大限度的发挥演奏技巧以追求音乐的表现为准则。

另类“演奏家” 篇11

在一个冷门行业坚持了8年，对他来说这是一种享受，而且终于在自己30岁的时候等到了大显身手的机遇。“最满意的作品， 是将于今年年底上市的一款新车。”很多设计师都会说最满意的是自己的下一个作品， 但这句话对于崔岩来说并没那么轻松。

“挑战”入行

2004年，毕业于天津工艺美院产品造型系的崔岩，在系主任的推荐下进入天津一汽，成为了公司里第一批油泥模型师。现在，他已经成为了公司的主力，直接参与到新车的研发设计当中。尽管在那一年中国车市增速骤然放缓，很多整车厂的新车研发项目纷纷搁浅，但这并没有阻碍那些对汽车充满热情的人继续去实现自己的梦想。

在毕业的时候，崔岩就选择将汽车作为自己的毕业设计作品。与其他做音响等产品的同学相比，他觉得这样更具有挑战。从那时起，他就期待着早晚有一天，自己设计的汽车行驶在路上。

“我认为自己还是比较幸运的，因为当年入行并没有经历太多周折，是直接由系主任推荐，经过面试和技术考核进入天津一汽的。”据崔岩回忆，尽管油泥模型师这个职业在当时对于很多人来说还十分陌生，但公司所配备的设备、平台和工具都是比较先进的。不过，对他影响最深的是进入公司后六年里认识的两位老师。当时有一位来自长春一汽拥有20年经验的隋师傅，经过正式的拜师，崔岩也快速进入了状态。另一位曾在日本丰田担任设计师的小板壮一也让崔岩很受启发，尽管二人相差了一代人的年纪，但私下里他们却是莫逆的至交，两位老师的传授也让他看到了设计师和模型师眼中的不同世界。

他喜欢将汽车设计师和油泥模型师的关系比喻为“作曲家”和“演奏家”。“作曲家创作了反应他灵感的音乐，演奏家将乐谱中的灵感变成声音，反应出他的感受力和技巧。”在他看来，油泥模型师是在表现设计师的灵感，只不过是用立体的形式将平面效果图表现出来，从而体现出模型师的技巧和理解能力。“收纳”兴趣

崔岩的父亲是天津“ 泥人张” 的学生，因为在小时候看到父亲经常会做一些作品，使他对雕塑产生了兴趣。上大学后，选择设计专业的崔岩仍然喜欢在课余做一些雕塑，这个习惯一直保留至今。

2012年5月16日，“青年汽车模型师雕塑作品展”现场，2012年第二届中国模型师雕塑技能大赛获奖作品悉数亮相，在一等奖作品《雀之灵》的旁边，崔岩正在向观众们介绍他的创作故事。

由于平时工作时间比较紧张，所以崔岩只能利用下班后的时间加班赶制。作为全部参赛作品中“最复杂”的一件，崔岩总共花费了一个多月的时间完成。因为已经是第二次参加比赛，崔岩希望能够更充分地施展出自己的创作技巧。“去年我做的是一个关羽的形象，今年我想摆脱人物的限制，尝试一下动物、植物的表现方法。”

对于大多数外行来说，崔岩的作品似乎很普通，两只孔雀栖息于牡丹环绕的花丛中，但稍微接近一点就能感受到复杂工艺带来的气场。“孔雀的身上一共有50 多片羽毛，每一片都能单独摘下来，”为了体现孔雀羽毛通透和轻盈柔软的特性， 崔岩没有采用通常在主体上直接雕塑的做法，而是将每一片羽毛单独拼贴而成。不仅是孔雀的羽毛，旁边的叶子和牡丹花也采用了同样的处理手法。“用极细的油泥做成花蕊，由40支花蕊组成一朵花。”据他介绍，这样的一朵用于陪衬的花大约就要耗费一个小时。

实际上，这件《雀之灵》是崔岩在完成另外一件作品后“偷闲”做出来的。“每年国际车展前都会有汽车设计师之夜，对于我们油泥模型师却很少有交流活动。”在接到报名通知的时候，由于每家企业最多只能选送三件作品，为了让自己的团队能全部加入进来，他最初选择的是一件能群策群力的主题：黄鹤楼。

“我们单位的模型组一共有6个人，而黄鹤楼刚好由6部分组成。”崔岩很喜欢这种团队协作的状态，他们首先分工，崔岩负责完成第一层的部分，其余每人各做一层，通过中间的主梁，将底座和上面的五层楼串在一起。从作品上，很难看出拼接上的误差，这件《黄鹤楼》也最终获得了比赛的二等奖。

“演奏”开始

“这车怎么和图片上的不一样？”2005 年以前，油泥模型在国内很多整车厂当中还是一个新鲜概念，甚至被认为是“没有必要的”。然而，除非是极其细小的调整，否则只要是涉及到三维造型和曲面的改动时，不经过不同比例的油泥模型，设计师很难得到图纸上所绘制的满意效果。

到了现在，与设计师的沟通仍然是油泥模型师遇到的最大困难，崔岩也不例外， “有时候设计师想要的是做不出来的，我们就要调整，尽量让设计师满意”。尽管在他眼里，设计师更接近研发的上游，凭借创作灵感绘制出设计图纸，但他认为油泥模型师一样可以将自己的设计想法融入到作品当中。而且模型师具有一定的设计基础也会让他们更好地理解设计师的思路。他说：“当我们的想法和设计师有撞击的时候，我们会在设计师的认可下找到一个共同的点。”

不过最终这一切都取决于高层领导的态度，只是现在他已经能够理解这样做的原因。“最大的烦恼就是改，但一件好的作品肯定是改出来的。”

除了这样的家常便饭，随着国内车市的膨胀，各个厂家也不得不加快了推出新车型的速度，这给崔岩他们带来了不小的挑战，不仅工作量加大，而且拿出的作品也必须是能够击败对手的精品。于是，天津一汽也逐渐开始了与国外设计师的合作，其中一次与日本设计师的合作给崔岩留下了深刻的印象。

“当时工期十分紧张，而且评审的时间又和我的婚礼赶在了同一周，压得人喘不上气。”据他回忆，由于自己负责的是最关键的汽车前脸部分，所有体现汽车“生命”的细节都在这里，所以不允许有一点闪失。而当时又要抽身筹备婚礼，不得不加班加点， 最后终于在婚礼的前一天才把模型完成。

或许是天生对汽车的热爱， 也或许是有过这一次有惊无险的经历，在崔岩眼里，汽车不仅是有生命的，而且还有不同的性格和表情。

“头灯就像汽车的眼睛，进气格栅就像汽车的嘴，MINI就是很可爱的感觉，很多跑车都是很英气勃发的。每种车都是不同的表情。车是活的，我们在做一个汽车模型的时候，感觉自己就像是车的父亲， 车就像是我的孩子一样，完全投入进去， 把他装扮的更漂亮，毕竟因为自己真的喜欢这个行业。”

Q&A

A=Automotive Observer

C=Cui Yan

A:工作中最大的烦恼是什么？

C:最大的烦恼就是改。但一件好的作品肯定是改出来的，不可能一次就做得那么完美，都是改出来的。

A:你是怎样扑捉设计流行趋势的？

C:首先要了解各大汽车厂商最新发布的车型，找出新车的特点和上一代汽车相比较，就可以大概了解它造型的发展方向。通过对各品牌新造型的了解，把一些特征分类并总结关键词，我也会按照自己对流行趋势的了解设计一些车型，挑出满意的做成小比例的模型，找机会和一些设计师交流沟通，同时还能使模型师和设计师更加了解对方。

A:你是一个爱汽车的人么？

C:我想所有男人没有不爱汽车的，从小喜欢汽车的我自然在毕业设计时要做一辆自己的车，不过在这之前我就和学长就为天津一汽的新产品做过车灯的仿真模型，所以那次应该算是第一次接触汽车吧。

A:是否担心自己目前的行业被先进的3D打印技术或其他专业的人取代？

C:现在有一些技术手段可以从设计师的图纸中直接生成硬质模型，但不同比例的模型给人的感觉还是不一样的，设计师在电脑屏幕上做好的作品，和直接看到真正的模型还是有区别的。比方说车身上的腰线就像是车的裤腰带，起到很关键的作用，但小比例和1：1 模型看上去就是不一样的，这就需要我们亲手去进行调整。

和其他专业的人相比，我们更能通过效果图去理解设计师的思想，有时在和国外设计师合作时，在语言不通的情况下就可以靠画图来进行沟通。

链接：油泥模型设计

油泥模型出现于20世纪二三十年代，是车身开发过程中不可缺少的一环，油泥模型制作是一个将二维转为实体，并进行深化和改善设计的过程（如风洞试验，制作生产用的模具）。

油泥模型制作通常分为开发模型（1:10比例）、展示模型（1:2比例）和生产模型（1:1比例）。油泥模型制作采用刮削法和添加法。刮削法最早出现于底特律，是当前油泥模型界最普遍和最主要运用的方法。

个人简介：

姓名：崔岩

职务：天津一汽夏利汽车股份有限公司产品开发中心 油泥模型师

星座：巨蟹座

兴趣：雕塑、绘画、皮雕

演奏设计 篇12

一、人文素养在钢琴演奏中的表达方式与艺术特色

1、人文素养的艺术魅力

在钢琴演奏的过程中, 人文素养的传递, 是突出在各项综合指标的效果中, 最主要的就是在道德品质、思维意识、生活表达等方面的涵养, 因此, 在演奏者形成的自我素质体现中, 主要的就是在价值体现、道德标准、人生态度、价值取向等指标, 通过演奏者对歌曲本身特色以及人文特征的了解, 形成演奏过程中独有的艺术表达方式。因此, 在演奏者人文素养的融入过程中, 可以全面提升演奏以及演奏者的个人素养、审美价值观念、艺术表达方式等方面的综合素质, 尤其是在结合演奏者的文化生活态度、社会背景等相关传统文化的影响下, 形成一种积极向上的魅力, 这样能全面实现钢琴演奏中人文素养的整体功能。

2、人文素养培育的表达方式

在钢琴演奏的过程中, 要突出人文素养的表达与应用方式。其中, 在结合演奏者的个人素质的基础上, 突出对演奏者在美学思想、哲学思想、科学意识、音乐表达能力等综合知识的培养, 让演奏者形成对人文素养等相关知识的融入性演奏。这样, 在演奏的过程中, 可以将不同曲目、不同风格的歌曲表达出不一样的艺术特色, 并在不同流派、不同演奏风格的形成中展示演奏者综合性的人文素养。因此, 在整个表达的过程中, 要注重对演奏者人文知识的培育, 不断加强对国内外优秀作品的学习练习, 提升个性化的文学素养, 并在综合思维能力的培育中, 不断发挥出演奏者在观察力、记忆力、理解力等方面的运用, 注重在平常的训练中增强演奏者的想象力训练, 通过多元化的人性化知识培育, 强化演奏者的职业道德素养, 提升三观理念, 在培养个性化表演情操的基础上, 形成演奏者丰富的阅历以及强大的经验, 在演奏者传达出来。

二、乐感表达与培养在钢琴演奏中的功能运用

1、乐感培育的有效性

在钢琴演奏的过程中, 乐感是一种潜移默化的形成能力, 在培养的过程中, 也是在不断训练、反复培训等基础上表达出来的, 尤其是在视觉、听觉以及触觉等综合性乐感能力的传递中, 通过乐感表达的演奏方式, 可以激活演奏者内心的表演力, 形成一股强大的综合力量。其中, 在对钢琴曲谱进行演奏的过程中, 可以对曲谱的综合结构、乐感表达、旋律线条等形成多样化的综合表达, 并在不断培养的过程中, 对于旋律的变化、乐句的长短、节奏的缓慢变化等, 形成直接的效果模式。因此, 通过这些乐感的表达, 可以形成更加和谐的表达模式, 在整个技术控制的过程中, 对于每一个钢琴演奏中的段落表达有一种层次感, 更加增强整个表演的全面化。

2、乐感培育与形成方式

在钢琴演奏的乐感培育中, 要注重循序渐进与坚持的原则, 在逐渐掌握各种乐曲曲风以及训练技巧的基础上, 通过对钢琴艺术表达有不断积累的视觉表现模式, 因此, 在培育的过程中, 要注重对表演者天赋的引导, 也要注重对乐感语言、曲风、旋律的引导。在演奏的过程中, 通过对钢琴演奏中曲子的结构方式、谱写方式、词曲表达方式、符号等方面的综合因素, 采取积极的延伸演奏模式, 平时参与钢琴演奏会, 多聆听, 反复倾听, 熟悉钢琴的每一个键的综合功能, 在构建良好心态与理性演奏的基础上, 全面实现乐感培育的优化设计, 才能更好的培育出乐感的形成。

三、演奏技巧在钢琴演奏中的整体表达方式

1、音乐表达中的熟练程度

通过钢琴演奏的技巧化运用, 在具体演奏的过程中, 可以将声音、手指、形态、神态等多方面的因素结合起来, 产生在演奏中舞台效应、形象效应、演奏效应等多方面的综合魅力。因此, 在演奏的过程中, 要加强对演奏手指弹法的控制, 尤其是在弹奏方式、触键方式、连音、短音、高音一级在五指连弹等方式的表达, 并注重在音阶、和弦、双音等多要求的表达技巧, 注重提升演奏的速度、控制好演奏的气息、增强好演奏的进度, 并加强在伴奏、合奏等方面的演奏训练, 这样, 能形成系统化的演奏技巧训练, 对于提升整个演奏的综合效益都有很大的帮助。

2、演奏中的技巧运用

在艺术技巧的实现中, 需要演奏者有一定的演奏技能, 在平时的训练中, 加强学生技术关键性的培养中, 注重学生在手指的独立、手腕手臂的运用, 以及在双音、震音、装饰等方面的综合运用, 并在技巧的实现中, 还要对钢琴演奏中的触键、节奏、节拍等, 这些, 都涉及到整个技术的运用, 这里, 我们可以从整个钢琴演奏的乐谱进行探索。在钢琴演奏的乐谱中, 是作曲家精神思想的集中体现, 也是表达思想情感与音乐形象的一个重要防护, 在认识五线谱的基础上, 对乐谱的主题表达形成整体的诠释。

四、结语

因此, 在钢琴演奏的过程中要实现人文素养、乐感培育、演奏技巧三个方面的综合培育训练, 突出强调演奏者在自我素质提升的过程中, 围绕演奏技巧, 道德水准、基本功训练、乐感培育等能力, 突出在舞台演奏中的实际综合模式, 强调在钢琴演奏中技巧性运用与演奏表演的综合效应, 对于提升钢琴演奏的整体功能都有很大的帮助。

参考文献

[1]刘广抒;;舞台演奏中焦虑心理的调控[J];大舞台;2012年08期

[2]武蕾;;谈器乐演奏中如何克服“怯场”的方法[J];科技信息;2010年21期

[3]潘汉超;;高师钢琴即兴伴奏与编配应注重的几个问题[J];文学教育 (中) ;2010年04期