艺术价值（精选12篇）
艺术价值 篇1
钢琴伴奏的巧妙之处在于不受独奏的限制, 用不同的表现形式配合主体演奏, 达到多元化的烘托效果。在各种音乐表现形式中, 钢琴伴奏的应用无疑成为艺术价值提升的重要途径。
一、钢琴伴奏与艺术表现力的结合
钢琴伴奏与艺术表现力的结合可以从具体的存在方式中得以体现。一方面, , 钢琴伴奏可以通过管弦乐器合作的方式传递艺术表现力。多种管弦乐器的共同演奏展现出艺术重合的魅力, 本身钢琴独奏就已具备强大的吸引力, 而钢琴走入伴奏领域后, 它最重要的艺术使命在于和其他管弦乐器的巧妙融合, 烘托曲目主线的艺术诉求。此时, 钢琴演奏要在音量、声色等方面的艺术表达需要与独奏相区别, 按照曲目的主导风格调节艺术表现形式, 将其他管弦乐器的表达进行更深入的音乐诠释, 为主奏推波助澜。
另一方面, 钢琴伴奏可以通过声乐演唱合作的方式传递艺术表现力。在声乐表达中, 钢琴伴奏使歌唱更加有血有肉, 歌唱性的语言和钢琴两者之间的交错配合能够彰显曲目本身的层次和力度。以声乐套曲《冬之恋》为例, 曲目所要展现的是戏剧性的效果, 而钢琴伴奏恰恰用富有层次感的曲调为歌声进行延续补充, 错落有致的钢琴伴奏足以描绘出人物的心理色彩。所以此时钢琴伴奏与艺术表现力的结合犹如以另外一种语言将曲目的内涵进行揭示。
综合来看, 钢琴伴奏与艺术表现力的结合是丰富多彩的, 但相通之处在于每一次与艺术表现力的结合都为曲目主奏或是主唱增加了一层饱满的诠释。
二、钢琴伴奏烘托效果凝结的艺术价值
钢琴伴奏对艺术表现力的提升最终凝结为独特的艺术价值。无论是从创作的角度, 还是演奏的角度, 钢琴伴奏都是借助不同的艺术表现方式, 将多种艺术元素融会贯通, 其饱含的艺术价值是表现力不断提升的动力。
(一) 艺术创作的价值凝结
钢琴伴奏经过艺术的洗礼, 呈现给世人的是经得起考验的艺术烘托效果, 因而凝结着宝贵的艺术价值, 这一切源于精湛的艺术创作。在复杂交错的乐器演奏中, 钢琴伴奏创作必须考虑到与各种乐器之间的协调性, 但又不能仅仅作为简单的陪衬, 而是要以小博大, 支撑整场演奏的氛围烘托;在歌唱中, 钢琴伴奏创作要以情感和语言的双重诉求为出发点;在演出场景, 钢琴伴奏创作要围绕剧情的随时变化进行配合。所以钢琴伴奏的创作能够对作品的风格进行特定的烘托, 这一过程不是刻板的、教条式的, 而是自然而然的艺术价值凝结。它必须摒弃独奏时的显赫效果, 转而进入另一种艺术表达状态, 既为伴奏所需的音乐艺术元素提供氛围烘托的载体, 又要与其他音乐元素密切配合, 这是一种连结纽带的作用, 最终形成的是音乐的艺术价值链。艺术的魅力在于不断创新。同样是钢琴, 用于不同的伴奏场合、采取不同的伴奏方式, 所迸发的艺术效果也是色彩斑斓的。钢琴伴奏突破传统模式, 跨越艺术“瓶颈”的过程交织着蜕变和创新, 而创新所凝聚的价值是没有界限的。
(二) 艺术伴奏的价值凝结
艺术创作的价值凝结必须通过表演进行印证, 缺少了实际伴奏的环节, 钢琴伴奏作品就成了无本之木, 钢琴伴奏的艺术表现力也正是在这一过程中被听众所感知。一方面, 伴奏者需要具备深刻领会作品的能力, 才能恰到好处地完成伴奏。钢琴伴奏涉及与其他乐器或歌唱的配合, 但是练习中不可能时刻与合作者共同演绎曲目, 这就要求伴奏者能全面深刻地领会作品的内在要求, 不仅立足于自身的演奏位置, 也要体会其他合作者对自己的配合需求。另一方面, 伴奏者需要具备灵活应变的能力, 即临场的应变。面临突发性的气氛表达需求, 伴奏者就要及时加工、调整原有的创作编排, 达到浑然统一的目标。由此可见, 艺术伴奏的价值凝结是伴奏者音乐艺术修养的综合体现, 越深厚的艺术功底和悟性, 越能激发伴奏者的艺术诠释能力, 达到理想的烘托效果。在临场发挥中, 钢琴伴奏者精准的即兴发挥凝结着艺术的精华, 也会给在场的音乐人以启迪, 实现钢琴伴奏中艺术价值凝结的升华。
三、钢琴伴奏对艺术价值提升的方向
充分认识钢琴伴奏对艺术价值提升的作用对于今后的音乐艺术发展是不可或缺的。具体来说, 艺术创作和演奏配合是今后需要着力提升的方向, 也是钢琴伴奏生命力强劲的保障。
(一) 从艺术创作的角度加以提升
艺术创作中对钢琴伴奏的大胆尝试是艺术表现力提升的重要环节。我们从肖邦的创作中就可以得到启迪, 古典的钢琴伴奏风格并非是一成不变的, 甚至成规式的要求也不是无懈可击的。古典是一个相对的概念, 任何一个时期都是由过去的历史发展而来, 又会成为下一个时代的历史。所以突破原有的伴奏风格, 融入当今时代的艺术曲风于钢琴伴奏创作之中是必要的, 而且可以创造意想不到的烘托效果, 因为艺术表现力和价值的提升也需要源源不断地注入新的能量, 模式化的创作对于艺术表现力的提升是有限的, 甚至于可能给钢琴伴奏的创作带来“瓶颈”。多元化的钢琴伴奏理应得到推崇, 因为我们生活在一个文化繁荣的时代, 钢琴伴奏所蕴含的烘托效果以及凝结的艺术价值还有很多未知数, 或者说是诸多未知的惊喜等待我们开采, 勇于尝试便是迈出了发展的第一步。开拓创新与锐意进取放置在任何一个领域都是不争的真理, 钢琴伴奏的创作同样如此。
(二) 从各方配合的角度加以提升
在各种钢琴伴奏的场景, 每一个表演者都是按照曲目本身的要求执行自身的“职责”。但是音乐艺术创作也会存在仁者见仁, 智者见智的情况, 对于钢琴伴奏的音量、节奏、旋律等, 伴奏者也会与创作者存在意见分歧。从团队配合的角度, 赋予各方表演者合理的应变权限是值得尝试的, 因为艺术表演者在真正融入表演环境后, 全身心地投入自然容易激发艺术灵感, 艺术价值的提升就会拥有新的契机。因此, 在涉及钢琴伴奏的曲目中, 表演者之间要在日常练习的过程中经常交流切磋, 敢于表达协调变革的见解, 并进行尝试配合, 以烘托效果和艺术价值作为衡量的标准和尺度, 推动钢琴伴奏水平迈向更高的台阶。
总结
钢琴伴奏独特性使其烘托效果惟妙惟肖, 在众多音乐活动中都离不开钢琴的伴奏支撑, 足见钢琴伴奏的重要。无论是钢琴伴奏的艺术表现力, 还是其中凝结的艺术价值, 都是处于不断发展变化的, 艺术的魅力恰恰是在此过程中得到升华。
摘要：钢琴伴奏是音乐艺术表演的重要组成部分, 不仅应用范围广阔, 对艺术表现力的提升作用也非常显著。本文首先对钢琴伴奏与艺术表现力的结合进行介绍, 然后系统论述钢琴伴奏凝练的艺术价值及其提升的方向。
关键词：钢琴,伴奏,艺术,表现力,价值
参考文献
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[4]王琳琳.从外国艺术歌曲的发展看钢琴伴奏的作用[J].音乐生活, 2009, (10) .
[5]邹彦卓.论声乐钢琴伴奏中的对比、平衡与统一[J].乐府新声 (沈阳音乐学院学报) , 2009, (04) .
艺术价值 篇2
【摘要】近年来很多电影作品都在其中加入了声乐艺术，这些电影作品通过声乐艺术起到渲染氛围、深化电影主题的艺术效果。声乐本身就是一种极具美学价值的艺术形式，在电影作品中巧妙地运用声乐艺术，使这两种视与听的艺术形式实现有机结合，能够在凸显电影主题内容的同时，增添艺术感染力，进而起到作品的美学增益效果。本文就从电影中的声乐艺术的运用入手，对其美学艺术功能与价值展开探讨。
【关键词】声乐艺术;电影;美学价值
电影这种视听结合的现代艺术形式具有极强的兼容性，可在其中融入文学、绘画、舞蹈、摄影、音乐等多种艺术形式。特别是音乐这一种极具美学价值与感染力的艺术形式，在电影诞生之日起就和其结下了不解之缘[1]。虽然电影在19世纪末诞生时，因为技术限制，主要为黑白默片的播放形式，但这一阶段的电影也并非是真正意义上的“无声”。卢米埃尔播放世界首部电影时，为掩盖放映机噪声，在播放时请来了乐队进行伴奏，这种方式不但起到了掩盖噪声的作用，还对电影氛围带来了渲染效果，为观影者带来了视与听的双重美学感受，反响十分热烈，自此此种模式在黑白默片时代得到了广泛应用[2]。但当时的电影音乐伴奏主要是现成的古典音乐段落，事先并没有进行科学编排，随机性极强，虽然有时会起到渲染作用，但更多时候所伴奏的音乐和电影剧情并不匹配，反而会影响观影效果。随着相关技术的发展，美国华纳于1927年推出了世界首部有声电影一一《爵士歌王》。这部有声电影通过合理的编排，不但实现了音乐伴奏和剧情内容的契合性，还首次加入了声乐形式。自此电影音乐的技术与音乐编排设计理论逐步完善，声乐在电影中的应用也日益广泛。
一、声乐艺术概述
声乐是人声与音乐结合的艺术形式，主要有美声、通俗以及民族声乐等类型。声乐的最大美学特点就是极具感染力，能够带动人的情感，并产生共鸣[3]。演唱者需要在具备先天嗓音优势的基础上，通过对音符的理解，诠释出极富感情的演唱作品。现代电影艺术包括视觉画面、语言台词以及音乐三大要素，其中语言和视觉画面与电影剧情直接相关，而音乐则不同，它主要是通过辅助渲染的方式，起到深化电影主题的效果[4]。在现代电影艺术中，音乐更是与电影的艺术表现及审美价值有着紧密相关。声乐作为一种典型的音乐类型，从第一部有声电影诞生以来，就时常出现在各类优秀影片中。声乐是由人声和音乐所组成的有机体，当它被合理地安排在电影某个段落中时，声乐还可视为是一种音乐化的台词，与语言台词共同叙事电影的主题。
二、声乐艺术在电影中的应用特点
(一)不完整性
声乐作品与其他音乐形式一样，有着完整的结构。但当声乐运用到电影中时，则打破了声乐的这一常规[5]。电影音乐需要贴合情节与主题，和语言台词形成相互促进或互补的效果。这就决定了电影中的声乐作品并不是以其完整的形式呈现，可能是某个声乐作品的节选，也可能是不同声乐作品的拼接。虽然说电影中的声乐结构缺少完整性，但不会影响其美学价值，反而还会和电影画面、剧情、语言等共同作用，起到美学的增益效果，共同构成一个极富美学价值的电影作品。
(二)可塑性
现场演唱的声乐作品是通过音乐厅中的`乐队与人声共同演绎而成，而电影中的声乐则是经过后期处理而成[6]。虽然同一首声乐作品无论是电影还是现场演绎，其整体是一致的，但电影声乐作品经过后期制作时，可能会根据电影的演绎需要进行特殊处理。就如同特写镜头的原理，将某一小节的声音调高，或者减弱。也可利用电脑技术进行处理，如《第五元素》中外星女歌唱家在豪华剧院演唱的经典桥段，为起到震撼效果，在后半段演唱的《女神之舞》中，通过电子处理，不但加快了节奏，拓宽了音域，出现了现实演唱中难以实现的男女混合声线，带来了极大的艺术震撼性。
(三)契合性
电影中的声乐作品必须紧贴电影中的主题或某个镜头的氛围，决不能恣意添加并不相关的声乐作品。电影配乐者可将现有声乐作品加入其中，也可为电影创作新的声乐作品[7]。例如1990年台湾电影《妈妈再爱我一次》是一部感动了两岸母爱题材作品，为渲染电影主题，选用了《世上只有妈妈好》这个歌颂母爱的声乐作品作为伴奏。之所以选择这一声乐作品，正是因为它和电影主题的契合性。当声乐作品响起，伴随着银屏中强强抽泣的画面，使观影者受到了极大的内心震撼。
结束语
声乐是由人声和音乐所组成的有机体，当它被合理地安排在电影某个段落中时，声乐还可视为是一种音乐化的台词，与语言台词共同叙事电影的主题，在渲染与深化主题方面，发挥着自身独特的美学价值。综上所述，本文首先对声乐艺术进行概述，之后分别从不完整性、可塑性、契合性等方面探讨了声乐艺术在电影中的应用特点，最后在此基础之上，从渲染氛围、深化人物的刻画、深化主题、抒情以及蒙太奇等方面对声乐艺术在电影中的美学价值进行探讨，希望能为相关人士提供些许参考。
【参考文献】
[1]曲永新.以电影《立春》为例探微电影音乐中声乐的艺术魅力[J].齐鲁师范学院学报,,04:120-122.
[2]平丽华.从《花儿为什么这样红》谈声乐艺术在影视主题中的演绎[J].电影文学,2011,23:140-141.
艺术的价值和推动艺术发展的责任 篇3
关键词：艺术；价值；艺术家；审美观
中图分类号：J2 文献标识码：A 文章编号：1671-864X（2014）08-0188-01
美术是人类历史上发展中形成的瑰宝，从原始社会的壁画到现在形成的油画、水彩、水粉、素描、速写、漫画等等。美术成为了生活中不可缺少的艺术品，从房间的桌椅板凳到书柜衣橱再到室外的雕栏玉砌处处透露着美术给人们带来的美的享受；美术也成为了一种懂得享受，知道品味有内涵的高雅群体的代名词，古时候描写一个人才情出众的时候就经常会说琴棋书画样样精通，换句话说你要想成为别人认可的才子就一定要懂的画；伟大的美术作品往往给人带来心灵上的震撼，看梵高的向日葵你可以感受到那种生命的激情，看齐白石画的栩栩如生的虾你看到的是那种自然界生物的美丽，看徐悲鸿的马你心里会自然的涌出那种自强不息的奋斗精神.高端的美术作品他们的价值也变得不可以估量，景德镇的青花瓷，达芬奇的《最后的晚餐》，梵高的《向日葵》。这些高雅的作品他们的价值是永恒的，是人类文明史上一笔重要的财富。
而一副伟大的作品当然需要懂得欣赏美的人来欣赏，正如千里马需要伯乐，美酒需要英雄来品味。所以只有当你有一双发现美的眼睛时，当你能够看到作家在作画时的心里情绪，懂得他们想要表达出来的意境时才能够说明你真正的看懂了一副名作。在你真正看懂一副名作之后你的心会变得豁然开朗，有种朝闻道夕可死的顿悟。这就是人的精神享受，这就是伟大的作品所拥有的价值。罗丹说过：“生活中不是没有美，而是缺少发现美的眼睛。”一个人只有心中充满着爱，充满对生活的激情，他才能够感受到生活中到处都充满着真善美。所以要想成为一名伟大的艺术学，他首先要学会对生活充满热爱，善待周围的人群，周围的自然和环境。过去人们常常用暴发户来形容那些忽然间拥有大量的物质财富而精神物质很空虚的人群，因为人类的发展最终的结果是要让人民的精神生活也变得极其丰富。丰富人民的精神生活必须依赖于精神文明，而精神文明的发展又有很大的重任落在这些艺术家的身上 。
艺术家推动精神文明的发展和艺术的作用在文艺复兴时期表现的淋漓尽致，人文主义精神在文艺复新才得到肯定和推崇，所谓的人文主义精神就是提出以人为中心而不是以神为中心，肯定人的价值和尊严。主张人生的目的是追求现实生活中的幸福，倡导个性解放，反对愚昧迷信的神学思想，认为人是现实生活的创造者和主人。而在这些最杰出的代表里面有意大利的达芬奇，他的壁画《最后的晚餐》、祭坛画《岩间圣母》和肖像画《蒙娜丽莎》成为了世界艺术珍品中的珍品；拉斐尔桑西则以《带金莺的圣母》、《草地上的圣母》、《花园中的圣母》和《西斯廷圣母》，用母性的温情和青春健美而体现了人文主义思想；米开朗基罗.博那罗蒂用他雕塑的《大卫》、《摩西》、《被缚的奴隶》和《末日的审判》等一系列举世闻名的作品带来了新的思想源泉，对艺术追求完美和坚持自己的风格影响了几乎三个世纪的艺术家。在中国的五四运动当中也涌现出了一大批优秀的艺术家，他们用他们杰出的作品唤醒了沉睡已久的中国人民。
艺术的发展当然需要这些伟大的艺术家，需要他们那种对艺术独特的见解和风格，需要他们那种对艺术追求近似疯狂的精神。以他们为核心把新的艺术扩展到世界的每一个角落。但是对于一般的艺术家也应该具有对艺术本来就应该具有的特点。那种对待艺术严谨的态度，敢于突破敢于创新，敢于坚持自己风格的特点。只有这样在经历过一段磨砺之后才能够创造出真正属于自己的作品。一个能够受到众人赞赏的艺术家必定具有自己的风格。在这个物质已经比较丰富的社会，很多人都很悲观的说现在的艺术已经完全没有了任何的风格，艺术家们都在忙着丰富自己的物质生活，所谓创造出的艺术品基本都是相互模仿。可能这些人都是过于的悲观，其实不管在什么时候都存在那些为艺术奋斗终身的艺术家，比如老画家王明明、邓朝贵年轻的行为艺术家幸鑫等，这些人值得我们赞美。但是这种对艺术的悲观也给我们敲起了警钟，为何在近一个世纪再也没有出来一个像达芬奇，罗蒂等能够给当时的社会刮来一股旋风的伟大艺术家。艺术家们必须好好的思考自己到底要给社会带来什么样的精神物质，自己应该如何更好的对待艺术。
但是作为普通的大众对于欣赏艺术的人对艺术的发展也有着自己重大的责任，首先我们对艺术的欣赏必须具有正确的取向，这样才能够把艺术的发展引向正确的轨道。这就要求我们必须从小就要培养审美观，能够辨别艺术的好坏，能够真正的欣赏好的艺术。现在的小孩从生下来的那一刻就背负了一个“神圣”的职责：努力的读书，拼命的做题，从茫茫的人海中杀出一条血路。于是在他们拼命的背后，父母促使他们去学会更多的技能。各种技能班，无数培训班，即使他们加入的是美术音乐培训班，这也是为了他们在考试中能够加分的筹码。孩子们很少有时间去培养自己欣赏生活的美。当他们看到夕阳下山满天红霞的那一刻他们心中只有又要去上自习的感叹，他们再也体会不到夕阳无限好，只是近黄昏的那种美景和心情。年轻人在工作之后玩玩游戏忽然发现一天的时间就过完了。你不得不感叹这是一个躁动的时代。但是如果你在去上班的时候感觉自己踏着朝阳，迎着晓风，花香扑鼻，叶儿招手；在你下班的时候给自己沏一杯淡茶，依在落叶纷飞的木窗前，读一首古诗。这就是审美观的培养，培养自己时刻都在发现生活中的美，永远不要让自己失去那一双发现美的眼睛。
艺术不管在历史的那一个阶段都在发挥着自己无与伦比的作用，它让人民的精神生活变得丰富，让自己不要迷失在物质生活的浪潮，无时不刻不让自己的内心深处保存着那一片绿地，那一份高雅和宁静。但是艺术时刻都在发展，不同的时期人民都拥有自己独特的艺术，但是艺术的精神和对艺术的审美观都不会改变。每一个人都有欣赏艺术的权利同时也有推动艺术发展的义务。艺术家必须要担当起创造出真正的艺术，欣赏者必须要学会去欣赏真正的艺术，唯有如此艺术才能够得到发展并且发挥它真正的作用。
参考文献：
艺术价值 篇4
一、观音的不同造像
古今艺术家及工艺师将自己的观音情结融会至塑雕与笔墨之间，这些艺术品不仅造型优美，更能体现出观音“垂护众生，慈悲有情”的精神境界。故而具有较高的艺术价值及收藏价值。
1. 莲瓣观音像。
民间所见到的观音像，大多于莲花相联，莲瓣观音像大多手持琉璃净瓶，故又称为净瓶观音、琉璃观音。从隋唐开始，便多见一手持柳枝，一手执净瓶，瓶内盛净水，象征净化身心，观音手中的柳枝(柳枝，可医病，表明可以解除苦难)，遍洒甘露法水，代表了观音慈悲为怀，普洒佛法。
2. 送子观音像。
民间人士十分熟悉的观音便是送子观音。多数的造像是观音身披斗篷怀中抱着健康活泼的孩童，或身边围绕着孩子，代表送子的职务。送子观音是民间创造的，因为佛教中并无送子观音。清代赵翼在《祷馀丛考》中记载：许洄妻孙氏临产，危苦万状，默祷观世音，恍惚见白氅妇抱一金色木龙与之，遂生男。故而从前有些传统观念较重的妇女认为供奉送子观音，就能够有儿子继后，这主要与我国重男轻女的传统观念有关。
3. 水月观音像。
民间人士好将观音与水相联一起。水不断流动清盈透澈，代表智慧。市场上最常见的便是水月观音了，水月观音身着白衣，头有圆光，背为水色，以示在水边，坐姿休闲，无拘无束，水月观音可以说把观音像更加民间化、人间化。
4. 鱼篮观音像。
在民间传说最多的则是佛像图汇里三十三观音之一的鱼篮观音，又称鱼篮大士。其右手提一鱼篮，比例适度，姿态自然生动，造像手法简练，拥有简洁的动势美。关于鱼篮观音《法华经.显应录》卷下载有这样一段传说：陕右人习剑骑马，不闻佛法。唐宪宗元和四年，有一卖鱼美女持鱼篮到来，说在一夜之间，有人能念出《普门品》，就嫁与他。结果有二十人能背出，由于她只能嫁其中一人，故说翌日能背出《金刚经》的，便嫁给他。可是翌日有十人能背出，她只好要求他们再背《法华经》结果只有马郎能背出，因此也称马郎观音。
二、不同材质观音造像的艺术鉴赏
1. 可供珍藏的观音不同造像在材质上除了选用纯金、铜、鎏金、翡翠、白玉、白瓷、寿山石外，还有一些使用骨雕、象牙较特别的材质，以及用春秋战国流传下来铜银隐嵌技法制作的观音造像，其造像体现出的精致流畅的纹饰，细腻而柔美，具有较高的欣赏价值。
2. 鎏金观音像。我国多见的金铜观音像多是铜胎鎏金，多为坐像及立像。鎏金法远在春秋战国时已开始盛行，汉代技术更加熟练，但是当初只是局限用与器皿及立体动物造型，到了北魏、隋、唐各朝，佛教日益盛行，工艺师遂开始尝试用此法制作一些金铜佛像及观音像。此时的鎏金多以铜为胎，到了唐代也有用较珍贵的银为胎，较重视体态比例关系的塑造;北魏的鎏金观音像在外形上温雅持重，清雅之中透出一丝的神的秀骨清风;唐代开始出现女身的鎏金观音，配有莲花座，体态均匀、妙曼且富有动韵之美，此时的观音造像与北齐结实、丰圆壮硕的造像在艺术表现手法上截然不同，这不能不说是我国鎏金工艺的一大突破;到了宋代，鎏金观音像的制作却较少;明代是鎏金工艺的复兴时期，由于发明了洒金技术，使鎏金的观音像更具备了较高的艺术欣赏价值。此时的观音像除了在制作工艺上更进一步外，在造型的塑造上由于多姿的坐相、手形变化丰富、微笑逍遥自在，通体显出智慧通圆、度化有情，是非常值得珍藏的佳品。
3. 翡翠观音像。翡翠观音像以老坑玻璃种为上品，只是以小型的翡翠作链坠外，市场上很少能见到稀有的老坑玻璃种。何谓老坑玻璃种?首先要求玉的质地要细密，翠性好，透明度高，色调浓阳匀正，给人以亮丽的感觉。以翡翠为原材料雕琢的观音像，在色彩上，其天然的润绿色调，给人以明快、清雅之感;在外观上由于玉的质地细密绵柔，从而使雕琢出的观音造像典雅华美、兼收并蓄、意兴飞扬。如清代乾隆年间的如意观音像，通体色彩碧绿亮丽，颇具东方古典美之神韵，弯弯的柳眉、慈祥低垂的眼睑、俏丽笔直的鼻子、微微上翘的嘴角，衣折雕琢得轻盈飘逸，右手抱揽玉如意一个，周身体现出冰清玉洁、救苦救难、大慈大悲的观世音菩萨善良柔美的情怀，深受藏家的喜爱。
4. 白玉观音像。民间摆设的玉观音，多为白玉与青白玉及玉质较差的灰白玉，很少见用墨玉、黄玉及青玉雕琢观音造像的。上好的佳品在选材上首为温润凝灵如脂、雪白柔润的羊脂白玉，只是以羊脂雕琢的观音造像极其罕有，即使是一级白玉雕琢的造像也不多见。白玉观音盛行与清代乾隆之后，之所以盛行是因为此间皇宫内拥有大量的新疆白玉，加之清代民间流行白衣观音，故而市面上见到的多为以白玉、青白玉为材料雕琢的观音造像，主要是取其温润洁白的特性。以清代乾隆年间的青玉观音立像为例：从细节看，该造像地子平均，琢工精细，方圆亦合于规矩，衣纹生动流畅，简练中透出艺术语言浓缩后的精华与精辟;从整体看，雕像边角处的线条圆浑中透着锋芒，除了有少量的玻璃光外，通体泛着羊脂或蜡样特有的柔美光泽，不乏形式美。
5. 画笔下的观音像。历代不少知名画家都曾描绘过观音像，艺术风格及个人的笔墨则各有千秋。观音虽然法相众多，但是究其本源，还是在宣扬与表现着观音度化有情、慈悲为怀、博爱众生精神的基本特质，更显其圆通自在的本质。唐代吴道子以其吴带当风的笔法描绘观音，圆润有力的线条中生动的表现出神的灵韵与飘逸，他的观音画像皆一气呵成，用线灵动有力，运笔过程中线条粗细变化丰富，令观者无不感受到其间的精妙之处。由于宋代绘制观音者多注重的是其精神，故而与吴道子蕴含灵韵与飘逸画风不尽相同的便是宋代禅僧牧溪所绘的《白衣观音图》，实属罕有的佳品。此画写观音静坐山石面向溪水静默冥思，面容清丽娟秀，代表着纯洁、净土、再生，由于牧溪本人就是一位僧人，故而他的画中充盈着宁谧静穆的灵空感。在这种独特的氛围中，艺术再度升华，与骚乱不安的世俗恰恰形成了强烈的对比，注视画卷之时，扑面而来的空灵清新之感令人过目难忘。所以说上佳的观音画像，要求画家不仅要表现出观音的外在美，还要在画面中隐寓出观音特有的精神特质。
三、不同观音造像的艺术收藏价值
1. 生动传神的何来观音。
何来观音为明代福建德化白瓷观音像中的精品。何来是瓷雕观音名家何朝宗的别号，他所制作的瓷雕观音，脸部刻画手法细腻柔滑，面容温柔慈祥，形象生动传神，长圆的面颊上双眼微合，端庄秀美。他追求单纯的雕塑美，色彩选用纯净单一的白色，在雕刻上运用强烈的对比手法，主次分明，衣纹深厚洗练有力，流畅中透出了曹衣出水、吴带当风的绘画风韵。此雕像曾在苏富比拍卖，价值高出二十万元人民币。所谓“除非观音离南海，何来大士现真身”指的便是他雕刻的精妙入神的德化白瓷观音，具有较高的艺术收藏价值。
2. 珐琅瓷送子观音。
珐琅彩瓷原是一种外来的画珐琅技巧，在清初为瓷器的绘制开创了新的方向，并逐步发展至颠峰状态，由于与笔绘艺术融合使用，更显示出其多元化的一面。由于清初的珐琅彩瓷在外来材料中掺有中国的赭墨、门彩料，在有些彩料烧成后，除了呈现出原先的色彩外，还显现出玻璃的质感，俗称料彩。由于珐琅彩的色彩多变性，加之又有不同色层的深浅彩料的配合，便显现出层次分明的真实感，故而立体感分明。清代的瓷质观音中罕有的为康熙年间的珐琅瓷送子观音像，高三十六点八厘米，曾在太古佳士德拍卖，约为三十万元人民币。
综上所述，真正有价值的艺术品，能跨越时空的沟壑，文化分野，多少年来，能使众多收藏鉴赏者着迷、痴狂足以可见艺术品收藏的魅力所在了。由此可见，古今艺术家与工艺师将自己对观音的喜爱与崇拜融化、影射至雕塑与画卷之中，不仅塑造出了造型优美的各种观音造像，更是借这些极佳的艺术品向人们诠释着观音菩萨“垂护众生，慈悲有情”的精神境界。伴着近些年来国富民强的步履，人们在逐渐步入小康社会的同时，收藏行业渐渐升温;国家文物市场的进一步开放，人们对收藏的认识水平也在不断提高，国家文物部门也在充分完善与健全文物市场，同时也在大力支持与发展民间收藏市场，大力宣传收藏知识，让越来越多的人们正确把握市场、合理安排使用自己闲置的资金，本着保护国家文物，防止流失境外或毁于无知者手中的原则，让更多的有识之士尝试投资收藏行业，这样良性的循环会使收藏爱好者最终达到精神与物质上的双赢。
摘要：近年来, 由于佛教信仰的普遍化与广泛化不断扩展, 随之而来的观音信仰也在不断深入人心。由此使观音造像也随之日益兴盛发展开来, 成为了佛教艺术中一种独特的艺术表现形式。继而随着古玩书画市场的良性发展及民间收藏的迅速升温, 观音造像的艺术鉴赏与艺术价值, 也是人们的关注焦点。应该以怎样的审美观、带着怎样的欣赏眼光去品味不同艺术表现形式的观音造像, 在某种意义上, 是非常值得人们去推敲、去揣摩的, 以此可以促进人们对传统文化及佛教文化更深层的感悟与研究, 提高个人素养。
关键词：收藏,市场,艺术鉴赏,艺术收藏
参考文献
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[2]李英豪:《观音珍藏》[M].辽宁画报出版社, 2000年, 第20页
[3]李英豪:《观音珍藏》[M].辽宁画报出版社, 2000年, 第34页
论中国书法的艺术价值论文 篇5
我国著名书法大师启功老先生，开始时学习中国画，当他认为自己的画可以登上大雅之堂的时候，一位德高望重的艺术家指出，在画面上的.书法落款太差，使作品的艺术效果大大打了折扣。在这方面的“故事”很多，它形象地说明了：中国画如果有一个好的书法功底，是中国书画艺术成功的基础。事实上，中国元代松雪道人、明代唐伯虎、清代郑板桥等书画大师的成功之路，都是沿着书画并举的研学道路最终大器晚成的，这就是中国书法艺术给世界带来的美的共鸣。
中国书法在目前的中国艺术市场上，与中国画并称为中国艺术的两朵争艳瑰丽的奇葩独受青睐，中国书画形成独局魅力的中国艺术逐步为世界更多的国家所喜爱。
当代书法的价值：
（1）书法艺术逐渐退出了信息记载与信息交流的实用历史舞台，主要发挥审美功能，使得书法艺术的社会价值与社会地位相对古代大大降低；
（2）大众审美知识的欠缺使得书法艺术的群众基础发生了一定的动摇；
（3）由于我国文化艺术产业发展的滞后使得绝大部分书法艺术家的生存环境恶化，令人堪忧；
（4）书法艺术人才由于没有较好的就业去向使得书法艺术的高等教育的发展面临潜在的危机；
（5）西方架上艺术的衰落和世界文化的相互交融，使得传统的书法艺术面临现代转型。电子媒介技术的发展与繁荣从根本上改变了人类的生存环境，使得传统意义上的文化即民族性、地域性、历史继承的根性文化，向历史性的、全球性的、融合开放性的媒介文化转移。使得大众传媒时代的文化完全被大众化了。书法艺术从来没有像今天这样不能不考虑其社会价值和关注其生存问题。研究书法艺术的当代社会价值与生存环境，不仅有助于对书法艺术当今的社会价值和生存环境进行客观的评判，而且对于拓展书法艺术的社会价值，营造良好的书法艺术生存环境，确定书法艺术合理的价值定位和建立书法艺术良性健康地可持续发展具有重要的理论价值与实践意义。
三。 书法艺术经济价值
书法艺术的经济价值伴随着书法艺术的社会价值的产生而产生。由于大众传媒时代文化的大众化使得文化艺术完全成为消费社会的一部分。书法艺术品由于凝结着书法艺术家的辛勤劳动而使其具有了价值。而书法艺术品所具有的社会教化与审美价值、文化承载与传承价值及人类意象思维开发的科学价值等所产生的社会功能使得其具有了使用价值。我国社会主义市场经济的建立为书法艺术的需求与供给初步建立了书法艺术作品与货币交换的平台。书法艺术作品一旦走向市场，就成为市场商品的一部分。也就理所当然地受市场经济规律的支配。书法艺术品由于不可复制的唯一性和使得书法艺术品本身就成了稀有品或孤品。
书法艺术品经济价值的体现主要通过书法艺术品的国内外市场交换来实现。文化与艺术的交流是书法艺术实现市场交换的基础。就国际而言，一个民族的文化与艺术要在世界上占有一席之地，一个很重要的前提，你必须要让世界了解你的民族文化与艺术。而民族文化与艺术交流主要分官方和民间两种方式进行。官方的国与国的文化艺术交流主要通过一系列诸如文化艺术展览和访问交流等多种方式进行。民间的文化艺术交流也是民族文化艺术交流的重要方式。
民间除采用艺术展览方式之外，另一个十分重要的渠道则主要是书法艺术品通过市场的交换以达到文化艺术的交流。书法艺术走向世界不仅是中华民族伟大复兴的客观要求，也是世界经济一体化的必然要求。我们很难想象，对其文化与艺术相互不了解或歧视的国家之间怎样能够很好地在经济与科技领域实现合作？当然，中国书法艺术走向世界还有较长的一段路要走。书法艺术要走向世界，首先应是中国文化走向世界。但是无论如何，国内外对书法艺术品的需求使得书法艺术得以存在的最大理由。也是书法艺术家的安身立命之本。世界文化艺术产业的繁荣与发展为中国本世纪文化艺术产业的建立和良性发展提供了经验。
人类在解决物质需求的同时，满足精神需求的文化与艺术需求则呈现了大幅度的增长。书法艺术的经济价值将伴随着我国文化艺术产业的发展具有广阔的发展前景。由此也就带来了书法艺术家社会地位的提高和书法艺术的良性发展。
任何艺术都是特定环境的产物，并受环境的影响与制约。书法艺术也不例外。系统整体化的环境可以分解为自然环境、政治法律环境、经济环境与文化精神环境。书法艺术社会价值的大小决定了书法艺术的社会地位与发展前景。
书法艺术的社会价值拓展则成为当代营造良好的书法艺术生存与发展环境的重要途径。书法艺术社会价值的拓展不仅从根本上基本解决了书法艺术的生存与问题，而且找到了书法艺术与时代结合的契机、方式与途径，并为书法艺术的可持续发展提供了广袤的空间。良好的书法艺术生存空间的营造是当代书法艺术界的一项系统工程，也是书法人期盼且为之努力的方向。
欣赏艺术本身的价值 篇6
来到赵能智位于草场地崔各庄的工作室，我们熟知的《表情》系列作品只在工作室中陈列了一张。他的新作一改往日作品中厚重敦实的质感，用稀薄的颜料描绘了一系列儿童的脸庞，同时又有两张大人抱着孩子的画作，这就是他和他儿子。他说：“我只是换了一个儿童的图像，想要用作品表达的还是那些内容。”“那些内容”牵扯到艺术创作、展览形式和艺术收藏。我们将从谈话中逐渐明确赵能智“那些”的轮廓。
赵能智的创作关注个人对生活的感受。“我觉得艺术家都是自私的。我的作品中一直保持着一种个人的独立性，我不去追求当下流行的样式，不是说现在什么好卖，我就随后画一批什么样的东西。我们现在处于一个非常孤独的时代，被这些流行的趣味所牵引。从我自己来说，艺术家的作品只对自己负责。”
2010年之前，赵能智的作品专注于对油画笔触书写性的探索。黑暗的底色衬托出画面中心的人物，扭曲怪异的表情成了他作品的符号。这些人物或紧张、或狰狞、抑或歇斯底里，形式感的表现配合着其书写性笔触的游走和变化，释放了当代人在社会生活中的压抑与不安。而随后的《蓝色》系列作品，冷静的色调和相对温和的表情，可以被看做是他作品的一个过渡。直到2012年左右《婴儿》系列的出现，他用稀薄的颜料描绘在制作精良的画布上，让我们感受到一个热血青年向一个慈祥父亲的转变。
谈地域性
谈及作品的地域性，赵能智对四川艺术家在艺术本体和艺术生态上有独到的见解。
“都说四川艺术家扎堆，其实不是这样，只是因为四川出来的艺术家多，不像北京的艺术家全国各地的都有，四川出来的艺术家大多出自四川美院。大家不是扎堆，学校就那么大，互相都认识，上学就在一个画室画画，到外面来，自然交往也就多了。这就给外界造成了一个错觉，觉得四川艺术家总聚在一起。大家在创作上还是比较独立的。地域性一定是对艺术家的创作有影响的，地方文化、生活习惯、饮食、气候、自然景观，都是影响艺术家创作的原因。相对于其他地方，四川当代艺术家的作品更关注对生命本体的关照，他们很少关注政治，也不像东北艺术家那样带有幽默感。这种地域性可能与四川的地理环境和整个的人文背景都有关系。”
谈艺术创作
“我觉得材料本身并没有先进与落后的区分。可以用绘画的方式，也可以用新媒体、行为的方式，形式本身并不是问题。行为也有很多行（缺乏创造力的）的行为，摄影也有很多行的摄影。为什么你觉得它是艺术？是因为作品与人的内心能发生关系，触动了人，就是好的艺术。
衡量一个艺术家还是有标准的。艺术家有独特的气质。就像写作，朱自清的气质、鲁迅的气质、沈从文的气质都不一样，他遣词造句的方式，他的语法、语感是不一样的。这种个性化的语言方式，才有个人特点。大家都描述一个杯子，每个人用自己的方式描述，这是一种个人视觉语言的语法、方式和角度，不然的话，就不能算作好的艺术。用别人的方法去描述，这种艺术是不成立的。”
谈观众
当代艺术往往不那么容易被业界外的观众所接受，而赵能智对这个问题有自己独到的看法。
“对于展览，业外的观众不是问题。展览允许观众用不同的角度去看，不以艺术圈的角度，他也是在解读这个展览。哪怕是在调侃，这也是与观众发生了关系，最怕的是观众不去美术馆。只要他去了，用什么样的方式都是合理的。这是他用他的方式在看这个展览，这就已经达到展览的效果了。不是看所有的展览都是要去接受一个什么样的教育，展览的目的一是扩大艺术家的影响，再就是要跟观众发生交流。看展览的方式有很多种，看有的展览是为了接受教育，有的展览是看了没感觉的，也有的是看了之后会拿来调侃，没必要用一个标准去约束这个问题。
艺术长沙每年做的宣传，做得像娱乐明星一样，走红地毯，搞得特别娱乐化。但是，主办方对这个事的解释特别有道理：在长沙这样一个当代艺术影响不是很大的城市，做一个展览，不是要给艺术圈的人看，做展览的目的是将这个展览发布出去，让更多的人知道这个事情，并引发好奇心。你怎么让一个路人走进展厅？观众的心态都是娱乐的，你要用娱乐的方式将他吸引进来，让他发现展示的作品不是娱乐的就行。这作为一个方法，也有一定道理。它吸引人进美术馆来看，艺术家能保证的是我们自己作品的专业性。做公关和宣传的时候，我们可以用这种方法，只要观众走进展厅，就是我们的目的。对艺术家和专业的内容，一下让大众接受也不可能，只要它让观众产生了评论，也就达到了展览的目的。
面对美术馆中的作品，人是平等的。我在美术馆也可以发表我的看法，一个扫大街的也可以对大艺术家的作品指指点点。
艺术首先要承认这种人格上的平等。但是这是一个西方的概念，而中国画的传统是一个贵族阶层的雅集。我们现在知道的古代画家都是当官的，基本上都是文人、高官，只有这个阶层是接受教育的，他们会互相交流，雅集把玩，普通老百姓没有受教育的机会。现在我们谈论的观众应该与中国的传统有所区别。美术馆的观看方式是一个西方的概念。”
谈收藏
面对如火如荼的当代艺术市场，赵能智更倾向于藏家对作品本身的收藏，而非仅仅是当做投资的手段。
“我觉得藏家更多的兴趣应该是去关心他看到作品的感受。在看到作品后，能不能触动他的感受，如果能被打动的话，就是好的。比如说现在说到张小刚，所有的人都说‘我喜欢’，其实没有几个人去理解作品本身的价值。香港苏富比春拍张小刚卖的8300万港元的一张画，在90年代展览的时候，一万美金没人要。
可能今天买这个作品的人当时也看到了这件作品，可能他当时也能付这个钱。但是没有人真的在关注作品，而现在因为卖很贵了，大家才出来说‘我喜欢’。一个收藏家，在面对作品的时候，他首先应该剥离掉作品世俗的、金钱的价值，退开了去感受它精神的价值，然后再考虑市场上的价值。
如果只考虑值多少钱，那是一个对艺术收藏的误解，哪怕你花了10块钱去买一件东西，你也应该像花了一个亿一样去感受艺术作品。有很多人喜欢一件作品，是因为它很贵，而不是因为真正喜欢这件作品本身。真正收藏艺术不一定要花很多钱，花很少的钱，也能买到自己很喜欢的作品。现在一件作品卖一个亿，大家觉得真好，当这件作品卖10万的时候，怎么没人觉得好呢？
现在大家都知道张小刚画得好，作品还是那件作品，他的画卖不出去的时候就这么好。
我们谈收藏，藏家到底收藏的是什么？我看我以前的作品，我会从作品中感受到当时那段时间的状态，包括当时的环境、气味、那种空气的湿度。收藏一个艺术家的作品，是收藏了一个艺术家生命的转世。人的生命总是会消失的，但是艺术家的作品留下来，这是一个艺术家生命的转世。这个作品是花了一年画的，你收藏的就是一个艺术家的这段时间的痕迹。
不要仅仅认为是买了一张画，这真的不是一块画布，这是一个艺术家生存的方式。一个艺术家做文学、拍电影，都是他生存的痕迹。艺术让这种必然会消失掉的时间和生命，用另一种方式存活下来。”
艺术价值 篇7
一部艺术作品, 我们首先看到的, 或是艺术语言, 或是艺术形象, 抑或是其他能直观感受到的东西, 我们之后要追究的更深层次的东西, 就是艺术作品的意蕴, 意蕴对于我们有深层的意义和重大的价值, 其原因在于, 意蕴是一种内在的, 一种灌注生气于外在形状的意蕴, 它是一种内在的生气、情感、灵魂、风骨和精神。从某种意义上说, 优秀的艺术作品之所以能够意味隽永、深刻动人, 优秀的艺术形象之所以常常具有多义性和象征性, 正是凭借了艺术家透过艺术语言和形象深藏在艺术作品内层的艺术意蕴的生动魅力。
一部优秀的艺术作品, 它确实含有比艺术形象本身更令我们值得咀嚼品味, 更加深刻隽永的艺术内涵。艺术意蕴是艺术形象与艺术情趣的契合, 正如黑格尔《美学》里所说:“在艺术里, 感性的东西是经过心灵化了, 而心灵的东西也借感性而显现出来了。”以唐代诗人李煜的一首词作《虞美人·春花秋月何时了》为例, 此词凭着李煜过人的才情和浓浓的情意, 展开了他神秀绮丽而又不失悲壮深远的真挚遐想:
春花秋月何时了, 往事知多少。小楼昨夜又东风, 故国不堪回首月明中。雕栏玉砌应犹在, 只是朱颜改。问君能有几多愁, 恰是一江春水向东流。
这是一首泣尽以血的绝唱, 表达了作者的故国之思和失国之痛, 其中有对帝王生活的留念, 也有对失去故国的悔恨和悲痛。词韵凄凉悲壮, 意境深远, 是词坛的千古绝唱。一句“故国不堪回首月明中”阐述了一代词帝的兴衰荣辱。对于生在深宫之中, 长于妇人之手的李煜, 虽身处皇室, 但从无鹤立群雄奋起称帝的心思。然而, 历史总喜欢在现实中开玩笑:无意做皇帝的李煜顺应历史大局接下了后唐的烂摊子, 做了皇帝。在李煜以后的皇帝生涯中, 他的优柔寡断致使其犯下了诸多政治错误, 以致到了亡国的悲惨结局。尽管李煜当皇帝的路没有能够走好, 而且走得相当糟糕, 但是, 他的词作成就及地位却是非凡的, 是当之无愧的“千古词帝”, 正所谓“国家不幸诗家幸”。亡国之后的李煜, 大抒自己的亡国伤悲之情, 洋洋洒洒, 毫不畏惧。一曲“问君能有几多愁, 恰是一江春水向东流”的豪迈思国之感, 不能不说是词坛上的伟大创举。同时, 李煜那深沉悲恸的爱国之情也被后人称颂至今, 一首《虞美人》的春花秋月葬送了一代伟大词人, 与此同时也造就了悲剧词帝的万古流传。当我们走进这个词帝的内心世界, 我们可以遐想当时李煜用文字所造就的一代词帝的兴衰荣辱。
王国维在《人间词话》中有言:“词至李后主而眼界始大, 感慨遂深, 遂变伶工之词为士大夫之词。”足见后人对李煜词的成就的肯定。优秀的艺术家总是能够在艺术作品中熔铸自己关于人生命运的沉思以及对美好生活的留恋和企盼。通过艺术作品的丰富的艺术语言, 我们能够真挚的感受到作品所要传达的深刻的审美意蕴和隽永的人生内涵。
文学史家勃兰兑斯说过:“艺术的美是不朽的, 这是真的, 然而有一种更加确实不朽的东西, 就是人生。”梵高笔下的《向日葵》是不朽的艺术美和生命永存的不朽乐章, 这同时也是梵高的愿望和信念。梵高最有名的作品就是这幅色彩浓烈的《向日葵》, 人们把它看作是光明和希望的象征。画中的向日葵用色大胆强烈, 那股以螺旋的涡流向外喷射的金黄色烈火, 百年之后还能深刻感受到。梵高的向日葵不仅是一种亮丽明快、充满着希望和幻想的向日葵, 更是人生激情的疯狂。在梵高的精神世界里, 他看到的一切对象都充满着生命——一种存在着压制和反压制关系的生命。
我们都爱梵高的光与热, 而对于梵高而言, 向日葵是他表现思想的最佳题材。向日葵是太阳之光, 是光和热的象征, 是内心翻腾的感情烈火的写照, 亦是热爱生命选择生活的表现, 但为何却成了梵高苦难生命的缩影。他自己则成了向日葵的背叛者, 如此看来热爱生命与选择灭亡并不矛盾。梵高身为一个画家, 成就了艺术的永恒却蔑视了生命。夏季短暂, 向日葵的花期更是不长, 梵高亦如向日葵般结束自己短暂的一生。
一位英国评论家曾说:“他用全部精力追求了一件世界上最简单最普通的东西, 这就是太阳。他的画面上不单充满了阳光下的鲜艳色彩, 而且不止一次地去描绘令人逼视的太阳本身, 并且多次描绘向日葵。”梵高确实做到了让阿尔八月的阳光色彩在画面上大放光芒, 这些色彩炽热的阳光, 发自内心虔诚的情感。
梵高笔下的《向日葵》在激烈的燃烧, 浮雕般色彩如此强烈厚重, 感情笔触饱满有力而又富有激情, 真正是天真充沛生命旺盛的太阳旋转之花。梵高嗜画向日葵, 因为向日葵是追光拜日的“农民之花”。画向日葵即画太阳, 也是自画。太阳、向日葵及梵高融成一体。梵高和向日葵谱出相濡以沫、生命与共的蓝与黄交响乐章, 是其悲剧一生的象征物。梵高强烈地爱上了遍地生长的高贵向日葵及炙热目眩般的阳光。
梵高的艺术是伟大的, 然而在他生前并未得到社会的承认。他作品中所包含着深刻的悲剧意识, 其强烈的个性和在形式上的独特追求, 远远走在时代的前面, 的确难以被当时的人们所接受。他以环境来抓住对象, 他重新改变现实, 以达到实实在在的真实, 促成了表现主义的诞生。在人们对他的误解最深的时候, 正是他对自己的创作最有信心的时候。因此才留下了永远的艺术著作。画家梵高像闪烁着熊熊的火焰, 满怀炽热的激情令具有运动感的和仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力, 色彩的对比也是单纯强烈的。然而, 在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。观者在观看此画时, 无不为那激动人心的画面效果而感应, 心灵为之震颤, 激情也喷薄而出, 共同融入到梵高丰富的主观感情中去。在梵高笔下, 向日葵不仅仅是植物, 而是带有原始冲动和热情的生命体。
只有真正发自内心的情感, 才能够感动别人。一部艺术作品是对一个人的灵魂的关照, 只有真诚的对待自己才能够获得心的应和。那些以游戏的态度对待自己作品的人, 只能成为娱乐观众的小丑, 在交易中一次性地将自己消费, 然后成为令人厌恶的垃圾, 这不是个人的悲剧, 而是词语的耻辱。
参考文献
[1]黑格尔.美学 (第一卷) [M], 北京:商务印书馆, 1979.
[2]潘红.艺术概论[M].昆明:云南大学出版社, 2002.
《春》语言美的艺术价值 篇8
教育家叶圣陶说过:“凡是出色的文艺作品,语言文字必然是作者的旨趣的最贴切的符号。”语言是文学的第一要素。因此,在阅读文学作品时,把握文学作品的语言特点,不但有助于感受文学语言之美,感受文学作品的审美价值,更好地获得文学作品意蕴,而且有助于培养读者对文学的审美感悟能力,提高读者的文学艺术的审美境界。以朱自清的散文《春》为例,简要谈谈文学语言的表现方法及其所体现出来的审美性。
第一、比喻之美
《诗经传》说过:“比者,以彼物比此物也。”这里的比就是打比方、比喻。在文学作品中或者文章中,比喻有着很多的类型,诸如,明喻、暗喻、借喻、转喻、博喻、曲喻等。比喻的作用也就是多样的。刘勰在《文心雕龙·比兴》中说过比喻的是:“或喻于声,或方于貌,或拟于心,或譬于事。”朱自清在《春》中,运用了大量的比喻来描写初春的美景。文章中,写春雨一节,作者要表现初春时节春雨的特点,文章中就用了博喻的修辞手法。文章写道:
雨是最寻常的,一下就是三两天。可别恼。看,像牛毛,像花针,像细丝,密密地斜织着。
这里所选的一段,从修辞的角度来说,本体是“雨”,而喻体是“牛毛”、“花针”、“细丝”,喻词是“像”。但是,从结构来看,一个本体,几个喻体,同时还有相应的喻词,构成了比喻中的博喻。谭永祥在《汉语修辞美学》中说:“博喻,是一体多喻,即一串比喻却只有一个本体。”也就说,博喻的喻体是多项性、多元化的。就这一句来说,作者从不同的角度描写了初春时节春雨的特点———多、细、密的特点,这就更好地表现出初春时节下雨天的美景,给人以柔美之感。
第二、叠字之美
叠字是一种常见的修辞手法。《汉语修辞美学》中说:“将形、音、义完全相同的两个字紧密相连地用在一起,造成形式上的整齐、语感上的和谐或加强形象的模拟,这种修辞手法叫叠字。”也就是说,这些单个的词重叠后构成的叠词,与原单个的词比较,不但附加了新的意义而且增加了“言外之义”、“韵外之旨”,能极尽摹状之能事,提高语言的表达效果。朱自清的散文《春》,在写小草的一节中:
小草偷偷地从土里钻出来,嫩嫩的,绿绿的。园子里,田野里,瞧去,一大片一大片满是的。坐着,躺着,打两个滚,踢几脚球,赛几趟跑,捉几回迷藏。风轻悄悄的,草绵软软的。
引文中,作者用大量的叠字。如,“偷偷的”、“嫩嫩的”、“绿绿的”、“稀稀疏疏”、“抖擞抖擞”等。这些叠字不但描绘出了小草的特点———嫩而绿,表现出小草的自然活泼,亲切柔和的特点,而且表现出了初春时节小草所蕴含的美,给人一种疏朗的审美感受。
三、参差之美
在诗文中,长句和短句错落有致地排列,形成层次形态,给人以变化灵活,多层次多方位的美感。《写作艺术技巧辞典》中说:“语言文字的参差错落的排列增强了散文特别是诗歌的抑扬顿挫的节奏感,构成了建筑美。”也就是说,无论诗歌,或者散文,长短句的搭配使用,总会增强语言的节奏感,形成音乐美。朱自清在《春》中,为了表现初春的生机蓬勃,表现出旺盛的生命力,特别注重运用长短句的配合,是语言节奏鲜明,形成参差之美。
比如《春》开始的第一段:
盼望着,盼望着,东风来了,春天的脚步近了。一切都像刚睡醒的样子,欣欣然张开了眼。山朗润起来了,水长起来了,太阳的脸红起来了。小草偷偷地从土里钻出来,嫩嫩的,绿绿的。园子里,田野里,瞧去,一大片一大片满是的。坐着,躺着,打两个滚,踢几脚球,赛几趟跑,捉几回迷藏。风轻悄悄的,草软绵绵的。
这段文字很明显是长句短句交错排列的。长的有十个字以上,单的只有两个字,之间还有三字、四字、五字等。这样,不但使文章语言抑扬顿挫,增强语言的节奏感,表现出音乐美,而且在表现的内容来看,也更好地表现出初春时节的特点———绿草如茵,花木争荣,春风拂煦的生机和活力,更为重要地是表现出人们在初春时节对大自然之美的喜悦心情。
音乐的艺术价值随感 篇9
音乐是什么?音乐就是让人们如何热爱生活, 是音乐家施加给音乐对象的意志反映。反映什么呢?反映音乐的艺术价值, 反映人们生活并且为人们创造生活。
音乐能为人们做些什么呢?就是让人们知道什么是生活及如何爱生活和怎样创造生活。音乐总能运用无声却机智韶光的艺术语言去碰撞人们的意志、开阔人们理念、启发人们思维, 唤起人们对音乐的窥探。引导人们认识音乐存在的意念形态, 了解音乐与人们生活之间的关系, 运用音乐的用途对人们生活所产生的作用, 处理好音乐与人们习性的差异, 而后诱发人们通过音乐对生活的热爱, 在通过生活的语言方式来传达对音乐的喜欢, 同时表达出对音乐的尊敬, 并赋予音乐对生活新的情感思想的再一次操纵, 使人们体验生活认识的审美方式在音乐过程中得到快感。引导人们通过音乐充分感受生活, 并训练人们感知生活, 使人们对音乐现象产生特定情感, 在此基础上进行洗刷思维意识, 并练习融入审美艺术众多因素。这是衡量是否具备审美生活感受的思想观念, 以及是否介入音乐过程的关键, 也是能否处理好人们最终能否享受音乐和得到音乐, 并最终得到真正意义的生活状态和行为意识的前提和基础。对那些在现实生活中缺乏敏锐的观察力、感情的触动力、容纳的感染力、强烈的刺激力以及骚动的激情力的人们来说, 则会对人们的音乐意识会产生巨大的破坏力和伤害力。同时也反馈到对生活的价值意义的趋向, 以及对人们美好的生活概念产生骚扰, 并且在一定意义上削弱音乐的价值和生活意义, 这其中道出了音乐与生活感受的重要性, 也反映了音乐对生活价值特殊性, 即音乐的生活的审美表现过程不同于科学的理智判断的制作过程, 它需要利用音乐审美感受来判断生活, 同时也大量的需要丰富情感和放松心态的参与。基于对这种人们的本能生活情态的辨别认识, 能够更好地促进人们对生活与音乐的融合, 并能更加显示出生活来源于音乐, 同时音乐对于生活的审美现实中起重要作用, 反之也就具有了人们在生活行为和内容形式上的空虚, 而且还会淡化人们众多社会生活的多面层次。有些人认为极端音乐现象会影响一些人们, 并且会产生负面影响。由于人们不具有音乐专业思维, 因此判断和欣赏能力较低, 所以它会带给人们一些错误理解和不正确的信息, 从而会使一些人们走向片面社会生活形式和无意义的极端。极端音乐不但不会丰富生活和感动人们, 而且还会起到负面影响, 在其恶劣形式上加以宣扬, 会对人们产生恐惧或者是无聊, 这样不但不会使人们向往生活, 还会贬低音乐在人们生活价值定位和破坏人们审美感受, 也并不能令人们得到支持, 这确实值得我们深思和担忧。但极端音乐趋势往往一直在发生、在进步和在极端的音乐美感方向发展中前进着, 这就是当前音乐的总的趋势。难道这种趋势意味着音乐与艺术脱离了人们了吗?实际上是脱离大多数人们, 让人们无从理解抽象音乐观念, 同时也带给人们负面影响, 人们成为被动者和牺牲品。但它却是音乐领域以及学术上的进步。这种音乐观念和意念思潮实际上是想阻碍了人们感性和理性的表层思维, 切断了人们进一步思考的前进动力, 使人们思维停滞, 这必然会使人们感到疲倦和不知所措。可这些正是音乐家所希望看到的, 从而显示出他们的过人之处、艺术水准以及控制人类思维的能力。它虽然不再被广大群众所接受和喜闻乐见, 但却为极少数音乐家和艺术家等人所欣赏, 并且对于音乐艺术具有极高学术价值, 因此这些音乐观念和前进的学术趋势恰恰又是音乐未来, 即未来呈现给人们或者是多面的、或者是复杂的、或者是简洁的、或者是综合的、或者是让人们难以理解的……。
总之, 音乐的艺术价值对于人们生活具有影响及作用。由于人们的艺术水准和生活要求程度不同, 对于音乐艺术价值是什么的概念理解深浅也自然不同。人在生活中, 生活又在人中;生活离不开音乐, 音乐又在生活中存在;人又是音乐的缔造者, 音乐又会对人产生影响。我们不必理会音乐是什么, 但是我们懂得音乐就在我们身边, 离我们那么近, 因为音乐源于生活。
摘要：音乐的艺术价值对于人们生活具有深刻的影响及作用。由于人们的艺术水准和生活要求程度不同, 对于音乐艺术价值是什么的概念理解深浅也自然不同。
关键词：音乐,艺术价值,人们生活
参考文献
[1]林华.音乐审美心理学教程[M].上海:上海音乐学院出版社, 2005.
谈舞蹈的审美艺术价值 篇10
1. 实施美育。
美育就是审美教育, 它是在引导鉴赏艺术美、自然美、社会美的过程中, 培养受教育者正确的审美观念和感受美、鉴赏美、创造美的能力的教育, 它在提高人的素质方面有着其他教育学科所不可替代的功能。特别是在当今以知识经济为主导的信息社会, 愈演愈烈的国际竞争其实质是知识和科技创新的竞争。推进全民素质教育, 是培养具有丰富知识和科技创新能力的社会主义新人的必由之路, 而美育教育又是素质教育的重要组成部分。
没有美育的教育是一种不完全的教育。正如德国美学家席勒所说:“有促进健康的教育, 有促进人事的教育, 还有提高鉴赏力和审美的教育。这最后一种教育的目的在于培养我们感性和精神力量的整体达到尽可能的和谐。”如果说爱美是人的天性, 那么在人生中精力最充沛的学生时代, 青少年热爱美、渴望美、追求美、创造美的心愿是最强烈、最迫切的。舞蹈教育就是一种美育。通过学习优秀的舞蹈作品, 可以陶冶情操, 培养学生对真、善、美的热爱和对假、恶、丑的憎恨, 使人在情感上得到愉悦和升华, 在思想道德上得到净化和提高。舞蹈训练不是一朝一夕就能完成的, 要靠长期积累, 不断熏陶, 在不知不觉中日积月累, 久而久之在掌握了技艺的同时也熔铸了美好的心灵。舞蹈本身就是综合艺术形式, 它与音乐、美术、戏剧等艺术元素融为一体, 生动地表达人类的思想和情感, 可极大地促进学生综合素质的提高。
2、开发智力。
一个人的智力由观察力、记忆力、思维能力、想象力、模仿能力、创造力、注意力等诸多方面构成。舞蹈训练从手、眼、身、法、步、韵等方面着手, 首先解决学生原有的不良体态, 使其形体发育健康、匀称、挺拔, 姿态优美, 气质高雅。因为舞蹈艺术的载体是人体, 没有体态的美, 就失去了最基本的条件, 所以首先要进行形体训练。其次是开发学生的舞蹈表演潜能。当代中国舞蹈是在吸收提炼传统舞蹈元素的基础上, 借鉴科学系统的训练方法, 经过长期的积累实践而形成的, 它有着我们民族特有的舞蹈形体技能训练体系。其实, 对于接受素质教育的学生, 舞蹈训练不必要求腿踢多高、腰有多软, 而在于适当对学生身体的各韧带、肌肉进行延展训练, 造就其挺拔、优雅、协调的体态, 加强其对身体的支配力, 使学生亲身体会人体语言的美妙, 在形态、动作规律及精确的表达方式上具备自己民族的风格特色, 从内到外对学生进行全面的美感教育。同时, 芭蕾的基础训练也有一套科学的要求和法则开、绷、直、立是芭蕾艺术的精髓。在进行有中华民族特色的舞蹈基础训练的同时向学生传授博大精深的芭蕾艺术, 引导学生进行科学化、体系化的技术训练, 就能使学生发育健康、体态匀称, 不但体形、举止优雅, 而且还提高了对舞蹈的鉴赏能力。
通过舞蹈训练的课程, 学生在训练中有效地提高了对时间、节奏节拍的感知和空间形象、动静状态等的判断、观察及想象力, 同时通过训练还提高了身体不同部位在同一时间做不同动作的注意力分配的能力、身体平衡协调的能力, 创造力和想象力也由此得到了充分的开发。
3. 锻炼体能。
舞蹈是肢体运动。因此, 对青少年进行舞蹈训练, 是让学生们通过娱乐达到健身的最佳方式。科学运用舞蹈训练的方法, 可使学生的肌肉呈条形生长。舞蹈训练中的形体训练, 使学生身体线条优美舒展。欢乐的动律训练和轻松的舞步, 使学生的骨骼、韧带、关节在灵活性和柔韧性等等方面都得到锻炼和发展, 并通过舞蹈训练矫正不良的形体, 改善过于肥胖或瘦弱的形体, 从而使青少年在生长发育的关键时期促进其生理素质得到全面的锻炼和提高。
舞蹈艺术中每一个有血有肉的动作都渗透着真情, 蕴含着思想。它可以教会学生用心去观察和分析日常生活现象, 从中发现美的真谛。
木版水印的艺术价值 篇11
回顾朵云轩传承木版水印技艺，开始只印刷些不足一尺的信笺、诗笺，新中国成立以后发展到能够复制大幅的书画作品。代表作品有徐渭《杂花图卷》、顾恺之《洛神赋》等，以各时代名画为主。其中最著名的要数《十竹斋书画谱》。原谱于明末（1633年）出品。受当时写意画风的影响，在原谱中开了版刻史上粗笔头豪放风格的先例，从此，产生了用彩色套印（饾版）与中国传统绘画艺术相结合的产物，创造出了风格崭新的版画，标志雕版印刷术发展到了巅峰。
中国绝技 世界惊叹
正因为《十竹斋书画谱》有印刷史上的意义，所以朵云轩义不容辞地担当此项工程，作为此足本鉴定专家之一的启功就欣喜地说:“朵云轩这项工程好，好得厉害。”既而，此谱由朵云轩1981年开始筹划，制作投入50人，雕刻木版1700余块，套印3000多次，用去人工约1.5万，历时四年才完成。
1989年，木版水印作品《十竹斋书画谱》被授予莱比锡国际图书艺术博览会唯一的最高奖（国家大奖）。当时，国际评委会将奖项一一授予西方国家，正当我国的评委感叹中国印刷工业落后时，一位外国评委注意到了此谱雍容端庄、含蓄高雅的异样情调，进而引起了全体评委的关注。于是，中国评委详细向外国专家们介绍木版水印技艺千年的传承历史，并介绍了目前木版水印技艺只有上海朵云轩和北京荣宝斋两家老字号继承下来，两者的印制风格有所差异，前者粗枝大叶而雄健有力、活泼生动，即写意风格；后者以线条为主，精美、健全、典雅，充满了“古典美”，即工笔风格。说到这里，评委们纷纷取出放大镜，想仔细看看这些作品是用胶印还是珂罗版印刷的，以此解开心中的疑问。有趣的是，评委会主席曾参观过荣宝斋木版水印工作室，他告诉其他评委说：“没有网纹，这是用一种西方人很少知道的特殊方法印刷的。”话音一落，评委们一致授予此谱大奖。自此，木版水印技艺铬印在世界各国评委的脑中。
木版水印 版画之源
木版水印，在《中国美术大辞典》上解释为中国传统的水印复制木刻,由技工刻印画家的画稿而成。追溯中外最早的版画形式是木刻复制版画，中国直到1930年代由鲁迅将18世纪起在欧洲开始出现的由画家自己绘稿、制版、印刷的创作版画介绍进来，才兴起自己的创造版画。以前美术界将创作版画视为绘画艺术，而将复制版画视为印刷术。也许正是中国版画人的一心一意，虽然没能较早在创作版画上发展，但却因“祸”得福，将复制版画做到了极致。
素有“下真迹一等”美誉的木版水印技艺，因为手工制作时采用与原畫相同的作画材料，加之技师们本人就是画家和书法家，有扎实的基本功做后盾，所以使不了解木版水印的人往往分不清原作和复制品。在2006年，一幅由朵云轩1950年代印制的齐白石《荷花蜻蜓图》被某拍卖行误为原作印于拍卖图录，估价20万元。又有一次，钱松喦看到自己的作品在朵云轩出售，很纳闷，直到朵云轩退还原稿送上复制品样本，才知道自己看到出售的是一件复制品。另外，一些国外做中国书画生意的人想买下那些廉价的大名头书画，不知是否有意或无意，凡是没有网线的，不管是木版水印还是原作，均痛快地买下，就是有人提醒说这是木版水印，也无济于事。所以有人怀疑，这些书画掮客可能有意买进木版水印复制品，再倒手大价钱卖给国外美术馆、博物馆或私人藏家，从中牟利。
木版水印之所以珍贵是复制数量少，而印得少的原因：一是版子易磨损，越印到后面，版子圆掉了，作品就会越模糊，所以凡是版画都得有编号，其编号越大越便宜，正常情况下，一套版子仅可印一百部作品；二是印制费时费工，成本太高；三是复制品的身份使其产品销路不畅。以前计划经济时为艺术可以不计成本，要求的是艺术上的尽善尽美，这种做法反倒使木版水印技艺发展到了巅峰，它已经不因是复制版画而卑微，现在它和创作版画一样具有艺术价值。
市场走俏 收藏大热
木版水印艺术品市场方兴未艾时，廉价收藏木版水印精品。现在名家作品大一点（约三尺）的才800到1000元，小一点（约一尺）的才300元。比如齐白石二尺多的《虾蟹图》700元一幅，黄胄一尺多的《小驴》400元一幅。由于成本和价格倒挂，有的作品不可能再开印了，使原有的作品更加弥足珍贵。2006年，荣宝斋印制的《韩熙载夜宴图》以16万元的高价拍出。荣宝斋的《十竹斋笺谱》的成交价1998年为1.2万元，到了 2006年为4万元。现在，知道木版水印是宝贝的人开始多起来，自从上了国家非物质文化遗产保护名录后，其市场前景明显向好。
以朵云轩、荣宝斋出版的木版水印复制品按图索骥，锁定母本原作的办法也是投资书画的一大捷径。朵云轩在1953年以木版水印形式出版过的金农《墨梅》原作，近年拍出了448万元的高价。另一幅朵云轩在2004年以木版水印形式出版过的齐白石《蜻蜓雁来红》原作，拍出了近40万元。笔者的同事业余也投资书画，在 1990年代初，看到一拍卖行有一幅吴昌硕的《墨梅》3万元流拍了。他依稀记得自己单位朵云轩曾经做过木版水印，找出后还不敢拿着它到拍卖行去比对，只好死记硬背，还数好了一共有多少朵梅花，再去拍卖行核对。当确定是真迹时，他不动声色，以2.8万元收入了囊中。后转手以5.6万元又拍了出去，再后来他见到此画已拍到11万元了，现在此画估价已四五十万元。因此，书画市场的投资者与其花钱请不靠谱的鉴定师来确定真伪，还不如自己收集历年朵云轩、荣宝斋出版的木版水印作品图录，这是权威的著录来为你鉴定真伪，何乐而不为呢？■
(资料及图片提供：《上海工艺美术》)
试论艺术的现代价值 篇12
价值这个词出现在远古时代。它们产生在所有的语言中, 用以表明人对世界的特殊关系, 评定某个对象在它对人的关系中所具有的意义。价值在各种历史系统中现成, 它不仅在时间上是相对的, 在空间上也是相对的。在不同的历史时期, 不同的生活环境、不同的地域对艺术的认识和判断也是不同的。在本世纪初, 价值是一个一元化的概念, 如我们所知的, 伦理学中的“善”、美学中的“美”, 科学中的“真”, 宗教里的“神圣”。但随着现代主义与后现代主义的一次次冲击与批判, 不但艺术的价值也随社会的“多元”而变得复杂多样起来了。甚至连艺术本身也变得十分可疑。艺术的死亡或终结论一时甚嚣尘上。“那么艺术之于现代的价值又该怎样探寻呢?究竟什么是艺术价值?它和审美价值相互关系是怎样的呢?……有一点是没有疑义的:艺术价值必然和艺术相连, 是艺术品的属性。但是, 对艺术本质及其艺术价值的标准的理解是至少长达两千五百年的讨论对象。”[1]
随着社会的发展, 物质技术条件的改变、人们生活方式的改变, 艺术的形式和内容发生了必然的和相应地改变。“毫无疑义, 由于科学技术的进步和社会关系的发展, 审美范围, 即具有感性形象和思想情感的特征、并从精神上使人从世界中得到确证的那种价值关系的范围也在扩大。”[2]这种扩大就是德国画家和艺术理论家于尔根·克劳斯称之为“艺术的扩张”的现象。事实上艺术并没有终结, 也不可能终结, 作为人类文化中的关键元素, 艺术, 始终以其无尽的想象、创造的自由和新颖的精神形式给人以慰藉、力量和希望。人类的一切艺术活动, 均是人类审美创造和精神创造的结晶。所以我们认为, 面对“没有人是艺术家, 也没有人不是艺术家”的现代艺术语境, 艺术的这些传统上认可的价值是没有改变的。也正是基于此, 著名学者滕守尧先生在主持编写的《艺术教育前沿丛书》的总序这样说到:“艺术不仅给人以种种哲学启示, 还会给人以独特的愉悦感和满足感, 美学家们一般把这种独特的愉悦感和满足感称为审美体验。在什么体验中不仅感情得到了激发, 还会有一种惊人的发现, 这一发现不仅仅使人突然感到艺术的美, 还会使人感到自我的扩大和提升。”[3]他把艺术视为一种最高的智慧, 艺术教育的根本目的是培养有最高智慧的、可持续发展的、完美的人。进而希望改变艺术教育课程“豆芽科”的地位使之成为一门主要的课程。也许, 滕老师们的愿望根本就不可能实现, 但是他和那些有远见的学者们确实看到了艺术的重要价值所在。
二、重要的过程
艺术毕竟还是改变了。“生活的艺术化, 艺术的日常生活化”成为了今天的主色调。“没有人是艺术家, 也没有人不是艺术家”就是几天的艺术语境。特别是所谓的艺术产业化带来了艺术概念和艺术本身的混乱。有学者就指出“在当代, 特别是在致力于发展文化产业、繁荣艺术市场的当代, 进一步认识艺术的基本特征, 是具有重要意义的。期间一个十分突出的问题, 即应当正确辨析艺术、非艺术及其准艺术的特性及其价值。”[4]
的确, “艺术日常生活化”与“生活审美化”让我们时时能够感受到艺术与生活的紧张关系。那种被成为广告艺术或产业的艺术的东西在带给我们疑似的审美体验的同时又在无限的撩拨我们最为原始的欲望, 这与传统的艺术价值和已经背道而驰了。我们似乎不应该再称其为艺术。现代艺术一路走来, 从材料技法、表现形式、观念行为都发生了翻天覆地的变化, 不得不让人怀疑, 这还是艺术吗?但是透过现象看本质, 我们还是可以看到, 作为一种智慧和文化, 艺术的对人类生存状态的关注、对问题的敏锐和创造的激情依旧。经过对现代艺术历史的考察我们似乎可以得出这样的一个结论, 现代艺术带给我们最大的冲击其实并不在于艺术家及其作品。我们在其作品中感受到的似乎不是艺术形象的感动也不是美的享受, 有时甚至恰恰相反。是一种怪诞丑陋揶揄和嘲弄。透过这些所谓的艺术 (其实有时连艺术家自己都不曾把它视为艺术) 作品, 我们所感受到的过多的是艺术家的追问和全新的创造。是不断打破原来的固有的东西而提出新的问题。就像文艺复兴三杰是三个艺术家一样, 并不只他们创造了感人的艺术形象和伟大的艺术作品。这些作品只是一个载体。透过这些作品我们看到了作为普通市民女子蒙娜丽莎的温情的和美丽的微笑、看到了作为男人的亚当让上帝赐予了力量、看到了古希腊的智者在拉斐尔时代的重生。同样, 毕加索一生用不停息的创造、杜尚的无情嘲弄都振聋发聩。可见艺术就是一种摆脱与追问。当远古得祖先面对生活与生命的艰难和无助, 他们便开始了想象和在想象指导下的创造。并在这种创的过程和结果中得到希望、安慰和满足, 于是艺术便产生了。
可以说, 现代艺术的价值并不在于作品, 而在于艺术家的创造, 作品只是载体。从海德格尔“真理之自行置入作品”来讲就是在于“本源”。在艺术家的创造中, 在我们欣赏、体验甚至是消费艺术的过程中艺术与我们建立了关系, 现代艺术不在是拒人于千里之外的东西, 它要求参与, 要求体验。所以我们说, 如果说传统意义上的艺术价值在于与对艺术品的关系;那么艺术的现代价值在于与人的遭遇。在这种遭遇中, 艺术作品反倒在其次了。事实上也是如此, 很多的现代艺术作品就是反收藏的。是也就是说, 现代艺术的意义和价值不在于作品本身, 而在于“行动”和“过程”。如果艺术真的已经终结了, 那么终结以后带来了艺术的解放 (包括既没有了材料与技法的限制, 也没有了表达形式的约束和标准的评判) 。在人人都是艺术家的现代艺术语境里, 使艺术创造变得自由了。由此, 去创造、想象和体验是为最大的价值。这种不看重作品, 而注重过程体验的行为不就是“游戏”?不就是“无目的的合目的性”吗?
三、不做“公司人”
在滕守尧著的《公司社会与审美文化》一书中, 笔者给我们描述了一个可怕的现实:“总之, 在公司国家里, 任何时候都难以认识和遭遇到一个完整的人, 因为人的‘完整性’在这个分裂和异化为主调的公司化社会已经不复存在。人的唯一真实就是同时具有两种相隔离和矛盾的人格。——这种分裂的人, 也是在不断扮演不同角色的人, 久而久之, 就进入了一个荒唐的‘角色监狱’中而不能自拔。”[5]在忙忙碌碌得现代社会我们几乎都变成了这样的“公司人”。其实人的异化马克思的著作中便有个讨论。现代社会使人成为了机器, 高更的追问:我们是什么?我们从哪里来?我们到哪儿去?对于现代人而言根本就无暇顾及。人就被公司化制度所推动并处于不停运转状态, 都是处于“扮演角色”的状态。在哪里去找回自我, 找回使人类得以存在和发展的动力——创新和想象呢?
在现代社会里, 艺术不再仅仅是一种修养, 而是变成了一种“治疗手段”。在艺术的活动与艺术的过程中“体验到”而不是“欣赏到”艺术的激情、创造的满足和“无滞的”轻松与自由。这种创造的激情与自由的渴望是与生俱来的, 正如杭间在其文章《回“原乡”》所讲的。“当夜深人静时, 或者在血缘为背景的传统关系中, 我们有很多理由认为, 人类的昨天, 前天, 仍然很清晰、很亲近。这不是怀旧, 而是人类对‘原乡’的一种与生俱来的记忆。”[6]田流川先生的观点是有价值的, 区分艺术、准艺术与非艺术, 其意义在于厘清艺术的本质, 那种以艺术的名义谋求非艺术价值的“非艺术、准艺术”自然不可能带给人以审美体验, 带领我们走出“角色监狱”。所以也就不是这里所要谈论的艺术的现代价值。
参考文献
[1][2][爱沙尼亚]斯托洛维奇.审美价值的本质.[M]凌继尧译.北京:中国社会科学院出版社, 2007.162-163.
[3]腾守尧.艺术与创生[M].陕西:陕西师范大学出版社2006.1.
[4]田流川.艺术、准艺术非艺术[A].张伟艺术学科前沿[C].北京:文化艺术出版社, 2007.31-42.
[5]滕守尧.公司社会与审美文化[M].南京:南京出版社2006.26.